Hace ya cuatro años corrió por Internet un corto de horror muy breve de Andres Muschietti titulado Mamá. La historia no decía mucho de sí misma, pero la premisa era taninteresante como inquietante.
A grandes rasgos, nos contaba acerca de la siniestra expectativa de unas niñas por la visita repentina de su madre, que no es otra cosa que un espectro errante que al parecer nunca se resigno a dejar a sus hijas solas en este plano.
Para los pocos minutos que dura, logra dejar una interrogante en el aire que finalmente tomará forma de largometraje para comienzos del 2013 en una producción de Guillermo del Toro que dirigirá el mismo Muschietti. ¿El nombre de esta película? No podia ser otro que Mamá.
Para esta entrega se nos cuenta la historia de Victoria y Lili, unas pequeñas hermanas que desaparecieron el día que su padre asesinó a su madre. Desde entonces su tío Lucas (interpretado por Nikolaj Coster-Waldau) y su novia Annabel (Jessica Chastain) las encuentran en una cabaña en ruinas y las traen de nueva cuenta a la vida civilizada.
La joven pareja intenta ofrecerles a las niñas un nuevo comienzo, pero al poco tiempo se dará cuenta de que las pequeñas siguen teniendo un fuerte lazo con una presencia fuera de este mundo. Y así es como luce 5 años después la idea de Muschietti:
La idea. como les compartí al principio, es muy interesante desde el comienzo y es una fortuna que el señor Guillermo del Toro apoye este tipo de historias. Sería genial tenerla para este próximo mes de noviembre pero en fin, nos tocará esperar a Mamáhasta el año que viene.
En una industria cinematográfica que cada día olvida un poco más el uso de artilugios como los animatronics, el látex y la fibra de vidrio para engañar al ojo del espectador, pero al mismo tiempo para liberar las ataduras de su imaginación, hay un nombre que seguirá sonando por muchos años más. Como si no fueran ya muchas las pérdidas creativas inevitables en el séptimo arte, el maestro italiano Carlo Rambaldi falleció el día viernes a los 86 años de edad.
Rambaldí nació el 15 de septiembre de 1925 en Vigarano Mainarda, Italia, y a lo largo de su trayectoria recibió numerosos reconocimientos, entre ellos tres estatuillas de la academia a los mejores efectos especiales. El maestro se graduó en 1951 en la especialidad de escenografía de la academia de Bolonia y a partir de 1957 inicio su carrera en el cine con el film titulado Sigfrido, dirigido por Giacomo Gentilomo.
En 1976 viajó a América y se instaló en Los Ángeles. Ahí creo al monstruo King Kong para el remake de la cinta pionera de 1933.
La construcción de la mole de doce metros le tomo seis meses y dos toneladas de pelo de cola de caballo traído desde Argentina, mismo que tardó en ser tejido dos meses por una legión de peluqueros para darle consistencia al pelaje de la criatura.
Curiosamente, a pesar de haber sido anunciado el hecho de que la estrella del filme sería un gorila mecánico de 1.7 millones de dólares construido por Rambaldi, al final, lo único que se utilizó de su creación fue el brazo mecánico para unas cuantas escenas, porque el uso del cuerpo mecánico no resultó ser tan práctico ni tan dinámico para las escenas de acción.
Aún así y con todo mérito, el director John Guillermin le cedió todo el crédito al maestro con las siguientes palabras en los créditos finales: “La producción certifica que King Kong fue diseñado y construido por Carlo Rambaldi y Glen Robinson, con colaboración de Rick Baker“. Este último fue quién hizo la mayoría de las escenas dentro de un traje de su propia creación.
De este modo, su participación le valió el primer Oscar y un año más tarde en 1977, sería convocado por Steven Spielberg para participar en su producción Contactos Cercanos del Tercer Tipo. En esta ocasión, diseñó la apariencia de las criaturas alienígenas que son la parte culminante de la historia.
Su siguiente participación fue en la célebre cinta Alien(1979) de Ridley Scott. Donde realizó la adaptación mecánica de la cabeza de la criatura xenomorfa imaginada por H.R. Giger, lo que sin duda le valió su segunda estatuilla dorada y un lugar seguro en la memoria de los seguidores del sci-fi a nivel mundial.
Su tercer galardón de la academia le llegaría en 1986, en una nueva participación con Spielberg, donde le dio forma a la icónica criatura E. T., para la película del mismo nombre. Ya es por todos bien conocido el éxito de la cinta. Esta estuvo durante un año en constante exhibición en Estados Unidos, fascinando a una generación entera.
Spielberg invirtió más de 4 millones de dólares para tener las suficientes facetas de E. T. que había creado el equipo de Rambaldi, entre ellos trajes de goma y robots con movimientos determinados.
El arte del maestro se diluye en 32 largometrajes que fueron obras con una visión diferente de crear lo imposible y que cuentan una historia muy diferente a la de las grandes producción retacadas de efectos por computadora en la actualidad.
En otros tiempos se buscaba que el público encontrara algo real en el cine. Se intentaba hacernos creer que en algún lado de un estudio tenían una criatura fuera de este mundo para estimular tus sentidos y que todo cuanto presenciabas en la proyección podría ser parte de tu vida en alguna situación fuera de lo común. Precisamente esa era la formula, que cada imagen despertara nuestro sentido de la apreciación y de admiración, y hoy por hoy uno más de los artesanos de la ficción nos deja un legado visual, que no solo lo convierte en una leyenda, sino en un maestro e inspiración pura para los siguientes visionarios.
La “amenaza” de un virus que transforme a todos en zombis o de algún hechizo que levante a los muertos de sus tumbas se ha convertido en el común denominador de bromas, libros, películas, cómics, videojuegos manuales de sobrevivencia y toneladas de merchandising zombi que parecen indicar más idolatría que miedo. En este mundo zombificado es donde aterriza ParaNorman, una cinta animada que pretende un acercamiento fresco a la gastada idea del apocalipsis zombi.
ParaNorman
En el pequeño pueblo de Blithe Hollow vive un chico bastante peculiar que llama la atención desde el primer momento; su nombre es Norman Badcock, un fanático de las películas de zombis -que pudiera parecer de lo más normal-, sin embargo posee un don que ya quisiera más de un aficionado de los muertos vivientes ya que puede ver y hablar con los espíritus de las personas fallecidas.
Todos los días Norman saluda a la nada a través de su camino a la escuela. Realmente a él no parece importarle mucho su peculiar don, sin embargo no es de extrañarse que toda la gente de su pueblo piense que está completamente chiflado, lo que lo ha hecho presa fácil del bullying y de las críticas hirientes. Incluso su familia no sabe qué hacer con él y temen que sufra de la misma demencia que su tío, el loco del pueblo, el señor Penderghast.
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Sin embargo, es precisamente el señor Penderghast quien da la pauta para comenzar con la historia de ParaNorman, ya que está en busca de su sobrino, pues sabe perfectamente que no puede encomendarle a nadie más su deber secreto: detener una poderosa maldición que arrojó hace siglos una bruja sobre Blithe Hollow y sus habitantes. ¿Por qué Norman? Queda claro, ambos tienen el poder de convivir con los fantasmas y en ello está la clave del éxito.
Las cosas se comenzarán a poner sumamente tensas, ya que cuando Norman conoce su “misión” no tiene a nadie de su parte, ni siquiera alguien a quién pueda confiarle el oscuro secreto que ahora conoce, y sin embargo, a partir de ese momento, la seguridad de todos aquellos que lo señalan quedará en sus manos y tendrá que averiguar por sí mismo cómo evitar la maldición que amenaza com despertar a viejos cadáveres para sembrar el horror por las calles.
El arte de Laika
Lo primero a destacar en ParaNorman es que es una película que aún se resiste a dejarlo todo en manos de la animación por computadora, y al ser una producción de un estudio relativamente nuevo, no teme en experimentar con las propuestas visuales que le dan forma a esta historia.
El trabajo para animar ParaNorman es prácticamente artesanal
ParaNorman llega de mano del estudio de stop-motionLaika, que ya anteriormente dejo un buen sabor de boca entre los fanáticos de este arte con Coraline (2009), y es que aunque su trabajo aparentemente está dirigido hacia los niños, siempre logran impregnarle un toque impactante -y más adulto- a sus cuentos en la pantalla grande, con diseños que no temen jugar con los colores oscuros, contornos afilados, y las caprichosas y grotescas formas de sus modelos, que terminan siendo caricaturas perfectas de la misma imperfección humana.
La cinta nos va presentando poco a poco a los protagonistas de esta aventura zombi, cada uno con un diseño muy peculiar que lo distingue del resto y que encaja con algún estereotipo fácilmente indentificable por el público.
Norman Babcock
Norman es un fanático de los zombis y las películas de terror, afición que quizá desarrolló por su don de ver y hablar con los muertos, sin embargo, esto también le atrae la desconfianza y la burla de casi todo el pueblo. Este niño es el único que -más o menos- sabe cómo funciona la maldición y cómo detenerla, pero no cuenta con apoyo alguno para realizar su misión.
Neil Downe
Un chico regordete y afable que termina convirtiéndose en el mejor amigo de Norman. Su sobrepeso y otro montón de curiosidades también le acarrean burlas y ser bulleado por los bravucones de la escuela, por lo que tiene cierta empatía con el protagonista. A Neil no le molesta que Norman hable con los fantamas, al contrario, parece que le emociona.
Courtney Babcock
La hermana mayor de Norman. Una rubia porrista de curvas pronunciadas y bastante pretenciosa, siempre presume sus múltiples rutinas en YouTube y busca un hombre alto y fuerte para que salga con ella. Se supone que tiene que cuidar que su hermano no se meta en problemas, pero como pueden anticipar, Courtney no lo logra.
Mitch Downe
El hermano mayor de Mitch, y al contrario de Courtney con Norman, parece que hace un mejor trabajo en intentar cuidar a sus familiares. Mitch es el clásico joven mega mameyer, pero un poco -o un mucho- despistado. A pesar de que Courtney le tira toda la carrocería encima, este joven parece no darse cuenta.
Alvin
Aquí tenemos al prototípico bully de la primaria de Blithe Hollow, con todo y piercings de malote. Alvin gusta de molestar y llamar fenómeno a Norman, aunque curiosamente terminará siendo arrastrado por la montaña de sucesos y colaborando en la medida de sus posibilidades para librar al pueblo de los zombis.
Cada uno de los personajes e ParaNorman tiene su toque de magia, son disfrutables y cuentan con una gran cantidad de gestos que enriquecen la traman, gestos que toman un nuevo valor cuando recuerdas que el estilo de animación cuadro por cuadro obliga a los creadores a capturar cada segundo de animación con decenas de fotogramas creados a partir de muñecos, un trabajo prácticamente artesanal.
Claro que el resultado es espléndido, con personajes que se alejan diametralmente de las últimas películas animadas comerciales. Además, al igual que en Coraline, ParaNorman salta abruptamente de las locaciones cotidianas hasta las más sombrías e incluso oníricas, todas muy bien realizadas y con ligeras amalgamas de animación CGI y hasta técnicas tradicionales que logran lucir muy bien en conjunto.
Veo gente muerta
El largometraje animado dirigido por Sam Fell también se cuelga del rush cultural que ha perdurado por varios años acerca del fenómeno zombi, mostrando un breve homenaje a las primeras películas del género y a los autores clásicos, pero sirve también como una burla irreverente hacia este fenómeno.
¿Cómo sobreviviría realmente un grupo de zombis en pleno siglo XXI?
Dentro del desarrollo de la historia de ParaNorman contamos también con rápidas analogías a lo que es la muerte y una forma de ver lo que ocurre al morir, sin que lleguen a ser rollos nefastos ni complicados, incluso para que los niños entiendan de qué va todo. Y es que cuántas veces no nos hemos visto en la complicada necesidad de intentar darle forma a este concepto tan duro a los pequeños del hogar.
Otra aspecto muy rescatable es el planteamiento original de un holocausto zombi en la actualidad; ParaNorman se aleja de las nuevas concepciones de ciencia ficción de los muertos vivientes y se queda con las monstruosidades canónicas que nacieron en las producciones de cine B, exponiendo en pantalla que evidentemente estos no muertos de hace 300 años se las verían más que negras en nuestra sociedad “tecnificada”, donde hemos crecido perdiendo poco a poco la sensibilidad y estirando nuestra tolerancia a la violencia.
Y es ahí donde esta parodia de zombis se convierte también en una crítica a nuestro estilo de vida actual. Hay una parte más seria de la película donde se nos pone de manifiesto que la intolerancia aunada a la ignorancia es un elemento que puede despojarnos de toda nuestra humanidad. Ustedes la notarán de inmediato porque de hecho es la parte más madura de toda la historia, que se resuelve dándole peso de nueva cuenta al libre albedrío.
Los personajes esterotipo son también una parodia en ParaNorman
La historia avanza de manera original y generalmente con buen ritmo, aunque algunos pueden sentir los gags y bromas algo espaciadas. El cierre de la historia en ParaNorman está muy bien logrado, ya alejado de cualquier tono de humor y es la parte más oscura del filme, que nos recuerda que esta cinta, aunque no deja de ser familiar, puede no ser tan recomendable para los niños más chicos.
Todos sabemos que estas películas mantienen historias que enaltecen los valores y dejan un aprendizaje, pero la historia real de fondo resulta ser bastante sombría a comparación del resto del cine animado del año. Eso sí, aunque no es un película muy larga, los personajes cambia, crecen y maduran, y no dejan de lado la moraleja al final del cuento.
Ésto también le traerá seguramente un grupo de seguidores muy bien definido, que se enamorarán de la combinación de cinta para público infantil, historia sombría, diseños atrevidos y una estética que llama inmediatamente la atención en cuanto te sientas a ver la película. El único “pero” con la producción de ParaNorman es que la versión en 3D no ofrece nada para resaltar, e incluso en varios momentos puedes quitarte los lentes y notarás que el largometraje no tiene tanto trabajo en este formato, y el que presenta es más bien demasiado sutil.
ParaNorman resulta ser una buena película para chicos y grandes
Es una lástima que ParaNorman esté un tanto fuera de temporada, habría sido genial ver este largometraje animado en fecha cercanas a las de Halloween y Día de Muertos, porque es la película indicada de zombis para chicos y grandes. El trabajo visual es de disfrutarse, pues es una artesanía en sí a pesar de la evolución en la industria, y tiene una buena dosis de diversión apta para todo público. Simplemente no se la pueden perder, ParaNorman destaca sorpresivamente como uno de los mejores estrenos animados del año.
Lo acontecido en la Aurora, Colorado durante la premier deBatman: El Caballero de la Noche Asciende está muy lejos de terminar. Es cierto que la tragedia ocurrida ayer 20 de julio nada tiene relación alguna con la película, es algo que va mucho más allá de lo que se percibe a simple vista.
Estamos hablando de un suceso sin precedentes en el que murió gente inocente, sin embargo, este acto sin escrúpulos no nada más le pega al subconsciente colectivo, sino que al mismo tiempo pone en una difícil posición al estudio Warner Bros. para continuar con su agenda promocional a nivel internacional.
La casa productora canceló la visita del elenco a la Ciudad de México programada para este lunes. Pero dejan en claro que para no defraudar a los fans, la programación de las salas y los ganadores de sus promociones se respetarán por completo. Las razones que presentan los ejecutivos son sumamente comprensibles, pues resultaría insensible el hecho de que continuaran las celebraciones y las alfombras rojas después de tan lamentable suceso. Del mismo modo, como se había confirmado ayer, en París se desmontó todo preparativo para su exhibición, posponiendo la fecha misma del estreno.
Desde luego, ésto también es con la finalidad de evitar que los medios puedan tener la oportunidad de hacerle preguntas al elenco sobre su posición acerca de lo ocurrido, finalmente nada tienen que ver con los ataques, pero aún así nadie olvidará de inmediato la tragedia que rodea a esta proyección tan esperada.
Batman: El Caballero de la Noche Asciende tenía ya más de 25 millones de dólares en preventa y se calculaba que en su primera semana alcanzara sin problemas los 200 millones de dólares e incluso que rebasara los 207 millones que impuso Los Vengadores en taquilla. La pregunta, aunque surja muy obvia, es si algo cambiará cuando la vea el resto del mundo.
Aún así los reflectores siguen posados sobre el desenlace de la trilogía de ChristopherNolan y sólo queda esperar que la reacción del público sea sobre el producto final y no sobre las lamentables circunstancias que la rodean hasta el momento.
Que mejor temporada para los estrenos infantiles que los cierres de ciclo escolar. Los niños están aburridos en casa y hay que realizar el noble esfuerzo por distraer su hiperactividad o explotar en las salas de nuestras casas mientras intentamos ver el futbol. Ahí es donde entra sin calzador ir al cine, y qué mejor opción que La Era de Hielo 4, la nueva producción de Blue Sky Studios que pone a la manada favorita de todos frente a unos piratas ancestrales.
La Era de Hielo 4
Como es bien conocido, la temática en La Era de Hielo, siempre ha tenido esa costumbre argumental de retratar alguna de las etapas más significativas de la evolución geológica de nuestro planeta.
Para La Era de Hielo 4 veremos cómo es que el panorama cambia radicalmente para nuestros mamíferos protagonistas cuando las masas de tierra comienzan a desprenderse y los continentes a separarse, ofreciéndonos una visión apta para toda la familia de aquel apocalíptico momento.
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Morita, la hija de Manny y Ellie ya está en plena pubertad y comienza a sentirse diferente por su peculiar círculo familiar. Al mismo tiempo se ve atraída por el joven mamut más rudo de la comarca, Ethan, pero al más mínimo intento de socializar, su padre siempre está omni presente para asegurarse de que nadie le ponga un dedo… o la trompa encima a su pequeña.
Por otro lado Sid, el despistado perezoso, recibe una frenética visita de su desaparecida familia, quienes únicamente darán señales de vida para encargarle de mala manera a su escurridiza abuela, una anciana que delira constantemente entre la senilidad y las fantasías de una niña de cinco años… y Diego, como siempre, es arrastrado por las locuras de Sid.
Justo en ese momento los continentes comienzan a desplazarse de una manera violenta, separando a la atípica manada, pero sobre todo, separando a Manny de su familia y quedando inesperadamente flotando en un pequeño iceberg en medio del océano, alejándose lentamente para quedar a merced del océano.
Morita y Ellie son separadas de Manny
Ahí serán asaltados por el capitán Tripa. Un babuino prehistórico que está a cargo de una pandilla de bucaneros que harán más difícil el regreso de la manda a casa.
Aprendiendo a convivir con Manny, Sid y Diego
Así es como comienza la aventura de la manada glaciar favorita de todos en La Era de Hielo 4, una franquicia que quizá ha perdido algo del toque con el que inició su travesía este peculiar grupo en 2002 y que con la secuencia inicial con la interminable persecución de Scrat detrás de su bellota inalcanzable, deja muy en claro que veremos algo simple y sencillamente para sentarnos y divertirnos.
Aunque siempre hay un espacio para el mensaje positivo en la saga. La Era de Hielo 4 aborda de manera discretalos conflictos clásicos de los adolecentes al querer aislarse por un momento de su círculo familiar, sobre todo para comenzar a socializar con personas de su misma edad. La sobreprotección paternal (Manny) también está presente desde luego, retratada de una manera que se anuncia sin problema alguno como un cliché más a la receta.
La pandilla de piratas le hará la vida imposible a la manada
Y por si fuera poco, La Era de Hielo 4 también incluye el tema del respeto a las personas mayores, y créanme que la abuela de Sid deja de manifiesto, y de manera muy divertida, que muchas veces a estas personas lo que les sobra es más vida que tiempo.
A pesar del claro mensaje intrínseco, la película pierde completamente la mesura desde su planteamiento y solo intenta ofrecerle al público las situaciones más divertidas posibles utilizando de pretexto marineros ancestrales y la deriva continental, llegando incluso a forzar mucho el diseño de los personajes, que si bien hasta ahora habían tenido un tratamiento poco caricaturesco, para La Era de Hielo 4 el uso de accesorios y pelaje en forma de sombrero pirata del capitán Tripa o caballera punk es algo que luce completamente innecesario en una historia que se había caracterizado por protagonistas con sentimientos, pero sin rasgos físicos demasiados humanos que rompieran el encanto.
Detalles gélidos
Pese a ello, el ritmo de la película es muy bueno y suceden muchas cosas en pantalla antes de que alguna situación muy remota te recuerde que el eje de las historias de La Era de Hielo 4 es el fomento a los valores familiares.
Sid encontró en su abuela la horma de su garra
El largometraje animado también nos presentan a varios personajes nuevos en este entrega y todos en buena medida aportan a la cinta en cuestión del factor cómico, aunque ninguno, ni siquiera los villanos, se sienten como indispensables para la cinta, mientras que Manny, Sid y Diego se enfrentan a algunas situaciones en las cuales se tendrá que probar su temple y la lealtad, pero estas se resuelven de inmediato con la intención de continuar con un ritmo de narrativa más atascado.
Esto me parece efectivo, el que todas estas paradojas en La Era de Hielo 4 se presentan claramente y con cuestionamientos sin tantas pretensiones, porque de lo que se trata es de dejar una semilla en el inconsciente de los niños y no intentar descifrarles la complejidad del ser humano en 90 minutos.
Los adultos también apreciamos una rápida visita a la infancia con una cinta justo para entretenerse sin pensar mucho, aunque quizá por momentos uno pediría un poco más de sustancia en la historia, que por momentos peca de demasiado, pero demasiado simple.
Diego y Shira…. ¿love is in the air?
Aunque algo que en lo particular me salto de inmediato al ver La Era de Hielo 4, fue una secuencia musical ejecutada alegóricamente por el capitán Tripa y sus parias del mar. En lo personal me pareció muy anacrónica y pésimamente realizada en cuestión de todo el concepto que había manejado la franquicia desde hace más de diez años.
Según el casting original, figuran voces de artistas pop del momento, pero dudo mucho que eso le dé el más mínimo ápice de valor a esta secuencia, es decir, ni siquiera tiene una melodía memorable, la ejecución es probre y los personajes no son tan coloridos como para que busquen clavarse en la mente de los niños. Si se ahorran esta escena no hubiera pasado nada.
Si bien es cierto que se aleja del concepto original de la primera entrega, los personajes nuevos no cuajan del todo y la historia peca de simple, las bromas y los momentos de chuscos rescatan La Era de Hielo 4 y la ponen como una buena opción familiar para este verano en cines.
Scrat en busca de la siempre elusiva bellota
Eso sí, la versión en 3D no es muy llamativa y parece que no se esforzaron mucho en meterle detalles de este tipo, por lo que yo les aconsejaría no gastar de más en la proyección y mejor invertirlo en palomitas, las van a necesitar. La Era de Hielo, a pesar de que con cada entrega parece perder un poco de magia sigue siendo un buen humor y espectáculo visual para toda la familia.
El día domingo se dio a conocer mediante una espectacular proyección sobre una de las paredes del Teatro Shinjuku Wald 9 en Tokio, el avance oficial de la tercera entrega de la tetralogía de Rebuild of Evangelion: Evangelion Shin Gekijōban: Kyu.
El video fue recibido con gran expectativa, comenzando con una tensa cuenta regresiva para mostrar una intensa remembranza de lo qe han sido las dos primeras cintas, para finalmente darle paso a una breve pero frenetica visita a las imágenes que nos esperan en la tercer entrega, mostrandonos a una Asuka luchando en plena estratosfera, mostrando al Eva-02 ent todo su apogeo.
A pesar de lo corto de las imágenes, estas cierran revelando la fecha de estreno, que será el 17 de noviembre de este año, así que la espera ha terminado amigos míos, solo queda esperar para ver si ha valido la pena.
Si hay un show de verdad detestable en toda la saga de falacias televisivas en MTV, es el de los MTV Movie Awards. Este evento pareciera ser la antítesis de The Razzies Awards, pues muchas veces premian o intentan vender en él películas que desde su concepción eran fracasos en todos los niveles necesarios.
Pero en esta ocasión Warner Bros. aprovechó el evento, que sigue llamando la atención de la audiencia más joven, y dejó caer un nuevo TV spot de The Dark Knight Rises, con nuevo material que se suma de manera bastante sobresaliente a todo cuanto nos ha compartido la casa productora desde que comenzó a filmar esta tercer y última entrega de la saga del señor Christopher Nolan.
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El director, acompañado de Joseph Gordon-Levitt (John Blake) y Gary Oldman (Jim Gordon) en el evento, aseguró que el trabajo vertido en esta parte conclusiva los tiene más que orgullosos, pues se esmeraron en traernos, tanto una entrega a la altura de The Dark Knight, como un desenlace sumamente memorable para todos los fans de Batman.
En este nuevo material se deja muy en claro la profundidad que tendrá el personaje de Bane, además de la participación conjunta del caballero de la noche con Catwoman dentro de la trama, misma que se desarrollará en un largo metraje de 2 horas y 45 minutos. La película más larga de Batman hasta la fecha.
Justo cuando creo que ya no puedo ver algo más que me deje más impaciente por ver The Dark Knight Rises, estas imágenes vienen y ciertamente superan mis expectativas.
Aunque muchas veces queramos evadirlo, el hecho de que el dinero mueve al mundo es una ley irrefutable y esta idea alcanza a cualquier medio de difusión y entretenimiento, incluidos los videojuegos.
Así es como se da a conocer que Sony ha patentado una mecánica para introducir anuncios comerciales en medio de las partidas de los usuarios.
En el diagrama de flujo que ejemplifica este concepto, se nos da a entender que en algún momento clave, el juego lanzará alertas a los usuarios acerca de la proyección de algún anuncio publicitario e inmediatamente pasara a quedarse en pausa hasta que termine, regresando al usuario, hasta entonces, el control de su partida.
Esto desde luego ha provocado que muchas personas en el medio se pongan a la defensiva. Asegurando que Sony no se lo piensa dos veces para ponerse en contra de sus clientes.
Muchas personas dan por hecho que esto pueda ser aplicado de manera próxima para algunos títulos disponibles en su tienda en línea o incluso para los últimos juegos que precedan al lanzamiento de la siguiente generación de consolas de la compañía.
Sin embargo, no debemos perder de vista que las empresas desarrolladoras siempre están levantando patentes porque al final de cuentas a eso se dedican. Algunas de estos documentos registrados posteriormente evolucionan en otro tipo de conceptos o incluso se guardan hasta que se puedan considerar viables y aplicables. Las ideas cuestan y en el mercado tecnológico nunca está de más ser precavido. La competencia se ha tornado cada vez más feroz.
En el primer escenario, donde yo podría considerar aplicable esta nueva idea es inmediatamente en los juegos deportivos, sobre todo en los de futbol, pues la mecánica ya es conocida dentro de los medios convencionales y hasta cierto punto no es del todo molesto para los espectadores.
Antes de levantar algún juicio, debemos poner los pies sobre la tierra. Esto que ha registrado Sony es eso, una idea, bastante preliminar. Quizá más adelante puedan mejorar su implementación y ni siquiera notemos los resultados. Finalmente recordemos nuevamente que el dinero mueve al mundo y si algún día vemos publicidad en un videojuego será una señal que dejará en claro el peso de la industria y, sobre todo, su trascendencia e importancia en el medio del entretenimiento.
La semana pasada se dio el estreno de Tron: Uprising, una serie animada de televisión basada en el universo que comenzó con la película Tron en 1982, donde se nos cuentan los sucesos que dieron lugar a una revolución en contra del tiránico mandato de Clu 2.0, quien busca establecer su dominio con mano dura en toda The Grid.
¿De qué trata Tron: Uprising?
El primer episodio de la serie, Beck’s Beginning, nos pone rápidamente en contexto todos los sucesos que se han dado en este universo, incluso pasando brevemente por lo sucedido en el cómic Tron: Betrayal, donde se nos cuenta la creación de la segunda versión de Clu, quién decide tomar el control y revelarse contra su creador, Kevin Flynn.
Al ver a su creador en peligro, Tron, el programa guardián de The Grid, le ayuda a escapar al mundo real, pero termina siendo desintegrado por su rival.
Es justamente después de estos sucesos que comienza Tron: Uprising. Sin guardián y nadie que pueda mantener el orden en The Grid, Clu se impone rápidamente con su búsqueda ideal del sistema perfecto eliminando por completo a los ISOs, programas que han aparecido espontáneamente sin ser programados, a quienes Kevin Flynn consideraba un milagro de su sistema.
Un joven programa llamado Beck es capturado por un ser misterioso que lo cuestiona por usar la insignia de Tron, el programa desaparecido. Este joven es un rebelde que ha decidido tomar cartas en el asunto porque la represión del ejército de Tesler, mano derecha de Clu, ha llegado al extremo de exterminar varios programas sin piedad, incluido uno de sus mejores amigos.
Su levantamiento comienza cuando vuela en mil pedazos uno de los monumentos con los que ha llegado la armada a invadir su hogar en Able’s Garage, el sitio donde son creados todos los vehículos que corren por el sistema y donde, hasta aquel momento, Beck trabajaba como un programa de mantenimiento junto con sus demás compañeros en Ciudad Argón.
Esta acción inmediatamente lo pone en la mira del ejército de Tesler, lo que lo lleva a una persecución al más puro estilo clásico de las light-cycles, que prácticamente son como el sello de la franquicia. Nuestro protagonista pone todas sus habilidades al límite para intentar escapar y justo cuando parece salir bien librado, sale a su encuentro la femme fatale de la historia, Paige, una soldado de la Guardia Negra, el equipo de élite de Clu y la fuerza más letal de su armada; sobra decir que Paige resulta ser un enemigo de lo más feroz que incluso llevará su primer encuentro hasta las alturas, donde es finalmente capturado por un extraño.
Éste escucha pacientemente las palabras de su rehén, sin quitar ni un ápice de cuestionamiento acerca de sus razones, como buscando el más mínimo titubeo de sus acciones. Sin embargo, Beck responde acertadamente a todos los acosos de su captor, quien finalmente se libra de su atuendo oscuro para mostrarse como Tron.
El guardián caído sólo estuvo probando el temple y la determinación del joven para prepararlo y convertirlo en su sucesor.
La batalla contra Clu casi lo destruyó por completo y ha quedado muy frágil para poder ponerle solución a este caos él mismo, así que necesitará que Beck decida tomar la responsabilidad de ser el nuevo pacificador del sistema.
La duda y el miedo asaltarán entonces al futuro nuevo pacificador, pero lo que Beck ha comenzado no terminará tan fácil y tendrá que asumir las consecuencias de sus heroicos actos.
Primeras impresiones
Así es como comienza Tron: Uprising. Está de más mencionar que no es algo que no se haya visto antes. Todo el argumento apunta de nueva cuenta al libro que prácticamente se ha convertido en el know how de muchos escritores alrededor del mundo: El Héroe de las MilCaras, de Joseph Campbell.
Todo comienza con una decisión y después de eso no hay marcha atrás. La opresión de un imperio y el maestro que cederá la estafeta a nuestro protagonista son líneas que ya hemos leído en muchas ocasiones y en diversos medios. Todo pareciera indicar que lo único que podría hacer a esta serie algo digno de verse es el estilo visual que presenta.
En la producción de esta animación se hace lujo de todo el potencial visual que el concepto de Tron fue puliendo de a poco desde el videojuego Tron 2.0, el cómic Tron: Ghost in the Machine y finalmente lo que fue Tron: Legacy, la película, de donde se toma definitivamente todo el estilo y ,de cierto modo, el ligero modus vivendi que podrían tener los programas dentro de este sitio artificial.
Al mismo tiempo, el diseño de los personajes es versátil y dinámico, y se recurre a una ligera estilización nipona en cuanto a los cuerpos alargados, llevándolos a la vida con la ya clásica técnica del cell shading.
Las secuencias de acción en Tron: Uprising están muy bien logradas y vemos un The Grid completamente destructible, quizá como no se había visto antes, pues hasta ahora la idea de que todo está dentro de una computadora nos había hecho creer que todo se renovaba constantemente o que incluso, tenía cierto aire de indestructible.
Las texturas son indefinidas y la dureza de las superficies se pone constantemente en duda hasta que los cuerpos las golpean frenéticamente en encuentros encarnizados, donde se hace lujo de coreografías que bien pueden competir con la de otras series norteamericanas como The Legend of Korra, pues a diferencia de otras producciones que comparten las mismas técnicas para la conformación de los personajes, estos cuentan con una construcción que les permite realizar movimientos espectaculares, pero más creíbles dentro de lo establecido.
Los juegos de luces son muy interesantes, y el alto contraste que se manejó desde la última entrega para la pantalla grande no cansa ni un poco. Esto muy posiblemente se deba a la meticulosidad que se ha invertido en el diseño de las locaciones en donde se llevan a cabo las escenas más importantes de Tron: Uprising. Espero que esto continúe así el resto de la serie, que se ha perfilado para contar únicamente con diez episodios, aunque sinceramente, no creo que en tan poco tiempo puedan conducir la trama hacia horizontes más interesantes.
La personalidad de los personajes también siempre ha sido algo muy conflictivo en el universo de Tron, porque no se supone que sean seres humanos. Sigo preguntándome, ¿de dónde le nace el libre albedrío a cada uno de los programas?, y es que en la producción cinematográfica de 1982 eso quedaba más que claro, ya que a los personajes programados por Kevin Flynn, como el primer Clu, se les otorgaba una personalidad más acartonada… al final de cuentas no deberían ser capaces de expresar emociones.
Por ahora, Beck’s Beginning es sólo solo el primer episodio de esta nueva serie animada, la cual definitivamente vale la pena sólo por espectáculo visual, con tanto que ver y disfrutar en pantalla, apenas percibirás los 30 minutos que dura cada capítulo de Tron: Uprising. Aunque la historia es algo que todavía se debe dejar madurar para que pegue con más fuerza.
Estén pendientes para las siguientes reseñas, en donde trataremos de encontrarle forma a esta historia que nos presenta Disney de manera tan ambiciosa.
Todos tenemos recuerdos entrañables de la infancia. Hay momentos que se mantienen frescos en nuestra mente como las primeras experiencias de todo cuanto vamos experimentando: todo es nuevo, todo es interesante.
En mi caso, yo le tengo mucho cariño al recuerdo de la primer tira cómica que me hizo encontrar la manera de descifrar los signos plasmados en aquel viejo papel de un extraño diario que encontraron mis pequeñas manos inquietas.
Evidentemente, cuando le pedí a mi madre que me dijera que decían aquellos monitos que parecían luchadores, inmediatamente mando a la basura aquellas viñetas que se quedaron clavadas en mi delicado intelecto. “Son tiras feas”, me dijo.
Por muchos años le perdí la pista a esos monitos. Los buscaba en puestos de revistas, preguntaba por ellos con mis amigos, pero nadie conocía a esos extraños personajes. Sin embargo, yo los seguía dibujando en mis cuadernos de la escuela con las pocas reminiscencias que quedaban de sus personalidades de tinta china.
Pasaron los años y no supe de ellos nunca más, hasta que un día en la secundaria uno de mis compañeros sacó de su mochila una revista llamada El Chamuco y los Hijos del Averno, un periódico que de alguna manera comenzó a intoxicar mi intelecto con cuestiones políticas que iban al día, acompañadas de tiras cómicas con un humor único. En ese mismo ejemplar conocí los nombres de grandes dibujantes como Rius (uno de mis gurús espirituales), el Fisgón, Patricio, Hernández y Helguera… y al abrir la página central, vi de nuevo la luz.
Ahí estaban mis añorados monitos, aquellos que me hicieron la infancia con sus garabatosas formas y llegaba el momento en el que conocía el nombre de aquel “héroe”: El Santos.
Desde ese momento invadí la casa de este amigo para leer todas las ediciones que tenía de El Chamuco y los Hijos del Averno, en la búsqueda de más historias de los maestros Jis y Trino, autores de estos monos tan divertidos.
El Santos, acompañado de su fiel amigo El Cabo, siempre se veían envueltos en los enredos más ridículos y fugaces y me regalaron enormes momentos de una risa desenfrenada. Incluso entre las páginas satíricas de la revista en que los conocí, era un descanso de toda la sicosis que desataba cada nota puesta en el sartén de la decadente política nacional.
El Santos era una tira cómica que destacaba sobre las demás: llegaba con un nivel de humor que todo mundo podría entender, pero que no cualquiera podría soportar.
La Tetona Mendoza
Nunca olvidaré la primer aparición que recuerdo del amor imposible de El Santos. Una mujer con el cabello de escobeta y en topless que llegaba literalmente “mentando madres” del protagonista: la Tetona Mendoza, siempre imponiéndose sobre el protagonista, dejando en claro que el omnipotente y folclórico Santos era un mandilón de primera. La Tetona Mendoza utilizaba sus artimañitas sexuales y chantajeaba al protagonista para sacarle provecho o se burlaba de sus pifias jocosas.
Poco a poco fui conociendo al resto del reparto, personajes entrañables a la vez que irreverentes, que se paseaban por cada tira de El Santos sin pudor ni tapujos: El Diablo Zepeda, Los Cerdos Gutiérrez, Los Zombis de Sahuayo, La Sirena Lupe, La Perra Fiusha.
De entre esta lluvia de personajas rescato, con mucho aprecio, al políticamente incorrecto Peyote Asesino, un ser que se perfila como una mutación vegetal antropomorfa, un personaje que era la encarnación propia del adicto a los sicotrópicos, de los cuales, sus respectivos autores se declaran fanáticos y experimentados “hongonautas”.
El tiempo pasó y aunque El Santos dejo de aparecer en aquella revista donde lo conocí, llegaron a mis manos de a poco las antologías de pasta dura de este personajazo. Y aunque a seguí leyendo a muchos otros autores, a pesar de centenas de libros en mis manos y pese a una escuela alimentándome de varias doctrinas, políticas, artísticas y filosóficas, El Santos siempre fue para mí la excepción a la regla del buen gusto, su espontáneo manejo del lenguaje soez contradecía con carcajadas lo aprendido por el paso de los años.
Ahora, con el anuncio de su película (El Santos vs La Tetona Mendoza), sin duda alguna mi imaginación vuela con las posibilidades, aunque también siento cierto temor, porque siempre a donde fui, nunca encontré más lectores entusiastas de esta obra.
Desde que se emitieron las animaciones Flash de El Santos en el sitio web de Locomotion, allá a finales de los noventa, estaba más que claro que el encanto de este personaje solamente estaba reservado para aquellos ya llevaban leyendo sus aventuras irreverentes desde tiempo atrás. Los chistes locales, las expresiones tan propias incluso de los mismos autores, son parte importante para comprender por completo los remates de los gags que escupen los personajes, y esto lo entendería mejor cuando comencé a escuchar en 2009 el programa de radio de los autores La Chora Interminable (¿así o más acertado el título?).
Gracias a este programa, uno se da cuenta que Jis y Trino proyectan facetas particulares de sus propias personalidades en los personajes que dibujan, y al menos a mí me resulta muy satisfactorio escucharlos.
Aunque sus pláticas puedan parecer constantemente ventanas al pasado, me hacen pasar ratos amenos… son como esos abuelitos pachecos que nunca tuve. Dibujantes consagrados, exitosos y plenos que viven al día, felices de haber tomado una pluma y un papel para realizar lo que les gusta y no lo que a muchos se nos exige hacer: crear.
El Santos vs La Tetona Mendoza
Recopilatorio que da nombre al filme
El filme El Santos vs La Tetona Mendoza (título homónimo de los recopilatorios especiales de Jis y Trino) viene como un experimento cinematográfico que intentará basarse en el candor de los monos que me han hecho el día desde hace años.
El director, Alejandro Lozano,“El Patas”, (Matando Cabos, 2004), es un fanático declarado de la obra de los moneros tapatíos. De entrada, es bastante alentador este hecho, porque desde que se planteó la realización de la cinta, le quedó más que claro que el punto fuerte para darle su peso respectivo era respetar ese estilo tan peculiar del diseño de los personajes. En las tiras, con cada aventura parecen reinventarse las líneas que los conforman, pero sin perder su esencia y esto fue uno de los retos para Anima Studios, quienes realizaron gran parte del trabajo de producción con animación tradicional.
Esta es la primer película animada que dirige “El Patas”, y desde el avance nos deja en claro que echó mano de todo su bagaje de filmaciones de live action para sacar por completo a los personajes de los planos conocidos y explotar todas las posibilidades, imprimirle mayor dinamismo a las secuencias de acción, que sin duda estarán llenas de tropiezos cómicos para que en ningún momento alguien pueda tomar esta película en serio.
Hablando del factor acción, otra cosa que me resulta muy interesante es el factor zombi que tendrá la película. Esperemos que este gancho argumental funcione en las filas de aficionados de los filmes al estilo de George A. Romero, de entre los que me encuentro como fiel partícipe, ya que, como es bien sabido, siempre que el objeto de mayor violencia sea un zombi, cualquier cinta se convierte en algo aceptable y hasta divertido, lo que impulsará la iniciativa de lograr que se le otorgue la clasificación B15, porque la idea de El Santos vs La Tetona Mendoza es que llegue a todo el público posible.
Este trabajo es una película de autor, eso no se puede negar. Los diálogos y las situaciones que nos refleja el avance nos hablan de que no se buscará estandarizar el lenguaje o las expresiones de los personajes, por lo que yo les recomendaría que leyeran aunque sea un volumen de El Santos y escuchen el programa de radio de los autores, como para que se vayan empapando del humor que encontrarán en esta nueva producción animada nacional.
El casting de voces es 100 por ciento conocido y reconocidos por los seguidores de la televisión y el cine mexicano, con la participación de los grandes ídolos de Jis y Trino como Cheech Marin y el director Guillermo del Toro. La música contará con una participación de Botellita de Jerez en el tema principal y se desfilarán la mayoría de los personajes creados para el universo de El Santos. Estas son de las pocas mezclas de elementos en México que me agrada desde un principio para apreciarla en la pantalla grande.
Sé que tendrá una dura competencia en cartelera a finales de este 2012 , pero desde la esquina ruda haré lo que me toca para alentar y apoyar esta producción de Jis y Trino. El estreno cerrará un círculo personal muy importante, así que está de más decirles que no se pueden perder este justo y merecidísimo homenaje a uno de los íconos de la cultura popular mexicana.
No es de sorprender el encontrar cifras millonarias acompañando el título de la famosa obra del maestro Eiichiro Oda, todos sabíamos que en algún momento éstas le darían a este mangaka un lugar en la historia del entretenimiento nipón y el momento llegó. El manga de One Piece ya vendió 100 millones de copias.
Algo que me gusta rescatar a cada momento cuando se mencionan a los títulos más populares del manga es el factor de la Old School que se hace presente en cada página de One Piece.
El célebre volumen 66
A diferencia de su competencia directa, la obra de Oda-sensei tiene el espíritu de aventura a flor de piel y en ningún momento se perfila con la más mínima pretensión de seguir una cronología de eventos rigurosa para completar un solo arco argumental.
One Piece en cambio siempre ofrece pequeñas sagas entre cada fase en la que se desarrollan los protagonistas, quienes no presentan los pasados más trágicos para sacar siempre fuerzas de flaqueza, y continuamente estamos conociendo personajes y facetas nuevas dentro del universo de One Piece, que a veces, sin intención de robar peso en la historia, simplemente la sacan de su ritmo habitual para conocer otros aspectos y resaltar los valores como en los mangas más clásicos, en donde estos valores se enaltecían sin el innecesario efecto lacrimógeno de las obras actuales.
Leer un manga de One Piece sigue siendo una experiencia bastante agradable, porque resulta ser una fresca ventana al estilo y las historias que me atraparon en esta afición hace años y que me han hecho permanecer firme con la esperanza de ver algún día otra vez un título con este fulgor de creatividad. El círculo parece cerrarse satisfactoriamente.
Portada del primer capítulo de One Piece
Al mismo tiempo, tanto el manga como la obra animada son rigurosamente cuidadas por el maestro Eiichiro Oda, un esfuerzo realmente sobrehumano que incluso le ha comprometido su estado de salud, lo cual es una muestra más de la pasión con la que crea cada viñeta y con la que vigila cada detalle de sus personajes para la versión anime.
Por esto y mucho más considero ampliamente merecido el posicionamiento que le ha dado el fandom a su obra registrando en el rankingOricon de este 14 de mayo una venta total del volumen número 66 de One Piece de dos millones 275 mil 453 copias, su quinto volumen en rebasar la línea de los dos millones en su primer semana.
De esta manera, Oricon calculó que One Piece es la primera obra impresa en vender más de 100 millones de copias en cuatro años, desde que comenzó a registrar sus más altas ventas en abril de 2008.
El volumen 66 de este famoso manga tuvo un tiraje total de cuatro millones de copias para resistir la demanda de los fans, el tercer volumen consecutivo en recibir tremenda impresión para su venta.
¿Llegará One Piece a los mil episodios como se lo ha propuesto Eiichiro Oda? Sinceramente, espero que así sea.
Ya está disponible el nuevo tráiler oficial del largometraje de anime Blood C: The Last Dark, un filme que promete seguir con el espectáculo carmesí con el que cerró la serie regular basada en la famosa obra Blood: The Last Vampire. Más sangre, vampiros, katanas y colegialas niponas.
La historia de esta película se ubicará en Tokio, un año después de lo ocurrido en la serie Blood C, donde Saya, nuestra protagonista, continúa al acecho de los Furukimonos, esos monstruos que volvieron memorable el cierre de ese anime con un festín inusitado de violencia visual, y quienes ahora prometen llevar la masacre a la capital de Japón.
Itsuki Tomofusa, el “Yukito” de Blood C
Del mismo modo, el sitio oficial dio a conocer que se lanzará un especial de dos partes para televisión con material nunca antes visto de la serie. Dicha compilación contará con una secuencia inédita del personaje Itsuki Tomofusa, presidente de la clase a la que asiste la mítica Saya, quien al mismo tiempo le profesaba un amor secreto.
Estos episodios son Tamano o Yo, que será transmitido el 26 de Mayo y el segundo episodio especial se titula Hitomo no Shi, que se dará a conocer el día 30 del presente mes.
En cuanto a la producción de Blood C: The Last Dark, el cuarteto CLAMP se mantendrá a cargo de la historia y del diseño de personajes, tanto para la producción de la película como para los resúmenes especiales. Production I.G estará a cargo del trabajo de animación y el casting de voces se mantendrá igual que en la serie para darle mayor peso a la continuidad que se manejarán para ambos proyectos.
Por lo que se puede apreciar en el tráiler, Blood C: The Last Dark tiene un trabajo muy interesante de animación y las secuencias muestran un aire de espectacularidad y dinamismo. Hasta ahora no se ha revelado gran cosa de la trama que manejará Blood C: The Last Dark, así que nos tocará esperar alguna pista diluida en los respectivos episodios especiales.
La película se estrenará en Japón para el día 2 de junio, mientras que los episodios especiales serán transmitidos por Nico Nico Douga. En el avance se puede escuchar el tema “Metro Baroque” a cargo de Nana Mizuki que desde luego será parte del soundtrack. Aquí te dejo el tráiler de Blood C: The Last Dark.
Hay grandes historias en la industria del animanga que fueron ignoradas en su momento a pesar de sus propuestas tan frescas y alternativas del medio, más ahora que se acaba la imaginación en todos lados. Afortunadamente, la industria del séptimo arte rescata un manga con una historia visionaria para su tiempo y se prepara adaptarla a la pantalla grande en una película que promete bastante.
Helter Skelter es un manga de la autoría de Kyoko Okazaki, una artista mangaka que siempre ha escapado del mainstream ya que sus historias tienden a criticar, entre otras cosas, la base de la ideología japonesa que es el machismo y la superficialidad social.
Así es como la historia de Helter Skelter nos cuenta la vida de Ririko, la más grande figura del entretenimiento, quien le debe su gran éxito a su inigualable belleza. Sin embargo, no todo es perfecto en la vida de Ririko pues su belleza es comprada.
El arte de Kyoko Okazaki es totalmente alternativo y propositivo
Para lucir de lo más impecable necesita un “mantenimiento” médico riguroso, pues su apariencia inmaculada no es perpetua.
La pesadilla para esta chica comienza cuando la clínica a donde va a revitalizar su belleza queda cerrada por una investigación policiaca en contra de la institución por manejos inadecuados. En ese momento comienza una tortura tanto física como psicológica para Ririko, pues no sólo necesita cuidado cosmético sino emocional, porque todas las modificaciones que ha sufrido le conllevan un desgaste mental.
Quién diría que éste es un argumento de 1996.
La adaptación de este live action es dirigida por Mika Ninagawa (arriba a la izquierda) y el papel protagónico cae en manos de Erika Sawajiri (SHINOBI-Heart Under Blade). La cinta y su interpretación levantan expectativa, pues la obra impresa nos habla de algo que le exigiría bastante a una actriz, además de una belleza que Sawajiri posee sin lugar a dudas.
Adicionalmente, se ha confirmado que Evolution de Ayumi Hamasaki será el tema principal de la producción. La cinta será estrenada el 14 de julio de este año en Japón, y estamos esperando a que de alguna manera podamos poner nuestras manazas en ella para verla en este lado del mundo.
En 1976 viajó a América y se instaló en Los Ángeles. Ahí creo al monstruo King Kong para el remake de la cinta pionera de 1933.
El primer episodio de la serie, Beck’s Beginning, nos pone rápidamente en contexto todos los sucesos que se han dado en este universo, incluso pasando brevemente por lo sucedido en el cómic Tron: Betrayal, donde se nos cuenta la creación de la segunda versión de Clu, quién decide tomar el control y revelarse contra su creador, Kevin Flynn.
Pasaron los años y no supe de ellos nunca más, hasta que un día en la secundaria uno de mis compañeros sacó de su mochila una revista llamada El Chamuco y los Hijos del Averno, un periódico que de alguna manera comenzó a intoxicar mi intelecto con cuestiones políticas que iban al día, acompañadas de tiras cómicas con un humor único. En ese mismo ejemplar conocí los nombres de grandes dibujantes como Rius (uno de mis gurús espirituales), el Fisgón, Patricio, Hernández y Helguera… y al abrir la página central, vi de nuevo la luz.
