Desde que vi el tráiler me llamó poderosamente la atención Poderes Ocultos. Una cinta que juega y experimenta con la verdad detrás de los poderes síquicos, sumada con su atractivo elenco y el nombre del director Rodrigo Cortés en la marquesina eran un claro presagio de lo mejor. La cinta, sin embargo, ha pasado sin tanto interés para el público en México, por lo que te dejo mi crítica para que decidas si te animas a verla o pasas para mejor oportunidad.
Poderes Ocultos
La fe y la creencia de un poder más allá de lo normal han perseguido el subconsciente humano desde tiempos inmemorables en forma de profetas divinos, de mesías religiosos y, más recientemente, en la figura de síquicos que maravillan al mundo con proezas casi divinas: doblar metal con la mente, levitar, conocer el pasado de una persona con sólo verla y hasta sanaciones que rebasan la lógica médica.
¿Chantaje o milagros que desafían a la ciencia conocida? Esa es la premisa de Poderes Ocultos (Red Lights), el más reciente filme del español Rodrigo Cortés, premisa que asociada al nombre del cineasta, los actores estelares –Cillian Murphy, Robert De Niro y Sigourney Weaver, que realizan un estupendo papel- y un atractivo tráiler, nos auguraba un filme donde el centro del argumento gira en torno a descubrir la falsedad o la veracidad de estos increíbles poderes.
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Margaret Matheson y Tom Buckely (SigourneyWeaver y Cillian Murphy) forman un equipo de físicos dedicados a la investigación de lo paranormal y los fenómenos síquicos, y como podemos anticipar, enfocados principalmente en explicar y desenmascarar este tipo de sucesos. Los primeros minutos de Poderes Ocultos nos ponen inmediatamente en el terreno que vamos a pisar, la eterna lucha entre la ciencia contra la fe.
Si bien todos los casos que vamos presenciando tienen una explicación lógica, las cosas cambian cuando reaparece en escena un síquico de inmensa fama mundial, Simon Silver (Robert De Niro). Un hombre que desafió incluso anteriores exámenes y controles por prestigiosas universidades.
Los primeros minutos de Poderes Ocultos son alentadores y condicionan al espectador a ponerse de un lado o del otro -según las creencias personales-, algo que me pareció excepcional, pues te obliga a ser parte de la trama, a no quedarte impasible y tomar partido en la historia, sensación que se incremente cuando, como es obvio, Matheson y Buckley ven confrontados sus métodos por el regreso público de Simon Silver, un hombre al que parece que no deben acercarse ni intentar comprobarle nada, y que viene acompañado de un cúmulo de situaciones extra normales que pondrán en jaque la carrera y la vida de ambos investigadores.
Matheson y Buckley también dan clases en una universidad
Dentro de los ingredientes para un buen largometraje de suspenso, Poderes Ocultos tiene prácticamente todos: un buen director a cargo del proyecto, actores a la altura y una historia que de entrada intriga al espectador. La receta, sin embargo, es otro boleto, donde si los ingredientes no son mezclados de buena forma con una narrativa acorde, de poco o nada servirán.
Suspenso sin suspenso
Ese es el problema en la nueva cinta de Rodrigo Cortés. El trepidante ritmo que nos presumió en Enterrado no aparece por ningún lado en este filme y a cambio tenemos una narrativa lenta, que aglutina todo el hilo argumental en una especie de nudo telenovelesco que pareciera no querer avanzar hacia ningún lado porque el director así lo dispuso.
Tampoco hay subtramas que disfracen este cansado caminar del arco central, si bien hay un par de elementos que conforman a los bien elaborados personajes, sólo uno de ellos toma parte importante de la historia. Se puede decir que Poderes Ocultos es una película de suspenso que corre en una línea recta casi sin desviaciones, algo no necesariamente malo para el género, pero que se nota de sobremanera con el ritmo semi lento con el que progresa todo: con ver el tráiler que incluyo en la crítica y checar los últimos diez minutos de esta producción uno puede entender lo que pasó sin dejar cabos sueltos.
Robert De Niro realiza un gran papel con un personaje raro en él
La ambientación es estupenda, la investigación del fenómeno, los puntos a favor y en contra son un gran plus, pero me parece que Cortés pasó más tiempo trabajando en estos aspectos (dos años, de hecho), tratando de acercar al espectador a la realidad detrás de los fenómenos síquicos y no tanto en construir una historia efectiva para acompañar.
Continúas viendo la película porque uno se engancha con esos primeros, por el morbo común de conocer qué lado triunfa: el de la ciencia o el de las proezas milagrosas… afortunadamente, Poderes Ocultos cierra de manera fuerte e intrépida, con un final de esos que todos apreciamos: los del imprevisible giro de tuerca. Si te agradan los desenlaces tipo Sexto Sentido sabrás a lo que me refiero. El fcierrel te deja esa agradable sensación de querer mirar por segunda ocasión la película, ahora conociendo el engrane que se mueve hacia el otro lado.
Como suele suceder en el cine, y más en el de suspenso, la conclusión de Poderes Ocultos tiene la fuerza suficiente para sacar a flote el resto de la película. No es perfecta y de hecho a varios les parecerá más una desviación abrupta que un giro en la trama, pero no por ello deja de ser disfrutable.
La pregunta en Poderes Ocultos es si la ciencia tiene explicación para todo
Como mencioné antes, la cinta tiene todos los ingredientes del éxito servidos en la mesa, desgraciadamente el proceso donde uno se engancha con los primeros minutos hasta que se conoce el desenlace es lento y por momentos aburrido. No es que sea un desastre, pero si buscas cine de suspenso con una historia que no se detenga ante nada, evita a estos investigadores paranormales. Si por el contrario, no te molesta una trama más relajada y eres lo suficientemente paciente en la sala de cine para sorprenderte con el final, dale la oportunidad a Poderes Ocultos.
No es un secreto que los vampiros son una raza de criaturas venidas a menos en la industria fílmica durante los últimos años, con películas navegando entre lo aburrido, lo intrascendente y lo mediocre mientras nos alejan de todo lo que nos atrajo de los vampiros durante años: la sangre. Esta seguidilla de filmes liderada por todas las entregas de La Saga Crepúsculo tiene competencia este año, y la industria arroja un curioso contendiente al ruedo: Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros.
Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros
No hace falta siquiera ver el tráiler para darse una idea clara de la premisa que este largometraje nos ofrece: el décimo sexto presidente de los Estados Unidos, Abraham Lincoln, sale a matar chupasangres; lo interesante, claro, es ver bajo qué contexto y bajo qué pretexto se puede mezclar a la figura más prominente de la historia norteamericana con el mito de los vampiros.
Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros comienza en 1818, cuando un Lincoln aún niño que es testigo de cómo un rico hacendado le “hace algo” a su madre que finalmente le cuesta la vida. Los años pasan y Lincoln juraría venganza sobre el que considera el asesino/culpable de dicha muerte, un hombre llamado Jack Barts que, como veremos cuando finalmente Lincoln se decide a tomar revancha, es todo menos un hombre.
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El intento de matar a Jack Barts es infructuoso y Abe se da cuenta muy tarde que su enemigo no es un humano cualquiera; para su fortuna, es rescatado por Henry Sturgess, alguien que conoce muy bien a Barts y a otras criaturas similares llamadas vampiros a las cuales caza desde hace varios años. Abraham Lincoln se pone bajo la tutela y entrenamiento de este temible cazador, para él también más adelante darles caza y de paso vengar la muerte de su madre.
De aquí en adelante la narrativa de Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros se lleva a cabo en dos líneas paralelas que por momentos se tocan para cruzar sus historias: una enfocada en el entrenamiento y la vida como cazavampiros de Lincoln, y la otra mostrándonos su meteórico ascenso en la política estadounidense hasta su llegada a la Casa Blanca. La idea del presidente matando seres de ultratumba parece de entrada un mal chiste, pero la cinta hace todo lo posible para tomarse el asunto en serio y recurrir a referencias históricas que enriquezcan el cuento.
Y a decir verdad, el cuento funciona. Ciertamente Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros adolece de muchos elementos para catalogarla entre lo mejor del cine en lo que va del año, pero mantiene la suficiente acción palomera para tenerte pegado a tu asiento, y la historia -con todos y sus altibajos- cumple y entretiene.
Los vampiros están mezclados dentro de la sociedad norteamericana
Por fin, vampiros
Parte del éxito se debe a Seth Grahame-Smith, el autor original de la novela homónima en la que está basada la película y quien también se encargó de escribir el guion adaptado. La trama, aunque en exceso trompicada, es lo bastante sólida y ágil para no darnos un solo momento de aburrimiento.
También hay que agradecer a Timur Bekmambetov, el director de Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros, quien retoma una línea explosiva de desarrollo de la historia, similar a Se Busca (otra de sus películas), atascándola de elementos y secuencias gore, exageradas, rebuscadas y jaladísimas de los pelos, pero que resultan ser todo un festín visual para el espectador y el punto más fuerte de la cinta.
Bekmambetov no escatimó sangre ni cabezas rodando para este filme, y rescata mucho de lo que se había perdido sobre el mito de los vampiros en los últimos años. Regresan las criaturas despiadadas, alejadas de sentimientos demasiado humanos más allá de un esquema básico de lealtad y juntarse en bola para su propio bien. En este caso, los vampiros llevan años escondidos en la parte sur de Estados Unidos peleando a favor de la esclavitud, por lo que su participación en la Guerra Civil es otro de los engranes de esta cinta, y uno bien logrado a pesar de lo fuera de lugar que luce todo a primera vista.
El hacha de plata de Lincoln es su mejor arma
Los vampiros lucen frenéticos y diabólicos, con maquillaje y efectos especiales que sorprenden y gustan, cada uno incluso con ciertas habilidades especiales que complican a Abraham Lincoln cuando les hace frente, como si se tratara de un videojuego de acción en el que en cada nivel se encuentra con un nuevo jefe y tiene que descubrir el truco para derrotarlos.
La dinámica de estos enfrentamientos trabaja de manera sorprendente y a pesar de no ser una cinta con un elevadísimo presupuesto, Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros nos entrega varias de las mejores secuencias de peleas y acción del año… sí, exageradísimas al grado que uno exclama “no maaaam…” para sus adentros, pero que no por eso dejan de ser disfrutables; mención especial a la pelea con la estampida de caballos y la batalla en el tren.
Eso sí, notarán que aparte de la sangre, se abusa del slow motion, pero la mayoría de las veces no resulta un elemento molesto sino algo visualmente atractivo. Insisto, realmente tienen que ver la propuesta visual en cuanto a escenas de acción y derramamiento de sangre que presenta Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros.
Pese a lo simple, la trama aguarda un par de sorpresas interesantes
Cine palomero como debe hacerse
Respecto a la trama no hay mucho que decir, estas películas generalmente cuentan con historias accesorias, aunque es sorpresivo el grado de acercamiento histórico que le dan al personaje, detalle que puede ser bien visto para algunos -como yo-, pero que también les puede parecer muy fuera de lugar a otros.
Las actuaciones cumplen y en general hay poco que reprochar en este sentido ya que no es una cinta que se maneje por la historia ni por las actuaciones. Benjamin Walker hace una buena encarnación de Lincoln, aunque es un podo difícil encajarlo con su personaje al principio; Mary Elizabeth Winstead (Ramona Flowers pa’ los cuates) toma el papel de Mary Todd Lincoln, un personaje de soporte que cumple con creces al igual que Speed, un comerciante que se vuelve amigo del presidente cuando era joven y que es interpretado por Jimmi Simpson. Del lado de los vampiros destaca Marton Csokas como Jack Barts, y Rufus Sewell como Adam, un ancestral vampiro que lidera a la pandilla de villanos en esta cinta.
A final de cuentas y sin ser ni de cerca la mejor película del género, Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros cumple con el principal objetivo de entretener usando elementos que amamos la mayoría de seguidores de este tipo de cine palomero: escenas de acción increíbles, peleas memorables, poderes vampíricos, sangre, tripas, cabezas volando y una línea bien definida entre el bien y el mal para poder jugar con ella, a esto le podemos sumar una de las producciones en 3D mejor logradas.
William H. Johnson ayuda a Lincoln en la lucha contra los vampiros
Algunos notarán que pareciera que el intento de ficción histórica nunca pega, y que detrás de cada escena exagerada viene una aún más absurda que la anterior, pero es parte de la magia de Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros. Una total lástima que este cazador no pueda acabar de una vez con Edward Cullen y toda su estirpe…. mientras tanto denle una oportunidada a este filme sorpresivamente disfrutable.
Cuatro pequeñas historias distintas que tienen como escenario la capital de Italia dan vida a De Roma con Amor, película escrita, dirigida y protagonizada por el multifacético cineasta estadounidense Woody Allen. En este largometraje Allen logró reunir a actores de diferentes nacionalidades, como a la española Penélope Cruz, a la canadiense Ellen Page, al italiano Roberto Benigni y a los estadounidenses Alec Baldwin, Greta Gerwig y Jesse Eisenberg en una ensalada cómico-romántica con su peculiar toque.
De Roma con Amor
Han pasado más de 50 años desde el estreno de La Dolce Vita. Sin embargo, es todavía imposible pasar en frente de la Fuente de Trevi sin estar invadido por la sensual visión de Anita Ekberg bañándose ante los ojos de Marcello Mastroianni.
Esta escena de culto es uno de los innumerables vestigios de la herencia cinematográfica de Roma. Roberto Fellini transformó la grandiosa fuente barroca en un mito del séptimo arte. Catorce años después, Ettore Scola rindió homenaje al director por medio de un cameo que reconstruye el rodaje de la famosa escena, al cual asisten los personajes de Nos Amábamos Tanto, otra obra maestra del cine italiano.
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La historia es un fiel testigo de como la capital italiana ha sido el escenario de memorables películas, y es fácil darse cuenta porqué Woody Allen la escogió para rodar su cuadragésimo segundo largometraje, De Roma con Amor. La última obra del director es justamente un homenaje en forma de repetidos clichés sobre la quintaesencia romana.
Después de haber rodado en Londres, Barcelona y París, Allen siguió su gira europea con Roma, aunque con mucho menos inventiva que en Amor y Muerte, La Provocación, Vicky Cristina Barcelona y Medianoche en París, cuyo guion era un tributo a la vivacidad cultural de la capital gala al final del siglo XIX y entre las dos guerras mundiales.
De Roma con Amor sorprende, sin embargo, con la belleza de sus imágenes, obra de uno de los mejores directores de fotografía del mundo, el irano-francés Darius Khondji. Woody Allen logró, como Fellini, hacer de Roma el personaje principal, mientras todos los actores de carne y hueso se tienen que contentar con papeles secundarios: Woody Allen en padre neurótico; Penélope Cruz en prostituta descarada, sexy y divertida; el cantante de ópera Fabio Armiliato en tenor que puede cantar únicamente bajo la regadera; Alec Baldwin en arquitecto nostálgico que se vuelve consejero en los amores de un joven estudiante (Jesse Eisenberg) quien a su vez se enamora de la mejor amiga de su novia (Ellen Page).
¿Lo mejor en “De Roma con Amor”? Claro, la despampanante Penélope Cruz
Ensalada cómico-romántica
No podía faltar en este impresionante elenco el Woody Allen italiano, es decir Roberto Benigni, quien encarna a un funcionario aburrido cuya vida cambia cuando se vuelve, sin razón, una celebridad.
El hilo argumental de esta película no es tan sólido como trabajos del veterano director y basa su mayor fuerza en intentar un fino entretejido entre estas cuatro historias. En De Roma con Amor, cada uno de estos personajes refleja la necesidad por ser reconocidos, en una comedia con tintes románticos y dramáticos, más nunca abusando de ningún género.
La primera de las historias en De Roma con Amor está dedicada al arquitecto John (Alec Baldwin), quien regresa a de vacaciones a Roma, ciudad donde vivió buena parte de su juventud Al visitar su viejo vecindario se encuentra con Jack (Jesse Eisenberg), un muchacho que le recuerdo mucho a él mismo y quién le hará revivir varios de los momentos más dolorosos de su vida.
Definitivamente esta película no es de lo mejor de Woody Allen
Por otro lado tenemos a Jerry (Woody Allen), un director de ópera jubilado que viaja a Roma junto con su esposa para conocer al prometido de su hija. Curiosamente, el padre de su nuero tiene un gran don que le hace pensar en retomar su carrera de director musical, mientras que Leopoldo Pisanello (Roberto Benigni) despierta una mañana y descubre que es uno de los hombres más famosos en Italia sin saber por qué.
De Roma con Amor cierra con la historia de Antonio (Alessandro Tiberi), quien llega de las provincias de Roma esperando impresionar a sus estrictos familiares con su encantadora nueva esposa Milly (Alessandra Mastronardi) y así escalar socialmente en la capital italiana, pero se termina relacionando con una atractiva acompañante profesional de nombre Anna (Penélope Cruz).
Desafortunadamente, fuera de la fotografía y los grandes nombres del cartel de la cinta, De Roma con Amor no es lo que muchos esperan. Por momentos la narrativa asemeja más la de una telenovela corta que la de un producto para el cine, con enredos rebuscados, personajes sobados y una dirección que parece no querer llegar a ningún lado. No es un apuesta segura para gastar en salas (a menos que seas un ñoñales de las cintas románticas y/o de Woody Allen), pero bien pudieras darle una oportunidad cuando llegue al formato casero.
“De Roma con Amor” funciona con un homenaje para la capital italiana en cines
Woody Allen no logró en la Ciudad Eterna lo que había logrado en la Ciudad de la Luz: profundidad y un conmovedor sentido de nostalgia. No obstante, una cinta medianamente buena del reconocido cineasta es intelectualmente disfrutable en su ritmo, ligereza y sentido del aforismo.
La prueba de que Allen es un gran director es que ya no se puede comparar con los demás realizadores, sino con él mismo y aunque De Roma con Amor navega con cierta torpeza de telenovela entre los enredos que presenta, termina siendo una cinta que entrega un poco de mucho: un poco de fotografia, un poco de buenas actuaciones, un poco de historia y un poco de homenajes para una mítica ciudad en el cine.
Tras una primera parte con opiniones divididas aunque con el cariño de muchos cinéfilos que vieron su vida marcada por la plétora de actores reunidos, Los Indestructibles 2 regresa con una misión simple, pero a la vez complicada: superar a la entrega original, darle más minutos de acción a todos y agradar a un público sediento de ver a sus estrellas favoritas juntas en una gran y disfrutable película.
Los Indestructibles 2
Aaaah, los años 80, época dorada donde la valentía de un héroe se medía por el tamaño de sus bíceps. Década cuna de varias de las películas de acción más memorables de todos los tiempos, no porque fueran artísticamente increíbles, sino porque son nostálgicamente incomparables.
Los años 90 dieron paso a nuevas figuras de acción, más acrobáticas y sigilosas, menos temerarias, pero igual de efectivas. El cine clase B estaba en su apogeo y todos disfrutábamos con sus filmes sin complicaciones secundarias, ni tramas tan estructuradas o actuaciones que conmovieran las fibras más sensibles de nuestro ser.
Y claro, todos alguna vez soñábamos con tener a más de un héroe de acción juntos en una misma película…. y casi quince años después, cuando muchas de las leyendas del cine de los 80 están más cerca del retiro que de su próximo estreno, llega Los Indestructibles, y en este caso Los Indestructibles 2, la secuela de una buena idea estrenada hace un par de años, que pese al buen recibimiento entre la fanaticada de antaño al reunir a varias estrellas del género dejó algo que desear.
Bueno, damas y caballeros, si lo que esperaban de Los Indestructibles 2 era la madre de todas las películas del cine clase B, pueden estar tranquilos: lo es. El largometraje reúne a un verdadero dream team de hombres de acción con Sylvester Stallone, Jason Statham, Jet Li, Dolph Lundgren, Chuck Norris, Randy Couture, Terry Crews, Jean-Claude Van Damme, Bruce Willis, Scott Adkins y Arnold Schwarzenegger repartiendo balas, patadas y puñetazos durante 103 minutos.
¿La historia? ¿A quién le importa? Como buena película del género, la trama es prácticamente accesoria y sirve más como pretexto para este desfile de bragadez. ¿Qué puede motivar más a una bola de machos a entrar en acción? La venganza, claro; la cinta gira en torno a una operación fallida del grupo liderado por Barney Ross (Stallone), tan fallida que los hará buscar a quién se las hizo y de paso capturar algo de vital valor para el gobierno de Estados Unidos.
Stallone vs Van Damme, shit’s gonna happen.
La narrativa es una larga línea recta sin complicaciones, donde todo mundo sabe qué va a pasar a continuación, pero las sorpresas en Los Indestructibles 2 no vienen de parte de un guion meticulosamente elaborado, sino de los personajes que participan en esta ópera de acción pura: lo que esperas es ver la siguiente jalada con la que van a salir y quién la va a ejecutar, en una auténtica pasarela de testosterona donde todos y cada uno de los actores muestra lo mejor de sí mismos.
En los primeros diez minutos de Los Indestructibles 2 hay más muertos y explosiones que en todas las películas que se han exhibido en el resto del año, y es sólo el inicio del festín, ya que todos los invitados tienen suficiente tiempo en pantalla para mostrarnos su mejor cara y lucirse, no como en la primera parte, donde varios de los “nombres pesados” tenían sólo apariciones de cameo y no duraban más de un par de minutos en pantalla.
A un lado Avengers
Aquí no es así, Bruce Willis y Arnold Schwarzenegger ahora juegan un papel importante en el desarrollo de la historia; Jean-Claude Van Damme aparecerá continuamente demostrando sus habilidades patadísticas e incluso realizando uno de las mejores interpretaciones de su vida (créanlo, uno de los mejores personajes es el suyo); Scott Adkins demuestra que tiene estilo y lo veremos pronto en cintas más importantes, y Chuck Norris… bueno, simplemente con decir que todo lo que has leído en Internet sobre él es cierto y los Norris Facts aterrizan directo a la pantalla grande
Chuck Norris interpreta a Booker, clara referencia a “Good Guys Wear Black”.
Los veteranos machos siguen teniendo magia, y esta magia que desarrollan entre ellos ayuda de sobre manera a olvidar por completo la ya de por sí olvidable historia, para enfocarte simplemente en disfrutar cada nueva aparición de tu actor/personaje favorito, verlo realizar alguna secuencia ridículamente increíble, patear traseros y despedirse a cuadro con una típica frase de una línea.
Sí, cliché tras cliché, pero cada uno más divertido y sorpresivo que el anterior. Los Indestructibles 2 no tiene ningún reparo en burlarse del género, en burlarse de todos los mitos de los actores y en burlarse de sí misma, al grado que puede definirse a esta película como la comedia de acción más trepidante de todos los tiempos. Bueno, no tanto así, pero en su género es de las meras campeonas.
Claro que gran parte de la broma es, que pese a todo, el largometraje se toma cierta seriedad al respecto y la producción no escatimó esfuerzo ni presupuesto para llevar varias de las secuencias más explosivas que veremos en el año, con aviones, tanques, helicópteros, automóviles, bases armadas, soldados e instalaciones de todo tipo volando en mil pedazos. Contrario a lo que dice en español el título de la cinta, todo aquí es destruible y es raro que algo quede en pie al finalizar las escenas.
Acéptalo, llegaste a creer que nunca verías esto: los hombre de acción juntos
Gran parte de lo entretenido de esta película se debe también al director Simon West, quien tuvo su mayor mérito en escuchar todas las quejas de los fans respecto a la entrega anterior y corregirlas para Los Indestructibles 2. El resultado es un largometraje que transita casi con perfección entre la comedia y la acción, y todo sorprendentemente sin un arco argumental sólido de fondo, basándose exclusivamente en el carisma y la nostalgia de toda una generación de actores haciendo lo que mejor saben hacer.
¿La mejor película del año? Definitivamente no, pero sí es una de las más entretenidas. Si creciste viendo esta clase de filmes adorarás el resultado y gritarás como niño ahogado de felicidad; si deseas dramonones, historias rebuscadas y villanos originales te recomiendo buscar en otro lado, en esta sala no hay lugar más que para machos de acción y la nostalgia. Los Indestructibles 2 demuestra que las leyendas no mueren, sólo se vuelven mejores.
Bandai Namco decidió traer a México Los Caballeros del Zodiaco: Batalla por el Santuario, el último título de Saint Seiya que salió el año pasado al mercado japonés en exclusiva para PlayStation 3. La compañía confió en el mercado mexicano para lograr buenas ventas y nos entrega una combinación de mecánicas de juego de los antiguos beat’em up, junto con algo de la saga de Dynasty Warrior, un ligero toque de RPG y el obvio fan service. ¿Funciona el experimento?
Los Caballeros del Zodiaco: La Batalla del Santuario
Los videojuegos basados en licencias populares han sido un dolor de cabeza histórico para los gamers, especialmente con títulos basados en franquicias de cine y animación. Afortunadamente, esto parece estar cambiando a últimas fechas, con compañías más comprometidas en crear juegos que cumplan las expectativas de los fanáticos de los personajes, así como experiencias atractivas para los no tan aficionados.
Bandai Namco es una de estas compañías, aprendiendo de sus errores y de los errores de otros equipos desarrolladores en el pasado para traernos videojuegos que no sólo lucen bien, sino que se juegan bien. Dos ejemplos muy fáciles de recordar son los últimos títulos basados en las franquicias de anime y mangaDragon Ball y Naruto.
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Desgraciadamente Los Caballeros del Zodiaco: Batalla por el Santuario para PS3 no entra en esa categoría, siendo un juego no precisamente malo, pero que ofrece muy poco para aquellos que no sean fanáticos declarados de Saint Seiya.
Lo primero que podemos observar en Los Caballeros del Zodiaco: Batalla por el Santuarioes que, contrario a otros títulos de Bandai Namco, los gráficos son más bien pobres y poco detallados. El equipo de Dimps Corporation decidió usa un look visual algo raro para el videojuego, más cercano a las figuras de acción basadas en los personajes, que a la contraparte animada de los mismos.
Esto arrastra varias fallas, ya que los gráficos, por principio de cuentas, lucen algo alejados de su contraparte de anime, y se nota de inmediato con personajes de rostros planos e insensibles, que parecen tener una mueca preconfigurada. Vaya, ni siquiera cuando hablan, gritan o los golpean sus rostros cambian de forma coherente, pareciendo más bien muñecos tiesos que otra cosa.
Los personajes parecen más figuras de acción que de anime
Saint Seiya Senki
Las armaduras son quizá el mejor detalle en este aspecto. Reconocerás rápidamente a todos y cada uno de los personajes de Los Caballeros del Zodiaco: Batalla por el Santuario gracias a lo bien representadas que están las armaduras, con brillos, piezas y tonalidades que resaltan sobre el resto del apartado visual. Eso sí, los enemigos comunes, la carne de cañón con que te atascan la pantalla, tienen un diseño pobre y reciclado hasta el infinito, verás a los mismos cuatro o cinco tipos de enemigos repetirse durante tu pantalla por horas.
Los escenarios son la mayor queja. Planos, tristes, con una paleta de colores que invita más a dormirse que a seguir jugando y un uso nulo de las texturas y el potencial que ofrece el PlayStation 3. Vaya, los escenarios lucirían feos incluso para un videojuego de generación pasada.
Lo siguiente que salta al empezar a jugar Los Caballeros del Zodiaco: Batalla por el Santuario, es elsonido: si bien no es tan pobre como el apartado visual, el departamento sonoro deja mucho que desear. Se agradece el traernos las voces originales en japonés con subtítulos en español y toda la cosa, pero los sonidos se escuchan apagados y la música no cumple su cometido.
Los personajes cuentan con sus voces originales en japonés
A pesar de que incluye melodías fácilmente reconocibles para el fan promedio de Saint Seiya -como “Pegasus Fantasy”-, la mayoría de la banda sonora del título no es la que escuchaste en el anime, y aunque no es mala ni mucho menos, la música simplemente no encaja con la acción que sucede en pantalla.
Ya entrando en materia de jugabilidad, Los Caballeros del Zodiaco: Batalla por el Santuario nos transporta a la primera temporada de la serie animada, para revivir la aventura de Seiya, Shun, Hyoga, Shiryu, Ikki y compañía a través de las doce Casas del Zodiaco. En este aspecto el juego es muy apegado a la historia que vimos en televisión y controlamos a cada Caballero de Bronce según como avanza la trama en el anime.
Algunas secuencias con los mismos gráficos feos del título nos cuentan más o menos lo que está pasando y cómo se desarrolla la historia, aunque es un hecho que la mayoría de gente que adquirió este título ya lo sabe, por lo que hubiera preferido veinte mil veces que incluyeran cortos animados con escenas claves.
La historia se narra con las mismas gráficas del juego, nada de cortos animados
Alcanza el séptimo sentido
El gameplay de Los Caballeros del Zodiaco: Batalla por el Santuario, para variar, tiene un montón de “peros”. La mecánica de juego es muy similar a la de Dynasty Warriors, con grupos de soldados enemigos haciéndote frente en cantidades groseras mientras intentas abrirte paso a punta de golpes, patadas y poderes especiales. Las diferencias aquí son pocas, una es que cada zona está limitada por una barrera, así que no puedes avanzar hasta que despaches a todos los malosos.
La otra diferencia son los movimientos que tienes a tu disposición: un ataque débil, otro fuerte, entre dos y tres poderes especiales, barrera, correr, counters y la posibilidad de utilizar el séptimo sentido para ralentizar el tiempo y romperle la cara a tus enemigos a la velocidad de la luz. Este movimiento es particularmente útil contra los jefes de nivel.
Ahora, a pesar de que Los Caballeros del Zodiaco: Batalla por el Santuario usa prácticamente todos los botones del PlayStation 3, esto no se traduce en un gameplay variado ni profundo. Los niveles se dividen en una zona donde avanzas entre templo y templo derrotando filas enemigas, y una batalla contra jefe cada vez que llegas a alguna de las casas de los Caballeros de Oro, esto repetido cíclicamente sin piedad durante toda tu aventura, ya sea en el modo de historia o los retos. Lo que sí se puede agradecer del diseño de juego es que el control es sólido y responde casi siempre a la perfección.
El control es sólido y los Caballeros tienen sus ataques distintivos
En un auténtico acercamiento RPG, cada que superas una fase te dan puntos de experiencia para subir tu nivel, así como puntos de cosmos para gastarlos en mejorar diversas habilidades como tu ataque, defensa o energía, o incluso para hacer más fuerte los ataques especiales de tu personaje y equiparte habilidades especiales.Y es aquí donde se pierde la poca profundidad y reto en el sistema de juego -si es que alguna vez tuvo- ya que pronto te vas a dar cuenta que tienes de dos sopas: o darle al puro button mashing para acabar con todo mundo, o darle al botonazo limpio, pero con los poderes de en un alto nivel, lo que facilita en demasía las cosas con algunos personajes que tienen ataques especiales con rango amplio (que son casi todos menos los inútiles de Shiryu y Máscara de la Muerte).
Con unos cinco o seis niveles ganados, Los Caballeros del Zodiaco: Batalla por el Santuario se vuelve una caminata por el parque, ya que para acabar con todo, pero con todo lo que aparezca en pantalla, basta con spammear poderes hasta el infinito y recuperar algo de cosmos para seguirlos lanzando. Ni siquiera los jefes se salvan de esta mecánica en la segunda vuelta del juego, ya que puedes llegar a liquidarlos con -a los mucho- dos o tres poderes. Enfrentar a los Caballeros de Oro sólo es un reto si en tu primera pasada le pones en Difícil y no subes de nivel a tu personaje en los retos.
Pronto el título se vuelve aún más cíclico, y es que para conseguir los mejores tiempos y avanzar en las dificultades más altas la mejor -y única opción- es lanzar un poder de gran rango para acabar con todo. La estrategia se reduce al mínimo aún con los jefes, con los que si acaso tienes que usar el séptimo sentido para esquivar algunos de sus poderes y poder pegar con mayor seguridad los tuyos. Existen diferencias entre los ataques y golpes de cada personaje, pero el diseño de este juego para PS3 prácticamente obliga a no hacer uso de todas las habilidades y pelear de la misma manera con todos: retaca de poderes a los enemigos.
Contra los jefes puedes usar un ataque especial más fuerte llamado Big Bang
Una vez que termines el modo de campaña se abrirán nuevas sagas para conocer historias relacionadas con tu asalto al Santuario del Gran Patriarca, así que podremos jugar algunas etapas interesantes con Aioros huyendo con Saori Kido, la llegada de Ikki a la casa de Virgo y unas cuantas más. Eso sí, todas estas mini campañas son muy, pero muy cortas y las superas en cuestión de 20-30 minutos cada una.
También puedes superar diversos retos que ofrece Los Caballeros del Zodiaco: Batalla por el Santuario, que en realidad son una repetición de los niveles del juego pero con la posibilidad de escoger a cualquier personaje (incluyendo a los Caballeros de Oro que desbloqueas al vencerlos) y cuyo objetivo final es hacer más puntos en menos tiempo. La verdad es tan repetitivo el juego en este aspecto que pocos retos valen la pena ser intentados y el único motivo real por el que creo que alguien los jugaría es porque desea sacarle el trofeo de platino a este título.
Los retos incluyen algunos con puntaje para competir en Internet y otros para dos jugadores, en un sistema cooperativo tan limitado como torpe, donde la única añadidura que vale la pena mencionar es que si noquean a tu compañero lo puedes resucitar. La ventaja de este modo para dos jugadores es que no tienes que hacer sufrir a un ser humano para que lo juegue contigo, y bien puedes elegir que tu acompañante sea controlado por el CPU… ya lo dije, para sacar el platino nada más. Hay modo de sobrevivencia, que como puedes imaginar, es pan con lo mismo.
Dos de los personajes más inútiles del juego peleando frente a frente
Tan aburrido como Pegaso
Los Caballeros del Zodiaco: Batalla por el Santuario cuenta ya con varios paquetes de contenido adicional en forma de personajes extras, como Jabú de Unicornio o Dohko de Libra, pero que no agregan un gran replay value al videojuego. Estos DLC son básicamente el personaje para que lo uses en los retos ya existentes, así como algunas misiones nuevas, pero nada que cambie la repetitiva mecánica y justifique un costo de 5 dólares por cada uno. Para colmo, ni siquiera incluyen algún paquete de trofeos que te incentive a gastar en ellos.
A pesar de las múltiples fallas y limitaciones que he mencionado, hay que reconocer que Los Caballeros del Zodiaco: La Batalla del Santuario encierra algo de magia y entretenimiento para los fanáticos más acérrimos de Saint Seiya. La primera pasada por el modo de historia es divertida mientras descubres cómo y cuándo usar cada una de las habilidades de tus caballeros; las batallas contras los jefes encierran una pequeña sensación de logro y aunque sea por curiosidad uno prueba al resto de personajes para ver sus habilidades. Los cazadores de logros y trofeos también tienen aquí un título relativamente sencillo para completar, que no toma más de quince horas en cumplir el 100 por ciento de logros.
En definitiva este videojuego está hecho exclusivamente para los fanáticos de la franquicia, y aún ellos pueden encontrar el título tedioso a la larga. Los gráficos pobres y la ausencia de cortos animados desdibujan más la experiencia, pero es de agradecerse que a pesar de todo, Bandai Namco decidiera lanzar este título de manera exclusiva para México y Brasil (en América), haciendo caso de la fuerte demanda que Los Caballeros del Zodiacotienen en Latinoamérica. Por si fuera poco, la mayoría de distribuidores te regala una figura de Bandai en la compra de este juego.
Los personajes DLC traen misiones extras, pero nada de trofeos
Sí, es cierto que Los Caballeros del Zodiaco: La Batalla del Santuario falla en casi todo lo que pudiera fallar, pero la magia de los personajes y el revivir las batallas de las Doce Casas tomando el control de nuestros personajes favoritos salva un poco la experiencia. Sin ser un título malo, simplemente está muy lejos de ser bueno, aunque definitivamente es mucho mejor que las anteriores entregas de Saint Seiya en PS2. Si eres fan, dale una oportunidad, si no lo eres mejor aléjate en busca de una batalla menos repetitiva.
La película francesa Holy Motors formaba parte de la selección oficial del Festival de Cannes, y, a pesar del entusiasmo de muchos de los críticos, no ganó ningún premio, situación que medios especializados calificaron de “falta de gusto histórica”, aunque también generó una respuesta muy negativa entre un sector de la prensa que la calificó de “inentendible y horrible”. La que un inicio fuera la gran favorita para la Palma de Oro terminó sin mención alguna y con comentarios encontrados.
Holy Motors
Es cierto que los dizque especialistas de cine no siempre saben apreciar el valor intrínseco de un filme al momento de su estreno: el escalofriante Expreso de Medianoche, de Alan Parker; el alucinante western metafísico Dead Man, de Jim Jarmusch y con Johnny Depp, y el tenebroso drama Rio Místico, de Clint Eastwood y estelarizado por Sean Penn, ni siquiera recibieron un premio de consolación en el festival de la Riviera Francesa.
Vaya, si existiera una justicia divina para los artistas, el nombre de Leos Carax debería ser mucho más conocido en la industria del cine, estaríamos impacientemente esperando la siguiente obra de su abundante filmografía que los críticos y el público comentarían apasionadamente. No obstante, suele pasar que el destino precipite al abismo a los que nos imaginábamos en la cumbre. Sus dos primeros largometrajes, Chico Conoce Chica y Mala Sangre, realizados a sus 24 y 26 años, lo propulsaron en la categoría de los genios precoces del cine.
https://www.youtube.com/watch?v=DwuMdpMBqPE
En 1988, el rebelde del cine francés empezó el rodaje de Los Amantes del Puente Nuevo, historia de amor entre Alex, el tragafuegos, y Michèle (Juliette Binoche), una vagabunda que va perdiendo la vista. El rodaje del filme se convirtió en pesadilla: Denis Lavant, protagonista y alter ego de Carax en cuatro de sus cinco cintas, se lastimó un dedo y no pudo rodar durante un mes; la ciudad de París no quiso prorrogar el permiso de grabar sobre su puente más antiguo y se tuvo que reconstruir un set carísimo en el sur de Francia; los productores iban y venían para rescatar el proyecto.
Para completar el drama, Binoche y Carax, novios desde 1986, se separaron durante la filmación. Tres años después, la película pudo terminarse, pero con un presupuesto cuatro veces superior al original. Cuando por fin se estrenó en 1991, los críticos de la prensa popular lapidaron la obra y el público no se dio cita a ver la obra más cara en la historia del cine galo. El “enfant terrible” se convirtió en el cineasta maldito.
El mundo de Holy Motors y Leos Carax
Holy Motors, escena uno: un extracto de un filme primitivo donde un gimnasta de finales del siglo XIX hace ejercicios. Una sala de cine donde todos los espectadores duermen. Un hombre en un cuarto de hotel se dirige hacia la pared y detecta un triangulo metálico que sirve de cerradura donde la llave que tiene en lugar de dedo índice entra. El hombre tumba la pared y se abre una puerta que da a la sala de cine. En el pasillo camina un bebé, si uno lo ve de frente, es un perro.
Los actores de Holy Motors realizan un estupendo trabajo.
Holy Motors, escena dos: una niña en pijama frente a una ventana redonda. Su padre banquero sale de la casa, es despedido por sus hijos que le desean un buen día y camina hacia una limusina blanca donde la mujer chofer le dice: “¡Buenos días, señor Óscar!”. El banquero llama a un colega quien, como él, se preocupa por su seguridad. “Los guardaespaldas no son suficientes, hay que tener un arma”. Los dos hombres quedan de verse en un restaurante lujoso en la noche. Óscar pregunta a su elegante chofer el número de citas que tendrá durante el día. Nueve, le contesta Céline, quien le recomienda a su empleador el primer archivo que se encuentra a su lado.
Así empieza esta locura cinematográfica con el nombre de Holy Motors. Las citas que tiene Óscar no son las esperadas. El espectador se va dando cuenta que el protagonista no es un banquero, sino un actor cuyas misiones son interpretar varios papeles en la vida real.
El hombre del comienzo es el propio Leos Carax, alegoría de un director que piensa que en una época donde todo es virtual, el espectáculo ya no se encuentra en las salas de cine sino en las calles. Sin embargo, como éstas también se van vaciando de sus sorpresas, el cineasta imagina un mundo donde los actores son los últimos que le dan sabor a una vida insípida y deshumanizada.
Carax reta por momentos al espectador a seguirle su paso, a entenderle.
Óscar interpreta a una gitana que canta en las calles, a un actor de stop motion que hace el amor con otra actriz, al padre preocupado de una adolescente, a un asesino a sueldo, a un acordeonista durante el intermedio, a un moribundo y a Monsieur Merde. Este último, el Señor Mierda, es un hombre de una civilización desconocida que aterroriza a la ciudad y secuestra a una modelo indiferente y sumisa, interpretada por Eva Mendes, confusamente parecida a Amy Winehouse. Esta inolvidable escena parece un remake posmodernista de La Bella y la Bestia, de Jean Cocteau.
Holy Motors es, efectivamente, un tributo permanente al séptimo arte y en particular al cine fantástico y surrealista. La película contiene guiños a Max, mi Amor, de Oshima; Tristana, de Buñuel; El Testamento del Doctor Cordelier, de Renoir; Los Ojos sin Cara, de Franju, y a Sin Aliento, de Godard. El personaje encarnado por Kylie Minogue, ex esposa de Óscar y también actriz en limusina, nos recuerda a Jean Seberg en el largometraje pionero de la Nueva Ola. Carax es, sin duda, el digno heredero de Jean-Luc Godard en su osadía y su manera de provocar al espectador.
En Holy Motors, Óscar es el otro yo de Leos Carax, cuyo seudónimo es justamente un anagrama formado con su nombre Alex y Oscar, en referencia a la codiciada estatuilla dorada por los cineastas. “Nací en 1976 en un cuarto oscuro, sería muy difícil para mí que me hicieran nacer antes, con un nombre tomado de papeles. Hice cine para ser huérfano. Antes, es como si hubiera dormido durante 17 años”, declaró el director, comprobando lo vital que es el arte cinematográfico para él.
Sus personajes y situaciones son reflejos de la realidad y homenajes de otras cintas.
Ciertamente, y hay que reconocerlo, no toda la filmografía es de un gusto universal, y sería pretencioso asegurar que el director galo es sólo para aquellos con gustos refinados, pero definitivamente la obra de Carax es para los que desean algo diferente al sentarse a ver una película. Pareciera que por momentos el director reta al espectador a seguir su paso, a entenderle, a compartir su manera de ver el cine a través de la lente, y aunque no siempre se llega a buen puerto con él, cuando se logra, es una experiencia diferente y reconfortante.
Holy Motors entra en esa categoría. Todos estaban en lo correcto. Los críticos tenían razón al estar emocionados con su estreno y la prensa también al afirmar que por momentos es inentendible. Holy Motors no es una cinta para hilar secuencias en cadena, sino para sentir, disfrutar, experimentar, para reaccionar ante lo que presenta en pantalla… y después a otra cosa.
A pesar de su reducido presupuesto -cinco millones de dólares-, Carax logró un viaje caleidoscópico a través de la pantalla grande, un filme cuya temática principal es la industria del cine por sí misma y lo que tiene por ofrecer desde una óptica original que pide a gritos ser vista.
El amor en tiempos del stop motion.
El cine de Leos Carax es un viaje distinto al habitual.
Y no siempre es tan placentero, pero sí una experiencia distinta.
Desde Pola X en 1999, Carax no había estrenado ninguna obra. Rompiendo trece años de silencio, Holy Motors llega a las pantallas como un tsunami: desconcertante, irreverente, delirante, surrealista, poético, lúdico, absurdo, desgarrador, libre, intendenbile, multifacético y salvaje. Durante la historia, Carax hace decir a su prodigioso actor transformista: “Sigo como comencé: ¡por amor al arte!”. ¿Tienes deseos de ver una opción distinta? Holy Motors es tu película.
La “amenaza” de un virus que transforme a todos en zombis o de algún hechizo que levante a los muertos de sus tumbas se ha convertido en el común denominador de bromas, libros, películas, cómics, videojuegos manuales de sobrevivencia y toneladas de merchandising zombi que parecen indicar más idolatría que miedo. En este mundo zombificado es donde aterriza ParaNorman, una cinta animada que pretende un acercamiento fresco a la gastada idea del apocalipsis zombi.
ParaNorman
En el pequeño pueblo de Blithe Hollow vive un chico bastante peculiar que llama la atención desde el primer momento; su nombre es Norman Badcock, un fanático de las películas de zombis -que pudiera parecer de lo más normal-, sin embargo posee un don que ya quisiera más de un aficionado de los muertos vivientes ya que puede ver y hablar con los espíritus de las personas fallecidas.
Todos los días Norman saluda a la nada a través de su camino a la escuela. Realmente a él no parece importarle mucho su peculiar don, sin embargo no es de extrañarse que toda la gente de su pueblo piense que está completamente chiflado, lo que lo ha hecho presa fácil del bullying y de las críticas hirientes. Incluso su familia no sabe qué hacer con él y temen que sufra de la misma demencia que su tío, el loco del pueblo, el señor Penderghast.
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Sin embargo, es precisamente el señor Penderghast quien da la pauta para comenzar con la historia de ParaNorman, ya que está en busca de su sobrino, pues sabe perfectamente que no puede encomendarle a nadie más su deber secreto: detener una poderosa maldición que arrojó hace siglos una bruja sobre Blithe Hollow y sus habitantes. ¿Por qué Norman? Queda claro, ambos tienen el poder de convivir con los fantasmas y en ello está la clave del éxito.
Las cosas se comenzarán a poner sumamente tensas, ya que cuando Norman conoce su “misión” no tiene a nadie de su parte, ni siquiera alguien a quién pueda confiarle el oscuro secreto que ahora conoce, y sin embargo, a partir de ese momento, la seguridad de todos aquellos que lo señalan quedará en sus manos y tendrá que averiguar por sí mismo cómo evitar la maldición que amenaza com despertar a viejos cadáveres para sembrar el horror por las calles.
El arte de Laika
Lo primero a destacar en ParaNorman es que es una película que aún se resiste a dejarlo todo en manos de la animación por computadora, y al ser una producción de un estudio relativamente nuevo, no teme en experimentar con las propuestas visuales que le dan forma a esta historia.
El trabajo para animar ParaNorman es prácticamente artesanal
ParaNorman llega de mano del estudio de stop-motionLaika, que ya anteriormente dejo un buen sabor de boca entre los fanáticos de este arte con Coraline (2009), y es que aunque su trabajo aparentemente está dirigido hacia los niños, siempre logran impregnarle un toque impactante -y más adulto- a sus cuentos en la pantalla grande, con diseños que no temen jugar con los colores oscuros, contornos afilados, y las caprichosas y grotescas formas de sus modelos, que terminan siendo caricaturas perfectas de la misma imperfección humana.
La cinta nos va presentando poco a poco a los protagonistas de esta aventura zombi, cada uno con un diseño muy peculiar que lo distingue del resto y que encaja con algún estereotipo fácilmente indentificable por el público.
Norman Babcock
Norman es un fanático de los zombis y las películas de terror, afición que quizá desarrolló por su don de ver y hablar con los muertos, sin embargo, esto también le atrae la desconfianza y la burla de casi todo el pueblo. Este niño es el único que -más o menos- sabe cómo funciona la maldición y cómo detenerla, pero no cuenta con apoyo alguno para realizar su misión.
Neil Downe
Un chico regordete y afable que termina convirtiéndose en el mejor amigo de Norman. Su sobrepeso y otro montón de curiosidades también le acarrean burlas y ser bulleado por los bravucones de la escuela, por lo que tiene cierta empatía con el protagonista. A Neil no le molesta que Norman hable con los fantamas, al contrario, parece que le emociona.
Courtney Babcock
La hermana mayor de Norman. Una rubia porrista de curvas pronunciadas y bastante pretenciosa, siempre presume sus múltiples rutinas en YouTube y busca un hombre alto y fuerte para que salga con ella. Se supone que tiene que cuidar que su hermano no se meta en problemas, pero como pueden anticipar, Courtney no lo logra.
Mitch Downe
El hermano mayor de Mitch, y al contrario de Courtney con Norman, parece que hace un mejor trabajo en intentar cuidar a sus familiares. Mitch es el clásico joven mega mameyer, pero un poco -o un mucho- despistado. A pesar de que Courtney le tira toda la carrocería encima, este joven parece no darse cuenta.
Alvin
Aquí tenemos al prototípico bully de la primaria de Blithe Hollow, con todo y piercings de malote. Alvin gusta de molestar y llamar fenómeno a Norman, aunque curiosamente terminará siendo arrastrado por la montaña de sucesos y colaborando en la medida de sus posibilidades para librar al pueblo de los zombis.
Cada uno de los personajes e ParaNorman tiene su toque de magia, son disfrutables y cuentan con una gran cantidad de gestos que enriquecen la traman, gestos que toman un nuevo valor cuando recuerdas que el estilo de animación cuadro por cuadro obliga a los creadores a capturar cada segundo de animación con decenas de fotogramas creados a partir de muñecos, un trabajo prácticamente artesanal.
Claro que el resultado es espléndido, con personajes que se alejan diametralmente de las últimas películas animadas comerciales. Además, al igual que en Coraline, ParaNorman salta abruptamente de las locaciones cotidianas hasta las más sombrías e incluso oníricas, todas muy bien realizadas y con ligeras amalgamas de animación CGI y hasta técnicas tradicionales que logran lucir muy bien en conjunto.
Veo gente muerta
El largometraje animado dirigido por Sam Fell también se cuelga del rush cultural que ha perdurado por varios años acerca del fenómeno zombi, mostrando un breve homenaje a las primeras películas del género y a los autores clásicos, pero sirve también como una burla irreverente hacia este fenómeno.
¿Cómo sobreviviría realmente un grupo de zombis en pleno siglo XXI?
Dentro del desarrollo de la historia de ParaNorman contamos también con rápidas analogías a lo que es la muerte y una forma de ver lo que ocurre al morir, sin que lleguen a ser rollos nefastos ni complicados, incluso para que los niños entiendan de qué va todo. Y es que cuántas veces no nos hemos visto en la complicada necesidad de intentar darle forma a este concepto tan duro a los pequeños del hogar.
Otra aspecto muy rescatable es el planteamiento original de un holocausto zombi en la actualidad; ParaNorman se aleja de las nuevas concepciones de ciencia ficción de los muertos vivientes y se queda con las monstruosidades canónicas que nacieron en las producciones de cine B, exponiendo en pantalla que evidentemente estos no muertos de hace 300 años se las verían más que negras en nuestra sociedad “tecnificada”, donde hemos crecido perdiendo poco a poco la sensibilidad y estirando nuestra tolerancia a la violencia.
Y es ahí donde esta parodia de zombis se convierte también en una crítica a nuestro estilo de vida actual. Hay una parte más seria de la película donde se nos pone de manifiesto que la intolerancia aunada a la ignorancia es un elemento que puede despojarnos de toda nuestra humanidad. Ustedes la notarán de inmediato porque de hecho es la parte más madura de toda la historia, que se resuelve dándole peso de nueva cuenta al libre albedrío.
Los personajes esterotipo son también una parodia en ParaNorman
La historia avanza de manera original y generalmente con buen ritmo, aunque algunos pueden sentir los gags y bromas algo espaciadas. El cierre de la historia en ParaNorman está muy bien logrado, ya alejado de cualquier tono de humor y es la parte más oscura del filme, que nos recuerda que esta cinta, aunque no deja de ser familiar, puede no ser tan recomendable para los niños más chicos.
Todos sabemos que estas películas mantienen historias que enaltecen los valores y dejan un aprendizaje, pero la historia real de fondo resulta ser bastante sombría a comparación del resto del cine animado del año. Eso sí, aunque no es un película muy larga, los personajes cambia, crecen y maduran, y no dejan de lado la moraleja al final del cuento.
Ésto también le traerá seguramente un grupo de seguidores muy bien definido, que se enamorarán de la combinación de cinta para público infantil, historia sombría, diseños atrevidos y una estética que llama inmediatamente la atención en cuanto te sientas a ver la película. El único “pero” con la producción de ParaNorman es que la versión en 3D no ofrece nada para resaltar, e incluso en varios momentos puedes quitarte los lentes y notarás que el largometraje no tiene tanto trabajo en este formato, y el que presenta es más bien demasiado sutil.
ParaNorman resulta ser una buena película para chicos y grandes
Es una lástima que ParaNorman esté un tanto fuera de temporada, habría sido genial ver este largometraje animado en fecha cercanas a las de Halloween y Día de Muertos, porque es la película indicada de zombis para chicos y grandes. El trabajo visual es de disfrutarse, pues es una artesanía en sí a pesar de la evolución en la industria, y tiene una buena dosis de diversión apta para todo público. Simplemente no se la pueden perder, ParaNorman destaca sorpresivamente como uno de los mejores estrenos animados del año.
En Batman: El Caballero de la Noche Asciende (The Dark Knight Rises), Christian Bale se pone por tercera vez en la piel de Batman/Bruce Wayne para participar en el capítulo final de la reciente trilogía del hombre murciélago en cines. El director, Chistopher Nolan, tiene una misión doblemente difícil en manos, por una parte realizar una estupenda película a altura de las entregas anteriores, y por otro lado que sirva a la vez de listón de oro para cerrar una de las sagas más exitosas de la pantalla grande.
Batman: El Caballero de la Noche Asciende
Hace siete años un joven cineasta tuvo la visión de que un hombre puede convertirse en un símbolo, inspirar a millones de personas a cambiar, y ser lo que ellos necesiten para bien en ese momento.
Christopher Nolan creó los cimientos de ese símbolo en 2005 con Batman Inicia, un reboot del popular personaje de DC Comics en la pantalla grande, ahora bajo la tutela de un nuevo cineasta que le quería cambiar la cara no sólo al encapotado, sino al cine en sí.
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Nolan sacó a Batman de su contexto habitual, o al menos del más conocido, entregando a un superhéroe más humano y uno cuyo fin sería algo más que detener al villano del momento y salvar el día: Batman debería convertirse en un leyenda inspiradora.
Quizá este detalle a muchos se nos olvidó con el mismo paso de las anteriores entregas de la trilogía, ya que por momentos la adversidad que proponían las películas superaba la capacidad de Batman de convertirse en lo que Ciudad Gótica necesitaba. El hombre murciélago estaba inmerso en una sociedad cuyo peor enemigo resultaba ser ella misma.
Batman Inicia (Batman Begins) presenta a Ra’s al Ghul, líder de la ancestral Liga de las Sombras, que hace ver a Bruce Wayne la realidad de una ciudad corrupta en todos los niveles e invadida por el miedo a simplemente “reaccionar”. Batman: El Caballero de la Noche (The Dark Knight) introdujo dos nuevas aristas a la ecuación: caos y locura, representadas por los villanos en turno, Joker y Dos Caras.
Batman regresa en la noche más oscura de Ciudad Gótica
Dos aclamadas producciones que levantaron a cotas increíbles la expectativa para Batman: El Caballero de la Noche Asciende (The Dark Knight Rises), pero que a la vez nos señalaban de manera constante que difícilmente Nolan podría igualar su trabajo anterior. Comencé a ver este largometraje con esa idea en mente, el reto que el cineasta y el elenco tenían de intentar superar lo que parecía insuperable, y no sería hasta el último minuto que por fin podría dar mi veredicto.
The Dark Knight Rises
Comenzaron a rodar los créditos de Batman: El Caballero de la Noche Asciende y escuché un ligero aplauso en un rincón de la sala, seguido por una carretilla similar de gente que incluso se levantaba para aplaudir a un elenco que no estaba presente y nunca se enteraría de ese gesto -ñoño- de admiración, pero que confirmaba lo que yo también sospeché cuando vi el final: Batman: El Caballero de la Noche Asciende no sólo es una gran conclusión de la trilogía, sino una que sin distinción de géneros y gustos, representa en una sola obra lo mejor de los cómics y del cine contemporáneo.
Christopher Nolan lo logró. Dejó atrás aquellas cintas basadas en cómics donde los superhéroes son figuras ajenas a cualquier realidad y representaciones más coloridas que exactas. El director cambió de paso la percepción de que el cine debería capturar la estética del cómic y no contar su propia versión del mismo.
“Regresar el poder a los habitantes de Ciudad Gótica”
La línea argumental toma mucho de cómics como La Venganza de Bane, La Caída del Murciélago (KnightFall) y Batman: El Regreso del Caballero Nocturno (The Dark Knight Returns), pero aún con ello Nolan sigue fiel a su creencia, a su estilo, a su manera de ver a Batman como un símbolo que puede inspirar a una ciudad.
Para ello, en Batman: El Caballero de la Noche Asciende rescata a Bane, un personaje que funciona como un antagonista a la misma altura que el murciélago. Ra’s al Ghul fue un acierto en Batman Inicia, Joker robó cámara en la secuela a ser “una clase diferente de criminal”, pero Bane no desmerece y combina lo mejor de ambos, siendo de hecho un reto mayor.
Bane y la caída del murciélago
Bane -interpretado por Tom Hardy– es el líder de lo que parece ser un grupo de mercenarios con ansias de poder en una ciudad que vive un relativo estado de paz tras la muerte de Harvey Dent hace ocho años. Su deceso sirvió como inspiración para presentar reformas legales que permiten un trabajo más eficiente de los cuerpos policiales y los impartidores de justicia.
Tom Hardy realiza a Bane, uno de los villanos más memorables del cine
Revivir el caos en una ciudad que parece florecer por fin no es tarea fácil, pero Bane lo logra junto a su figura, que inspira miedo y respeto con sólo verlo: un tipo enorme, máscara tipo bozal y una voz que choca con su físico. Tom Hardy realmente se metió en su papel para dar vida a este antagonista en Batman: El Caballero de la Noche Asciende, subiendo hasta quince kilos para estar a la altura -o peso- del personaje y creando un lenguaje corporal que va más allá de romper cuellos y soltar golpes, por medio de movimientos medidos de manos, tics nerviosos y expresiones que delatan distintos estados de ánimo con sólo mirar sus ojos.
Bane representa lo mejor que el cómic tiene que dar para enfrentar a Batman y Nolan no tuvo miedo en trasladarlo así a la película: un reto en igualdad de condiciones con el protagonista, que por fin hace justicia a uno de los villanos más emblemáticos de DC Comics.
Atrás queda la presencia del Joker, que por momentos te hacía pensar “este tipo es un desgraciado que siempre tiene un as bajo la manga”, pero uno sabía que Batman no era el que estaba en peligro… él se podía ir y listo, no había mayor problema; Nolan cambió esto en Batman: El Caballero de la Noche Asciende por caras de verdadera sorpresa, por expresiones de desconsuelo en el espectador que inmediatamente se da cuenta de que aquí no hay a donde correr, ya seas héroe o un ciudadano común.
Bane: Un reto a la misma altura de Batman
La crudeza de muchas escenas que involucran a Bane incluso chocan con la realidad de las noticias recientes de ataques, masacres y tiroteos, como la de la premier de esta cinta en Aurora, Colorado. Te pone en -cruel- perspectiva que la ficción no necesariamente está tan alejada de la realidad.
Claro que la historia de Batman: El Caballero de la Noche Asciende no es sólo un simple relato del bueno contra el malo; Christopher Nolan se muestra como un hombre rico en argumentos narrativos y logra crear una epopeya fílmica alrededor de Batman y Bane, apoyándose de fuerte manera en el resto de personajes que conforman este universo fílmico, ya que ninguno sobra ni está encajado a la fuerza, sino que cumple un papel vital en la historia y tiene algo importante qué contar.
El universo de Batman
Así tenemos a Michael Caine interpretando de nuevo -de manera más que magistral- al fiel mayordomo Alfred Pennyworth, y aunque es evidente que sus minutos en pantalla son menos, éstos son muchos más emotivos y constituyen varios de los mejores momentos de la trilogía entera; la sola presencia de Caine como Alfred ayuda a revalorar las apariciones de Bruce Wayne. Otro personaje que baja su presencia en minutos, aunque no en intensidad es Lucius Fox (Morgan Freeman).
Descansen con paz, Anne Hathaway es una excelente Selina Kyle
Del lado femenino tenemos a Marion Cotillard en el rol de Miranda Tate, una empresaria ecologista insistente en que la Compañía Wayne debe trabajar más duro en tecnologías para construir un futuro más limpio; y claro, a la guapísima Anne Hathaway, quien hace el papel de la especializada ladrona Selina Kyle, contratada en un principio para infiltrarse en la Mansión Wayne.
Aunque tenía serias dudas sobre el personaje y específicamente sobre Hathaway en ese papel, la realidad es que la Selina Kyle de Batman: El Caballero de la Noche Asciende termina siendo la más efectiva de las representaciones en cine, quizá no la estéticamente más atractiva para el espectador, pero sí la más funcional en su rol para representar lo que se necesitaba justo del personaje que ella interpreta.
De las fuerzas policiales de Ciudad Gótica tenemos a un espectacular Gary Oldman caracterizando al cada vez más viejo y renegado inspector James Gordon, quien ahora cuenta con la ayuda del novato John Blake (Joseph Gordon-Levitt), un joven policía que aún cree en Batman cuando el resto de los cuerpos de seguridad más bien intenta detenerlo.
Joseph Gordon-Levitt y Matthew Modine dan vida a dos policías clave en los sucesos
Joseph Gordon-Levitt es uno de los actores que más me sorprendió, su personaje no sólo fue diseñado matemáticamente para este largometraje, sino que él le imprime un vínculo especial con el espectador y su interpretación aterriza toda esta fantasía comiquera en un lado más humano, el de los policías comunes que se convierten en los verdaderos héroes en tiempos de desastre. Blake por muchos momentos encarna la esperanza y los ideales de Jim Gordon, Harvey Dent y hasta de Bruce Wayne.
Es difícil adelantar un poco más de la historia en Batman: El Caballero de la Noche Asciende, ya que ni siquiera los tráileres te ponen en la perspectiva de lo que estás por ver en cine y Nolan es de esos cineastas que gustan de realizar tramas complejas, con subidas y bajadas, giros, vueltas y decenas de minitramas las cuales es mejor disfrutar en cine sin el más mínimo spoiler.
Lo que sí se puede adelantar es que a pesar de las dos horas y 45 minutos que dura el filme nunca se siente enfadosamente largo, e incluso la presentación de los nuevos personajes -que es la parte más “lenta” por decirlo así- resulta interesante y vital para la construcción de la historia.
Bane logra poner a la ciudad de rodillas
¡Rise!
Una historia que se construye bajo la premisa del mismísimo doctor Thomas Wayne en Batman Inicia: para levantarse primero hay que caer, y tras dos películas, Batman en realidad no había caído por completo, si acaso resbalado un poco y las consecuencias no se vuelven tan patentes hasta Batman: El Caballero de la Noche Asciende.
Aquí los errores del pasado persiguen a Bruce Wayne mientras los errores del presente alcanzan a Batman, y no sólo el protagonista caerá y buscará levantarse, sino Ciudad Gótica entera, transmitiendo un genuino sentimiento de desesperación y ansiedad.
Aquella misión con la que Bruce Wayne inicia su aventura como el hombre murciélago no adquiere verdadero sentido sino hasta los minutos finales de Batman: El Caballero de la Noche Asciende, un final que por cierto resulta emotivo y encaja como esa pieza de ajedrez que dicta el jaque mate. El cierre de un capítulo que nos hace soñar en obtener más, algo que quizá ya no venga de la mano de Nolan, porque es un hecho que aquí hay mucho y nada que agregar a la vez.
Miranda Tate y Lucius Fox hablando del futuro de la Compañía Wayne
A destacar la fotografía a prueba de balas, con montones de tomas aéreas y planos rápidos, que acompañan las espectaculares escenas de acción de este largometraje. La producción logra recrear con perfección la sensación de hostilidad, desesperanza y caos en Ciudad Gótica, y aunque quizá incluye menos momentos “wow“, en general dichos momentos funcionan mejor.
Disparos, explosiones, bativehículos a todo lo que da, escapes, persecuciones y batallas masivas son parte de la cereza que adorna este espectacular pastel. Existen algunos detalles que pudieron quedar mejor, o partes en las que uno hubiera querido más acción y menos bla bla bla, pero en general todo funciona con sincronía perfecta en esta película.
Sumada a esta cuidada producción visual tenemos a Hans Zimmer con la que sin duda alguna es la mejor banda sonora de su carrera como compositor, Batman: El Caballero de la Noche Asciende es un deleite para los oídos y mucho de este mérito pertenece a Zimmer.
Hasta Blackgate tiene una aparición especial
¿The Dark Knight Rises supera a las dos anteriores entregas de Nolan? Definitivamente sí… pero gracias a las mismas precuelas. Habrá matices y subjetividad en las opiniones de todos, pero me parece que tras ver las tres cintas queda claro que el director no quiso exactamente que ésta fuera la mejor de todas, sino que cerrara el círculo, que completara de manera contundente su visión de Batman. Y lo logró.
Es un hecho que la tercera parte no funcionaría al mismo nivel sin las dos primeras; al final no compiten con este filme, sino que lo complementan para cerrar la trilogía. Eso es precisamente lo que convierte a Batman: El Caballero de la Noche Asciende no sólo en la más lograda de las tres, sino en la mejor película de superhéroes, la mejor adaptación de un cómic al cine y uno de los largometrajes más disfrutables de los últimos diez años.
Atrás también quedan las comparaciones con la incursión de Avengers al cine: créeme, a pesar de lo increíblemente entretenida que resulta ser Los Vengadores, es sólo un juego de niños comparado con Batman: El Caballero de la Noche Asciende. Convencerá incluso a los más acérrimos seguidores de las historietas, quienes encontrarán decenas de guiños interesantes.
Batman: El Caballero de la Noche Asciende es un filme épico de principio a fin
Al concluir la función, quería levantarme y también aplaudir yo. Pasaron siete años desde que comenzó Christopher Nolan a retratar su visión de Batman como símbolo de inspiración… esos aplausos en la sala de cine -aunque quizá fuera de lugar- demostraban que lo había logrado. The Dark Knight Rises hizo trascender al encapotado fuera de las viñetas de cómics y las imágenes del cine, para colocarlo en su justo lugar como ícono de la cultura moderna, como una leyenda de la que generaciones presentes y futuras hablaremos por mucho tiempo.
Quizá debí haberme dejado llevar y aplaudido yo también. Pero me conformé con sonreír como niño que sufrió y gozó junto a su superhéroe favorito de los cómics, y con la satisfacción de un adulto al ser testigo de la película que cierra de manera perfecta una de las trilogías que marcarán la industria del cine para siempre.
Valiente (Brave) es el decimotercer filme animado de Pixar, que después de dos años consecutivos de secuelas (Toy Story 3 y Cars 2) ofrece en la pantalla grande una historia más en la vena de su distribuidora Disney que de los trabajos clásicos del estudio.
Valiente
Hay ocasiones en que la industria cinematográfica se llena de propuestas tan rebuscadas que queda poco espacio para películas con una historia simple y hasta conocida, pero que lleven la etiqueta de entretenimiento como bandera más allá de entregar un largometraje innovador o con un gran derroche de recursos narrativos.
Pixar lo entiende, y con Valiente revive los cuentos de hadas y princesas en el celuloide. Atrás deja a los muñecos, vehículos y animales que hablan para adentrarnos en la vida de una peculiar doncella que desafía las costumbres de su época y se embarca en una aventura medieval, que si bien no se siente particularmente fresca, nunca deja de ser atractiva.
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La princesa de Pixar
Valiente es la historia de Mérida, una princesa escocesa del siglo X que no pretende seguir con las tradiciones casamenteras que le imponen. La norma dicta que cuando la princesa cumple determinada edad, los primogénitos de los clanes vecinos serán presentados para competir por su amor y mantener la alianza que ha perdurado por años entre las distintas familias.
Los clanes son invitados por el rey Fergus y la reina Elinor para participar en una suerte de juegos de destreza y fuerza, para que quien resulte ganador quede comprometido con Mérida. Como es de suponerse, la joven no está de acuerdo con ésto y decide “defender su mano”, ya sea participando ella misma en las competencias e incluso recurriendo a un encantamiento para que su madre cambie y no la obligue a casarse.
Las cosas no salen como Mérida esperaba y sus abruptas decisiones ponen en peligro no sólo la vida de su familia, sino el balance existente en el reino, al poner en tela de juicio la paz entre los distintos clanes, que basan su fortaleza en la unión de todos para un fin común.
Personajes entrañables y divertidos son el fuerte de Valiente
La historia parece un viejo conocido de los cuentos de hadas y a muchos les recordará por momentos a varias otras cintas del género, pero claro, Pixar le pone su toque a este relato que se siente muy Disney, aunque con dos diferencias en específico: contrario a las damiselas -que suelen estar en desgracia- de la casa de Mickey Mouse, Valiente nos presenta a una princesa autosuficiente.
En segunda, la película no da lugar como tal a villanos ni antagonistas, sólo personajes cuyo destino los ha llevado por un rumbo donde quizá el cúmulo de sus acciones no son precisamente las mejores.
Además de estos detalles, Valiente basa su fortaleza narrativa en sus protagonistas, personajes siempre vívidos, bromistas y divertidos, que de cierta manera encajan en el clásico patrón de los cuentos de hechizos y princesas, pero a los cuales Pixar otorga personalidades interesantes y ajenas a su papel en la película, roles que uno fácilmente puede asociar con los de una familia actual… lo que la vuelve no sólo animadamente verídica, sino muy entretenida.
El deseo de Mérido pone en peligro a su familia
Mérida
Una princesa de rojizo cabello ondulado, alejada del concepto de doncella que espera el rescate de su príncipe azul e incluso pudiera parecer un poco tomboy. La protagonista de Valiente sacó más el carácter de su padre que el de la reina, volviéndose impetuosa, imprudente y decidida, pero que debajo de esa coraza de adolescente rebelde esconde una niña frágil y con deseos simples.
Fergus
El rey es la fiesta en este largometraje animado. Un padre chévere dicharachero al cual le fascina contar una y otra vez las anécdotas de sus aventuras, sobre todo las que tienen que ver con temibles oso, con los cuales siente aversión desde un ataque que sufrió hace varios años. Su bigote despeinado y su enorme nariz complementan a uno de los personajes más entrañables que Pixar ha creado hasta la fecha.
Elinor
La típica mamá perfecta que desea retratar su vida en la de su hija porque considera que es lo correcto y el modelo a seguir. La reina escocesa lleva toda una vida enseñándole a Mérida cómo se debe comportar en cualquier situación una dama de alcurnia, pero parece que la tradición sobre pedir la mano de la princesa finalmente rompió la buena relación entre madre e hija.
Harris, Hubert y Hamish
Los hijos de los monarcas Fergus y Elinor, un trío de pequeños rufianes que sólo piensan en comer, bromear y causarle dolores de cabeza a su padre y a la cocinera. A pesar de su corta edad y su espíritu travieso, los niños terminan siendo de gran ayuda para la princesa Mérida; junto con el rey son quienes por mucho rato “roban cámara” en Valiente con sus puntadas y peripecias.
Sumado a la familia real tenemos a los líderes de los clanes y sus respectivos hijos: Dingwall, MacGuffin y Macintosh, quienes a pesar de ser meros personajes secundarios, contribuyen a aligerar la tensión cuando es necesario y a participan en varias, sino es que en las mejores, bromas de la película. La magia de Valiente pasa por la riqueza de sus personajes y difícilmente uno desmerece, incluso aquellos que aparecen sólo un par de minutos tienen algo que contar y con lo cual hacen sonreir (o carcajear) al espectador.
Valiente es perfección animada
El otro punto fuerte en esta cinta animada es la calidad de su producción. Al ver Valiente uno pudiera pensar que Pixar representa sus historias de manera caricaturesca sólo porque así lo desean. La riqueza gráfica en escenarios foto realistas y los miles de detalles en los personajes -desde su vestimenta hasta las arrugas- hacen de este largometraje un espectáculo de animación por sí mismo y la mejor producción, visualmente hablando, del estudio.
Las interpretaciones musicales y vocales están en el mismo tenor, siendo de las mejores bandas sonoras de la productora, con temas que no sólo se escuchan bien dentro de Valiente, sino que invitan a ser escuchados fuera de la película. ¿El doblaje en español? Como siempre, excelente.
Valiente es una de las mejores producciones de Pixar
Una producción prácticamente perfecta, personajes entrañables y revivir en tiempos modernos los olvidados cuentos de hadas es la mejor carta de presentación de Valiente. Los directores, Mark Andrews y Brenda Chapman se las ingeniaron para convertir un cuento simple en una aventura para chicos y grandes, que a pesar de dicha simplicidad, encierra una atrevida moraleja sobre la comunicación entre madres e hijas.
Estamos ante una comedia de fantasía poco pretenciosa, pero que nunca peca de aburrida e invita al espectador a disfrutar una de las historias familiares mejor contadas en lo que va del año. Valiente es la película más Disney de Pixar, lo cual no es necesariamente malo, pues la “combinación” refrescó un género infantil venido a menos y convierte a este largometraje en la mejor opción en cine animado para este verano.
Witzy Witzy araña tejió su telaraña, vino la lluvia y se la llevó, pero llegó Marc Webb para volver a colocar a la franquicia de Spider-Man en cines con El Sorprendente Hombre Araña, un reboot que puede parecer poco necesario para una pasada trilogía que entregó buenos resultados en taquilla (y también en el gusto del público) y cuyo último filme se estrenó hace apenas cinco años. La pregunta era si esta nueva versión superaría a la de Sam Raimi y lograría aprovechar el rejuvenicido boom de Marvel en la pantalla grande.
El Sorprendente Hombre Araña
A fuerza de ser sinceros, la trilogía original de Spider-Man dirigida por Sam Raimi nunca me convenció del todo. No puedo decir que fueran películas malas (bueno, El Hombre Araña 3 sí es malona), pero sentía que, si bien los filmes habían capturado mucho de la esencia del Spider-Man, no habían logrado lo mismo con el personaje de Peter Parker, y en los cómics, algo que distinguió a Marvel sobre su competidora DC Comics es el lado humano de sus superhéroes.
Ese lado humano por fin quedó cuajado en El Sorprendente Hombre Araña. Marc Webb se dio a la tarea de concebir una historia donde Peter Parker y Spider-Man tuvieran prácticamente el mismo peso y fuera igual de interesante Peter que su contraparte heroica para la audiencia.
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Para dar vida al arácnido, Marvel llamó a Andrew Garfield, un joven y prometedor actor que ya habíamos visto en Red Social. Para el papel de Gwen Stacy contrataron a Emma Stone. La pareja logra en menos de media hora lo que no pudo construir Sam Raimi en tres películas distintas: un romance efectivo para el espectador en medio de una entretenida película de superhéroes.
La idea de Marvel y Webb también era construir este nuevo personaje más parecido al original de las historietas: un genio preparatoriano, no precisamente antisocial, pero tímido y de bajo perfil, aunque de carácter afable. Andrew Garfield logra caracterizar muy bien a Spider-Man y le da un toque hasta cierto punto juvenil y fresco al personaje, pero siempre muy cercano a su contraparte de papel.
Para profundizar en Peter Parker, una de las premisas de El Sorprendente Hombre Araña era responder varias dudas que ni los cómics han resuelto, respecto al pasado, presente y futuro de los padres del joven debajo de la capucha roja, que como veremos en los primeros minutos del largometraje, se ven obligados a dejar -por cuestiones de seguridad- al pequeño Peter al cuidado de sus tíos Ben y May.
Los tíos Ben y May, interpretados por Martin Sheen y Sally Field
La historia continúa ya varios años después, Peter Parker es ya un adolescente prototípico y normal en una preparatoria de Nueva York. Ahí es donde conoce a Gwen Stacy, una linda rubia que no ve con malos ojos al protagonista, a quien incluso ayuda a entrar a los edificios de Oscorp, compañía donde ella trabaja y que al parecer puede tener información vital sobre el paradero de los padres de Peter.
Para complementar la trama de El Sorprendente Hombre Araña tenemos al doctor Curt Connors (Rhys Ifans), un investigador que en el pasado había trabajado con el padre de Peter en temas referentes a la genética entre diferentes especies y que termina siendo el villano de esta cinta al convertirse más adelante en El Lagarto (The Lizard). Ifans realiza un trabajo notable con su personaje, que no parece tener el mismo peso de otros villanos mayores que aparecieron en las anteriores cintas de Spider-Man, pero que ayuda a construir esta nueva mitologícon un antagonista que es una especie de Dr. Jekyll y Mr. Hyde.
Las inevitables comparaciones
Sin embargo, el peor enemigo en El Sorprendente Hombre Araña no es El Lagarto, sino la inevitable comparación con la cinta El Hombre Araña, estrenada en 2002. A pesar de que la mayoría de cambios en Peter Parker y Spider-Man son positivos, nunca cesa ese sentimiento de deja vú, de que todo esto de alguna u otra forma ya lo viste, más tomando en cuenta que retoman en pantalla elementos clásicos que dan forma al superhéroe, como el reconocimiento de sus poderes y el papel de los tíos Ben y May.
Peter Parker se empieza a dar cuenta de sus poderes
Quizá esa sea la mayor queja contra el nuevo largometraje de Marvel: le faltó ser más audaz. Es verdad que este enfoque de los hechos conocidos es más entretenido, pero no por ello dejará de ser repetitivo para muchos, y la supuesta trama sobre la búsqueda del pasado de la familia Parker se queda precisamente en meras suposiciones, pues El Sorprendente Hombre Araña aborda todo esto de manera muy somera, dejando alguna pista por aquí y por allá, haciendo referencia en muy contadas ocasiones al suceso, pero nunca de verdad centrando la historia en lo que te vendían como tag line: la historia que nunca vista en los cómics.
Resulta al final, que casi todo esto ya lo habías visto en las historietas, y la fórmula de El Sorprendente Hombre Araña, aunque efectiva, no deja de ser la que ya conocemos: conoce a la chica, enamora a la chica, sale el villano, vence al villano y rescata a la chica.
Hay que destacar que el cineasta Marc Webb colocó, pese a todo, detalles muy interesantes en su versión, no tanto en la forma de vueltas de tornillo en la trama, sino de personajes mejor construidos y elaborados, algunos clásicos como Ben y May, que son magistralmente interpretados por Martin Sheen y Sally Field, y otros nuevos que le dan fuerza a lo que sucede en pantalla, como el capitán George Stacy (Denis Leary), el padre de Gwen.
Andrew Garfiled luce más convincente como Spider-Man
La misma pareja entre Andrew Garfield y Emma Stone le da una dimensión realista, con un romance muy bien trabajado y creíble del que gozan pocas películas de este género. Y claro, el director dejó regadas piezas de un rompecabezas que seguramente apuntan hacia la historia prometida en las secuelas, incluyendo -como todo buen filme de Marvel- una escena adicional posterior a los créditos que da luz sobre el villano de la segunda parte.
El comienzo de un nuevo Spider-Man
Algunos pueden sentir que El Sorprendente Hombre Araña tiene algunos plot holes, como lo respectivo al porqué Peter no tiene problemas colaterales severos con el piquete de la araña y algunos detalles inconclusos, pero estos responden no a qué no se haya pensado en ellos, sino a que finalmente decidieron editar y recortar estas escenas -tal vez porque revelaban demasiado para una futura secuela-, aunque seguramente las veremos en el Blu-ray.
En el apartado de producción es sorprendente, salvo la banda sonora, ya que parece que James Horner no realizó ninguna composición memorable e incluso algunas piezas musicales no están a tono con lo que sucede en pantalla.
El romance entre Gwen y Peter funciona bien
Pero la fotografía y los efectos especiales son buenos. Habrá quienes se quejen de esta visión de El Lagarto, una criatura que muchas veces parece un híbrido entre Croc y Godzilla, pero que en lo personal, y para la trama de El Sorprendente Hombre Araña, me parecen efectivos los ajustes en el personaje. Mi único pero real con los efectos por computadora es una rata mutante que se ve muy pinche fea y más parece salida de Las Tortugas Ninja que del universo de Marvel.
Las secuencias de peleas, persecuciones en tejados y columpio por todo Nueva York son de verse para disfrutarse, más aún en 3D, ya que los productores sacaron todo el jugo posible en este formato, lo hicieron de manera inteligente y son fácilmente de las secuencias mejor logradas en 3D: luce espectacular, a veces en primera persona, otras con proyectiles que salen hacia la pantalla y en otras ocasiones simplemente con objetos que van apareciendo en un plano frontal y enriquecen la experiencia.
A esto le podemos sumar muchas escenas con dobles de acción y piruetas peligrosas, haciendo gala de los movimientos que comúnmente presenta el arácnido en cómics, pero que en la pantalla grande lucen sinceramente impresionantes. La única escena de acción que luce fuera de lugar es la primera pelea que se realiza en un metro, no porque esté mal ejecutada, sino porque me parece que pudieron mejorar el contexto y me parece más un homenaje al humor de Buster Keaton que una escena bien aterrizada.
Un clásico de los cómics: Spider-Man es perseguido por la Policía
Las batallas en El Sorprendente Hombre Araña son ágiles, con movimientos tan rápidos que si no estás atento puedes perderte tres o cuatro madrazos, aparte de un montón de objetos destructibles que colaboran a que la palabra acción le quede chica por momentos a esta película. Aparte, las peleas tienen ese toque de humor de Peter Parker, con sus chascarrillos típicos y la sensación de que efectivamente es un preparatoriano el que está disfrutando sus poderes debajo del traje.
El Sorprendente Hombre Araña logra capturar mucho de la esencia del cómic en poco más de dos horas. La película tiene algunos detalles que la alejan de la perfección o de ser la mejor del género de superhéroes, pero nunca deja de ser muy, pero muy entretenida.
A pesar de la sensación que de mucho de esto ya lo conoces y lo viste recientemente, los nuevos actores le dan nueva vida a los personajes; la película logra crear el balance ideal entre un Peter Parker creíble y un Spider-Man disfrutable, con un villano que si bien no es el favorito de todos, logra su misión de ser un catalizador en la vida del arácnido y ponerlo a prueba. La acción y lo bien lograda de la producción en 3D le dan varios puntos extras y la convierten en una excelente opción en cines para este verano, no sólo para los fanáticos del Hombre Araña, sino para el público en general, aunque habrá quienes se quejen por ver por enésima ocasión lo mismo.
El doctor Curt Connors es una especie de Jekyll y Hyde
¿La mejor película de Spider-Man? En lo personal sí lo es, se aleja del tono ingenuo y a veces hasta infantil que le imprimió Sam Raimi por uno más cercano al cómic, pero habrá quienes aún prefieran la primera o segunda parte de la trilogía original; lo que es un hecho es que El Sorprendente Hombre Araña pasó de ser un reinicio aparentemente innecesario a la primera de una serie de películas que esperaremos con ansias.
De la mente a veces retorcida y a veces incomprendida de Suda51 llega lo nuevo del estudio Grasshopper Manufacture, una aventura mata zombis encarnada por una mamérrima porrista que tiene como mejores armas una sierra eléctrica con todo y la cabeza de su novio. ¿Se lee disparatado? Ciertamente, pero Lollipop Chainsaw fue publicitado ampliamente por lo que es muy probable que ya conozcas el concepto detrás de este juego para Xbox 360 y PlayStation 3.
Lollipop Chainsaw
¿Destazar zombis con motosierra? La idea ha sido usada y reciclada decenas de veces, al grado de que podemos decir que la sierra está listada en el manual de sobrevivencia zombi como una de las herramientas de máxima utilidad junto a las galletas de animalitos. Pero Suda51 y su equipo no quisieron (re)inventar el género, sino explotarlo, sobre explotarlo y burlarse de ello, ofreciendo de paso mecánicas de juego, diseño, narrativa y toneladas de fan service que difícilmente vamos a encontrar en otro título.
La historia es simple en Lollipop Chainsaw. Juliet Starling es una caza zombis entrenada desde su tierna infancia para descuartizar no muertos, para complementar sus habilidades tiene un cuerpo de Barbie y realiza poses fashion cada tres minutos. Al comenzar el videojuego es el cumpleaños de Juliet, pero en ese día tan especial, la San Romero High School sufre un ataque que pone a la mayoría de la población estudiantil en modo zombi.
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Juliet destripa varios entes durante el prólogo hasta ver que su novio, Nick, ha sido mordido por uno de los zombis, así que para salvarle la vida le realiza un hechizo que mantiene su cabeza con vida: puede hablar, quejarse, decir buenos chistes, acompañarla en su aventura y toda la cosa. Así, Juliet, junto a la cabeza de su novio atada a su cadera, y la ayuda de su familia y su sensei se dirige a salvar su preparatoria antes de que algo bien terrible le suceda.
A pesar de la historia tan simple y los elementos tan cliché que aborda Lollipop Chainsaw, el indagar sobre la trama nunca se siente aburrido, sino por el contrario, invita a conocer el desenlace. La historia mantiene algunas sorpresas por aquí y por allá, así como un montón de tomas sensuales, panty shots, boob shots, maniobras estrafalarias de Juliet y montones de chistes y referencias a la cultura pop y los adolescentes actuales que enriquecen la trama.
No sólo de motosierras vive la porrista
Eso sí, el avance en el videojuego es muy, pero muy lineal. La opción de exploración es prácticamente nula, pero pese a ella no se siente limitada la experiencia, sino dirigida. Lollipop Chainsaw tiene muchas características de los beat em’ up de antaño, y el juego es casi una adaptación de los mismos con un trama disparatada y en nueva generación: niveles lineales, cachetadas y trompones, motones de enemigos, semi jefes, jefes, romper cajas y hasta la flechita que te dicen que le apures y hacia donde avanzar.
Las batallas contra los jefes de Lollipop Chainsaw son memorables.
Para fortuna de la variedad en el gameplay, Grasshopper Manufacture le puso varios aderezos a la fórmula, siendo los principales la lista de movimientos adicionales con tu motosierra, así como ejecutar algunos trucos con la cabeza de Nick.
Conforme avancemos en Lollipop Chainsaw podremos usar la Chainsaw Blaster, una mejora de la sierra que te permite disparar rondas de cañonazos; muy útil para larga distancia y contra varios jefes, aunque poca efectiva contra grupos cercanos de zombis, además de que tienes que andar consiguiendo balas para recargarla. La cabeza de Nick, por su parte, tiene varios “poderes” que vas desbloqueando y tienen diversos usos, como sacar nuevos ítems e incluso aturdir a tus enemigos.
Y eso de aturdir los zombis es uno de los ejes en el juego, ya que la motosierra como tal rara vez surte efecto con un solo tajo, sino que tienes que realizar varios ataques para matar a los enemigos y recibir medallitas. Pero Juliet también tiene sus manos, piernas y pompones para atacar, los cuales generalmente no acaban directamente a los zombis, pero ayudan a llamar la atención del grupo y tras varios golpes los aturdes para, entonces sí, reventarlos con la sierra.
Para aturdir a los zombis tienes ataques cuerpo a cuerpo
La última de tus habilidades de sobrevivencia paranormal en Lollipop Chainsaw consiste en un medidor que se va llenando conforme vas asestando golpes y sierrazos, y que al activarlo te hace brillar de colores y matar a cualquier zombi de un solo ataque mientras escuchas de fondo la canción de “Hey Mickey“. Y claro, un botón para brincar y esquivar.
Lollipop Chainsaw todavía incluye variantes sobre esta fórmula, más que nada a manera de mini juegos regados en los distintos niveles, algunos haciendo uso de tus habilidades de ataque normales y otras con mecánicas de control muy distintas, así que te enfrentarás a basquetbol zombi, beisbol zombi, arar no muertos, habilidades gimnásticas y varias actividades para darle variedad en distintos puntos de tu aventura.
La verdad que esto funciona muy bien y cada modo distinto es un descanso de la mecánica un tanto repetitiva de matar zombis. Para agregar, tenemos que los distintos escenarios, a pesar de lo lineal, están bien logrados, representando diferentes locaciones de la Preparatoria San Romero y diseñados de tal forma que no vuelven tan tediosa tu labor.
Sangre, corazoncitos y arcoiris se desprenden de las tripas de los zombis
A destacar también las batallas contra los jefes de nivel, representadas por diversos zombis con géneros musicales muy definidos como el electro o el punk. Los niveles contienen algunas referencias también a dichos jefe de nivel y sus referencias musicales, pero las peleas con ellos son las que brillan por lo bien logradas que están: originales, atascadas, variadas y que seguramente muchos gamers las recordarán como los mejores momentos de Lollipop Chainsaw.
En todas estas situaciones el control responde efectivamente, con los clásicos problemas de cámara comunes en estos juegos, como que de repente te encuentras dando golpes a ciegas o viendo hacia la pared. Existe un botón para apuntar a tus enemigos, pero salvo algunas ocasiones con los jefes no es muy útil que digamos. Fuera de ello el gameplay es muy fluido y no tardas mucho entre tomar el control y dominar el sistema de juego.
Un zombi con clase… pero cortito
Desgraciadamente, el videojuegos es muy, muy corto y la dificultad rara vez se pone pesada una vez que le agarras la maña al despachadero zombi. Mi primera ronda en Lollipop Chainsaw me tomó poco más de siete horas en la dificultad más alta y si intentan con la dificultad normal probablemente no les dure más de seis.
Lollipop Chainsaw nunca se toma su historia muy en serio
El título incluye algunos retos como una dificultad superior con más enemigos e ítems, varios coleccionables, trajes extras, desbloquear todas las habilidades (que por cierto compras y equipas, pero no es un sistema muy denso) y un modo de clasificación donde intentas mejorar tiempos y puntos para competir en un leaderboard online… algo falto de opciones en este aspecto, bien pudieron incluirle modos tipo sobrevivencia a hordas de enemigos y entrar directamente a las batallas contra los jefes de nivel.
Por otra parte, entiendo que no quisieran alargar de más Lollipop Chainsaw. El videojuego tiene una estética atípica y un desarrollo de historia que no se puede sostener por muchas horas, la fórmula de la narrativa funciona porque también el juego no es largo y no se presta para volverse chocante.
Mucho de la magia aquí son los personajes, con sus frases, con su diseño y con la interacción cómico-terrorífica entre todos: buenos, malos y metiches. Los diálogos de Juliet y Nick son para morirse de risa, con líneas de un humor muy negro, pero inteligente, que varias veces te hará detener la acción sólo para escuchar lo que van a decir. Lo mismo va para la familia Starling y los jefes, cada uno con una personalidad definida que entra y sale en el momento necesario, y que quizá con un juego más largo no hubiera tenido el mismo efecto entrañable que logran.
Juliet y Nick… linda parejita
Las voces de los personajes me fascinaron. Juliet, Nick y el resto del casting realizó un trabajo excepcional en inglés, metiendo a cada personaje no sólo en su rolsino en el papel del juego de no tomárselo muy en serio, en un juego donde los zombis sangran y despiden estelas de arcoiris a mismo tiempo. Todo responde a un guion elaborado, con bromas, referencias al género, a los videojuegos y a los adolescentes destrampados.
La música que acompaña es punto y aparte: una banda sonora seleccionada cuidadosamente por Akira Yamaoka y que acompaña como pocos títulos en la industria la acción del juego. Me atrevo a decir que Lollipop Chainsaw tiene una de las mejores selecciones musicales para un soundtrack en los últimos años; pronto te encontrarás tarareando canciones como “Hey Mickey“, “You Spin Me Around“, “Rythm Riot“, “Turtle Crazy” y “1,000 Cigarettes“, entre otras.
Los gráficos por su parte son muy buenos, sin llegar precisamente a los estándares más altos que veremos en otros títulos, aunque con un modelado de personajes muy bien realizado, sobre todo a Juliet Starling, que uno no se cansa de verla chupar paletitas y realizar sexys piruetas. Los gestos en su rostro también están muy bien logrados.
Hay una gran variedad de trajes para desbloquear
Los enemigos, el resto de la familia Starling y los jefes de nivel todos presentan varios detalles que los hacen resaltar sobre los escenarios, que en general lucen un poco más planos y un par de rayitas abajo en la calidad gráfica. Sin embargo, con toda la acciónsin alentarse y fan service corriendo en alta definición por tu televisor , uno deja de fijarse en ese aspecto a los pocos minutos. Visualmente Lollipop Chainsaw cumple y resalta lo que tiene que resaltar de manera adecuada.
En conclusión para la reseña, Lollipop Chainsaw es un videojuego que cumple con lo que prometió: una güerita sabrosona despachando zombis en un ambiente de juego divertido y acompañado de uno de los diseños más atractivos de la industria. El gameplay cumple, los diálogos y bromas son por demás inteligentes, las voces hacen muy bien su tarea y una alucinante banda sonora ayudan a convertir a este mata zombis en uno de los títulos con más clase de la industria.
Lollipop Chainsaw: un videojuego con toneladas de fan service
Desafortunadamente toda esa clase te dura poco, y aunque aún hay varias cosas por hacer tras terminarlo, sacarle absolutamente todo puede no tomarte más de quince horas, lo que algunos pueden considerar poco tiempo para realizar una inversión de juego nuevo. Muy recomendable, aunque si no te urge tenerlo en tus manos puedes esperarte un par de meses para adquirir Lollipop Chainsaw para tu Xbox 360 o PS3 a un precio menor.
Que mejor temporada para los estrenos infantiles que los cierres de ciclo escolar. Los niños están aburridos en casa y hay que realizar el noble esfuerzo por distraer su hiperactividad o explotar en las salas de nuestras casas mientras intentamos ver el futbol. Ahí es donde entra sin calzador ir al cine, y qué mejor opción que La Era de Hielo 4, la nueva producción de Blue Sky Studios que pone a la manada favorita de todos frente a unos piratas ancestrales.
La Era de Hielo 4
Como es bien conocido, la temática en La Era de Hielo, siempre ha tenido esa costumbre argumental de retratar alguna de las etapas más significativas de la evolución geológica de nuestro planeta.
Para La Era de Hielo 4 veremos cómo es que el panorama cambia radicalmente para nuestros mamíferos protagonistas cuando las masas de tierra comienzan a desprenderse y los continentes a separarse, ofreciéndonos una visión apta para toda la familia de aquel apocalíptico momento.
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Morita, la hija de Manny y Ellie ya está en plena pubertad y comienza a sentirse diferente por su peculiar círculo familiar. Al mismo tiempo se ve atraída por el joven mamut más rudo de la comarca, Ethan, pero al más mínimo intento de socializar, su padre siempre está omni presente para asegurarse de que nadie le ponga un dedo… o la trompa encima a su pequeña.
Por otro lado Sid, el despistado perezoso, recibe una frenética visita de su desaparecida familia, quienes únicamente darán señales de vida para encargarle de mala manera a su escurridiza abuela, una anciana que delira constantemente entre la senilidad y las fantasías de una niña de cinco años… y Diego, como siempre, es arrastrado por las locuras de Sid.
Justo en ese momento los continentes comienzan a desplazarse de una manera violenta, separando a la atípica manada, pero sobre todo, separando a Manny de su familia y quedando inesperadamente flotando en un pequeño iceberg en medio del océano, alejándose lentamente para quedar a merced del océano.
Morita y Ellie son separadas de Manny
Ahí serán asaltados por el capitán Tripa. Un babuino prehistórico que está a cargo de una pandilla de bucaneros que harán más difícil el regreso de la manda a casa.
Aprendiendo a convivir con Manny, Sid y Diego
Así es como comienza la aventura de la manada glaciar favorita de todos en La Era de Hielo 4, una franquicia que quizá ha perdido algo del toque con el que inició su travesía este peculiar grupo en 2002 y que con la secuencia inicial con la interminable persecución de Scrat detrás de su bellota inalcanzable, deja muy en claro que veremos algo simple y sencillamente para sentarnos y divertirnos.
Aunque siempre hay un espacio para el mensaje positivo en la saga. La Era de Hielo 4 aborda de manera discretalos conflictos clásicos de los adolecentes al querer aislarse por un momento de su círculo familiar, sobre todo para comenzar a socializar con personas de su misma edad. La sobreprotección paternal (Manny) también está presente desde luego, retratada de una manera que se anuncia sin problema alguno como un cliché más a la receta.
La pandilla de piratas le hará la vida imposible a la manada
Y por si fuera poco, La Era de Hielo 4 también incluye el tema del respeto a las personas mayores, y créanme que la abuela de Sid deja de manifiesto, y de manera muy divertida, que muchas veces a estas personas lo que les sobra es más vida que tiempo.
A pesar del claro mensaje intrínseco, la película pierde completamente la mesura desde su planteamiento y solo intenta ofrecerle al público las situaciones más divertidas posibles utilizando de pretexto marineros ancestrales y la deriva continental, llegando incluso a forzar mucho el diseño de los personajes, que si bien hasta ahora habían tenido un tratamiento poco caricaturesco, para La Era de Hielo 4 el uso de accesorios y pelaje en forma de sombrero pirata del capitán Tripa o caballera punk es algo que luce completamente innecesario en una historia que se había caracterizado por protagonistas con sentimientos, pero sin rasgos físicos demasiados humanos que rompieran el encanto.
Detalles gélidos
Pese a ello, el ritmo de la película es muy bueno y suceden muchas cosas en pantalla antes de que alguna situación muy remota te recuerde que el eje de las historias de La Era de Hielo 4 es el fomento a los valores familiares.
Sid encontró en su abuela la horma de su garra
El largometraje animado también nos presentan a varios personajes nuevos en este entrega y todos en buena medida aportan a la cinta en cuestión del factor cómico, aunque ninguno, ni siquiera los villanos, se sienten como indispensables para la cinta, mientras que Manny, Sid y Diego se enfrentan a algunas situaciones en las cuales se tendrá que probar su temple y la lealtad, pero estas se resuelven de inmediato con la intención de continuar con un ritmo de narrativa más atascado.
Esto me parece efectivo, el que todas estas paradojas en La Era de Hielo 4 se presentan claramente y con cuestionamientos sin tantas pretensiones, porque de lo que se trata es de dejar una semilla en el inconsciente de los niños y no intentar descifrarles la complejidad del ser humano en 90 minutos.
Los adultos también apreciamos una rápida visita a la infancia con una cinta justo para entretenerse sin pensar mucho, aunque quizá por momentos uno pediría un poco más de sustancia en la historia, que por momentos peca de demasiado, pero demasiado simple.
Diego y Shira…. ¿love is in the air?
Aunque algo que en lo particular me salto de inmediato al ver La Era de Hielo 4, fue una secuencia musical ejecutada alegóricamente por el capitán Tripa y sus parias del mar. En lo personal me pareció muy anacrónica y pésimamente realizada en cuestión de todo el concepto que había manejado la franquicia desde hace más de diez años.
Según el casting original, figuran voces de artistas pop del momento, pero dudo mucho que eso le dé el más mínimo ápice de valor a esta secuencia, es decir, ni siquiera tiene una melodía memorable, la ejecución es probre y los personajes no son tan coloridos como para que busquen clavarse en la mente de los niños. Si se ahorran esta escena no hubiera pasado nada.
Si bien es cierto que se aleja del concepto original de la primera entrega, los personajes nuevos no cuajan del todo y la historia peca de simple, las bromas y los momentos de chuscos rescatan La Era de Hielo 4 y la ponen como una buena opción familiar para este verano en cines.
Scrat en busca de la siempre elusiva bellota
Eso sí, la versión en 3D no es muy llamativa y parece que no se esforzaron mucho en meterle detalles de este tipo, por lo que yo les aconsejaría no gastar de más en la proyección y mejor invertirlo en palomitas, las van a necesitar. La Era de Hielo, a pesar de que con cada entrega parece perder un poco de magia sigue siendo un buen humor y espectáculo visual para toda la familia.
La última aventura de Tim Burton y Johnny Depp no terminó tan bien como esperaban. Alicia en el País de las Maravillas entregó más críticas negativas que halagos, aunque la colaboración director-actor entre ambos siempre cosecha especial interés y este es también el caso de Sombras Tenebrosas (Dark Shadows), donde los dos se reencuentran también con la actriz Helena Boham Carter. ¿Sombría, tenebrosa y cómica o sólo una más del montón?
Sombras Tenebrosas
Cada filme de Tim Burton es una nueva experiencia, aunque no necesariamente una innovadora. El cineasta sabe imprimir ese sello tan específico a sus creaciones, que parecen gritar por sí mismas: “¡Miren, soy una película de Tim Burton!”, pero la fórmula se ha venido desgastando y aunque los visuales del director siempre son agradables para el espectador, sus historias no siempre conceden el mismo grado de interés.
Desgraciadamente, ese es también el caso de Sombras Tenebrosas, donde Burton reinterpreta una antigua serie de televisión de finales de los 60 para transportarla a la pantalla grande en un largometraje que mezcla con muy poca suerte comedia, drama, romance y terror.
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Sombras Tenebrosas es principalmente la historia de Barnabas Collins, interpretado por uno de los favoritos de Burton, Johnny Depp. Barnabas es un vampiro venido a menos, un hombre proveniente de familia adinerada que fue maldecido por una bruja celosa al no poder conseguir su amor: mató a sus padres, a su amada y terminó convirtiéndolo en un ente chupa sangre. No contento con ello, puso al pueblo en su contra hasta que lo cazan y lo entierran en un ataúd para que, supuestamente, nunca saliera de ahí.
Pero como era de esperarse, Barnabas es liberado en una excavación 200 años después y regresa a lo que una vez fue su hogar, donde los descendientes de los Collins intentan mantener el poco dinero de lo que fue una vez una gran fortuna. El vampiro ayudará a la familia a recuperar sus negocios, pero primero tendrá que adaptarse a 1972, una época muy diferente, donde existen ya los vehículos deportivos, la televisión a color y las mujeres doctoras.
Para completar el cuadro, Barnabas Collins pronto se dará cuenta que su antigua amante y la que lo convirtió en lo que es, la bruja Angelique Bouchard (Eva Green), sigue viva y controla el negocio de pesca que alguna vez perteneció a su familia.
Johnny Depp como Barnabas Collins
Sencilla historia en apariencia que debería llevar a un sinfín de situaciones entretenidas al buscar un vampiro anticuado su lugar en una época moderna, pero Tim Burton se las arregla para volverlo un largometraje poco disfrutable, con personajes francamente aburridos y demasiados chistes tontos que pocas veces te sacan siquiera una sonrisa.
Sombras Tenebrosas deja en evidencia que no sólo parece estar gastada la manera de realizar cine de Burton, sino su relación con el histrión Johnny Deep. Si creías que nunca podrías ver una película del actor en un rol protagónico y aburrirte, piénsalo de nuevo.
Barnabas nunca logra ser un personaje interesante y aunque tiene un trasfondo atractivo, el vampiro rara vez se ve confrontado por el nuevo mundo más allá de un par de bromas mal encajadas y sus escenas están llenas de situaciones que a nadie le importan, especialmente las que tienen que ver con el negocio de la pesca.
Helena Bonham Carter interpreta a la doctora Julia Hoffman
Barnabas y el resto de los Collins
Sombras Tenebrosas deja muchas veces de lado el rol de vampiro del protagonista y resalta más su faceta anticuada, sitación que lo hace más bien lucir estúpido… demasiado estúpido en muchas ocasiones. De repente, Barnabas mata a alguna persona, hipnotiza a otras y se arrepiente de sus actos, pero nunca logra ser un personaje con fuerza que dramatice su dualidad entre ser bueno en el fondo, pero obligado a beber sangre para sobrevivir.
Podríamos debatir que la idea era no tanto hacerlo un personaje dramático sufrible, sino uno específicamente cómico, pero las risas llegan a cuenta gotas y en ese renglón también falla. Por si fuera poco, Depp remató con una de sus interpretaciones más guangas de los últimos años; su faceta de torpe anticuado se siente rebuscada, mientras que la de vampiro es totalmente olvidable.
El resto de personajes de Sombras Tenebrosas circulan en la misma dirección, sin chiste y marcadamente estereotipados: la madre fuerte, el jardinero despistado, la adolescente rebelde, el padre avaricioso, el niño inseguro, la psicóloga desinteresada, la chica buena del que se enamora el vampiro bueno y una bruja celosa que es simplemente bien pinche mala, y ya.
La Familia Addams…. Collins
Salvo la antagonista y Victoria Winters (Bella Heathcote), el obvio interés amoroso de Barnabas, ninguno parece encajar por sí mismo en la historia y no tienen nunca un peso específico que justifique su intervención.
Las actuaciones no son precisamente malas, pero aparte de personajes olvidables, Sombras Tenebrosas también desaprovecha a los actores que les dan vida. Pareciera que el director sólo le indicó a Chlöe Grace Moretz que realizara posecitas sensuales cada que saliera a cuadro y gruñera bien fuerte en la escena final. Lo mismo con Michelle Pfeiffer, a quien le dieron la clara instrucción de que pusiera cara de enojada sin importar lo que pasara.
De entre todos los actores, la interpretación de Eva Green como la bruja Angelique es quizá la única para destacar: su personaje es una vil perra loca y Eva lo lleva a la perfección, de ahí en fuera todos y cada uno de los personajes reduce su campo de interés a que tienen un oscuro secreto que conocemos conforme se va desarrollando la pobre trama.
Barnabas y Angelique supuestamente tienen una relación amor-odio
La producción de Sombras Tenebrosas, eso sí, muy detallada, con los paisajes lúgubres, elementos góticos, caminos retorcidos y candelabros que se estrellan en mil pedazos, todo muy típico de Tim Burton. Pero curiosamente, algo también falla aquí, pues pese a lo impresionante que todo luce, no da esa sensación de ambiente y espacio con 1972, bien pudieron decir que era otra época y difícilmente te darías cuenta del cambio.
La banda sonora también pasa tristemente desapercibida, como si no estuviera Danny Elfman encargada de la misma, melodías que entran y salen con la misma indiferencia que te provocan los protagonistas.
La “batalla final” es lo más atractivo para ver y escuchar en Sombras Tenebrosas, aunque quizá para cuando llegue ese momento lo único que quieras es que esta cochinada finalice y puedas ir a contárselo a quien más confianza le tengas.
La escena más 1972 de la película
Con una narrativa plana y personajes más torpes que entrañables, es difícil recomendar esta película a quien no sea fan de Tim Burton. Sombras Tenebrosas navega entre varios géneros sin aterrizar correctamente en alguno, y aunque su producción tiene varios momentos rescatables, ninguno salva la insípida historia.
La combinación Burton y Depp está tomando el hábito de hacer filmes sosos, y al final de la función la película parece más una obra hecha para ellos mismos y no para la audiencia, una especie de catálogo de todo lo que les gustaría ver en un filme aunque no sea entretenido. Sombras Tenebrosas es precisamente eso, una película exagerada y tenebrosamente aburrida, que sólo funciona como una vaga sombra del mejor cine de Tim Burton.
Con poca fortuna en la taquilla de otros países, pero esperando mejorar la recaudación en México gracias a tu temática, Atrapen al Gringo (Get the Gringo) llegó a las salas de nuestro país, una cinta producida y protagonizada por (el ya veterano) Mel Gibson que no busca reinventar el género, sino contar una historia que parece conocida de una manera en la que no la habíamos visto antes: un gringo atrapado en el sistema penitenciario mexicano.
Atrapen al Gringo
Mel Gibson regresa al género que mejores resultados le dio durante el inicio de su carrera, el de la acción con esa tenue -pero siempre notable- comicidad en cada situación y cada diálogo que interpreta, y que le dio fama a finales de los 80 con la saga de películas Arma Mortal. De cierta manera, Atrapen al Gringo se siente como si al famoso detective Martin Riggs lo hubieran mandado a una cárcel de Tijuana.
En Atrapen al Gringo, Gibson interpreta a un ladrón estadounidense que por azares del destino es recluido a una cárcel, pero en México, cuando en medio de una persecución fronteriza su automóvil termina aterrizando desbaratado en territorio mexicano. Un operativo de rutina, donde normalmente entregan al detenido a las autoridades norteamericanas, queda en el olvido cuando los agentes mexicanos se percatan de que el automóvil donde viajaba el gringo está repleto de varios fajos de billetes verdes.
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El convicto estadounidense es ingresado un penal mexicano para que los oficiales pudieran quedarse con la dolariza y de paso justificar de alguna manera el relajito armado en la frontera. Ahí nuestro gringo se dará cuenta de que en México, para bien o para mal, nada se parece el sistema judicial penal al de su país.
Una larga espera en “barandilla” atascada de cholos montoneros, 24 horas seguidas de corridos y duranguense, y horas de apestoso calor son solo el preámbulo de lo que le espera cuando ingrese a “El Pueblito”, una cárcel que parece un enorme vecindario, donde los presos tienen cierta libertad siempre y cuando no salgan de sus murallas, todo bajo la mirada atenta y el control del verdadero rey del changarro, un narcotraficante conocido como Javi.
El gringo pronto conoce a un niño de diez años (interpretación muy destacada de Kevin Hernandez), convirtiéndose en el primer amigo y aliado de nuestro protagonista, quien buscará salir de prisión, ayudar al niño, recuperar su dinero y sobrevivir la ira del dueño original de los dólares, todo enmarcado en la decadente sociedad de “El Pueblito”, que tristemente retrata de manera asombrosa la corrupción, las fallas en el sistema penal, el narcotráfico y la lucha de clases en los lugares más jodidos de México.
El gringo y el niño
“El Pueblito”
Aquí cabe hacer un paréntesis. El director de Atrapen al Gringo, Adrian Grunberg, lleva viviendo en México gran parte de los últimos quince años de su vida, de hecho, otras cintas de él ya han sido filmadas en nuestro país, como el caso de Apocalypto.
Para esta película el cineasta decidió recrear “El Pueblito”, una cárcel que fue cerrada por el gobierno mexicano después de una serie de motines que costaron varias vidas humanas. La prisión es actualmente el Penal de la Mesa en Tijuana, pero en su momento fue concebida como un innovador experimento para ayudar a la rehabilitación de los prisioneros, a quienes les era permitido vivir con sus familias dentro del lugar y adaptarse al esquema social imperante, donde la principal actividad laboral era el reciclaje de basura y algunas labores manuales, aunque también había negocios de comida y hasta prostíbulos.
El experimento no funcionó y la cárcel fue cerrada. Mucha de la realidad de lo que se vivió en el deprimente lugar fue retratada con tino certero por Adrian Grunberg en Atrapen al Gringo, que si bien por momentos puede provocar alguna risa, también invita a la reflexión, en una película que se acerca más a la realidad de la problemática del crimen organizado en México que muchos otros largometrajes nacionales.
Mel Gibson tiene que sobrevivir a “El Pueblito”
En medio de este sofocante y a la vez folclórico lugar es que Mel Gibson interpreta al clásico personaje plagado de errores, pero siempre dispuesto a la redención. Si bien el gringo no es el personaje más original de la industria, el trasfondo, a pesar de su historia tan sencilla, enriquece este cuento en el que una vez planteada la trama, todos sabemos en qué terminará Atrapen al Gringo.
Para acompañar a Mel Gibson tenemos a un gran número de actores mexicanos que le dan ese toque de realidad a todo lo que vemos. De hecho, gran parte de los diálogos de Atrapen el Gringo son hablados en un (muy florido) español, con actores reconocidos como Daniel Giménez Cacho, que interpreta al narcotraficante Javi; Jesús Ochoa, como el hermano del Javi, y Roberto Sosa, como “El Carnal”, un despistado pero violento adicto primo de los otros dos.
Javi y su hermano regentean el lugar
Como mencioné hace algunas líneas, la historia de Atrapen al Gringo es lineal y predecible, pero lo interesante no es necesariamente el final sino el cómo se llega a él. Las situaciones cómicas, los juegos de balas y la narrativa les recordará a algunos a la línea del director Guy Ritchie, junto con una narrativa puzante que nunca deja de ser divertida.
Las actuaciones y la cuidada producción para recrear a “El Pueblito”, con ropa, música, comida, gente y costumbres que todos identificaremos ayudan al espectador a sumergirse en este mundo (su)realista; Adrian Grunberg logra que por momentos se nos olvide que no estamos frente a una producción mexicana.
Mel Gibson regresa a la pantalla grande como lo sabe hacer. Atrapen al Gringo es una película de acción atada por un hilo de comedia que funciona casi siempre a la perfección. La riqueza de “El Pueblito” y de los personajes simples, pero carismáticos, más un atinado trabajo de dirección y diálogos inteligentes hacen de esta un recomendación para el cine que quizá pocos esperábamos.
Dolores Heredia interpreta a la madre del niño
Atrapen al Gringo es una especie de Arma Letal + Tijuana, un filme que bien pudiera pasar desapercibido, pero termina siendo curiosamente atractivo y tiene algo para todos.
Gainax nos presenta en esta ocasión un anime basado en la exitosa -al menos en Japón- serie de videojuegos para computadora titulada Princess Maker, ¿logrará transportar el feeling que los juegos presentan, o es tan solo un obvio intento de presentarnos un refrito de los mismos y vender con el nombre? Eso lo descubrirás leyendo nuestra reseña de Petite Princess Yucie ( Puchi Puri Yuushi), o de cómo convertirse en una princesa sin dietas ni sacrificios.
Petite Princess Yucie (Puchi Puri Yuushi)
Hace mucho tiempo, existió un reino que casi sucumbió ante el ataque de Satán y sus secuaces del Infierno. Cuando todas las esperanzas parecían perdidas, un guerrero temerario surgió de las cenizas del reino retando al príncipe de las tinieblas en un combate mano a mano, del cual surgió victorioso.
Después de la derrota, Satán y sus legiones de demonios abandonaron el lugar dejando atrás a los sobrevivientes arrepintiéndose de todos sus pecados y agradeciendo generosamente a su héroe. El rey, en recompensa por lograr vencer al mal, le otorgó el título de noble y le obsequió una enorme parcela, una lujosa mansión y una onerosa pensión vitalicia; como si esto fuera poco, un demonio convertido al bien sería su servidor por el resto de sus días.
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La historia de Petite Princess Yucie relata que un año después, el noble caballero vio cómo bajaba de la Luna una niña recién nacida envuelta en un rayo de luz. Así pues, el héroe adopta a la niña como si fuera de él y desde ese momento comienza a cuidar de ella y educarla para convertirla en una hermosa y sofisticada princesa.
Si estás familiarizado con los juegos de Princess Maker, notarás que este animecomienza de manera similar a la de dichos juegos. En Petite Princess Yucie, se relata la historia de Yucie (Yuushi), la pequeña niña que fue adoptada por el noble paladín y que cuenta con 17 años de edad (aunque misteriosamente, se encuentra atrapada en el cuerpo de una niña de diez años).
Yucie y el pequeño Cube
Yucie y Glenda
A pesar de este ligero inconveniente, Yucie es elegida como candidata para convertirse en la Princesa Platina, que será aquella quien se case con el príncipe y que gracias a sus poderes mágicos, será capaz de traer felicidad y abundancia al reino entero, además de que se le concederá un deseo.
Sin embargo, el camino para convertirse en la Princesa Platina es largo e involucra toda clase de labores y aventuras, que pondrán a prueba el temple y la decisión de Yucie. Aunado a lo anterior, tendrá que aprender a convivir con Glenda (Grenda), quien no es más que la hija de Satán y que le jugará toda clase de malas pasadas para evitar que Yucie se convierta en la mítica princesa del cuento.
El desarrollo de la trama en Puchi Puri Yuushi es simple: las vivencias de Yucie y Glenda son la columna vertebral sobre la que se sostiene todo el anime. Aunque cada una de ellas aprende valiosas lecciones sobre la vida, el planteamiento de la serie no va más allá, quizá porque parece estar enfocada a un público (muy) infantil., aunque en algunos momentos sube de tono, como con los sacrificios que tiene que realizar aquella que sea elegida como Platina.
Glenda siempre intenta planear cómo “derrotar” a Yucie
La calidad de la animación es la característica de Gainax, lo cual son buenas noticias, aunque no va más allá ni la cuida en exceso, la serie es ligera y como tal el diseño de los personajes es apenas encima de la media; aunque se presenta un poco de fan service, recordemos que las protagonistas son jovencitas con cuerpos de niñas, así que sólo los seguidores loli se sentirán agradecidos… bueno, no siempre están niñas. Las referencias a la serie de juegos que le dan origen a veces se antojan exageradas y redundantes, pero habrá a quienes les agrade sentirse identificados con lo que ven en pantalla.
El anime, dirigido por Masahiko Otsuka, se transmitió originalmente en Japón del 30 de septiembre de 2002 al 24 de marzo de 2003 y constó de 26 capítulos. Petite Princess Yucie está oficialmente licenciada en Canadá y Estados Unidos por lo que se puede conseguir con relativa facilidad.
Petite Princess Yucie incluye algunas bromas simples para acompañar a la trama
Finalizando, Petite Princess Yucie es una serie de anime que por sí sola (olvidándonos de los títulos de Princess Maker) no resalta de entre las demás, pero que puede entretenerte si no tienes otra clase de pretensión más que la de pasar un rato agradable. Sólo eso o que seas un fanaticazo de los videojuegos.
No tan conocido quizá en América Latina, pero Angel Densetsu es uno de los mangas que mejor proyección tuvo en Japón durante la década de los 90. Su historia, simple y hasta cierto punto cíclica, daba lugar a una serie de confusiones con un chico pacífico que aparentaba ser siempre el malo del colegio, corriendo su “mala” fama como reguero de pólvora. La propuesta retoma muchos clichés del manga, pero los presenta de una manera que puede ser entretenida para los lectores.
Angel Densetsu
Keitano Seichirou, un estudiante de transferencia, llega a su nueva escuela. El joven protaonista de Angel Densetsu es de naturaleza pacífica y honesta, de buen corazón y pureza de sentimientos, pero tiene un gran problema: su apariencia física es tan espantosa como la de un demonio, y la gente le teme y lo rechaza. Debido a esto, al llegar a su escuela se mete en problemas con el líder de los pandilleros de la escuela (llamado eufemísticamente, “guardián”) y sin proponérselo lo vence, siendo considerado desde entonces como el nuevo guardián de la escuela.
Angel Densetsu es una manga de comedia estudiantil, donde el autor Norihiro Yagi exhibe una enorme capacidad para crear una comedia de confusiones basandose en premisas muy simples. Tomando como idea central el prejuicio y rechazo que puede despertar la apariencia de alguien, Norihiro crea un conjunto de personajes alrededor de esta idea y entreteje las interacciones necesarias para dar paso a una confusión que logra permanecer durante 15 volúmenes.
Keitano pronto se vuelve el líder de un grupo de estudiantes del colegio.
La premisa en este manga es que Kitano sea considerado un monstruo temible y prácticamente una máquina de pelear, pero esto es imposible de sostener por mucho tiempo, de modo que nuevos personajes tienen que ser introducidos conforme avanza la obra, creando nuevas interacciones con los ya existentes y fortaleciendo la relación de los personajes centrales.
Al comienzo de Angel Densetsu, Kitano Seiichiro se nos presenta como un incomprendido personaje de caracter noble. Durante el trayecto hacia su nueva escuela intenta ayudar a un pobre hombre con su pesada carga, pero éste lo rechaza y huye despavorido. El recibimiento en la escuela no es mejor, el director se sobresalta tanto de verlo que se rehusa a creer que ese monstruo es el estudiante modelo al que se refiere la documentación de transferencia.Durante la presentación ante sus nuevos compañeros de clase, el silencio se apodera del grupo, ya que es tanto el miedo que sienten, que no se atreven ni a hablar entre sí para no llamar la atención de Kitano. Ni los maestros son inmunes a ese sentimiento de terror que genera el aspecto del protagonista del manga.
Por supuesto, pronto los rumores de la llegada de tan terrible personaje llegan a los oídos de Kuroda Seikichi, el guardián de la escuela, quien decide enfrentarlo para darle una lección. Mientras tanto, Kitano aprovecha el receso para limpiar un poco la escuela como muestra de agradecimiento ante su nuevo colegio.
Koiso Ryoko siempre anda buscando a quién partírsela
Los enredos de Keitano Seichirou
El encuentro de Kuroda con Kitano coincide con el momento en que este último levanta un pesado tronco de un árbol de los jardines de la escuela. Kitano tropieza y sin querer se abalanza contra Kuroda, estrellando espectacularmente el tronco muy cerca de él. Kuroda se atemoriza pensando que Kitano es realmente temible, ya que lo atacó primero con extrema violencia sin siquiera darle una oportunidad. Lleno de terror, le cede el título de guardián de la escuela pensando que sólo así podrá salvar su vida. Pronto la noticia es conocida por toda la escuela: en su primer día de clases, Kitano ha destronado al poderoso guardián Kuroda. Tal es el tipo de curiosos accidentes y enredos que incrementan la mala fama del personaje principal de Angel Densetsu.
Takehisa Yuji, quien se encontraba en suspensión por golpear a un maestro, regresa a la escuela para encontrarse con que Kuroda ya no es el guardián de la escuela. Al buscar enfrentarse a Kitano, es vencido por accidente al igual que lo fue Kuroda y se convierte en amigo incondicional de Kitano. Koiso Ryoko, una condiscípula de Kitano que practica artes marciales, tras enfrentarse con él descubre con sorpresa que Kitano es en realizad una persona pacífica e inofensiva, pero decide no contarlo a los demás porque nadie le creería, y además le parece innecesario, le basta con saberlo ella misma. A pesar de que eventualmente Ryoko se enamora de Kitano, el romance no es el centro de la historia, pero es usado convenientemente para crear escenas cómicas en el manga.
Pese a todo, los reflejos de Kitano son casi sobrehumanos
De aquí adelante son una fila de enredos en Angel Densetsu que aumentan la fama de temible monstruo. Uno por uno, otros personajes confrontan a Kitano y son derrotados por este y terminan entrando ya sea al círculo de amigos o al de sus enemigos. Este segundo grupo generalmente lo forman los adultos, ya sean maestros, consejeros escolares que no ven con buenos ojos a Kitano o el mismo padre de Ryoko. También están los clásicos conflictos entre pandillas de distintas escuelas.
Norihiro Yagi imprime su sello artístico y el de principios de la década de los 90 en Angel Densetsu, con trazos largos y pocos estilizados en función de secuencias más dinámicas en el manga. Las ilustraciones distan mucho de ser preciosistas o atractivas por sí mismas, pero encajan bien en la presentación de la historia y la narrativa fluye ágil, rápida y sin contratiempos.
El manga de Angel Densetsu tuvo un total de quince volúmenes compilatorios, tras publicarse de 1992 al año 2000 en Monthly Shonen Jump, de la editorial Shueisha, con un buen recibimiento entre los lectores. La obra tuvo una adaptación al anime en forma de un capítulo OVA de 45 minutos de duración.
Las alas en el protagonista es un elemento muy usado en Angel Densetsu
Personajes de Angel Densetsu
Kitano Seiichiro
Kitano Seiichiro
Tiene un carácter honesto y puro a pesar de su cara de malviviente. Lleva una vida sencilla como estudiante, alcanza excelentes notas y siempre llega puntual a clase. Debido a su aspecto físico se le compara con un demonio y la gente le teme y crea rumores a su alrededor, como el de ser un drogadicto o haber cometido varios asesinatos. Muchos lo agreden por instinto y sin motivo cuando lo conocen, pero la ingenuidad de Kitano le permite confiar en todas las personas al grado de encontrar disculpa a estas actitudes. Debido a su largo historial siendo golpeado por la gente, ha desarrollado extraordinarios reflejos para recibir el peor de los golpes amortiguando los daños con simples movimientos de su cuerpo. Su único movimiento ofensivo es empujar a su rival usando las dos palmas, con tan efectivos resultados que es capaz de mandar volando al más hábil rival con este método. Es el protagonista de este manga.
Koiso Ryoko
Koiso Ryoko
Condiscípula de Kitano, es una chica dulce que ha entrenado fuertemente en artes marciales. Debido a ello, ha desarrollado gran confianza en sí misma y con frecuencia busca pleitos con quien sea para probar sus habilidades en pelea. Al conocer a Kitano, sus instintos se despiertan y se propone vencer a tan formidable rival, pero durante el extraño encuentro, descubre que realmente Kitano es un chico honesto y pacífico. Con el tiempo, Ryoko no sólo se hace su amiga, sino que impresionada con la nobleza de Kitano, termina enamorándose de él.
Takehisa Yuji
Takehisa Yuji
Al igual que todos, al conocer a Kitano cree que es un demonio de grandes poderes y se propone vencerlo para convertirse en el guardián de la escuela, pero es derrotado. A partir de entonces se convierte en su mano derecha, siempre le acompaña y le apoya en todo momento. Se considera a si mismo un temible peleador y tiene oportunidad de demostrar sus habilidades en muchas ocasiones. Admira al invencible Kitano, pero hacia el final de la historia confronta la realidad de que éste no es ningún pandillero, aunque luego de un rápido análisis concluye que en realidad no le importa, disfruta ser amigo de Kitano tal como es.
Shirataki Ikuno
Shirataki Ikuno
Enviada por la comisión disciplinaria de escuelas secundarias, se infiltra como estudiante en la escuela de Kitano con la finalidad de controlarlo violentamente. Ha recibido entrenamiento en artes marciales y es de corazón duro e implacable. Durante su primer día causa conmoción en la escuela dejando un saldo de incontables estudiantes lesionados mientras buscaba a Kitano. Cuando finalmente lo confronta, es incapaz de vencerlo, así que decide permanecer cerca para vigilarlo y descubrir el secreto de su invencibilidad. Su fría inexpresividad hace difícil saber lo que piensa o siente, pero es probable que haya desarrollado algún sentimiento hacia Kitano.
Kuroda Seikichi
Kuroda Seikichi
Era el guardián original del instituto hasta que Kitano llegó a la escuela y lo derrotó. Es un sujeto rudo si se compara con las personas normales, pero muy débil comparado con los guardianes y pandilleros de otras escuelas, o con los nuevos amigos de Kitano, a pesar de ello, parece que siempre anda buscando mostrar lo malote y fuerte que supuestamente puede llegar a ser. Está locamente enamorado de Ryoko y esto lo lleva a situaciones en las que frecuentemente termina haciendo el ridículo frente a ella. Kuroda es el patiño, bufón y uno de los personajes más entretenidos de Angel Densetsu.
Angel Densetsu retomó el tema de los clásicos pandilleros en los colegios, pero con una perspectiva más cómica que dramática: decisión atinada, pues si bien el arte no sorprende, las confusiones son generalmente entretenidas y el desarrollo de personajes hace crecer la historia a pesar de su simplicidad. Recomendable, aunque no esperes la joya escondida del manga.
El ser humano siempre ha tenido esa extraña fascinación por descubrir “de dónde venimos” y que tal vez nos haría entender también “hacia dónde vamos”. Prometeo, del director Ridley Scott, retoma esa elemental interrogante, la maquilla, le pone tecnología futurista y la lanza en una nave espacial en una película que muchos entendíamos que tendría relación con la popular saga de Alien, pero que nadie podía asegurar hasta qué punto.
Prometeo
“Para crear, a veces hay que destruir”. Una premisa que se ha repetido a través de la historia, en diferentes culturas, épocas y hechos. La mano creadora del hombre se ha topado con que para iniciar su labor muchas veces tiene que acabar con lo que ya existe. No sólo la mano del hombre, sino también la mano de Dios.
Civilizaciones antiguas y religiones son un buen ejemplo. El Dios rencoroso que creará un nuevo mundo ahogando todo lo que ya existe. El Dios envidioso que para darle lugar a su pueblo aniquilará a todos los vecinos ajenos a su clan. Pronto el hombre tomó el papel de los dioses y llevó a los archivos históricos lo que antes registraban los relatos religiosos.
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Pueblos como los egipcios, los persas, los romanos y los árabes en distintas épocas buscaron la manera no sólo de extender el alcance de sus territorios gobernados, sino de imponer su cultura y sus creencias a fuerza de borrar las anteriores. Dictadores y líderes militares jugarían de nuevo a la mano creadora en tiempos más recientes, esclavizando y matando a las razas que no consideraban aptas para formar una nueva y mejor civilización.
Ya sea por poder, dinero, iluminación divina, curiosidad o hasta placer, la maquinaria de crear y destruir se repite casi cíclicamente; el hombre ha buscado ser el amo en esta proceso, desarrollando nuevas formas para llevarlo a cabo y masificarlo: tropas, armas de fuego, biológicas y de destrucción masiva, pero siempre con el gatillo en la mano, sin que tal vez por nuestra cabeza pase, que la humanidad ha sido sólo un arma más en un proceso de creación y destrucción más grande.
Prometeo trabaja su historia -y el trasfondo, que no toca tan directamente- en esta premisa. La trama, en apariencia lineal, esconde dentro de sus predecibles vueltas de tornillo muchos momentos para la interpretación basándose en la apreciación que les comenté, y es de esas películas que uno encuentra nuevos detalles cada que la vuelves a ver.
Elisabeth Shaw les explica el objetivo de la misión
Prometeo ha aterrizado
El año es 2089, los investigadores Elizabeth Shaw (Noomi Rapace) y Charlie Holloway (Logan Marshall-Green) encuentran una pintura rupestre en Escocia; no cualquier pintura, obvio, sino una representación más de un patrón que se repetía en diversas civilizaciones antiguas: un grupo de personas haciendo reverencia a un “gigante”, mientras éste apuntaba a lo que parecían ser un grupo de estrellas en alguna recóndita galaxia.
La película no da demasiados detalles, pero unos minutos después estamos a bordo de la nave Prometeo, resguardada por un androide de nombre David (Michael Fassbender), diseñado para ser prácticamente indistinguible de los humanos y para colaborar con la tripulación en una misión espacial en busca de los “ingenieros” del universo.
Entre la tripulación destacan el capitán Janek (Idris Elba) y Meredith Vickers (interpretada por la siempre mami Charlize Theron), una ejecutiva de la compañía Weyland enviada para monitorear la misión que patrocina el consorcio. Sí… Weyland, ese nombre ya lo hemos visto en otra parte.
Michael Fassbender interpreta al androide David
En la misión también se encuentran Elizabeth y Charlie, quienes le explican al equipo su teoría sobre un mensaje que dejaron los “ingenieros” en las antiguas civilizaciones: una invitación para cuando el hombre fuera capaz de ir a buscarlos. Los investigadores creen que este acercamiento con ellos podría responder por fin la interrogante respecto de dónde viene el ser humano. El conocimiento obtenido será tan importante como cuando en la mitología griega el titán Prometeo le entregó el fuego a los humanos.
La misión es vista con bastante escepticismo y dudas respecto a si realmente encontrarán algo que rompa la Teoría de la Evolución, pero al aterrizar y comenzar a explorar en una misteriosa estructura que no parece natural, la tripulación encontrará… pues muchas cosas, que de aquí en adelante es mejor no mencionar para que los spoilers de Prometeo se reduzcan al mínimo.
Alien y Prometeo
Quizá lo que todo mundo quiera saber es si Prometeo al final de cuentas sí tiene relación con la saga Alien, relación que al principio incluso negó su director, Riddley Scott, y más tarde evitó dar detalles sobre el tema. Bueno, pueden respirar tranquilos, ya que sí existe dicha conexión, aunque no esperen una película de xenomorfos y monstruos alienígenos persiguiendo humanos en espacios reducidos. El filme bien podría considerarse una precuela tipo spin off bastante alejada de la saga central.
El planetoide que vemos en Prometeo no es el mismo de Alien, el Octavo Pasajero
Riddley Scott dejó un vago contexto de la franquicia Alien en Prometeo. Esta decisión me parece atinada y un aliciente para los fanáticos de la saga de ciencia ficción, que estarán muy atentos buscando esos detalles que relacionan a una película con las otras. ¿Y cómo decirlo? Los detalles son notables, pero tampoco saltan bruscamente a la vista.
Desgraciadamente, el punto malo, para los que no son tan seguidores, es que el director parece que a veces pasó dándole demasiada atención a cómo y dónde colocar estos detalles que entrelazan Prometeo y Alien, y no tuvo el mismo cuidado en crear una historia sólida y más interesante por sí misma.
Si bien la trama no es para nada mala, la narrativa sí es algo lenta para una cinta de ciencia ficción, donde quizá nuestras expectativas eran un poco diferentes y más aceleradas. A esto se le puede agregar que el cineasta intenta mimetizar demasiado Prometeo con la primera entrega de Alien, haciéndolas películas que corren en sentidos y formas muy similares, pero que simplemente con la falta de una criatura babeando ácido cada cinco minutos pierde el efecto.
Regresan los vehículos de exploración
Tenemos la nave que llega a un planetoide desconocido, está esa extraña estructura que exploran (y que obvio contiene un montón de cosas malas y feas), contamos con la protagonista femenina, también está el androide con intenciones oscuras y su propia agenda, está el idiota que toca todo lo que ve… sí, tenemos un montón de similitudes con Alien, el Octavo Pasajero que ya se darán ustedes cuenta cuando la vean.
A pesar del pedigrí con el que cuenta, Prometeo no se presenta como una clásica cinta de acción intergaláctica, sino como una película para meditar después de verla para uno mismo sacar conclusiones, interpretar finales y finalidades. Una película planeada para encontrar nosotros mismos respuestas a una tonelada de preguntas que construimos conforme somos testigos del interesante cruce de caminos entre los humanos y los “ingenieros”.
El punto malo es que no todas estas interrogantes nacen del nivel interpretativo que dejó el director en Prometeo, sino de algunos de los hoyos en la trama y en que pareciera que Ridley Scott sembró varios elementos que serían respondidos en una eventual secuela… secuela que de llegar a realizarse, alejaría más su relación con la saga Alien y tomaría su propio camino.
La tripulación del Prometeo realiza un increíble descubrimiento
Es ahí donde Prometeopierde algo de su magia. El filme generó entre los aficionados una expectativa muy alta, que difícilmente cumple ya que ataja pocas dudas, y está a veces tan cuidadosamente relacionada con el universo de los xenomorfos y hasta con una posible secuela, que suele falla en capturar durante dos horas al espectador casual. Eso sin contar, que esta historia acaba de dar con el traste con varios años de continuidad Alienen los cómics Dark Horse y que supuestamente eran cánon en la franquicia.
Fassbender, Rapace y Theron
Las actuaciones, por otra parte, son esn su mayoría estupendas. Prometeo se encargó de juntar uno de los castings mejor logrados de los últimos años, con una Noomi Rapace consolidándose como la gran actriz que es en su papel de Elizabeth Shaw, Charlize Theron interpretando a una ruda y seca oficial Vickers y Michael Fassbender realizando con David uno de los mejores papeles de su carrera. Su caracterización del androide es simplemente fascinante, y los atinados diálogos que acompañan su interpretación lo hacen que brille por encima del resto de actores del filme.
Ciertamente encontrarán que los personajes no son perfectos y en muchas ocasiones reaccionan de la manera más ilógica posible, como si todos tuvieran la firma intención de morir: en lugar de mandar sondas a explorar -que sí tienen- entran a pie a ver qué encuentran, agarran y tocan todo lo que ven, son descuidados por naturaleza, se pierden en un camino en línea recta… en fin. Pero aún dentro de sus -muchas veces- despistados personajes, el trabajo de actuación en Prometo es destacado.
“Para crear, a veces es necesario destruir”
En cuestión de producción no escatimaron recursos. Si bien no es la película con mayor presupuesto del año, tuvo una buena inversión que en su mayoría fue bien utilizada. Se nota un trabajo minucioso que abarcó distintas etapas de diseño y planeación en artefactos, vehículos, trajes y toda la escenografía de Prometeo. Ridley Scott es muy cuidadoso en este aspecto y pocas veces algo le sale mal… en Prometeo este detalle quizá sea el maquillaje, que a veces se siente… ¿cómo decirlo?… sobremaquillado. El 3D, por su parte, luce bien, inmersivo, pero sin que sea agresivo y te dispare mil objetos a los ojos.
¿Entonces hay que verla o no? Sí eres fan de Alien, es un sí mayúsculo. Si eres aficionado de la ciencia ficción seguro que este filme te agrada, pero te recomiendo ver al menos los primeros 30 minutos de Alien, el Octavo Pasajero previo a tu cita con Prometeo. Si te gustan las películas con alto índice de pensarle mientras las ves, puede funcionar para ti. Si vas de forma casual en busca simplemente de una buena película en el cine, quizá esta no sea la mejor elección, no porque sea aburrida, sino porque varios de los supuestos puntos de interés puede que no te sean de interés.
Aquí el centro de la historia no es sobre una criatura espacial cazando humanos, sino una maquinaria global cuyo objetivo aparente es a su vez construir y destruir, incluso mutar, como muchas veces la destrucción no da espacio a una creación totalmente nueva, sino a una mutada o adaptada. En Prometeo, Ridley Scott juega de manera inteligente con la idea de los hombres como parte de un proceso más grande y mucho más difícil (o fácil, según lo veas) de entender en el universo, donde la humanidad no es la mano sobre el gatillo de la pistola, sino la bala en el interior del cañón.
Vickers (Charlize Theron) y Janek (Idris Elba)
Con todo y sus detalles, Prometeo resulta ser una película bien pensada, bien ejecutada y en su mayoría interesante, que se arriesga en la difícil misión de crear una nueva mitología en el cine de ciencia ficción… ya decidirá cada quien si lo logra o no; en lo personal, espero que el director regrese pronto a hacer la secuela y me despeje un montón de dudas, sobre todo una que se va volando hacia el final.
Un nuevo clásico. Tras lo que fue casi una eterna espera, un demo no tan bien recibido, cambios drásticos en el sistema de juego, comentarios encontrados y una mítica calificación perfecta por parte de la prestigiada revista japonesa Famitsu, llegó a las manos de todos Final Fantasy XII para la PlayStation 2, un título que,para bien o para mal, con el pasar de los años se valora más su lugar como precursor de la actualidad de la franquicia
Final Fantasy XII
El pequeño reino de Dalmasca es invandido por Archadia, un país militarmente poderoso que vio en la pequeña nación un punto estratégico para sus operaciones, y también un escape al poder y sed de venganza de los emisarios de Archadia. El recién casado heredero al trono parte a la batalla para proteger a Dalmasca pero es herido y muerto en batalla; su padre, el rey, decide firmar un tratado de paz con los invasores… y es aquí donde tomas el control de Final Fantasy XII en una especie de tutorial que te mostrará los mayores cambios en este nuevo Final Fantasy, mientras te apresuras a proteger al emperador, tutorial que termina pronto y con el inesperado asesinato del pacífico monarca a manos del propio jefazo de tus fuerzas, produciendo a su vez que Ashe, la princesa, prefiera optar por el suicidio tras fallecer su padre y su esposo.
La narrativa de este videojuego te transporta algunos añitos después, a Rabanastre, la capital de Dalmasca, ahora bajo el poder del ejército invasor… y como lo mero bueno de un RPG es recorrer la historia de principio a fin y sorprendernos con cada giro argumental dejaremos los spoilers hasta aquí.
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Un fantasía con muchos cambios
Lo primero que vas a notar al comenzar tu aventura en Final Fantasy XII es que la ciudad es gigantesca, con muchos NPC con los cuales interactuar y lugares a donde ir. Los gráficos son muy lindos, extremadamente detallados y con un diseño a veces muy similar a los que vimos en Vagrant Story. Y si crees que la ciudad es enorme, espérate a ver el resto del mundo, dividido en varias zonas y áreas cada una más gigantesca que la anterior y las cuales te tardas a recorrer a veces más de dos horas entre lo que encuentras la salida y lidias con los molestos enemigos del lugar, en un completo mundo en 3D en el cual incluso puedes maniobrar el punto de vista con el stick derecho.
Los enemigos son también parte de la novedaden Final Fantasy XII: Square-Enix dejó de lado las batallas al azar y nos presenta a los enemigos visibles desde que vas por ahí merodeando los caminos de Ivalice, a los cuales podemos elegir evitar o enfrentar, aunque la mayor parte del tiempo ni los podemos esquivar ni es conveniente hacerlo, porque todos sabemos que la única forma de sumar puntos de nivel en un RPG es precisamente aniquilando todo lo que se cruce a tu paso, aunque ahora no tendrá que cargar la batalla ni cambiará la música ni nada por el estilo, todo dentro del mismo plano: los ves, los atacas o te atacan, los matas y sigues avanzando.
El sistema de batalla sentó la base de los Final Fantasy actuales
Desgraciadamente, uno nota que el impacto de ver a tus rivales enormes y bien detallados se pierde con este sistema, la mayoría de veces alejarás la cámara para tener una mejor visión de lo que sucede y los enemigos se verán rodeados de tus personajes por lo que se pierde mucha riqueza visual.
Por otra parte, el excelente diseño de personajes parece que simplemente no alcanzó para el grueso de hordas de malosos, ya que el modelado de enemigos es más bien chafa y demasiado genérico: vas a ver a los mismos tristes lobos, vampiros y calacas en varios colores y sabores a cada rato… claro, es un mal en todos los Final Fantasy, pero aquí se volaron la barda, los ves tan seguido y hay tan poca variacion que casi, casi te aprendes todos y cada uno de los nombres de las cosas contra las que peleas.
Los jefes tampoco son la gran cosa y, salvo algunos cuantos, la verdad es que también en ese aspecto Final Fantasy XII se queda corto: feos, sin chiste, tontos y muchas veces son sólo una versión más grande, más fuerte o ambas de los enemigos genéricos.
Los enemigos son muy genéricos en Final Fantasy XII
Durante tus viajes también encontrarás algunos enemigos con línea de vida verde, los cuales no te atacan y no se recomienda “molestar” a menos que tengas la magia Libra activada para saber a qué cosa te enfrentas, ya que es común encontrar enemigos de gran nivel regados por ahí, donde aparantemente no deberían de estar… ¡ojo! también hay enemigos de gran nivel que te atacan quieras o no, y a veces ni a huir alcanzas. Libra también te sirve para detectar trampas colocadas en los escenarios.
Gambits y sistema de batalla
¿Y en qué consiste el nuevo sistema de batalla de Final Fantasy XII entonces? Básicamente en que tú controlas un sólo personaje (y si deseas ni a uno manejas), el resto de tus acompañantes atacan solos mediante Gambits, que son instrucciones que “compras” y armas combinaciones para indicarles qué hacer a tus aliados durante la refriega.
Puedes configurar, por ejemplo, un Gambit con la magia Cure y el de Ally < HP50% que indicaría que ejecutara una magia de curación cuando detecte que alguno de los personajes está con 50 por ciento o menos de vida; o el clásico Nearest-Foe + Attack, para atacar a lo primero que tenga enfrente. Las combinaciones son demasiadas entre posibilidades, magias, ítems, técnicas, etcétera.
Los Gambits son combinaciones de acciones predeterminadas
Ya en el campo de acción verás que tus personajes atacan y realizan su Gambit en cuanto se llena una barrita de tiempo que indica cuando es el “turno” de tu personaje; en lo que la carga puedes rodear al enemigo para recuperar algunos puntos de magia mientras caminas y haces tiempo. Este sistema puede ser bastante tedioso al comienzo, cuando sólo traes a Vash y pasas más minutos haciendo tiempo que atacando.
Desgraciadamente este motor simplificado de juego se prueba a veces nulo en la práctica, ya que con sólo apretar el botón X puedes acceder al menú de acciones para tus personajes, y la acción que elijas cancelará cualquier Gambit o movimiento previamente ejecutado; esto es increíblemente útil para prácticamente todos los jefes y cualquier enemigo de nivel medio para arriba, por lo que al final de cuentas, y sumado a la barrita de espera, el juego termina siendo un RPG por turnos disfrazo de novedad.
Esto no es ni bueno ni malo, pero le quita la magia al supuesto cambio en el sistema. No estoy diciendo que sea un mal sistema de batalla, pero siendo realistas y objetivos, salvo la facilidad con que huyes, no tiene ninguna ventaja real o diferencia ampliamente notable sobre entregas anteriores, aunque pudo tomarse como un plus y una dirección a la que van dirigidos algunos títulos de esta compañía, ya que el sistema de acciones preestablecidas fue usado, más simplificado, en Final Fantasy XIII y Fantasy XIII-2.
A veces es mejor controlar “personalmente” a tus aliados en batalla
Ya en la batalla, las cosas cambia, ya que la variedad de formas de atacar y defender es atractiva: tienes a tu disposición dede tu ataque normal con arma o sin arma; magias negra, blanca, verde, arcana y de tiempo; el uso de ítems; técnicas, las cuales no requieren puntos de magia ejecutarlas y tienen usos muy específicos como robar o pegar cuando estás ciego: Quickenings, que vienen a ser los ataques súper especiales y en Final Fantasy XII, que con algo de destreza y rapidez puedes combinarlos con varios personajes y encadenarlos, el problema es que depletan completamene tu barra de MP; y el clásico summon, en donde invocas a una criatura llamda Esper, la cual se controla sólo lanza algunos golpes, aguanta otros y luego lanza su especial si es que no te lo mataron antes. Los enemigos, por cierto, ya no soltarán dinero, sino algunos ítems exclusivos para que vayas y los vendas.
Pero para poder realizar cualquier acción más allá el uso de ítems y atacar, tienes que tener una licencia, las cuales vas liberando en un tablero mediante LP (Puntos de Licencia) y que obtienes al matar enemigos, muy al estilo del Sphere Grid de Final Fantasy X. Si leyeron en otro lado que el sistema era mucho mejor y abismalmente diferente, les mintieron: el sistema para subir de niveles y mejorar tus habilidades es en esencia el mismo pero con un diseño de tablero ajedrez.
Las licencias y habilidades se “compran” en un tablero tipo ajederez
Las licencias también te sirven para equiparte toda clase de armas, protecciones y amuletos, por lo que no bastará con tener el dinero para comprar una nueva y poderosa espada sino tener los puntos de licencia necesarios y haber desbloqueado el cuadrito necesario para obtener dicha licencia. Esto puede ser algo aburrido porque necesitas, primero, matar suficientes monos para tener algo que vender, y que el dinero que obtengas te alcance para comprar el armamento necesario a tus personajes, luego checar que tengas los LP necesarios para equiparte lo que adquiriste y si no… pues pelear –farmear– otro buen rato más.
Para tu aventura, en Final Fantasy XII puedes controlar un máximo de tres personajes al mismo tiempo, con seis en total, aunque en ciertos momentos de la historia se te unirá algún personaje extra a manera de invitado, el cual no podrás ni controlar, ni equipar, ni darle instrucciones por medio de Gambits.
La curva de dificultad y aprendizaje es buena y eficiente, quizá un poco más alta que en anteriores juegos de la franquicia pero es parte del reto. Los Espers también son algo a recalcar, con más de diez invocaciones, la gran mayoría secretas y escondidas fuera del juego lineal, tienes para rato, ya que para poder obtener sus servicios primero tienes que derrotarlos y son bastante intransigentes. Eso sí, las invocaciones son totalmente nuevas; no esperes ver a Shiva, Ifrit y Bahamut por aquí, todos esos legendarios nombres han pasado a ser naves en Final Fantasy XII, aquí encontrarás nuevos summons los cuales en realidad son viejos conocidos: Ex Death y Zeromus, por ejemplo.
La gira en torno a intrigas militares y luchas de poder
Regreso a Ivalice
El sonido y la música están de lujo como siempre, el cambio en el staff no se nota e incluso hay algunas melodías bastante pegajosas que te recordarán los beats clásicos de los juegos de SNES. Las explosiones, sonidos de fondo, magias y derrumbes viene acompañados de un doblaje que no desmerece, en el cual se sacaron un diez: increíblemente, Final Fantasy XII suena mejor en inglés que en japonés, las voces están muy bien actuadas, los actores bien elegidos y los diálogos son precisos y al grano. Las voces del pirata Balthier y su acompañante, Fran, son sin duda las mejores del juego y con ellos se dieron el lujo no sólo de usar filtros con la voz, sino de brindarles un acento muy particular a cada uno.
La historia de Final Fantasy XII es muy buena, usando el mítico mundo de Ivalice de los Final Fantasy Tactics como trasfondo, pero varios años a futuro al contrario del estilo medieval usado anteriormente, en un planeta lleno de razas tan disímbolas y vehículos aéreos que a más de uno le traerá a la memoria Star Wars.
Para contarte la historia, Final Fantasy XII usa sus ya patentados cortos animados que son el sello de la casa, y aunque yo en realidad no veo un brinco impresionante entre los videos del FFX y éste, si hay algunas mejoras sobre todo en fondos y el número de “extras” en las secuencias cinematicas.
Los cinemas en tiempo real también lucen espectaculares
El hilo argumental incluye traiciones, sorpresas, rebeliones y un entorno de guerra que diferencia mucho la trama de este juego con las de sus antecesores, donde la princesa aparentemente muerta regresa para reclamar su reino y el llamado traidor intenta recobrar la confianza de quienes lo vieron matar a su rey; desgraciadamente, a veces la historia progresa a cuenta gotas, ya que pasar una escena o dos te puede tomar literalmente horas y horas, aunado a que la mayor parte del tiempo, y para juntar dinero y puntos de licencia, te la pasarás en sidequests.
Y vaya que hay aventuras adicionales: desde cumplir las misiones del clan -que trae algunas recompensas buenas-, encontrar los Espers, revisitar lugares y algunos trueques te mantendrán ocupado y desviado de tu tarea principal desde el comienzo del videojuego. Esto da una duración realmente enorme a Final Fantasy XII en horas de juego, aunque también alarga a veces innecesariamente el tiempo con el que prosigue adecuadamente la historia. El título tasmbién cuenta con montón de detalles clásicos como las magias y los nunca faltantes chocobos -que lucen más rudos y malotes-, así como elementos exclusivos de la saga Tactics, como Montblanc y los jueces del FFT Advance.
La amalgama de personajes en FFXII es una de las mejor logradas en la saga
Los personajes son de lo mejor que ha habido en Final Fantasy, sin quitarnos a esos monos metrosexuales de los últimos títulos, pero introduciendo una princesa que realmente no actúa como tarada, una chica ruda (piernona y con orejas de conejo) cuya vida está entrelazada al poder de los Magicites, piratas taimados, un traidor que busca restaurar su reino y en general, personalidades ajenas al patrón que se venía manejando en los últimos títulos de la saga, así que si querías ver besitos, escenas mamertas de amor y un romance como cuadro principal para la historia, esta no es tu fantasía.
Final Fantasy XII es un videojuego altamente recomendable, en la misma excelente escuela a la que nos tiene acostumbrados Square Enix, con gráficos que hacen llorar de rabia a las consolas actuales, música mágica, demasiadas horas de juego y una historia diferente e intrincada, pero con un sistema de batalla, que quizá por las altas expectativas y a pesar de lo adicitivo, te deja con ganas de un poco más… o quizá de un poco menos. Final Fantasy XII pide a gritos un lugar privilegiado en tu colección y es uno de los títulos que mejor aprovechó el potencial del siempre vigente PlayStation 2.
Con mucho morbo y teorías de complot por todos lados llegó a carteleras Colosio, el Asesinato, una película mexicana que hasta cierto punto podría definirse como “docuficción” por la mezcla de información y elementos que maneja respecto a la muerte del ex candidato presidencial, y que aterriza con un tema sensible en plena época electoral. ¿Para crear conciencia o para aprovechar la temporada para mejores entradas? Quizá un poco de ambas.
Colosio, el Asesinato
Como cualquier día entre semana por la tarde, después de acabar las típicas tareas de secundaria lo que hacía era darle un rato al Super Nintendo. El ritual era clásico, tomaba el control de la tele y hacía algo de zapping antes de prender la consola. Aquel miércoles 23 de marzo de 1994 la costumbre se detuvo cuando al cambiar de canal estaba en prácticamente todos lados la misma señal que transmitía las imágenes de un hombre que recibía un balazo en la cabeza en medio de una multitud, para posteriormente transportarlo en una camioneta mientras medio mundo quería linchar al agresor.
“Es el candidato del PRI… le dispararon al del PRI”, le grité a mi madre que se encontraba en la cocina y corrió como pudo para ver qué había pasado. Televisa y -la recién formada- TV Azteca transmitían prácticamente en todos los canales la noticia.
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Yo tenía poco más de doce años y ciertamente la política no me interesaba gran cosa, pero ubicaba perfectamente al candidato del PRI a la presidencia (y al resto, bendita publicidad). Llegó mi padre y estuvimos al pendiente del televisor aún momentos después de anunciada la muerte de Luis Donaldo Colosio. “Seguro lo mandó matar Salinas o el narco“, afirmó mi padre antes de bajar por un vaso con agua para seguir viendo los diversos noticieros.
Yo era un costal de preguntas cuando subió: “¿por qué dices que fue Salinas?, ¿y el que sale en el video y le dispara?, ¿los del narco matan políticos?, ¿era buen candidato?, ¿por qué lo asesinaron?, ¿qué no se supone que a ellos no les pasa nada?, ¿cuándo van a saber quien lo mató?”. Mi papá realizó un ademán en tono burlón y molesto para después contestarme: “yo creo que nunca, hijo”.
“El Doctor”, “El Licenciado” y “El Candidato”
No pude evitar sonreír con un poco de nostalgia cuando al comenzar Colosio, el Asesinato; la historia es similar a la mía: un niño, un Super Nintendo y una tele que prendes y lo primero que escuchas son las terribles noticias del asesinato del ex candidato priísta. La historia de la película no es, obviamente, sobre el niño, sino sobre sus padres, pero me pareció especial mencionarlo porque seguramente muchos de nosotros así recordaremos la escena: dispuestos a ver o hacer algo más en la tele pero atrapados en la conmoción de un suceso que paralizó al país frente a su televisor.
La película recrea el mitin en la colonia Lomas Taurinas, de Tijuana
Colosio, el Asesinato cuenta la historia de una investigación paralela para dilucidar los verdaderos motivos detrás de la muerte del presidenciable en 1994. Una investigación ordenada por lo más alto del gobierno en México y que corre a la par de la investigación pública que vemos anunciada en prensa y televisión, pero con más libertad y mayor acceso a información confidencial.
Esta investigación es ordenada por un misterioso sujeto a quién en la cinta conoceremos como “El Doctor” (Daniel Giménez Cacho), una especie de asesor presidencial muy cercano al mismísimo mandatario, quien contacta con un viejo amigo (y deudor de mil favores) para llevar a cabo esta investigación. “El Licenciado” (Odiseo Bichir) es este encargado, y seguramente notarán el patrón con los títulos para nombrar a los personajes, pero es una regla en Colosio, el Asesinato, donde incluso el ex candidato es conocido precisamente así, como “El Candidato”… quizá para no amarrar demasiadas navajas.
“El Licenciado” manda llamar a su hombre de confianza, Andrés Vázquez (José María Yazpik), el padre del niño del que comentaba hace unos párrafos en mi crítica y quien es un investigador privado que realiza trabajos complicados, por no decir sucios, para distintas agencias gubernamentales.
Odiseo Bichir interpreta a “El Licenciado”
Investigación paralela
Andrés vive con Verónica (interpretada por Kate del Castillo) y juntos forman una pareja donde cada quien por su cuenta intenta descubrir los secretos detrás del asesinato de Colosio; Andrés como investigador, Verónica como locutora de un espacio noticioso en una estación de radio.
Como es de esperarse, Andrés no puede compartir ningún tipo de información de esta investigación súper secreta, para la cual recluta a su equipo de confianza con quienes monta su base de operaciones, e incluso se hace ayudar de algunas personas en Tijuana, el lugar de los hechos.
Colosio, el Asesinato tiene todos los elementos de un thriller político policiaco, y no falla al entregárselos al espectador. Por lo mismo es prudente no adelantar más de la historia, que para este punto abarca dos premisas importantes: la historia de Andrés, su esposa y su equipo de trabajo, y el objetivo final de dilucidar quién y por qué mató (u ordenó matar) a Colosio.
José María Yazpik como Andrés Vázquez
La narrativa de hecho comienza un poco trompicada. Colosio, el Asesinato abre disparándote un montón de datos, tanto de la muerte del ex candidato como de otros hechos sobre los que intenta generar relación. Si no tienes fresca la memoria, tanta información sin un patrón claro puede parecerte abrumadora, pero afortunadamente conforme avanza la película, la trama acomoda todos los datos como tablero de Tetris: cada pieza en su lugar.
Por otra parte, las actuaciones tienen marcados altibajos. José María Yazpik interpreta al protagonista de la película y por momentos parece no encajar del todo en su rol, pero al igual que con la narrativa, la interpretación mejora conforme pasa el filme, aunque dista de ser su mejor papel.
Kate del Castillo es quizá quien más falla. Llega un momento en que no sabes si su personaje fue diseñado así de plano e insensible, o si sólo es que la actriz no pudo con la tarea. A esto le sumamos que en general, Colosio, el Asesinato parece haber tenido mal tino en el casting, entregando papeles e interpretaciones que no corresponden mucho a lo que uno esperaba ver en pantalla.
¿Hubo más de un Mario Aburto en la escena del crimen?
Pero el otro lado de moneda de Colosio, el Asesinato está con Odiseo Bichir, un actor tremendo que logra crear un personaje muy interesante con su interpretación de “El Licenciado”. Con su rostro, sus gestos y diálogos, Odiseo conduce a su personaje hacia esa delgada línea gris entre lo bueno y lo malo, entre el interés por dinero y el genuino.
“El Doctor” es el otro gran personaje. Daniel Giménez Cacho logra una gran actuación y realmente te dan ganas de gritarle “hijo de la chingada” durante varios momentos de la película. Los buenos thrillers se destacan por un buen antagonista y la cinta no te decepciona en este aspecto. Al final, el peso de estos buenos actores en personajes clave terminan salvando en general este renglón, con la ayuda de una intensa narrativa que se va acelerando conforme nos acercamos al final de la película.
Del complot al cine
Y es que la línea narrativa dicta todo aquí, sobre todo para los mexicanos, que veremos reflejados muchos sucesos no sólo de aquellos años, sino de los tiempos actuales. Por su parte, la producción no brilla para adentrarnos más en la historia, pero es la justa para contar una que supieron adaptar a los recursos con los que contaban.
“El Doctor”, personaje basado en José María Córdoba Montoya
La mejor parte de la producción, sin embargo, no son trepidantes secuencias de acción ni escenas caras de lograr, sino todo el equipo de investigación que se reunió en el proyecto para darle la mayor fidelidad posible, no sólo a las líneas de investigación oficiales, sino a los mitos y leyendas urbanas en torno al caso.
Colosio, el Asesinato logra rescatar prácticamente todo lo que hay sobre el magnicidio y lo enfoca hacia la idea de un asesinato orquestado por una mente maestra. Teorías como la de la bala “sembrada”, las dos pistolas, los tres Aburtos, la falla operativa de los dispositivos de seguridad, disputas con el narcotráfico, diferencias con otros priístas y con el presidente salen a relucir. Todas bien contadas y generalmente bien sustentadas.
La investigación fue tan exhaustiva que logran conectar de manera brillante sucesos y personas que no han tenido tanta difusión en medios de comunicación, como Benítez (Dagoberto Gama), inspirado claramente en José Federico Benítez, director de Seguridad Pública en Tijuana que trabajaba en una verdadera investigación paralela del caso y falleció asesinado antes de presentar la evidencia.
Colosio, el Asesinato deja buena parte para la reflexión
Todas estas alusiones seguramente le picarán el cuello a más de uno, especialmente con el personaje de “El Doctor”, que hace clara referencia a José María Córdoba Montoya, un oscuro personaje que fungió como jefe de asesores de Carlos Salinas de Gortari.
Ciertamente, tampoco hay que creerse todo lo que presenta Colosio, el Asesinato, ya que como al principio advierte, son hechos ficticios, que si bien están fielmente inspirados en muchos de los testimonios y líneas de investigación, tampoco son un documental que dé nueva luz sobre el tema. De hecho, algunos personajes que pudieran considerarse comclaves en la investigación, como Manlio Fabio Beltrones (en ese entonces enviado personal presidencial para el caso) no se tocan.
En este aspecto se le puede criticar un poco su falta de contundencia para realizar un señalamiento más directo, pero también es entendible que Colosio, el Asesinato no se quiera valer sobremanera de la teoría del complot para generar respuesta entre su audiencia, sobre todo en un país donde amamos el complot y donde siempre nos brincamos la respuesta más evidente con tal de buscar una maquinación mayor en el fondo. Personalmente recomiendo que tras ver la película se echen de menos un clavado a Wikipedia, para conocer en resumen varias de las teorías sobre las que se sustenta la película y apreciar de mejor manera mucha de la información que vemos en pantalla.
Ximena González-Rubio interpreta a la viuda de Colosio
Más allá del natural morbo por ver una cinta con esta temática, o de tener el estreno de Colosio, el Asesinato en época electoral, la película es un ejemplo de lo que el cine mexicano puede lograr en géneros que normalmente no aborda aún con ciertas limitaciones evidentes. El thriller mantiene la narrativa con suspenso hasta el final y, si bien empieza lenta y se atraviesan algunas actuaciones que no están a la altura, la película termina siendo por demás interesante.
Algunos quizá califiquen a Colosio, el Asesinato hasta cierto punto de pretenciosa, pero el apego con las líneas de investigación le da varios puntos extras, y la red de intrigas se construye con tino hasta llegar a un final impactante (aunque no necesariamente inesperado) que deja atrás cualquier crítica. Carlos Bolado presenta una película muy recomendable que, si bien anuncia como ficción, nunca deja de ser dramáticamente verosímil.
Érase una vez, hace mucho tiempo, un simple, pero bello cuento de princesas que tras ser olvidado durante décadas por la industria fílmica (y por prácticamente cualquier industria), pareció meterse en la cabeza de todos los productores y estudios de cine: desde la agridulce y bollywoodense adaptación de Tarsem Singh (Mirror, Mirror), pasando por un live action recientemente cancelado por Disney, para aterrizar en Blancanieves y el Cazador.
Blancanieves y el Cazador
Dicen que lo que mal empieza, mal termina. Y es que si hay algo que destacar sobre la producción de Blancanieves y el Cazador es que enfrentó siempre múltiples problemas, comenzando por que su reparto se formó prácticamente de rebote, tras varios abandonos y rechazos de actores.
El papel de Blancanieves fue quizá el menos trompicado de todos. El personaje le fue ofrecido a Kristen Stewart tras haberse barajado varias posibilidades como Riley Keough, Felicity Jones, Bella Heathcote, Alicia Vikander y Rachel Maxwell. Por otra parte, el rol del príncipe William fue declinado por un par de actores antes de caer en manos de Sam Claflin; mientras que Johnny Depp, Viggo Mortensen y hasta Wolverine (Hugh Jackman, pues) rechazaron sucesivamente interpretar al cazador. Incluso Charlize Theron llegó como suplente de Winona Ryder.
https://www.youtube.com/watch?v=GXYqAzHUVIM
Era como si toda la tripulación abandonara un barco al que veían listo para irse al fondo, bajo la tutela de un tal Rupert Sanders, hasta ese entonces director de comerciales de televisión, al que no le vieron la madera suficiente para dirigir un cuento tan famoso y convertirlo en una película exitosa. Tenían toda la razón.
La historia comienza con una pequeña Blancanieves que ve morir a temprana edad a su madre, una reina sabia, bella y encantadora que se había ganado el corazón del pueblo y, obviamente, el del rey. Cuenta la historia que Magnus (Noah Huntley), el monarca de este cuento, quedó devastado por la terrible pérdida de la mujer a la que amaba por lo que no le importó partir a la guerra poco después.
Tras una breve batalla contra un “curioso” ejército, el rey rescata a una joven prisionera llamada Ravenna (Charlize Theron). Magnus quedó tan impresionado con la belleza de la mujer que al día siguiente contrajo nupcias con ella y ya había nueva reina. Momento de ver al reloj: diez minutos, llevamos diez minutos y sabemos que esta historia empieza a irse por la coladera real cuando un padre y esposo devastado se casa con una prisionera de batalla al día siguiente de encontrarla perdida en el bosque.
El espejo mágico no es muy de fiar, la más guapa es Charlize Theron
Como es de esperarse, Ravenna en realidad no era una prisionera, sino parte de un astuto plan que termina matando al monarca esa misma noche (por idiota, ¿por qué más?) y confina a Blancanieves, la hija del “astuto” rey, a una torre en lo alto del castillo, de la cual en algún momento se escapa. Aquí es donde comienza el choque de caminos en la película, con Ravenna y su hermano, Hammond (Vincent Reagan), buscando a la heredera original del trono para matarla y apoderarse de su belleza, mientras que el cazador (Chris Hemsworth) es mandado a encontrarla, pero termina ayudando a la damisela en desgracia.
Una mezcla de Blancanieves y otras diez películas
Esto es más o menos lo que respeta en esencia Blancanieves y el Cazador del cuento original de los hermanos Grimm, una historia que destacaba por ser simple, pero bien elaborada y que desgraciadamente en esta adaptación Rupert Sanders termina convirtiendo en todo lo contrario: enreda las cosas de más y la narrativa carece de interés. El director ubica esta historia en medio de una crisis tipo medieval y se toma quizá demasiadas libertadas a la hora de contarnos una historia que todos conocemos, aunque intenta (de alguna manera u otra) colocar todas las escenas clásicas que vimos en el filme animado de Disney. Adelantar más sobre la cinta es quitar las pocas sorpresas que guarda.
Al director del largometraje como que el cuento original no le gustaba del todo, o le gustaba tanto como otras adaptaciones de Disney, así que le dio a su mono entrenado el cuento de Blancanieves, junto con el de Alicia en el País de las Maravillas, Bambi, la película Corazón Valiente, La Princesa Mononoke y la más reciente versión del guion de El Hobbit para que le escribiera su libre adaptación inspirada en todas ellas.
Krsiten Stewart como Blancanieves
Y es que Blancanieves y el Cazador tiene de todo un poco, aunque no necesariamente bueno. No podrás dejar de pensar “esto ya lo vi en otra parte” mientras observas los paisajes fumados, las criaturas gigantes (háganme el favor, ¿de dónde sacó un trol de cinco metros Blancanieves?), el bosque mágico-encantado, un discurso “apasionado” para levantarse en armas estilo liberador escocés, el espíritu de la tierra y otro montón de detalles que pertenecen a todo lo que le pudo retacar Sanders en esta película. Por un momento me dio miedo que apareciera Yoda en medio del bosque y Ravenna le dijera a Blancanieves que en verdad era su madre.
Por si fuera poco Blancanieves y el Cazador es de esos filmes donde quieren atorar la trama un buen rato para finalmente resolverla en diez o quince minutos, haciendo que varias escenas luzcan ridículas y fuera de contexto aún dentro de la misma realidad de la obra. Un ejemplo claro viene con la misma sinopsis con la que te venden el filme: un cazador que en lugar de matar a Blancanieves la entrena para luchar contra la reina… bueno, olvídenlo, eso debe ser en otra película, a menos que se refieran a entrenamiento a una pequeña secuencia que dura alrededor de 45 segundos donde le dice cómo usar un cuchillo (igual esa escena ha de ser bien importantísima).
Sí, Blancanieves y el Cazador entra en la categoría de “jalada de los pelos”. Una chiquilla que vive encerrada y muerta de hambre durante quién sabe cuántos años regresa después sin mayor preocupación a destripar soldados con años de entrenamiento. Pocas cosas son creíbles en esta tierra mágica, destacando que una reina despampanante como Charlize Theron no debería tener la mínima preocupación de una mujer tan gris como Kristen Stewart.
Invitado especial: el espiritu del bosque, de la princesa Mononoke
Blanca como la nieve, aburrida como Kristen Stewart
¿Las actuaciones de Blancanieves y el Cazador? El reparto por lo general hace un trabajo decente. Me da la impresión de que los detalles en actuación responden más al atípico guion y los diálogos tan malos que por una falta de capacidad histriónica, salvo el caso de Kristen Stewart, que tiene la misma boquita semiabierta, como de flojera y asco, que nos enseñó en Crepúsculo.
Las películas malas tienen esa condicionante: uno puede descubrir cierto talento en los actores entre tanta porquería, pero también el artista puede hundirse junto con el filme… y es lo que pasa con Kristen, que termina haciendo aún más soso a su -ya de por sí- aburrido personaje de Blancanieves.
De lo rescatable, me quedo con Chris Hemsworth, quien a pesar de que se ve un poco tieso tiene cierto ángel y realza al cazador (aunque hubiera preferido que llamara a su martillo de Thor y acabara pronto con esta cochinada). Los enanos también son divertidos, las mejores bromas y momentos vienen con estos personajes en pantalla, aunque también son protagonistas de un par de absurdos que te harán mecer la cabeza de fastidio.
Si te da curiosidad contarlos, en esta película son 8 enanos
Esta escena también ya la vi en otra película
Chris Hemsworth entró de rebote en Blancanieves y el Cazador
La variedad de gestos de Kristen Stewart es sorprendente: básicamente tiene dos.
Respecto a la presentación de Blancanieves y el Cazador no me puedo quejar. La producción está cuidada en fotografía, sonido, música y ambientación; todo maravilloso y bien realizado, aunque notarás que por momentos pareciera que deseaban más sorprenderte visualmente que con un buen argumento. Hay que reconocer que el diseño de arte y el vestuario son atractivos por sí mismos, en combinación con los efectos especiales logran varias secuencias que valen la pena ver simplemente porque lucen increíblemente atractivas, sobre todo aquellas que tienen que ver con Ravenna.
Sin embargo, los efectos especiales son buenos pero no rescatan ni de lejos una historia aburrida y mal contada; por si fuera poco, algunos de estos efectos, a pesar de estar bien hechos, no tienen razón alguna de ser, como el troll de El Señor de los Anillos y el bosque mágico multicolor con haditas masculinas que salen de los pechitos de las aves (verídico).
Una manzana envenenada, por favor
El experimento falló. Esta película termina siendo más una torpe, incoherente, adolescente y absurda adaptación que una versión oscura del clásico cuento. Blancanieves y el Cazador termina decepcionando, ya que tenía la historia, el potencial y el presupuesto para ser una interesante propuesta y no alcanza siquiera a ser medianamente palomera, que por si fuera poco reafirma que Kristen Stewart aún está a leguas de ser una actriz decente. Si vas al cine a ver este churro, te recomiendo que en lugar de palomitas pidas una manzana envenenada para ahorrarte el sufrimiento.
