El Vengador Fantasma 2 no es más que la secuela de la película de Ghost Rider que se estrenó en 2007. Uno pudiera pensar que un churro de esas proporciones no merecía ni auguraba una segunda parte, al menos que fuera un reboot de la franquicia… pero no fue así. No con Nicolas Cage de por medio, que trata de demostrar sus dotes de estrella del cine de acción cada que tiene oportunidad y casi pide a gritos que lo inviten a The Expendables.
El Vengador Fantasma 2
Para El Vengador Fantasma 2, Ghost Rider (Johnny Blaze, para los conocedores) y su encarnación humana Nicolas Cage tuvieron que ir a rodar la secuela de su fallida incursión al cine a un país donde nadie los conociera y pudieran volver a echar a perder un gran personaje de cómics, el elegido fue Italia.
Cuenta la leyenda que hace algunos años, en un recóndito castillo en lo alto de las montañas con muchos monjes y un radar que no sirve para nada, habitaba un niño al cual había que proteger a toda costa porque era el medio bajo el que se llevaría a cabo una profecía, ¿cuál profecía? La misma de todas las otras películas donde haya una… y El Vengador Fantasma 2 no es la excepción.
Un negrito llega a advertirles que no están protegidos, que se preparen para lo peor. Como si se tratase de un profeta, llegan muchos militares, pero el pequeño niño escapa junto con su madre por un pasillo súper secreto en su minivan súper secreta.
Casualmente resulta que Ghost Rider andaba de paseo por esas tierras porque hay un templo con otros monjes donde tienen la capacidad de levantarle el hechizo, ya que el templo es muy antiguo y eso es razón suficiente para que un demonio motociclista se dé una vuelta para buscar ayuda profesional. Ghost Rider, sin mediar mayor explicación, decide unir fuerzas con la mamá del infante y proteger al pequeño “Damián” de todo peligro, y al mismo tiempo seguir en la búsqueda del templo donde puedan extirparle el hechizo que lo vuelve una calavera humeante.
Se me olvidó mencionar que la madre en cuestión es una ladrona sexy, pero es de los buenas; el niño también es un pillo de primera, pero como se quieren mucho y tienen una misión importante está justificado que roben lo que quieran.
Violante Placido como la sexy madre y ladrona
Ghost Rider y la maldicón de Nicolas Cage
Como era de esperarse en una película tan simple como El Vengador Fantasma 2, en algunas partes Johnny Blaze llega a fraternizar con el pequeño, con trucos de moto que ponen en peligro su vida y mostrándole como Ghost Rider orina como si tuviera un lanzallamas, mientras que la mamá simplemente sonríe ante estas cariñosas muestras de afecto.
Obviamente llega el momento en que los malos les quitan de las manos al chamaco y Johnny Blaze se propone encontrarlo tratando de transformarse en Ghost Rider como si fuera Hulk: viendo la foto del niño y enojándose. Para comenzar su búsqueda se mete a un antro lleno de malvados, porque en Italia todos ellos se conocen, y en el interrogatorio que les hace Nicolas Cage luce todas sus habilidades histriónicas, mostrando la risa de hiena que te va a seguir deleitando los oídos durante su confesión, cuando se está transformando y otros momentos clave de éste impresionante thriller.
A continuación viene la escena clave de El Vengador Fantasma 2, y por la que bien vale la pena bajar éste churrazo (aunque en una escena se asegura que Ghost Rider puede ver todos los pecados de tu alma, incluso el descargar películas piratas, así que cuidado): la batalla de las minas, donde nuestro héroe toma posesión de un vehículo poco común y se gasta más de la mitad del presupuesto de la película en tres minutos de explosiones.
Fuera de ésa escena, pareciera que Ghost Rider está como idiota, porque solo se le queda viendo a los malos y ni los amenaza, ni los ataca, ni nada; aparte, si crees que el superhéroe se mueve siempre como si se hubiera echado unos tequilas, es por una buena razón que se detallará más adelante, conforme avances en la intrincada trama de El Vengador Fantasma 2.
Nicolas Cage siempre tiene una película más mala bajo la manga
Ahora, continuando con la historia, Roarke, o el mismísimo diablo, interviene dándole poderes a su segundo al mando, Blackout (Johnny Withworth), para que el motociclista fantasma no sea el único ser sobrenatural de la película. Las secuencias de acción con éste demonio tienen un filtro gacho que no creo que sea del agrado de muchos, pero supongo que era necesario porque su poder por sí sólo no está muy espectacular que digamos.
La cinematografía pretende ser dinámica, así como las tomas, pero más bien parece que los directores de El Vengador Fantasma 2 (Mark Neveldine y Brian Taylor) habían consumido muchos estupefacientes y luego metían chistes que sólo ellos entendían. El resto de la película funciona bajo otro filtro amarillento que parece propiedad de Instagram… muy chafa.
Ghost Rider no es el único ser sobrenatural en El Vengador Fantasma 2
Las actuaciones son entre pésimas y olvidables. El actor que interpreta a Roarke es Ciarán Hinds, reconocido en la industria, pero es una lástima que se preste para este tipo de trabajos, peor aún el hecho de que al estar rodeado de tanta mediocridad resulta empapado. De Nicolas Cage no creo que haga falta decir nada, así como tampoco de la modelo de ropa interior que es la mamá (Violante Placido) o el negrito ojiverde Moreau (“Idris” Elba) que es alcohólico solamente para tratar de quitarle lo plano a su personaje, sin lograrlo. Si la historia no salva a El Vengador Fantasma 2 las actuaciones francamente terminan de hundirla.
Estamos ante una gran película de serie B: los parajes europeos, el (super)héroe americano, la chica sexy del acento raro, Christopher Lambert, música techno, un antigüo templo con monjes recluidos y una visita al coliseo romano (o uno para el que les alcanzó el dinero que no se gastaron en la escena de la mina). El Vengador Fantasma 2 es una excelente película para ver en el autobús mientras te quieres dormir o cuando después de cinco años la pase en Canal 5.
La forma en la que las series de manga y anime son concebidas hacen que de verdad nos transmitan todo tipo de sensaciones: tensión, sufrimiento, miedo o hasta los más oscuros sentimientos que tengamos guardados. Y los japoneses son expertos en ello, convirtiendo la representación y extrapolación de sentimientos en una característica y sello de casa de la animación japonesa.
Área 88 (OVA, 1985)
En este tenor y de la mano de Kaoru Shintani nos llega Área 88, serie de acción militar y aeronaves publicada en formato manga desde 1979 hasta 1986 en las páginas de la revista semanal Weekly Shōnen Big Comic.
La versión en anime consta de una serie de tres OVAs lanzados a mediados de los 80s; este proyecto corrió a cargo de Studio Pierrot (los mismos de Naruto y Beelzebub). En el año 2004 se lanzó una segunda versión animada de Área 88, ahora en formato de serie para televisión, con doce capítulos en su haber y, como han de imaginar, haciendo uso de técnicas de animación más modernas.
Gran parte del anime transcurre en cabinas de aviones
Al final, las dos versiones de la serie nos cuentan la misma historia, aunque en la versión OVA se encuentra más condensada, haciendo (favorablemente, desde mi punto de vista) a un lado los arcos argumentales que de alguna manera no tienen tanta importancia en la trama central de Área 88.
La historia de Área 88 nos cuenta las aventuras de Kazama Shin, un joven piloto japonés que se dedica principalmente a los aviones comerciales, pero que por azares del destino se ve obligado a formar parte de un grupo de mercenarios para el reino de Aslan, una nación del Medio Oriente que se encuentra en medio de una cruenta guerra civil.
Para salir de este escenario, cualquiera que forme parte del grupo de mercenarios debe cumplir como mínimo tres años de servicio militar o pagar 1.5 millones de dólares, para con ello comprar su libertad y poder salir de lo que denominan como Área 88.
El piloto Kazama Shin es el protagonista de Área 88
Kazama Shin no está dispuesto a pasar los tres años confinado, pero tampoco cuenta con el dinero para pagar su propio rescate, así que termina orillado a formar parte de un equipo de pilotos de aviones caza.
Paralelamente, vemos como en Japón el “mejor amigo” de nuestro protagonista busca la manera de conquistar a la prometida de nuestro protagonista, no importando lo que tenga que hacer en el proceso… como por ejemplo, hacer que con engaños Shin firme para voluntariamente enrolarse a las filas de Área 88.
Aviones, máquinas de guerra y acción
Avanzando en la historia de este clásico anime conoceremos a varios miembros de esta fuerza de defensa de Aslan, con pilotos y personajes de diversas nacionalidades: rusos, norteamericanos, vietnamitas, japoneses, etcétera. La crema y nata de los pilotos en un solo lugar.
Aslan contrata a pilotos y mercenarios de todo el mundo
Pero como en toda guerra, los que al final sufren más son los que sobreviven; así, Área 88 nos hace enfrentarnos con cuestiones morales que conlleva cualquier guerra.”¿Por qué mato?”, “¿en qué me he convertido?”, “¿la vida de los demás de verdad tiene precio?”, son algunas de las preguntas que se hacen estos pilotos después de formar parte de sendas y crueles batallas aéreas.
Área 88 funciona también como un fiel reflejo de conflictos que han marcado la historia de la humanidad, guerras sin sentido como la de Vietnam, donde el hombre se ve obligado a realizar lo que de otra forma no haría. El anime también retrata de excelente manera los problemas psicológicos y el trauma posterior que genera este tipo de experiencias, haciendo que muy pocos sobrevivientes puedan regresar a tener una vida normal después de vivir tales batallas.
Ciertamente la animación ya denota sus años encima
Y sí, las batallas aéreas son el punto fuerte de este anime y lo que de verdad lo hace tan disfrutable. Para la época, la animación de las combates, los diseños de los aviones, armas, equipo y personajes era de altísima calidad. Cualquiera que se sea conocedor o fanático de aeronaves de combate reconocerá fácilmente los modelos reales de aviones que son presentados en los OVA de Área 88, desde el F-14 (Tomcat), F-4, Mir, Harrier y un largo etcétera de tecnología con alas, hélices y cañones que desfilará ante nuestros ojos. Es un agasajo ver en pantalla todos estos modelos clásicos representados fielmente en el anime.
A esto hay que agregarle lo pulidas y bien logradas de las secuencias animadas de enfrentamientos aéreos en Área 88, cuidando hasta el último detalle y sumergiendo al espectador en el mundo ficticio que tiene enfrente. Podemos ver diversas tomas dinámicas y variadas que abarcan el procedimiento de despegue de estos aviones, un excelente diseño de cabinas e interiores, alucinantes secuencias de vuelo y el remate con un sinfín de misiles, armas y todos los chunches que traen consigo estas máquinas voladoras. Detalles que colocan a Área 88 como una joya preciosista dentro de la animación japonesa.
El anime corrió a cargo de Studio Pierrot
Por si fuera poco, la banda sonora que acompaña a Área 88 es de verdad recomendable. Melodías más cercanas al rock instrumental o hasta al heavy metal ochentero engalanan las frenéticas batallas en los cielos de Aslan. Baladas y melodías melancólicas también funcionan adecuadamente en los momentos más emotivos del anime, destacando en especial el primer ending vocal, que con sólo escucharlo uno se da cuenta que está ante una producción que no ha reparado en ofrecer lo mejor en cada departamento, incluyendo el de soundtrack. Una banda sonora que vale la pena conseguir para escucharse aún sin estar observando la animación de por medio.
Si bien es cierto que el diseño de personajes de Área 88 no es el más atractivo (sobre todo para los estándares actuales), el reparto de voces cumple su cometido y encaja casi siempre con los protagonistas de la historia para colaborar en el crecimiento de cada uno, así como de sus relaciones personales. El sonido también es más que adecuado, con explosiones, motores y todos los ruidos que podemos suponer que debe tener una guerra, si bien la tecnología usada ya muestra su edad y por momentos se escuchan ciertos sonidos huecos o apagados, esto responde más al paso del tiempo que a otra cosa.
Área 88 y esta reseña de sus OVAs llegaron hasta usted gracias a…
En conclusión, Área 88 es una serie de anime clásica que no deben dejar pasar, una recomendación para los experimentados de la animación japonesa y también para aquellos que comienzan a adentrarse en este mundo y buscan material que los enganche. En estos tiempos donde las tramas inverosímiles, extrañas, con clichés definidos, predecibles y hasta absurdas inundan el mercado, es bueno darse un momento para voltear a las producciones de antaño, con series menos complicadas, pero a la vez con mayor contenido humano.
Muchos recordarán el boom que se dio a mediados de la década de los 80s hacia todo lo referente con la mística ninja: bodrios en las pantallas cine como la saga de Ninja Americano (¡agh!) llegan de inmediato a la mente. En medio de este auge artemarcialista, Sega nos trajo en 1987 uno de los videojuegos de plataforma y acción en 2D que se convirtió en ícono de las arcades: Shinobi, un título que confiaba en un control simple pero mucho reto para mantenerte atrapado.
Shinobi (Arcade)
En Shinobitomamos control del maestro ninjaJoe Musashi a través de cinco misiones para destruir una organización terrorista y rescatar compañeros secuestrados; cada misión se divide en varios niveles y un jefe al final, con un número de rehenes por nivel que deben ser liberados antes de que termine el límite de tiempo y salir. Para ayudarte en tu empresa, además de usar tus conocimientos para asesinar sigilosamente, dispones de otras armas, lo que nos lleva al control del videojuego.
Shinobiusa un esquema de tres botones. El primero es para utilizar tu arma principal, las estrellas ninja o shurikens, las cuales lanzas en serie. Éstas se vuelven más poderosas al rescatar a cierto rehén del nivel que las convierte en una especie de minilanza-granadas, que tiene la particularidad de matar a los enemigos aún cuando las bloqueen y que al topar con “pared” dejan una estela que sigue haciendo daño (bastante útiles en la última misión). También al acercarte furtivamente al enemigo y presionar el primer botón, puedes darle “cran” con un golpe certero a mano limpia, o si ya cuentas con el poder extra dado por el rehén mencionado, le darás lo que se merece con tu fiel katana.
El segundo botón en Shinobies para el salto. Tus shurikens pueden ser usadas en el aire y, además, muchas veces en tu aventura requerirás saltar entre los dos planos que la mayoría de los niveles presentan.
El tercer botón es para tu magia ninja (una por nivel). Existen tres diferentes magias en Shinobi: trueno, tornado y un ataque de múltiples Musashi. Cualquiera elimina instantáneamente a todos los gandallas en pantalla, o en el caso de los jefes, les quita varios puntos de sus barras de vida. En general, el control de Shinobies responsivo al instante y bastante sencillo, no tardas en acostumbrarte a él.
Lanzando shurikens
En Shinobi encontrarás todo tipo de escoria criminal en cada nivel: guerreros con escudo y sable resguardando a los rehenes, “rambos” con lanza-granadas, ninjas de diferentes colores -y comportamiento- y demás. Los jefes son oponentes formidables y pondrán a prueba tus mejores técnicas, desde un helicóptero cargado de ninjas, pasando por Mandara y unas estatuas giratorias tratando de presionarte hacia una reja electrificada, hasta Nakahara, el líder de la organización enemiga, maestro y padre de Joe Musashi, que tiene conocimientos y magia similares a los tuyos (spoiler tipo “Luke, soy tu padre”).
En Shinobi había ninjas de todos colores y sabores
Shinobies uno de esos videojuegos retro donde es posible aprender por completo el patrón de los enemigos (dónde aparecen, cómo atacan, cuándo moverse, etcétera), lo que junto con detalles como conseguir bonos secretos por terminar el nivel sin usar estrellas y/o magia, en su tiempo lo hacían una maquinita que deseabas jugar una y otra vez hasta poderla dominar con una sola moneda. Nada fácil: un solo golpe enemigo y pierdes una vida. Curiosamente cuando chocas con un oponente solamente se escucha un “auch” y el efecto los arroja a un lado, lo que puede ser una ventaja o tu perdición dependiendo de la situación y el lugar.
Afortunadamente, después de terminada cada misión se te da la oportunidad de ganar vidas extras en una etapa bonus, donde en un modo tipo primera persona arrojas estrellas ninja como en juego de feria a decenas de enchilados ninjas que piden que termines con sus miserables y encapuchadas vida, mientras tratan de llegar a ti y echarte montón. Bienvenido es que puedas obtener vidas de este modo, ya que si pierdes las de reserva y logras llegar a la última misión, no existe manera de continuar el juego en dicho nivel.
Hasta en las etapas de bonos había ninjas enemigos
La música de Shinobies agradable y ligera, como para llevarla tranquilamente y creada por el maestrazo Yuzo Koshiro, ¿qué más puedes pedir? Los gráficos, para su tiempo, eran atractivos y cargados con varios detalles, clásico de los juegos de SEGA de arcade en aquellos años.
Shinobi, el ninja arcade original
Debido a su arrasador éxito maquinero, Shinobifue portado a una multitud de versiones y consolas, y aunque no precisamente malas (sólo medio malas), ninguna logró capturar el Shinobioriginal en su totalidad.
Las más conocidas son las del NES y el Sega Master System. Ambas muy similares, ya que la del NES fue desarrollada (por Tengen) a partir de la del Master System. ¿Un título de Sega en una consola de Nintendo en la época en que eran competidores directos? Así es, aunque el videojuego no estaba oficialmente licenciado y sólo se lanzó en América. En dichas conversiones de Shinobise agregaron más armas como la cadena y el nunchaku (los chacos, pues), además de una barra de vida, lo que ya cambiaba totalmente la estrategia del juego.
Con tu magia les dabas cran a todos los enemigos en pantalla
La versión para el Nintendo tiene menos colores en pantalla y omisiones en un par de niveles, además de formas baratas de recibir daño, como quedar atorado entre enemigos al chocar con ellos -hasta perder toda tu barra de vida- o balazos a medio salto. Sin lugar a duda la del Sega Master System se lleva el pulgar pa’ rriba.
Otras conversiones caseras de Shinobiincluyen versiones para Amiga, Commodore 64, Atari ST, Amstrad CPC, ZX Spectrum y una versión para PC Engine exclusiva para Japón, la cual era la más fiel a la arcadia original gráfica y auditivamente hablando, aunque al costo de eliminar por completo una misión, a uno que otro enemigo, etapas de bonus, cuadros de animación y hasta el ataque de cerca… para muchos imperdonable. Sólo para verdaderos ninja fans.
Las versiones originales de maquinita fueron trasladadas recientemente al sistema Xbox Live Arcade así como a la Consola Virtual de Wii, ésta última con algunas censuras y ediciones como los pósters de Marilyn Monroe en la misión 1-2.
Parte de pasar el nivel era rescatar a los rehenes
Todo un clásico que no debes dejar pasar, Shinobicon el paso del tiempo sigue siendo recordado con gusto como el sencillo, pero gran juego que es. Una de los mejores arcades de acción de su época que capturó toda la esencia ninja en un solo videojuego.
¿Te imaginas que tú y tus amigos se encontraran la armadura de Iron Man? ¿Quién se quedaría con ella? ¿Para qué la usaría cada quién? El cómic Fraction, publicado bajo el extinto sello DC Focus de DC Comics, nos da una buena idea de lo que podría pasar en una situación de ese tipo.
Fraction
Una salida al bar reúne a los cuatro mejores amigos; Trent, Mike, Pete y Ford se vuelven a ver después de años no hacerlo. La salida de Ford del reclusorio y su nueva, reformada y tranquila vida eran motivo suficiente para reunirse, brindar y recordar los viejos tiempos en la preparatoria. Pero desde las primeras páginas de Fraction se puede ver que así como existe una extraña química entre ellos, también hay una ligera línea que separa la amistad del odio.
Para terminar tan grande reencuentro, los cuatro deciden abrir y hurgar algunas pequeñas bodegas como en los viejos tiempos, cuando buscaban vino, cervezas o algo para “pistear” y continuar la fiesta. Pero la vida ha cambiado a todos, mientras que Pete lo ve como una aventura, Trent es ya muy adulto para esas niñerías, Ford no quiere volver a prisión y Mike… Mike es un desgraciado capaz de amenazar a sus amigos con una pistola con tal de que no se echen para atrás y conseguir algo que robar para vender.
Pete tranquiliza los ánimos de todos cuando abre la bodega y les muestra lo que encontró: un traje de batalla como los de los cómics… como el de Iron Man pero en verde y más feo.
¿Qué harías si tú y tus tres mejores amigos se encontraran la armadura de Tony Stark o algo muy parecido a ella? ¿Quién se la llevaría a casa? Fraction toma la mejor salida: la línea que dividía la amistad del odio se llamaba desconfianza, ninguno de ellos sentía que el otro pudiera hacerse cargo responsablemente de la armadura, nadie mejor que uno mismo para tener el traje así que la solución más justa fue dividirla.
Las piezas fueron divididas entre los cuatro amigos y entre todos planean un asalto usando la recién “adquirida” armadura. Tras un altercado en el asalto y para evitar cualquier sospecha, se separan momentáneamente a continuar cada quien con su vida y empieza la odisea de cada personaje por aprender usar su parte de la armadura y así sacar el máximo beneficio personal de la misma.
Cada quien usa su parte de armadura para trabajar en equipo
Las cosas se complicarán aún más en Fraction, pues aparte de sus problemas personales tendrán que enfrentarse a Burke, un mercenario contratado por la compañía que creó la armadura para recuperar el traje robado y asesinar a todo aquel que sepa algo al respecto. Para cumplir su misión, él usa un traje de batalla idéntico al de los cuatro compañeros.
Trent, Mike, Pete y Ford
Trent
Trent
Viene a ser una especie de conciencia del grupo. Sin embargo, a veces su sentido de la responsabilidad lo enfrenta con sus amigos, especialmente con Mike. Estuvo casado con una compañera de la preparatoria llamada Janey, pero ella le pidió el divorcio un día que regresó de borrachera con la mesera del bar a su casa. Tiene un hijo llamado Elvis y desea recuperar su familia. A Trent le tocaron las botas y puede volar gracias a sus propulsores.
Mike
Mike
Una adolescencia dura moldeó a Mike en un hijo de la chingada. A él le tocaron los guantes, con los que puede lanzar rayos, freír cosas, disparar y un montón de gracias similares. Lo primero que hace tras asaltar la tienda es irse a vengar de su padrastro, Bob McVee, “tostándole los huevos”. Es un dealer de cosas robadas, trafica autopartes y armas principalmente… y quiere “pedalearle la bicicleta” a Trent asumiendo el rol de padre ejemplar y pareja cariñosa.
Ford
Ford
Le tocó el pecho de la armadura, así que se puede considerar a Ford como el más timado del grupo. Recién salido de prisión por un delito menor, decide rehacer su vida, pero se enfrenta a empleos mal pagados. Su inseguridad lo traiciona, por lo que cuando la policía empieza a investigar, Ford tiene un choque entre su amistad con el grupo y el no volver a prisión. Planea vender su parte de la armadura para salir de pobre pues trabaja como botarga de pollo.
Pete
Pete
Viene a ser el niñote del grupo, pero a la vez quizá el más centrado. Continúa viviendo con su sobre protectora madre, quien al descubrirle el casco le exige que aprenda a usarlo totalmente para su beneficio: tiene visión térmica, nocturna, sintonizador de frecuencias, traductor universal, control remoto y un montón de chuladas. Pete tiene un extraño gusto por las gorditas, lo que le lleva incluso a coleccionar revistas de chubby porn.
El arte de Fraction no es visualmente impactante, pero conforme avanza la historia se da uno cuenta que Timothy Green II imprime su propio estilo a la historia; sus trazos a veces nos recuerdan a algunas animaciones de Nickelodeon, y los colores pálidos y poco vivos acentúan el ambiente.
La autoría del cómic de Fraction es de David Tischman (escritor de American Century, Red Hearring y Bite Club) y logra retratar los problemas de la amistad usando el trillado género de superhéroes de una manera poco convencional. Era lo que intentaba el sello DC Focus, un acercamiento distinto a los súper poderes, con cómics que retrataran más la vida personal que el uso de los poderes en la lucha contra las fuerzas del mal.
No tardan en buscar a los que se robaron la armadura de batalla
Los seis números de Fraction son muy disfrutables. La historia nunca baja y se mantiene vigente con vueltas de tuerca cada dos tomos. El desenlace, sin que deje de ser bueno, se siente forzado debido a que DC Comics decidió cancelar toda la línea DC Focus, obligando a la historia a terminar un poco antes de lo previsto. Pero Fraction continúa siendo una joya escondida de los cómics, que narra de excelente manera como el aburrido día a día de cuatro amigos fue cambiado cuando encontraron una pieza de algo extraordinario.
Toradora! es un animeshonen creado a partir de las novelas ligeras del mismo nombre. Muestra la enredada historia de amor adolescente entre Ryuji Takasu y Taiga Aisaka, quienes intentando hacerla de cupido de sus mejores amigos terminan envueltos en un romance no planeado.
Toradora! | Reseña
La historia de Toradora! comienza con Ryuji Takasu, un estudiante de segundo año que vive con su madre. A pesar de ser un joven gentil y caballeroso, sus ojos provocan temor a sus compañeros de clase, lo que le dificulta socializar y tener novia. Ryuji está enamorado de su compañera Minori Kushieda, una chica muy alegre, al contrario de su mejor amiga Taiga Aisaka, que es muy negativa y agresiva. Ella a su vez está enamorada del mejor amigo de Ryuji, de nombre Yusaku Kitamura, pero Taiga es muy tímida y cada vez que él se le acerca ella se paraliza.
Al darse cuenta de la situación, Ryuji y Taiga se unen para lograr cuadrar los sentimientos de todos y que tanto ellos como sus amigos logren estar con la pareja que les gusta. La situación los lleva a realizar planes constantemente y, por ende, pasar mucho tiempo juntos para lograr su objetivo. Como es de esperarse en este momento, tanto Ryuji como Taiga desarrollan sentimientos uno por el otro y sin darse cuenta la trama de Toradora! dará un giro (tal vez no tan) inesperado.
Entre planes fallidos, intentos fracasados de volverse cupidos, peleas y conflictos divertidos se involucra Ami Kawashima, una misteriosa estudiante de intercambio que al parecer gusta de Ryuji y se interpondrá en sus planes a toda costa, con tal de quedarse con él. Como es común en las series de anime, todos los personajes de Toradora! irán revelando partes de su pasado, las cuales irán completando la trama en el presente.
Personajes de Toradora!
Ryuji Takasu
Tiene una mirada intimidante que aleja a la gente a pesar de sus buenas intenciones. Realiza actividades del hogar, como limpiar y cocinar, ya que vive con su madre y ella es muy desatendida; al volverse más cercano a Taiga también le ayudará con sus tareas domésticas. Tiene un perico de mascota llamado Inko-chan, que en español se traduce como “periquito”.
Taiga Aisaka
También conocida como “tigre compacto”. Una chica adinerada, intolerante y antisocial, que vive sola en un departamento lejos de sus padres, quienes aparecen eventualmente en el anime develando el misterio detrás de su soledad. Se enamora de Ryuji después de pasar mucho tiempo con él realizando planes para conquistar a Kitamura.
Minori Kushieda
Muy activa, atlética y optimista. Minori es la capitana del equipo femenino de softbol de su escuela. Se llama a sí misma “la guerrera de la dieta” y entra muchas veces en conflicto por ser demasiado glotona. Tiene varios trabajos de medio tiempo, acostumbra cantar canciones alegres y tiene un gran gusto por lo paranormal, pues disfruta mucho la sensación de temor.
Yusaku Kitamura
Mejor amigo de Ryuji, un brillante estudiante y vicepresidente del consejo estudiantil. Yusaki está enamorado de la presidente del mismo y le guarda mucho respeto, lo cual le dificulta entablar relación con ella. También es líder del equipo masculino de softbol y es muy extrovertido, aunque dice ser malo para acercarse a las chicas.
Ami Kawashima
Atractiva modelo que llega de intercambio a mitad del segundo año de secundaria, en verdad Ami es una amiga de la infancia de Kitamura. Aparenta ser muy amable y generosa con todos, pero es sólo una cortina ya que siempre actúa protegiendo sus intereses. Es rival de Taiga y Minori, por lo que constantemente se agreden.
Toradora!, anime con calidad
La calidad de animación en Toradora! es notable, aunque el diseño de personajes resulta un poco extraño: por una parte los personajes femeninos parecen muy detallados, con rostros elaborados y emociones bien distinguibles; mientras que los personajes masculinos lucen más acartonados y con un trabajo de diseño más simple. No es que sea precisamente malo, pero por momentos el choque entre los diseños de personajes es notable.
Voces, sonidos y banda sonora están a la altura de cualquier gran producción de anime: no le pide nada a nadie. Las canciones tanto de los openings (“Pre-Parade” y “Silky Heart“) como de los endings (“Vanilla Salt” y “Orange)” son interpretados por Yui Horie.
Escrita originalmente por Yuyuko Takemiya, su adaptación al anime fue transmitida por primera vez el 2 de octubre de 2008. Toradora! cuenta sólo con 25 episodios en una única temporada y hasta el momento no se ha anunciado ninguna secuela. Fue dirigida por Tatsuyuki Nagai y producida por el estudio J.C. Staff, los mismos de seriales de anime populares tales como Ikki Tousen, Read or Die, Maburaho y Ai Yori Aoshi.
La trama del Toradora es previsible, pero los personajes le da magia al anime
Existen otros spin-offs de la novela original de Toradora!, que incluyen un manga, un show de radio por internet y una novela visual disponible únicamente para la PSP. La serie de anime está licenciada en América por NIS America, que distribuye los 25 capítulos a manera de dos temporadas, cada una con dos DVD y una guía ilustrada de los capítulos.
Toradora! es de esas historias con cierto romance y enredos de todo tipo que encierran sorpresas aún dentro de una trama claramente predecible; son los cambios en el guion los que dan vida a este anime y lo convierten en una opción ligera, con los enredos estrictamente necesarios y un desarrollo divertido que te hacen querer ver inmediatamente el siguiente episodio.
Knights in the Nightmare no sólo es un novedoso videojuego, sino el cuarto capítulo de una interesante saga de la compañía Sting Entertainment llamada Dept. Heaven, siendo el primero Riviera, el segundo Yggdra Union y el tercero Gungnir: Inferno of the Demon Lance and the War of Heroes. Al parecer el motivo de enumerarlos dentro de una misma saga es sólo para ordenarlos en base a la originalidad del sistema de juego, siendo Rivierael menos original, según el director del equipo encargado de realizarlos, Shinichi Ito.
Knights in the Nightmare | Reseña
Knights in the Nightmare entonces viene de un fino y exclusivo pedigrí de videojuegos de aventura y mucho RPG, con toques de estrategia y cada vez con un sistema de batalla y acumulación de experiencia distinto al anterior. Atlus es amante de este tipo de experiencias, hasta cierto punto, experimentales y a veces uno duda en ponerles las manos encima, pero casi siempre terminan siendo sorpresas agradables.
Knights in the Nightmare había salido previamente para el Nintendo DS ya que el uso del stylus es ideal para manejar al Wisp o hadita mágica… o lo que sea que es a través de la pantalla, pero creo que el tamaño de la pantalla del PSP ayuda a percibir mejor todos los detalles y elementos que se amontonan en la batalla.
El diseño de armaduras es novedoso, todos parecen Caballeros del Zodiaco, si los Caballeros del Zodiaco fueran de verdad bragados. Es una lástima que algunos de estos diseños sólo se queden en los diálogos, porque a la hora de pasarlos a sprites las siete clases de guerreros se verán siempre iguales entre sí, sólo cambiando sus colores de acuerdo al personaje. Los enemigos por su parte, se ven bastante bestiales e imponentes, y de inmediato notas cuando se acerca un hueso duro de roer.
Sistema original de batalla en PSP o Nintendo DS
El sistema de batalla único de Knights in the Nightmare combina elementos de juegos de navecitas tipo Bullet Hell, junto con una extraña mezcla de RPG y hasta estrategia en tiempo real. El tutorial es bastante extenso, pero trataré de condensarlo para que se entienda cómo se juega esto.
Knights in the Nightmare consta de tres fases y en la primera vas a administrar a tus guerreros y armas disponibles para luego poder posicionarlos listos para la batalla.
Montones de menús y opciones para perder horas personalizando y planeando
En la segunda fase vas a colocar a tus guerreros y armas en el campo de batalla, así como ver a los enemigos a los que te enfrentas. Las siete clases guerreros antes mencionadas son Wizard, Archer, Knight, Warrior, Duelist, Priest y Hermit; cada uno de ellos tiene patrones de ataque diferentes, como si se tratara de piezas de ajedrez, y cuentan con un tipo de arma específica. Estas armas también pueden ser de distintos tipos e incluso niveles, por lo que cada elemento de Knights in the Nightmare te va a proporcionar horas de “customización” y planeación pre batalla, si eso es lo que te mueve al jugar éste género.
En la tercera fase inicia la batalla con las armas y guerreros que hayas colocado, pero tú solo manejas a la lucecita que te mencioné al comienzo de la reseña y tu misión es activarlos para que ataquen a los enemigos. Cada activación gasta tiempo, por lo que deberás ser cuidadoso en cómo, cuándo y qué piezas mover.
Como buen videojuego de Atlus, el modo de batalla puede parecer difícil al principio
Aparte de activar a tus aliados, tendrás que esquivar todos los ataques enemigos, que te dispararán muy al estilo de un videojuego shooter y si te pegan también perderás tiempo, lo que podrá ocasionar que se termine la ronda y no hayas podido matar a nadie. Al final de cada ronda aparecerá una ruleta en la cual se determinarán los enemigos del siguiente round, siendo el objetivo para pasar la misión el derrotar cuatro o a veces más enemigos del mismo tipo.
Así es el juego de Knights in the Nightmare explicado de una forma muy básica; aún así faltan muchos elementos extras que tendrás que tomar en cuenta conforme progreses en tu aventura, como la niebla, enemigos que sí atacan directamente a tus guerreros, poderes normales y súper ataques -como reclutar nuevos elementos- y un largo etcétera. Todos estos elementos combinados en una triste pantallita de PSP o Nintendo DS pueden parecer abrumadores y entre tantas luces y poderes muchas de las ocasiones ni te enteras cuando ya perdiste.
Podrás usar distintas clases de guerreros en Knights in the Nightmare
Un reto para experimentados del género… o diversos géneros
La historia de Knights in the Nightmare es tediosa, lo bueno que te la puedes saltar, y lo más probable es que sea así porque estuviste dándole “siguiente” a los textos como en una hora y tantos de tutorial. Algo entendí como que eres el rey Wilmgard vuelto a la vida en forma de lucecita y vas a salvar tu reino. La heroína que te ayuda y que ves en la portada del videojuego y en todos lados es Maria, una valquiria que puede manejar las armas de todos los guerreros, pero no la ves hasta la misión siete u ocho.
El reto aquí es significativo y se puede decir que a pesar de la tierna historia este un juego para verdaderos machos de los RPG. Al principio de Knights in the Nightmare te van a llevar de la manita pero en cuanto pelees con el primer jefe -un hombre lobo- verás lo complejo que se puede poner el asunto.
En general las misiones normales son para adquirir experiencia y no te deberían de costar trabajo, pero cada tres o cuatro de ellas te las vas a ver negras con monstruos que llenan la pantalla de balas: si te descuidas te matan a los caballeros a tu servicio e incluso son invulnerables a todo ataque hasta que no cumplas algún requisito en la pelea.
Bullet Hell: esquiva montones de balas y ataques enemigos en pantalla
Los gráficos y el sonido de Knights in the Nightmare son buenos. Si bien visualmente no es un monstruo que exprimirá tu portátil hasta la última gota, los gráficos son atractivos y la música complementa de manera adecuada lo que sucede en la pantalla… de hecho la banda sonora es magistral y uno de los puntos fuertes de título.
Un híbrido de shooter y RPG es lo primero en lo que podrías estar pensando al ver imágenes de éste videojuego, pero cuando te adentras en el sistema de juego de Knights in the Nightmare, te atrapa. La acción tarda en llegar, por lo que incluso si eres fan de los títulos de rol te puedes enfadar. Dicho esto, aprender a jugarlo bien vale la pena para salir de lo tradicional y encontrarse con una joya original en el saturado mercado de títulos para consolas portátiles.
Con el estreno de Iron Man, en mayo de 2008, Marvel dio inicio a uno de los proyectos más ambiciosos en la historia del cine, llevar a los Avengers a la pantalla grande. El grupo de superhéroes es un icono de los cómics y su popularidad quizá sólo es superada por la Liga de la Justicia, por lo que el proyecto representaba una dificultad aún mayor que llevar a los Cuatro Fantásticos o a los X-Men al celuloide. Afortunadamente podemos respirar con Los Vengadores, respirar tranquilos y disfrutar.
Si existían dudas respecto a la calidad de producción quedaron disipadas inmediatamente con el estreno de la primera película de Iron Man, y aunque con el subsecuente lanzamiento de cada uno de los filmes basados en los personajes hubo altas, bajas y muchas opiniones divididas, el contexto general indicaba buena calidad y recibimiento aceptable del público. Los Vengadores tenía puesta la mesa para pegar como martillo de Thor entre la fanaticada y el público en general.
Los Vengadores
Si viste las anteriores cintas de los personajes de Marvel, recordarás que al final de los créditos de cada una salía una escena extra a manera de prólogo que daba algo de luz sobre el contexto general de la Iniciativa Los Vengadores y lo que sucedería en la próxima cinta del estudio. El inicio de Los Vengadores retoma dichas secuencias, con una corporación de SHIELD ya en forma estudiando un misterioso cubo de energía llamado Teseracto.
Haciendo un poco más de memoria recordaremos que el Teseracto aparece en el prólogo de Thory es parte central de la trama en Capitán América: El Primer Vengador. Una “gema” que puede otorgar energía y poder ilimitados a quien la domine, y que vuelve a hacer acto de presencia en Los Vengadores como eje motor de la trama.
SHIELD y Nick Fury no son los únicos interesados en el cubo, ya que el dios bromista, Loki, intenta apoderarse de la gema cósmica. El hermano de Thor realizó una alianza con los Chitauri, una raza guerrera extraterrestre que lo ayudará a conquistar la Tierra a cambio de que les entregue dicho artefacto.
No pasan ni cinco minutos cuando comiena la acción, con Loki atacando el mismísimo centro de las instalaciones de SHIELD y llevándose el Teseracto mientras deja una ola de destrucción a su paso. La batalla ha comenzado, el pretexto que buscábamos para ver a los héroes de Marvel -Iron Man, Capitán América, Hulk, Thor, Black Widow y Hawkeye- está servido. Nick Fury tendrá que recurrir a los Avengers para rastrear y recuperar el poderoso artilugio.
Avengers, assemble!
La trama esta hasta cierto punto simple. Los Vengadores no está basada en complots ni en un manejo intrincado del suspenso, sino en presentar formalmente juntos a los personajes de Marvel, así como la repartición equitativa de golpes y minutos en pantalla. Aún así, la función encierra un par de intrigas bien trabajadas que dan esos giros justos y necesarios en el argumento. A veces las historias sencillas son las más difíciles de contar para que sean entretenidas, y aquí todo funciona a la perfección.
Avengers, assemble!
Entre los pequeños giros en la trama tendremos un par que dan lugar al choque entre algunos miembros de los Avengers, aunque a diferencia de lo que suele suceder en los cómics, ninguna de estas batallas se siente forzada, por el contrario, encajan perfectamente y hasta de manera natural en un grupo que, como dice el doctor Bruce Banner, “con personalidades e intereses tan distintos, más que un equipo es una bomba de tiempo”.
¿Es buena la historia de Los Vengadores? Sencilla, pero efectiva; seguramente no ganará un Oscar al mejor guion, pero mantiene la expectativa adecuada en lo que está por ocurrir y siempre te oculta algún as bajo la manga, incluso después de los créditos. Los diálogos funcionan y fluyen al mismo nivel de los magistrales efectos especiales, demostrando que los guionistas hicieron su tarea.
Thor vs Iron Man vs Capitán América, ¡oh, sí!
Estas escenas de diálogo ayudan a poner en perspectiva la situación y son el descanso adecuado para la avalancha de adrenalina. Los Vengadores es como una montaña rusa en la que normalmente vas en picada a toda velocidad y cuando se detiene ligeramente es porque se está construyendo una secuencia más tremenda que la anterior; estas pausas también ayudan a enriquecer la historia y a construir una efectiva interacción entre todas las estrellas presentes.
Capitán América, Iron Man, Thor, Hulk, Viuda Negra, Hawkeye y hasta Nick Fury, todos reciben el tiempo suficiente a cuadro para mostrarnos el lado humano bajo sus disfraces y armaduras. Es de destacar la labor del director Joss Whedon, no sólo para compenetrar al equipo y hacerlo ver como una unidad, sino para darle minutos en pantalla a todos los superhéroes y que cada uno brille -por momentos- con su propia luz. Cada espectador tendrá su favorito y ninguno queda mal parado.
Iron Man, Capitán América, Thor, Hulk, Viuda Negra y Hawkeye
El ensamble de actores cumple de maravilla en su papel. Robert Downey Jr., como el sarcástico Tony Stark; Mark Ruffalo, haciendo del curioso doctor Bruce Banner; Chris Hemsworth, como el asgardiano Thor; Chris Evans, dando vida el recién reintegrado a la sociedad Steve Rogers; Jeremy Renner, como Clint Barton; Samuel L. Jackson, como Nick Fury; Tom Hiddleston, que repite encarnando el dios exiliado Loki, y Scarlett Johansson, como la hermosísima y letal Natasha Romanoff; todos realizan buenas interpretaciones -incluso sobrepasando en algunos casos a sus trabajos en las entregas particulares- y brindan al público un soporte creíble de cada superhéroe y súper villano que desfila en la pasarela.
“Nosotros tenemos a Hulk”
Es cierto, ningún papel es una piedra difícil de cargar, y la interpretación más exigente -Tony Stark- recae en un gran veterano -Robert Downey Jr.-. Sin embargo, quien sorprende gratamente, más que nada por el hecho de que no lo habíamos visto con anterioridad, es Mark Ruffalo: su Hulk es poderoso, sensible y “el más fuerte que hay”. Sólo por este personaje vale la pena sentarse los 143 minutos que dura este peliculón.
A esto le sumas que cada Avenger hace gala de sus poderes y habilidades como si no hubiera mañana, y si verlos por separado era un espectáculo visual, la gran batalla final con todo el equipo repartiendo leña es casi como poesía de acción. Joss Whedon logra captar durante cerca de 40 minutos una de las secuencias más impresionantes en cine, con los Vengadores luchando hombre a hombro para detener la amenaza extraterrestre.
Bombas, flechas, balazos, vehículos aéreos a toda velocidad, persecuciones, truenos, trompadas, cachetadas, automóviles que explotan, civiles atrapados, enormes bestias que arrasan edificios a su paso, todo se vale para capturar la acción de la historieta en el filme. Aún mejor, Los Vengadores es un largometraje que atrapará incluso a aquellas personas que no tienen el mínimo apego a los cómics o los personajes de Marvel. Es universal: te gusta o te gusta.
¡Ay, dios mío!
La producción cuidó hasta el mínimo detalle de estas escenas de acción (y de todo el largometraje). No hay nada que luzca mal o fuera de lugar en Los Vengadores, cada centavo de su millonario presupuesto fue bien empleado para recrear una increíble base aérea, para personificar a cada uno de los héroes de Marvel y para dar vida a una invasión que hace cimbrar toda la sala.
La versión 3D del filme no desentona, pero si te imaginas que te atascará de objetos que vuelan hacia tus ojos, lamento decepcionarte. El efecto es muy bueno, pero más sutil; sí te hará fruncir los ojos y hasta voltear la cara en un par de escenas, pero hay cintas con mayor efecto de profundidad si es lo que estás buscando. En otro tenor, el apartado sonoro es excepcional: un espectáculo que suena como pocos en la pantalla grande.
También es de resaltar la increíble banda sonora compuesta por Alan Silvestri; saldrás de la sala tarareando el pegajoso tema de Los Vengadores y no me sorprendería que el trabajo de Silvestri sea recordado en esta década como lo fue el de John Williams en los ochentas con el tema de la saga Superman. Los temas vocales incluyen excelentes canciones y agrupaciones muy buenas, destacando “Live to rise”, de Soundgarden, que suena durante los créditos.
¡Hulk aplasta!
Thor y Capitán América en escenas de la batalla final.
El agente Coulson es también importante en la trama.
El dios Loki conquista con su sonrisa, sagacidad y estupenda interpretación de Hiddleston.
La secuela tendrá muy difícil superar a la primera.
Bien ensamblados
En resumidas cuentas, Marvel Studios, Paramount Pictures y Walt Disney dieron en el clavo. Los Vengadores es una obra maestra del cine palomero moderno, marca un antes y un después en las adaptaciones de cómics y en los filmes de acción. Una película en su propia liga que se volverá un clásico atemporal y te invitará a revivir una y otra vez la historia del equipo de superhéroes que salva al mundo de una descomunal invasión, en un grandioso homenaje para el grupo estrella de de Marvel. Stan Lee puede estar tranquilo, sus personajes no sólo dieron un vuelco la industria de los cómics en los años 60, ahora también lo han hecho en la cinematográfica.
Hay películas que marcan a una generación, filmes que rebasan el espacio sociocultural y la barrera del tiempo, y se convierten en clásicos que definen décadas completas. Pasó con Ben-Hur en 1959 y la saga de Rocky a inicios de los 80; Titanic alcanzó este estatus en 1997, ahora intenta emular parte de su éxito con un reestreno en cines de la mano la tecnología de la tercera dimensión.
Titanic 3D es la remasterización del cuento de amor y tragedia entre Jack Dawson y Rose DeWitt Bukater. Jack (Leonardo DiCaprio) es un chico de clase baja, un saltimbanqui de la vida que va hacia donde el viento sopla y en un golpe de “suerte” aborda el gran navío que terminó por hundirse la mañana del 15 de abril de 1912. Rose (Kate Winslet) es una jovencita de esas que llamaban de la nobleza, prometida con un acaudalado al cual no ama, pero –tradicional de aquellos años- con el que se casaría una vez que la embarcación anclara en Estados Unidos.
Ambos cruzan sus caminos por azares del destino y la presencia de Jack empieza a ser impertinente para Caledon Hockley (Billy Zane), el prometido de Rose. El clásico relato del verdadero amor que se encuentra en el peor de los momentos se torna doblemente difícil en este filme: por un lado, está la diferencia de clases sociales y los intereses que no les permiten estar juntos, y, por otra parte -la más importante-, un buque que sabemos que en algún momento de la función terminará en el fondo del mar.
No hay necesidad de profundizar más, la mayoría de los fanáticos (y no tan fanáticos) del cine seguramente ya han visto Titanic. Por ello Titanic 3D está enfocada más en reconquistar a aquellos que crecieron con este filme, a los que la vimos más jóvenes, a quienes la adoramos o la odiamos pero que con frecuencia buscábamos un pretexto para revivir la experiencia.
Titanic 3D es también una apuesta interesante ante un nuevo público, testigo de otras narrativas románticas modernas y con la fórmula de Romeo y Julieta ya desgastada por una industria que se ha dedicado a sobar y moldear el mito shakesperiano hasta el cansancio.
Hoy corroboro que la melosidad y el exceso diálogos insulsos superaron en buena medida a la tragedia, en una cinta cuyo drama general siempre debió sobrepasar el peso del encuentro y separación de una pareja. Titanic fue en gran medida la antítesis de mis expectativas: un largometraje principalmente romántico, con rastros de drama y desesperación hacia el cierre de la función.
Pero es la chispa de DiCaprio y el carisma de Winslet lo que diferencian el último viaje de Jack y Rose de otro montón de travesías similares. Es innegable que para la conclusión tienes la sensación de que has conocido a estos personajes por años (aunque así sea para estas fechas). A pesar del acelerado y rebuscado romance, sólo una piedra podría no sentir cierta empatía con la pareja hacia el final.
La novedad en Titanic 3D -aparte de una corrección en el ordenamiento estelar del cielo en una escena- es precisamente la remasterización de la película a la “tercera dimensión”. La idea de maravillarnos con el sorprendente buque haciéndose pedazos justo enfrente de nuestra nariz, de gozar y revivir los detallados interiores brincando hacia nuestros ojos, sin embargo, el manejo de este formato es pobre, algo que ya se veía venir al reconvertir la cinta con una tecnología que de cierto modo sigue siendo experimental.
Si viste el tráiler y te sorprendiste, es una lástima, porque ésas son las mejores escenas del filme en 3D. En su mayoría el efecto pasa desapercibido y cuando lo notas es porque hay una persona u objeto en primer plano -generalmente desenfocado- estorbando.
Uno supondría que con una historia que ya todo conocemos y un 3D insuficiente sería mejor esperar por su enésima retransmisión por televisión. Pero no es así, Titanic es para verse en el cine, tal y como James Cameron la concibió para ser disfrutada, y ahora con la resolución nativa aumentada a 4K y la inclusión de sonido envolvente.
La recreación de la vida dentro del navío sigue siendo inmejorable. La nobleza y los de abajo conviviendo/soportándose, las excentricidades de uno y otro bando. Los vestidos de la época, la meticulosa decoración, las lujosas habitaciones, los pequeños camarotes, los impresionantes cuartos de máquinas, la cubierta del “insumergible” rebosando de gente. Y, aun así, lo mejor siempre nos aguarda al final.
El buque choca con el témpano de hielo, los altos mandos intentan mantener la calma mientras, además de impactar con el iceberg se da un choque de clases sociales al intentar escapar de la catástrofe. Cada sección de la gigantesca embarcación se va llenando con agua mientras ésta golpea a todo a su paso y arrastra toneladas de metal, madera y sueños hacia el fondo del océano.
Una imagen vale más que mil palabras y las secuencias del hundimiento mantienen conversaciones enteras. La tragedia al cierre está llena de pequeños momentos que durante los últimos minutos capturan la atención como no lo hizo antes ningún protagonista. Escenas de psicosis y angustia que perduran en la memoria colectiva: la madre que narra un cuento de salvación a sus niños antes de que el mar se los trague, el sacerdote hablando de la vida después de la muerte, el capitán que se siente culpable por haber acelerado la marcha, el marinero que es traicionado por su nervios y acciona una pistola en el momento indebido, el ingeniero que junto al reloj se disculpa por no haber diseñado algo más seguro, la pareja de ancianos abrazados esperando lo inevitable, los músicos que no dejan de tocar y despiden con su melodía cientos de vidas.
Personajes con cinco o tres minutos a cuadro, incluso menos, pero que en sus breves apariciones acongojan al espectador. Ellos son las verdaderas estrellas de Titanic, las historias que quizá muchos de nosotros hubiésemos preferido observar desde un principio, pero que al menos durante breve momentos le cambian la cara al filme y lo convierten en un clásico atemporal.
Son 60 minutos donde uno olvida casi por completo a Jack y Rose. Una hora donde la industria cinematográfica muestra de lo que es capaz y sorprende hasta al más incrédulo. Con escenas de drama humano e impresionantes efectos especiales, James Cameron redime durante el último tercio un relato que por momentos parecía irse a pique sin ayuda del iceberg.
Quince años después la película luce más impresionante que nunca. Uno comprende porqué recibió once premios Oscar y su inaudito éxito en taquilla. No es el 3D, Titanic nunca lo necesitó, sino la majestuosidad de una obra que no se puede vivir de manera similar fuera de una sala de cine, la insuperable representación del paraíso que fue el RMS Titanic durante tres días y el infierno que desató unas cuantas horas. Bienvenidos a bordo otra vez.
Después de vencer al Kraken y a Medusa, ¿qué nuevos retos podrían hacernos regresar la mirada hacia las aventuras de Perseo en las pantallas de cine? Furia de Titanes 2 parece a primera vista una simple actualización de monstruos, dioses y criaturas mitológicas que desea deslumbrar al espectador con sus efectos visuales, pero los productores prometieron una secuela superior, por lo que más de uno estará interesado en verla.
Furia de Titanes 2 | Crítica
Segundas partes nunca fueron mejores, o al menos eso reza un dicho muy utilizado cuando se habla de películas: las secuelas rara vez superan a la original… y sin embargo la realidad es muy diferente, el cine está inundado no sólo de secuelas, sino de exitosas continuaciones. Si tomamos en cuenta los 20 filmes más taquilleros de todos los tiempos podemos constatar que catorce de ellos son secuelas.
En el caso de Furia de Titanes 2 estamos hablando de una segunda parte que pocos previeron, o al menos no se esperaba tan pronto. La primera película -que salió hace exactamente dos años- era un remake de una de las cintas clásicas de todos los tiempos, y a pesar del buen recibimiento en taquilla la opinión general la destrozó, por lo que una secuela no parecía una idea tan brillante. De cualquier forma, a todo mundo le gustan este tipo de aventuras, películas basadas en la mitología griega usando una fórmula cansada y hasta previsible, pero que no dejan de ser disfrutables.
En Furia de Titanes 2 reaparece el semidiós Perseo (Sam Worthington), quien tras combatir al Kraken y salvar a la princesa Andrómeda se queda en un pequeño pueblo a retomar su vida como pescador. Su esposa Io ya falleció por un motivo sin definir, por lo que promete nunca abandonar a su hijo Helios, como alguna vez lo abandonó su padre a él.
No tarda en aparecer Zeus, quien le indica que la falta de rezos hacia los dioses por parte de los humanos está debilitando a los habitantes del Olimpo y esto, junto con un nuevo plan para liberar a Cronos, amenaza no sólo a los dioses sino también a la raza humana. Como es de esperarse, Perseo dice que no entrará en la lucha y blablablá, pero el ataque de una quimera a su pueblo y una breve charla con Poseidón lo hacen entrar en razón y toma las armas para hacer frente a la amenaza en Furia de Titanes 2.
Ares y Poseidón en el Inframundo
El dios de los mares le informa que Ares y Hades (Ralph Fiennes) planean liberar de su prisión a Cronos y para ello capturaron a Zeus, a quien están reventando a golpes en el Inframundo mientras alimentan con su poder al titán.
Perseo vuelve a cabalgar en Pegaso y se entrevista con la reina Andrómeda (ahora interpretada por Rosemund Pike), quien le informa que la situación está peor de lo que cree ya que diversas criaturas están atacando los poblados griegos. Nuestro héroe le pide que libere a un peculiar preso, Agenor, un semidiós hijo de Poseidón quien puede indicarle el camino hacia una isla misteriosa, que será el comienzo de la aventura para rescatar a Zeus y evitar que Cronos salga a hacer un reverendo desmadre en Grecia.
Agenor, semidiós hijo de Poseidón
La historia de Furia de Titanes 2 no es la gran cosa y tampoco en la primera parte lo era, pero si nos ponemos muy estrictos, conforme avance la película notaremos que Furia de Titanes 2 se desentiende de algunos de los conceptos de la precuela y que los personajes son más cuadrados y chatos que antes; la reina Andrómeda nunca llega a ser un personaje entrañable y el papel de Agenor como la parte cómica de la película se diluye sin sonrisas.
El resto de personajes de Furia de Titanes 2 pasa desapercibido. La brigada de acompañantes de los héroes tiene la muerte pintada en la cara y son totalmente prescindibles para efectos de la narrativa. Los dioses lucen bastante tontos y mediocres, incluyendo a Liam Neeson en su actuación como Zeus, y sólo Édgar Ramírez logra destacar un poco: su rol como Ares es el que mejor encaja en toda la dinastía helénica y sí te logras creer algunos de sus corajillos de hijo celoso. Me parece que el concepto era volverlos más “vulnerables y humanos”, pero el resultado final no es exactamente el deseado.
¿Hades traiciona a los dioses? ¡Qué raro!
Furia de Titanes 2, espectáculo audiovisual
Pero como te podrás imaginar, aquí las estrellas no son el héroe ni sus aliados. Furia de Titanes 2 deja caer todo su peso en las mitológicas e increíbles criaturas que verás desfilar por la pantalla: quimeras, minotauros, bípedos con dos cabezas y cuatro manos (macas), cíclopes y un imponente Cronos que luce misteriosamente similar al diseño en el videojuego God of War.
Las batallas fantásticas e imposibles de ganar son más frecuentes en la segunda parte y les podemos sumar algunos rounds contra Hades y Ares que le dan variedad al tipo de combates que veremos. Los efectos en Furia de Titanes 2 mejoraron notablemente y cada ser fantástico luce más vivo y realista que nunca.
Furia de Titanes 2 es un desfile de criaturas mitológicas
Furia de Titanes 2 te llevará a un recorrido por las ubicaciones más variadas como desiertos, bosques, cuevas, el Inframundo y una especie de laberinto giratorio. Todos estos escenarios lucen bien en conjunto, y aunque la fotografía no es tan espectacular son bellamente destacados con la tecnología 3D que incorpora la película.
Y si hablamos del 3D hay recalcar que se nota la experiencia adquirida del equipo en este tipo de producciones ya que incluso te hace girar o voltear la cabeza a un costado cuando salen disparadas rocas, fuego o personas por la pantalla. El efecto está tan bien logrado que podría asegurar que más de la mitad de la magia que puede encerrar este filme está precisamente al verlo en 3D.
Furia de Titanes 2 incorpora un impresionante montaje de sonido que te hará vibrar desde tu asiento, con la respiración de los cíclopes en la oreja o el retumbar de una caverna subterránea que se desmorona. La banda sonora también es estupenda y encaja a la perfección con el ritmo de la película.
Los héroes de Furia de Titanes 2 se enfrentan al temible cíclope
Desgraciadamente, a pesar de las mejoras en efectos especiales, se nota un potencial desperdiciado para volver aún más espectacular Furia de Titanes 2. La primera queja es con los dioses del Olimpo es que,, fuera de disparar no sé qué cosa por las manos no tienen ninguna aparición en combate digna de su pedigrí mitológico, salvo Ares, que como mencioné antes, parece el personaje mejor logrado y suelta unos mandarriazos que hacen temblar la tierra.
Otro ejemplo claro es con Cronos, que si bien luce como una mole impresionante, la verdad es que fuera de agitar las manos y lanzar un chingo de fuego, no hace absolutamente nada.
Con todo y sus contras, Furia de Titanes 2 es una película entretenida. Lo atractivo de la cinta no pasa ni por su narrativa ni por sus planas actuaciones, sino por la cuestión del espectáculo visual, de esa extraña atracción que sentimos todos los cinéfilos hacia los filmes que retoman historias y personajes mitológicos. A todo mundo le gustan los dioses griegos, los monstruos híbridos y las batallas épicas contra criaturas indescriptibles, y de eso aquí hay algo para todos.
Sam Worthington repite en su papel como Perseo
El final es más que olvidable e incluye una escena tan teta que te hará fruncir el ceño de decepción. Como sea, parece un final destinado a decirnos que no habrá nuevas secuelas de esta franquicia y que hay que disfrutar Furia de Titanes 2 sin ser tan duramente críticos.
Si te gustó la primera parte, ésta no es ni mejor ni peor, mejora algunos aspectos de la precuela y también cae en nuevos baches. pero es visualmente muchísimo más espectacular; un banquete audiovisual como pocos. Si no te gustó Furia de Titanes, es muy posible que Furia de Titanes 2 carezca de algún atractivo para ti. Aún así, y a pesar de sus fallas narrativas y el potencial desperdiciado, puedo recomendarla para pasar una divertida y palomera tarde en tu cine favorito; los efectos especiales y las impresionantes secuencias de batallas te harán ver la trama como sólo un accesorio más en esta aventura dirigida por Jonathan Liebesman.
El mito de Perseo y cómo derrota a Medusa llega de nuevo a las pantallas grandes. Su anterior aparición en 1981 bajo el nombre de Clash of the Titans tuvo relativo éxito y se volvió una película de culto entre los amantes del cine fantástico. El remake de Furia de Titanes retoma esta épica aventura engalanada con mejores efectos y la tecnología del cine actual.
Furia de Titanes | Crítica
Sam Worthingon interpreta a Perseo en Furia de Titanes, hijo adoptivo de un pescador que lo rescató de niño de la furia del mar. Curiosamente en las aguas es donde perdería a su familia, cuando años más tarde la embarcación en donde iban es atacada por el dios Hades (Ralph Fiennes) quien trataba de enseñar una lección a un grupo de soldados griegos que derribaron una estatua erigida a los dioses del Olimpo.
Perseo resulta ser el único sobreviviente de la furia de Hades y es “rescatado” por un batallón que se dirigía a la ciudad de Argos bajo el mando de Draco, quien lo lleva ante la presencia de los reyes Cefeo y Casiopea.
Los reyes de Argos tienen la creencia de que los humanos ya son superiores a los dioses y que es momento de dejar de alabarlos. Los monarcas ordenan que se clausuren los templos y que se derrumben los monumentos dedicados a ellos. Zeus (interpretado por Liam Neeson) se siente ofendido y contrariado por la rebelión de la raza humana y le concede el permiso a Hades de que intervenga para castigarlos.
Hades aparece a media fiesta real e inmediatamente ataca a Cefeo y a sus hombres, a quienes les pone una fatídica amenaza: la colosal bestia conocida como el Kraken llegará a Argos y arrasará con la ciudad, a menos de que el pueblo sacrifique a la princesa Andrómeda (Alexa Davalos) para apaciguar la furia del monstruo y de los dioses.
Casiopea, Cefeo y la princesa Andrómeda
La herencia de Perseo como semidiós es revelada y el rey lo pone al mando de un pequeño grupo de legionarios con la misión de encontrar alguna manera de vencer al Kraken y salvar a la princesa. Una aventura que los llevará a enfrentar criaturas mitológicas y enemigos de todos tamaños y sabores, desde escorpiones gigantes hasta a la gorgona Medusa.
Menos historia y más efectos especiales
De entrada la historia no luce nada mal; Furia de Titanes se basa ligeramente en el mito de Perseo y toma prestado varios conceptos del mismo como el pegaso, la princesa de Argos y la lucha contra Medusa, pero en realidad es una adaptación bastante libre de dicho mito. Y a pesar de ser un remake, Furia de Titanes tiene sus marcadas diferencias con la película original, especialmente con la exclusión de varios personajes menores a cambio de desarrollar más a fondo a los protagonistas y darles más minutos a las escenas de acción y menos a la cháchara sin sentido.
Medusa en Furia de Titanes
Esto resulta una decisión inteligente, la historia en Furia de Titanes por momentos se siente que se estanca si no hay acción en la pantalla, ya que a pesar de un material fuente interesante el curso de acción siempre es una línea recta y muy fácil de anticipar. La narrativa no contiene giros inesperados y el factor sorpresa siempre recae en las criaturas que enfrentan y cómo logran superarlas.
En este renglón, los efectos especiales están muy bien logrados y las tomas logran capturar toda la esencia de las batallas, que se vuelven intensas y bastante entretenidas. Por ahí se notan detalles chafones en algunas criaturas, especialmente en las brujas y la gorgona, pero nada que desmerezca en general el resultado visual de Furia de Titanes.
Perseo visita a las brujas del Estigio
Por otra parte, el efecto 3D no es tan bueno como uno esperaría. La mayoría de ocasiones se ve sólo como una superposición de planos muy simple, como sólo queriendo encontrar un pretexto para anunciar que efectivamente Furia de Titanes usa dicha tecnología.
Las actuaciones de la película son entre regulares y aceptables: vas a notar de inmediato que los personajes tienen diálogos acartonados y es difícil destacar a alguno, pero la dinámica entre ellos me parece bien lograda y son un equipo divertido de seguir y descubrir cómo superan juntos cada nuevo obstáculo. Por momentos logras empatizar con los diversos soldados de la legión más que con el mismo Perseo, en especial con Draco, un veterano de mil guerras que ve a la par con buenos y malos ojos la presencia del semidiós en Argos. Mads Mikkelsen encarna muy bien el papel de líder no oficial del pelotón y su interpretación rescata buena parte de este renglón en Furia de Titanes.
Mads Mikkelsen interpreta al veterano legionario Draco
Perseo y la nueva furia de titanes
El Blu-ray de Furia de Titanes contiene bastante material extra para todos a los que les gustó la película o tienen curiosidad en ver cómo se realizó. Incluye escenas eliminadas, montones de documentales de detrás de las cámaras y el clásico recorrido de la película a través de los ojos del director y las diferentes tomas, explicando cómo se realizó cada una de las escenas contra las colosales bestias.
Warner Bros. lanzó una versión steelbook (caja metalizada) de Furia de Titanes con un diseño muy atractivo, y otro paquete bastante chévere para la versión en 3D que incluye además la película original de 1981 remasterizada también con soporte para 3D.
En conclusión, Furia de Titanes es una película que apuesta a la siempre atractiva mitología griega y nada más. El rescatar una cinta de 1981 y reinterpretarla puede parecerles a muchos como que Hollywood se está quedando sin ideas, pero también a otros les parecerá justo ver este tipo de películas fantásticas con una tecnología y producción más acorde para lo que sus realizadores quisieron lograr originalmente.
El grupo de viajeros intenta convencer a Caronte
La historia en Furia de Titanes se centra en el encuentro con una criatura mitológica cada vez más extraña, difícil de vencer y poderosa que la anterior, y la fórmula funciona bien. Sin embargo, no hay que esperar más. Las actuaciones apenas cumplen y la narrativa es más simple que un libro de texto de primaria.
Si te gustan las películas con efectos especiales y monstruos de quince pantallas de alto, Furia de Titanes es para ti. Si buscas cintas entretenidas basadas en la mitología griega, ésta es una buena opción aunque no necesariamente la mejor. Si lo tuyo es el cine de acción y fantástico, encontrarás este filme intenso y palomero. Si ninguna de esas opciones te llama poderosamente la atención es probable que Furia de Titanes 2 te parezca con mucha forma pero poco fondo, entretenida para una ocasión y quizás para volverla a ver dentro de un par de años.
Una mediocre recepción de prensa y aficionados orillaron a Square Enix a recomponer el camino de FF XIII y entregar un videojuego más al gusto del público occidental en la forma de Final Fantasy XIII-2, para Xbox 360 y PS3, un título que retomaba a la vez poco y mucho del anterior junto a una interesante mecánica de viajes en el tiempo y finales múltiples. ¿Vale la pena confiar en Square Enix o nos esperamos a una nueva fantasía?
Final Fantasy XIII-2
El mundo cada vez parece un lugar más frío para los RPG japoneses, especialmente para los que vienen de Square Enix. Atrás han quedado esos días de gloria del SNES y del PSX, y la nueva generación de videojugadores de rol se inclina más hacia los títulos de corte occidental, especialmente los de Bioware y Bethesda.
No sorprende ahora que un título como Final Fantasy XIII-2 pase, hasta cierto punto, con pocas muestras de interés del público fuera de Japón, cuando antes cada nuevo lanzamiento de la franquicia era casi motivo de algarabía, júbilo y fiesta de la colonia. Es una lástima, porque esta entrega presenta muchas innovaciones en mecánicas de juego y narrativa dignas de probarse.
Desgraciadamente, Final Fantasy XIII-2 carga con el peso de una precuela lapidada. Final Fantasy XIII fue bien recibido y calificado en Japón, pero fuera de su país de origen Square Enix recibió quejas sobre la linealidad del juego y la mecánica general del gameplay. Todo cambió para la secuela, pareciera que la compañía hubiera escuchado todos y cada uno de los comentarios para crear un nuevo título que cumpliera con las exigencias… pero pocos han volteado de nuevo a ver hacia el número XIII en la franquicia Final Fantasy.
La historia enFinal Fantasy XIII-2retoma muchos elementos de la precuela, pero teje su propia telaraña de complots y dramas apoyándose sólo de lo necesario del anterior título, destacando obviamente a los personajes.
Viajes en el tiempo
En Final Fantasy XIII-2 tomaremos el control de Serah Farron, la hermana menor de Lightning, quien jura que la historia cambió, que algo está fuera de su lugar, pues ella recuerda que su hermana sobrevivió a la catástrofe del primer juego, pero todos le aseguran que se quedó atrapada dentro del cristal que sostiene al Nido.
Lightning se encuentra peleando en el Valhalla
La secuencia cinemática de introducción de Final Fantasy XIII-2 nos demuestra que no es precisamente así la cosa. Por alguna razón, Lightning se encuentra en el Valhalla luchando contra un temible enemigo llamado Caius Ballad, que amenaza con destruir y reformar el curso de la historia. Lightning invoca a Noel Kreiss, un muchacho del futuro a quien encargará que ayude a Serah para reunirlas más adelante, pues necesitará la ayuda de ambos para mantener el flujo normal del tiempo y evitar la catástrofe.
Noel llega a Nueva Bodhum, en donde encuentra a Serah y le explica la increíble realidad del problema, en lo que será el inicio de la búsqueda del reencuentro entre las dos hermanas, mientras al mismo tiempo se gesta una carrera contra reloj por mantener en orden la línea temporal, que parece estar siendo atacada por distintos frentes y creando anomalías en distintas eras.
Noel Kreiss ayudará a Serah a reencontrarse con Lightning
La aventura de Final Fantasy XIII-2 te llevará a reencontrarte con personajes antiguos, a conocer el pasado de Paals y la tribu de los visionarios, cuya pitonisa estaba condenada a ver el futuro sin poder intervenir en el mismo. La historia es muchísimo más intrincada de lo que parece y es el pretexto perfecto para que Square Enix jugara con un nuevo estilo de narrativa para crear un RPG menos lineal, uno en el que el rumbo que sigas y las decisiones que tomes tengan cierto peso sobre tu avance.
Noel y Serah se embarcarán en un viaje a través de portales que los llevarán a diversas eras en el tiempo, en cada una de ellas tendrán que resolver la anomalía temporal en curso para abrir un nuevo portal y desplazarse nuevamente en el tiempo para corregirlo por completo y encontrarse con Lightning.
Pero el avance nunca será lineal y dos jugadores pueden seguir caminos totalmente distintos desde el comienzo, ya que cada era que visites encerrará no uno, sino varios portales, cada uno de ellos te llevará a una era diferente donde conocerás parte de la historia central de Final Fantasy XIII-2, cumplirás algunas misiones, ayudarás a la gente que anda por ahí, derrotas algunos enemigos y brincarás de nuevo a un portal diferente.
Tendrás que resolver acertijos de vez en cuando
Salvo algunas excepciones, tú tienes la total elección de qué era visitar primero y cual visitar después, e incluso existen portales especiales que no son parte central de la historia pero que al ingresar a ellos visitarás nuevas eras para jugar misiones adicionales, conocer más sobre la trama de Final Fantasy XIII-2 e incluso sacar finales alternativos.
¿Finales alternativos? Así es, cual si fuera Chrono Trigger o Chrono Cross, Final Fantasy XIII-2 retoma el concepto de distintos finales, a los cuales puedes acceder una vez que terminas el juego y repites algunos episodios para ver nuevas posibilidades. Los finales sirven como complemento del final central o bien, son una especie de “¿qué hubiera pasado si hubieras hecho esto o lo otro?”. No sólo eso, al repetir los capítulos puedes intentar cosas que no podías hacer antes, como derrotar enemigos que parecían imposibles la primera vez.
Este asunto de los portales y el viaje en el tiempo fue un total acierto de Square Enix. Final Fantasy XIII-2 no sólo deja de ser lineal, sino que expande el concepto más allá de lo que algunas franquicias, como Mass Effect, habían logrado. Eso sí, sigue sin haber un mapa general del mundo y algunos extrañarán andar por ahí deambulando.
Tendrás que hablar con la gente de las distintas eras para saber qué hacer
Cada zona temporal es distinta en tamaño y duración, pero generalmente son relativamente cortas y puedes terminarlas entre dos y cuatro horas (te puedes grabar donde sea). No hay mucho qué explorar pero sí bastante por hacer, algunas eras tendrás que revisitarlas más tarde para descubrir por completo todas sus posibilidades o avanzar en la historia. El backtracking es algo que harás muy seguido, pero nunca se siente pesado ni fastidioso.
Como te puedes dar cuenta por el tipo de avance y la posibilidad de tener varios finales, Final Fantasy XIII-2 tiene toneladas de misiones adicionales y un excelente pretexto para retomar el control una vez que lo terminas.
Batalla en tiempo continuo
En cuestión de mecánicas de batalla, Final Fantasy XIII-2 es muy similar al anterior. El sistema de combate se mantiene: tú manejas a uno de los personajes mientras los otros dos ejecutan una serie de acciones automáticas dependiendo del rol que les tengas asignados: pueden atacar con magia, realizar hechizos de soporte, curar a los aliados y varias cosas más. De hecho los roles son exactamente los mismos que en el primer título, pero notarás que existen algunas diferencias, como que los hechizos de Haste desaparecieron y existen algunos nuevos de obstrucción, como la habilidad de Sangrado.
El sistema de batalla es apenas una actualización de Final Fantasy XIII
Tu equipo será conformado por Serah, Noel y alguno de los monstruos que hayas derrotado, y que integrarás en tu equipo (Mesnada). Tienes que ser muy cuidadoso con la elección de este tercer integrante, pues al contrario de los protagonistas, los monstruos sólo tienen un rol fijo. Esto le agrega un grado extra de táctica a tus batallas aunque le resta variedad al armado de formaciones para jugar. Cada monstruo de la Mesnada tiene un ataque especial que se ejecuta al llenar una barra de Sincronía y que viene a tomar un poco el lugar de los summons de las anteriores entregas.
Como podrás darte cuenta por las mecánicas de juego, en Final Fantasy XIII-2 eres más como una especie de director técnico que una pieza central en los combates, y las batallas se deciden por qué tan rápido y efectivamente cambies entre las formaciones que tienes programadas, ya que los personajes seleccionan automáticamente los mejores ataques o acciones dependiendo del enemigo, de la situación de la batalla y de su rol.
Controlarás a Serah o Noel en las batallas
Respecto a la aparición de los enemigos, Final Fantasy XIII-2 realiza una mezcla del clásico enemigo aleatorio en los RPG japoneses junto con la posibilidad de poder evitarlos. Los monstruos aparecerán de repente en tu camino (supuestamente invocados por una especie de anomalía temporal), pero puedes correr para evitar pelear con ellos o tocarlos para comenzar la batalla. Si les lanzas un espadazo puedes también inicar el combate, pero será como si hubieras sorprendido al enemigo y atacarás primero. Este sistema me pareció efectivo y adecuado.
También agregaron una especie de Quick Time Events, donde en algunas batallas contra jefes debes presionar ciertos botones para tener un bonus en la pelea. La aplicación no es tan precisa como uno quisiera, pero es recompensante por las animaciones que muestran si las haces bien o fallas los botones.
Para aumentar de nivel regresa el tablero de habilidades, donde cada punto representará una mejora para desbloquear. La diferencia con FF XIII es que en la secuela es un tablero general para todos los roles, aunque tú puedes ir seleccionando qué habilidades específicas subir. Al final tendrás que haber elevado a nivel 99 cada rol si quieres completar las misiones más complicadas de Final Fantasy XIII-2. Los monstruos de la Mesnada también podrán subir de nivel, aunque cada uno tiene diferentes habilidades y topes aún cuando compartan el mismo rol.
Podrás equiparte hasta tres monstruos con la opción de Mesnada
A lo Square Enix
En el apartado técnico, Square Enix vuelve a presentar una obra casi perfecta. Los gráficos lucen increíblemente detallados en los personajes (cabello, ojos, boca), monstruos y escenarios urbanos, aunque el nivel de detalle baja en los NPC segundones y parajes como bosques desolados y cuevas. Para que toda la aventura de Final Fantasy XIII-2 cupiera en un solo disco en Xbox 360 se decidió prescindir de los clásicos videos para contar la historia (salvo un par), lo cual a mi punto de vista le quita varios puntos a la presentación del mismo, pero cabe resaltar que las escenas en tiempo real lucen bastante bien, con gestos y rostros increíblemente detallados y con todo el estilo anime transpirando por tu televisor.
El apartado sonoro es una auténtica delicia. Final Fantasy XIII-2 sólo incluye el doblaje en inglés, pero está increíblemente logrado y quienes escucharon el doblaje original japonés podrán corroborar que incluso algunas voces quedan mejor en nuestra versión, especialmente la de Caius Ballad, un personaje que puede catalogarse como uno de los villanos más interesantes de la franquicia y a la altura de lo que todo maloso de RPG debe estar. Una gran historia la alimenta un gran antagonista, y Caius Ballad se roba el show en esta entrega.
Caius Ballad es simplemente un badass
Es cierto que algunas voces y diálogos se pasan de tetos, especialmente aquellos donde Serah demuestra su tierno y noble corazón, pero eso viene más del manejo mismo de la narrativa y de la idiosincrasia de estos videojuegos que de un problema de actuación. A muchos les puede fastidiar un poco esta actitud tan palurda de la protagonista, pero con el tiempo te acostumbras y termina por aceptar que simplemente así encaja bien en la historia.
Otra pequeña molestia es que los tiempos de carga son ligeramente más tardados del normal, pero son muy pocos, prácticamente sólo cuando entras a cada nueva era. Y quejándonos un poco más, los acertijos tipo laberinto temporal terminan siendo más estorbosos que útiles, no faltará quien quiera brincarse estas partes. Algunos más notarán que la traducción de los subtítulos al español contiene varios errores.
Moguri es Mog en español…
La música por su cuenta alcanza el grado de sublime y preciosista; extraño la clásica melodía de batalla de FF XIII pero los arreglos musicales realizados para este videojuego son excelentes y demuestran el grado de compromiso que adquirió Square Enix al lanzar esta secuela; no quería un título al vapor para vender, como le hizo con FF X-2, sino uno que los reivindicara con los gamers y la música de los Final Fantasy siempre ha tenido un lugar privilegiado entre los videojugadores. La calidad en la banda sonora de Final Fantasy XIII-2 es tal que me atrevo a decir que no había escuchado un título de la franquicia con un soundtrack tan bueno y versátil desde Final Fantasy VIII.
¿Vale la pena comprar Final Fantasy XIII-2? El título ofrece por sí mismo un nivel de calidad que ya extrañábamos en la saga y en Square Enix, y las mecánicas de juego no sólo son innovadoras, sino adictivas. Si jugaste el primer título (y lo terminaste), esta debe ser una compra obligada ya sea para Xbox 360 o PS3. Si no es así, quizá muchos aspectos de la historia te parezcan un tanto ajenos y vagos.
Los gráficos de los personajes de Final Fantasy XIII-2 lucen impresionantes
Buenos gráficos, excelente doblaje, una increíble banda sonora, mecánicas de viaje en el tiempo para que no sea lineal tu aventura, una historia poco predecible y bien narrada, multitud de finales y uno de los mejores villanos de toda la saga es lo que te ofrece Final Fantasy XIII-2; un banquete para los jugadores que revive el gusto por los RPG japoneses. El control simplificado para las batallas puede alejar un poco la estrategia, pero el juego encierra su dificultad, su único “pero” es su intrínseca conexión con su precuela que puede sacar de onda a quienes no tuvieron la oportunidad de jugarla… y aún así vale la pena darle una oportunidad al videojuego. Eso sí, no te confundas, a pesar de los viajes en el tiempo, Final Fantasy XIII-2 es muy diferente a Chrono Trigger.
La premisa de unos salvajes juegos donde 24 jóvenes se enfrentan a muerte en un desolado bosque hasta que sólo uno quede en pie y pueda regresar a casa suena por demás atractiva… Al menos en morbo. Hay que reconocer que Los Juegos del Hambre puede parece un rip-off descarado del filme japonés Battle Royale, pero la publicidad la ubicaba como la sucesora de Crepúsculo y una de las películas más esperadas del año.
Los Juegos del Hambre
Tenía rato que no veía a tantos medios electrónicos e impresos reunirse en una campaña tipo preaceptación y publicitaria como la que vi con Los Juegos del Hambre. Ni los millones de dólares en promoción que invirtió John Carter: Entre Dos Mundos le alcanzaron para superar a la maquinaria de expectativa en la que se estaba convirtiendo la película dirigida por Gary Ross.
Portadas temáticas, concursos para conocer a los actores, especiales en televisión y propaganda de todo tipo sobre Los Juegos del Hambre inundaban revistas, televisión y redes, como queriendo convencer en el subconsciente de todo cinéfilo que efectivamente éste tenía que ser el estreno del año.
Los primeros analistas en Estados Unidos la calificaban casi como una obra de arte, con un guion único y actuaciones de gran calibre. Era necesario ir a corroborar tanta magia ahora que se había dado su estreno en cines mexicanos.
[youtube id=”HWhWGm4DPKw”]
La obra de Suzanne Collins
En este punto es necesario recapitular un poco. Los Juegos del Hambre es una cinta adaptada del primero de tres libros de Suzanne Collins. La compañía cinematográfica Lionsgate compró los derechos para llevar a la pantalla grande la trilogía de la autora y muchos medios comenzaron a compararla con la saga Crepúsculo, y adelantaban que ocuparía su lugar en el gusto del público joven y de adultos jóvenes melosos una vez que se lanzara la última parte de los vampiros y lobos enamoradizos.
Ése era el tag line bajo el que querían vender Los Juegos del Hambre: “La nueva Crepúsculo“. Honestamente no sé cómo alguien quisiera promover su película de este modo, considerando que Twilight es una franquicia bastante mediocre.
En lo que respecta a la obra origina, A Suzanne Collins la crítica también le pegó duro; su obra multiaclamada parecía ser más una adaptación de Battle Royale (libro, manga y película) que una creación propia. Las comparaciones al final serán más obvias para quienes hayan tenido la oportunidad de ver la cinta japonesa basada en la obra del escritor Koushin Takami.
Jóvenes entrenándose para matarse unos a otros… Esto ya lo he visto.
Ay, sí, es un reality show
Tras un intento de rebelión hace cerca de 75 años, la nación de Panem -surgida de aquel conflicto- organiza un particular concurso para conmemorar dicho suceso y de paso mantener controlada a la población de los distritos que alguna vez se levantaron en armas, un recordatorio de que ni los más fuertes pueden contra el gobierno del Capitolio.
Este evento consiste en que cada uno de los doce distritos ofrece dos tributos (un hombre y una mujer de entre doce y 18 años) para competir en un evento anual llamado Los Juegos del Hambre, una lucha a muerte entre los jóvenes seleccionados en la que al final sólo uno resulta ganador, todo en un terreno controlado por los organizadores que incluye trampas y reglas cambiantes.
Este combate tiene algunas peculiaridades, ya que en el fondo es un reality show transmitido a toda la nación y abarca desde que son seleccionados, pasando por su entrenamiento y hasta que son liberados para romperse las caras a unos a otros; pero en el camino está la importante parte de generar una buena impresión, ya que ser del agrado del público y los patrocinadores puede ganarles algunos regalitos extras para intentar superar a los demás participantes.
Tienen que causar una buena impresión para ganar patrocinios.
Para la edición 74 de Los Juegos del Hambre tenemos a Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence), una muchachita experta en cacería que decidió ofrecerse como tributo voluntario para salvar a su hermana menor del sorteo, y a Peeta Mellark (Josh Hutcherson), el hijo de un panadero. Ambos representarán al Distrito 12.
Jóvenes en un bosque intentando sobrevivir y a la vez matándose unos a otros hasta que sólo quede uno… Mmm, parece interesante, es difícil que algo tan violentamente simple pueda terminar mal. Pero el director y todo el elenco de Los Juegos del Hambre se esforzaron para lograrlo.
El filme por momentos te da pistas de que algo muy grande está sucediendo tras bambalinas, un choque social que se acentúa con cada evento de este tipo. Desgraciadamente, fracasa miserablemente al querer sumergirte en ese mundo y lo único que verás de su pomposa nueva sociedad es que tienen dos estilos bien definidos para vestirse: drag queen o reina de la primavera.
Los Juegos del Hambre son la punta de un gran descontento social.
Los Juegos del Hambre falla en contar una historia y en mantener el interés del espectador. La trama central es abordada tímidamente y los personajes son planos y acartonados. El director, Gary Ross, recurrió a algunos flashbacks para intentar contarte parte del pasado de los protagonistas, pero estos momentos resultan tan dispersos y mal encajados que en general, más que ayudar a la narrativa, confunden al espectador.
Por si fuera poco, las actuaciones no ayudan ni tantito. Leí algunas críticas en periódicos norteamericanos y todas resaltaban la labor histriónica de Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Elizabeth Banks, Lenny Kravitz, Stanley Tucci y compañía, pero la realidad es que todos hacen un papel poco menos que terrible. Los diálogos, para colmo de males, ayudan a resaltar la pobre capacidad de cada uno de los actores con frases bastante mamertas.
Estas líneas, junto con las incoherentes secuencias de acción y drama convierten en muchos ratos la experiencia en una especie de comedia absurda e involuntaria. Es una lástima. La trama -que pudo haber dado mucho más en cuanto a tratar temas como el poder del nuevo gobierno, los sistemas tributarios y el circo de la televisión para mantener a las masas controladas- se reduce a un cuento de amor entre el panadero y la arquera, y basta.
Woody Harrelson (al centro) es el único actor que se salva.
Juegos sin pena ni gloria
En cuestión de narrativa, al final, todas las piezas caen en su lugar, y los que desde el principio tienen cara de que se van a morir, se mueren, los que se van a enamorar se enamoran (o fingen hacerlo) y la 74ava versión de Los Juegos del Hambre termina sin pena ni gloria. Los giros en la trama son un chiste, porque cualquier desviación que tomen será para volver al camino inicial.
La mayoría de la chaviza cae muerta en situaciones ridículas, o peor aún, sobreviven en circunstancias aún más tontas. No se profundiza en nadie que no sea los dos protagonistas (y profundizar es un decir) y muchos de los participantes los verás en combate sólo un par de veces: la primera dura un minuto y la segunda como una fotografía de las bajas durante el día. Ni se diga del manejo del villano, sea quien sea: el presidente Snow (Donald Sutherland) es un viejito sin chiste y al final da lo mismo quién sea el rival en el campo de batalla porque sabes que va a perder.
El desarrollo de los personajes es tan pobre que ni siquiera alcanzas a agarrarle coraje al antagonista o aprecio al mejor amigo gay de Katniss, Lenny Kravitz en su papel del modisto Cinna. Éste hecho es más palpable porque la historia se empieza a tornar lenta de tanto preámbulo, pero a los cinco minutos de iniciado el torneo se mueren como un tercio de los tributos. Un momento muy decepcionante. Una película de este tipo siempre debe tener algún as bajo la manga para sorprender al espectador, pero la única sorpresa es que no hay nunca un recurso válido de este tipo.
Katniss es una excelente cazadora, Peeta es un inútil.
Hasta el apartado técnico falló
La obra original tiene extensas descripciones de todos los elementos fantásticos y futuristas que se presentan en la ciudad capital, pero en el celuloide terminan siendo efectos especiales de película clase B (eso incluye avispas bionanotecnológicas, pomadas de la vaca “biotecnoaumentadas”, perros cruzados con pumas, trenes y naves espaciales tipo El Vuelo del Navegante), diseño de vestuario como de convención de Bratzy escenografía que se limita a árboles e interiores tipo MTV Cribs.
También notarás que de repente la cámara tiembla mucho; si fue un recurso estuvo muy mal utilizado y termina siendo más molesto que útil. La banda sonora pasará desapercibida, sin nada que suene a la tensión que supuestamente requiere algo tan intrépido como ponerse pomadas mutuamente, y en general está en el mismo renglón de los efectos especiales, es decir, un apartado pobre y hasta pareciera que sin esfuerzo.
De los actores, el único que se salva es Woody Harrelson en su papel de Haymitch, un antiguo ganador de Los Juegos del Hambre proveniente del Distrito 12 y que será una especie de mentor y promotor para los patrocinadores de Katniss y Peeta, aunque sólo logra que los ricos habitantes de Panem manden un ungüento y una sopa que parece aceite para carros.
La alta sociedad tiene un look estilo drag queen.
El montaje dura 142 minutos de los cuales bien pudieron ahorrarse varios o acelerar todo el proceso inicial para darle cabida a conocer a los guerreros de Los Juegos del Hambre… pero eso era mucho pedir cuando la obra original tampoco da para mucho y parece más un fanfic de cómo le hubiera gustado a Suzane Collins que fuera Battle Royale que otra cosa. Esto hace que la película se sienta muy larga en momentos, quitando que no incluyeron algunas escenas del libro que sí hubieran enriquecido la historia, como el regalo de pan de parte de la gente del distrito de Rue o la aparición del padre de Peeta Mellark.
En resumidas cuentas y para cerrar la crítica de Los Juegos del Hambre, estamos ante un tremendo churro, que de alguna manera extraña ha ganado el favor de la supuesta crítica especializada, pero que cuando llega al espectador normal aterriza sin fuerza. El morbo se diluye a la primera media hora, las actuaciones son malas, la parte de la violencia es muy light y la narrativa se vuelve torpe, contiene demasiados, pero demasiados errores de coherencia y los personajes siempre ejecutarán la menos lógica de las acciones posibles. Si te apuraba que se pareciera mucho a Crepúsculo, despreocúpate, porquela única similitud que tienen es que las dos son muy malas en sus respectivos géneros.
Después del exitoso y bien recibido Naruto: Ultimate Ninja Storm 2, la gente de CyberConnect2 tenía en sus manos la expectativa más alta generada para un videojuego de Naruto, y con un roster de 72 personajes seleccionables -prácticamente todos los de las dos primeras partes- Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm Generations amenazaba con ser el juego definitivo de Naruto y uno de los títulos más fuertes de la temporada.
Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm Generations | Reseña
Lo primero que uno nota, es que con cada nueva entrega de la franquicia Ninja Storm el nombre se vuelve más largo y complicado de pronunciar… Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm Generations, ¿por qué no simplemente Ninja Storm 3? Esa respuesta la tenemos más adelante, pero lo de “generaciones” viene por la premisa de ofrecerte a la mayor cantidad posible de personajes, tanto de la saga original cuando todos son unos ninjas pequeñines, como de Naruto Shippuden.
La cantidad de personajes seleccionables es 72 (más quince sólo de soporte), lo cual sólo de nombrarlo suena bestial. Desgraciadamente, la selección de ninjas en Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm Generations es muy engañosa. CyberConnect2 retacó el roster de clones de los protagonistas, así que veremos tres versiones de Naruto, tres de Sasuke y al menos un par de versiones de otros varios personajes. Eso sin contar que al tener acceso a los personajes en su etapa de niños tenemos que en realidad hay cuatro Naruto, cuatro Sasuke, como tres Kakashi y al menos dos encarnaciones de los principales protectores de la Aldea de la Hoja.
Entre las novedades tenemos los regresos de Haku y Zabuza, así como poder seleccionar a todos los Hokage y la introducción de kages de las demás aldeas, a Obito Uchiha, “Madara” e incluso la versión encapuchada de Kabuto. Aún así se extrañan a varios personajes que hubiera preferido mil veces más que los clones de siempre, como a “los cinco del Sonido” (que han sido totalmente olvidados). Como sea, la selección de peleadores promete convencer a los seguidores de Naruto y da bastante variedad a aquellos que simplemente le darán una oportunidad al videojuego.
La historia de Ultimate Ninja Storm Generations
Precisamente los fanáticos de Naruto se preguntarán, ¿de dónde a dónde abarca la historia de Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm Generations? Bueno, comienza desde su reunión con Sasuke y Sakura en el equipo de Kakashi, y terminamos en algún lugar algo disperso justo cuando Naruto está entrenando con Killer Bee.
Digo disperso porque no se aborda bien, la nueva mecánica de historia está bastante flojita y desmerece en comparación a lo visto en la precuela. Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm Generations se olvidó totalmente de la parte RPG del título y presenta la historia por medio de escenarios personales, cada uno protagonizado por distintos personajes de la saga, para que supuestamente veas la historia que ya conoces desde el ángulo de otros personajes.
Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm Generations incluye animación de Studio Pierrot
Para ello, Bandai Namco se hizo ayudar del mismísimo estudio de animeStudioPierrot, el cual creó 65 minutos de animación inédita que sirve de intro y final para cada uno de los escenarios en Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm Generations, así que de cierta manera el incentivo para jugarlo es ver la animación del final. Aunque en teoría suena bien, en la práctica no lo es tanto. El trabajo de animación es de altísima calidad y presenta un par de sorpresas, pero al incluir tan diversos escenarios terminaremos viendo cortos de no más de tres o cuatro minutos por personaje (salvo un par de excepciones) y la sensación de progreso en la historia es nula con una narrativa tan cortada.
Cuando termines cada escenario verás que nuevamente CyberConnect2 da por sentado que todo el que compre el título conoce al derecho y al revés la trama, porque si no es así quien lo juegue no entenderá gran cosa de la historia. Eso sin mencionar que algunos escenarios son ridículos, como el de Haku y Zabuza en que peleas como cinco veces contra los mismos monos en la batallita del puente.
Obito, un joven Kakashi y el cuarto Hokage son seleccionables
Y no sólo quitaron el modo RPG que, si bien no era tan bueno, le daba algo de profundidad y sentido a la narrativa, sino que dejaron fuera la mejor parte de Ninja Storm 2, las alucinantes peleas especiales contra los jefes de cada capítulo. Así es, no más secuencias cinemáticas de acción durante las batallas, no más técnicas finales impresionantes y no más quick time events. La historia en Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm Generations avanza simplemente con una batalla tras otra junto a imágenes estáticas con diálogo en texto y voz que intentan explicarte la historia. ¡Aburrido! Creí que eso había quedado atrás en los 16 bits.
Las peleas por otro lado recibieron una retocada. Sigue siendo el mismo sistema de juego de peleas de la precuela, con escenarios en 3D que puedes recorrer mientras atacas, avientas shurikens, esquivas y realizas ataques y jutsus especiales. Se mantiene el sistema de dos asistentes -con todo y ataques combinados- para diversas situaciones aunque el balance en los mismos mejoró. Otra cosa que notarás es que la velocidad de las batallas aumentó al menos un 25 por ciento: se sienten más ágiles y es más fácil evitar ataques tan sólo con el botón de correr.
Los kages de las demás aldeas hacen su aparición en este videojuego
Sin embargo, la principal novedad que encontrarás en las peleas de Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm Generations es una nueva barra de sustituciones, que te permitirá ejecutar el clásico “cambiazo” por un tronquito cuando te atacan. Ahora tienes este medidor que te permite hacer tres o cuatro veces este movimiento, una vez que se vacíe tienes que esperar un poco para que se vuelva a llenar.
Esto le da cierta estrategia a la batalla, aunque algunos personajes son tan manchados que a pesar de que hagas este movimiento te continuarán pegando cuando reaparezcas, como Gaara, que con su nube de arena se cubre el frente y la retaguardia y al quererlo sorprender verás que no servirá absolutamente de nada. En las batallas online, parte de la táctica consiste en usar sabiamente esta barra para adelantarse a tu enemigo o contraatacarlo. También hay un indicador visible para romper la guardia de tu rival, así que en Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm Generations es más fácil castigar a esas “tortugas” que ponían guardia hasta el infinito, pues eventualmente les romperás el bloqueo para marearlos.
Algunos personajes sólo se pueden usar como asistentes
El componente online de Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm Generations sigue igual de robusto y con una excelente velocidad para jugar, e incluye algunas opciones extras para incentivar a los gamers a usarlo. Existe un nuevo sistema de cartas que te dan ciertos atributos si se activan en batalla, como mayor recuperación de chakra o un incremento en la fuerza de tu modo Despertar; estas cartas se obtienen desbloqueándolas y comprándolas en la tiendita virtual del juego, pero también podrás apostarlas con otros jugadores. Además podrás apostar algunos accesorios ninjas, aunque en lo personal no le veo gran interés a este apartado y hubiera preferido mejoras sustanciales en el balance de los personajes para mantenerme más tiempo pegado al título: los jodidos spammers con Deidara pueden seguir haciendo lo que sea en esta versión y algunos modos Despertar son bastante molestos mientras otros son una total porquería.
Aunque no niego que las batallas de Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm Generations -pese a la simplicidad del gameplay– pueden tornarse realmente entretenidas y tensas, también es cierto que muchas veces vas a rabiar del coraje simplemente porque uno de los personajes tiene notables ventajas sobre el otro. El sistema de apuestas no hace más que acentuar esas fallas. Ahhh, incluye también la clásica opción de subir, bajar y compartir repeticiones, así como modos de entrenamiento, supervivencia y torneo, lo clásico de este tipo de títulos.
“Súper Naruto” hace su aparición en modo Despertar
El resto de apartados de Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm Generations se mantienen más o menos al nivel del anterior, aunque ahora sí los tiempos de carga son casi imperceptibles y la instalación en el disco duro (si usas PS3) es mucho más corta. Los gráficos y la música siguen siendo de lo mejor en la actual generación de consolas, con un excelente diseño de arte que acompaña los menús y todas las pantallas del juego. El motor de gráficos es visualmente impresionante y hay que recalcar que algunos jutsus especiales son de los más vistosos de la saga.
Lo que todos querrán saber al finalizar la reseña de Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm Generations es si realmente vale la pena su compra. Si tienes Ultimate Ninja Storm 2 quédate con él y atesóralo, la cantidad de personajes jugables no se compara con la magia de las batallas contra los jefes, ni con la cinemática y la narrativa de dicho título. Si no lo tienes, pues cómpralo en lugar de éste, es mucho más barato y te dará más horas de juego.
Los dos primeros Hokage también pueden ser usados, lástima que no tienen escenario
No es que Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm Generations sea un videojuego malo, tiene altos valores de producción, pero se queda cuatro o cinco pasos atrás de su precuela y eso es imperdonable, las mejoras son muy pocas y el modo de historia te durará unas tres o cuatro horas a lo mucho. A este título no le pusieron Ninja Storm 3 simplemente porque le quedaría grande el nombre, ya que es apenas una actualización del juego de hace año y medio. La animación de Studio Pierrot y la cantidad de personajes puede tentar a los fans más acérrimos del anime, pero si es así sugiero que se esperen a que al menos baje un poco su precio.
Mark Millar vuelve a presentar en Superiorun trabajo de su autoría bajo el sello de Icon Comics, en Marvel. De nuevo Millar combina la idea de los súper héroes con un mundo realista para presentar una nueva arista, la de los súper poderes, y de paso a homenajear a uno de los personajes estructurales de la industria.
Superior
Si algo tienen en común los recientes trabajos en cómics de Mark Millar, es que son un catálogo de dibujantes de primer nivel, y en el caso de Superior, Leinil Yu se luce con trazos realistas y diseños de personajes impresionantes, como el Aniquilador, Abraxas y mi favorito, las tremendas bubis de la reportera Madeline Knox. El artista y co-creador de Superior también ha trabajado de forma intermitente en Marvel y DC Comics para títulos como X-Men, Wolverine, Avengers y Superman. Con un arte tan impresionante como el de Leinil Yu basta para interesarse en darle una oportunidad a este cómic.
Tal como hizo en Kick-Ass, Mark Millar nos presenta un mundo “realista” dónde los superhéroes como Superior se limitan al mundo de los cómics y películas, pero eso está a punto de cambiar. El personaje en cuestión puede volar, tiene súper fuerza, visión de calor y aliento gélido, aparte de resistencia, velocidad, y la capacidad de viajar por el espacio… está más claro que el agua: es una copia de Gladiator de la guardia imperial Shi’ar. Más que una copia, es un homenaje a ese gran personaje de piel morada y cabellomohawk cuyas aventuras hemos seguido desde que lo conocimos en la saga de Fénix Oscura.
Simon Pooni es un chico con mucho talento que gustaba de jugar básquetbol, hasta el momento en que su cuerpo sucumbe a la esclerosis múltiple que lo pone en silla de ruedas, paraliza partes de su cuerpo y básicamente limita toda su actividad física al mínimo, al grado de no poder acostarse ni ir al baño por su propia cuenta. “Es como estar enterrado dentro de tu propia piel”, dice Simon. Ahora el chico encuentra su mayor satisfacción en seguir casi religiosamente los cómics y películas de Superior, personaje al que respeta y considera una inspiración por su devoción a hacer el bien y su “política” de no matar.
Pero la vida nunca puede ser tan sencilla y no se conforma con que el lisiado fuera la otrora estrella del equipo colegial de básquetbol, Simon es el blanco de Sharpie, el abusón de la escuela, y sus amigos. Simon va perdiendo no sólo la fuerza sino el gusto por vivir, solamente anclado a su amigo Chris, el único que no lo ha abandonado a pesar de la difícil situación.
Es en este momento de su vida que a nuestro personaje se le aparece un simio con traje de astronauta que responde al nombre de Ormon, quien le comunica que ha sido elegido entre seis mil millones de personas para obtener el deseo mágico, que, por supuesto, es convertirse en Superior. Esta elección de deseo mágico es tan obvia que el chango ni se molesta en preguntarle qué quiere antes de concedérselo.
Superior entrena sus recién adquiridos súper poderes
Superior en el mundo real
El deseo no es tan sencillo como parece, ya que para ser Superior, el niño cambiará totalmente de aspecto al grado de ser una copia al carbón del personaje en sus versiones de cine. Simon poco a poco va agarrándole el modo a sus nuevos poderes, y con la ayuda de su mejor amigo, Chris, se lanza a realizar sus primeras proezas, como arrastrar un tren, freír envases de refresco con su visión calorífica, volar y, la más notoria, salvar una estación espacial que se va a estrellar en la ciudad de Nueva York… ¿Dónde habré visto eso antes? Bueno, si me acuerdo lo pongo.
Otra similitud de Superior con esa historia que no recuerdo bien es que existe una reportera muy arriesgada que se avienta en un auto a la bahía, arriesgando su vida con tal de entrevistar al superhéroe, tener la primicia al respecto y desmentir que se trata de Tad Scott, el actor de las películas de Superior.
Superior posteriormente procede a mejorar el mundo y hacer todas esas cosas que uno haría si tuviera el poder de cambiarlas: dígase, acabar con células terroristas, alimentar países en hambruna, eliminar arsenales nucleares y proteger ciudadanos inocentes de catástrofes naturales. Entre todas estas actividades, Simon aún encuentra el tiempo para realizar todos aquellos sueños que tenía negados por su parálisis, aparte de poner en su lugar al chico que lo molestaba.
Superior vs Abraxas, buen diseño de personajes y arte de Leinil Yu
Pasados siete días desde que se convirtió en Superior, Ormon regresa para ver si su obsequio ha sido bien utilizado y si Simon tiene lo que se necesita para seguir siendo este cúmulo de poderes y músculos. A partir de este nudo en la historia es que se revela la verdad detrás de los poderes del muchacho y se avecina la gran batalla final.
Un viejo conocido no tan conocido
La historia en Superior no es tan trillada como parece, sobre todo por los diálogos “realistas” (con muchos “fucks” y “shits” para realismo puro), las referencias a la cultura popular actual y las actitudes propias de personas de nuestra época, sin el ridículo y gastado tono usado en los cómics comunes. Los paneles están plagados de “tomas de cine” por llamarlas de algún modo, recuadros donde parece que el héroe y villano posan para la cámara y dicen alguna frase dominguera para denotar que son bien chingones.
Los siete números -o el tomo recopilatorio- de Superior no tienen desperdicio y dejan entrever una calidad en arte y narrativa al grado de excelente, en una historia que se desliza entre tus ojos y manos con una sencillez que abruma y verás que estarás pasando página tras página de manera automática. Millar logra capturar al mismo tiempo la grandiosidad y exageración del género de superhéroes con un tono maduro narrativo, mientras al mismo tiempo nos invita a imaginar qué haríamos nosotros en el lugar de Simon Pooni.
La reportera voluptuosa se quiere ganar la entrevista
Superiorno tiene mucho que ver con Kick-Ass más allá del mundo “realista”, pero tiene su propia magia; aquí todos los elementos de la historia se van a lo grande y no se limitan a un chico con palos en callejones oscuros, sino en batallas donde se lanzan trenes y revientan edificios de por medio. Como muchos podrán anticipar por el puro diseño de Superior, el personaje y el cómic sirven como homenaje a Superman, y en específico a Christopher Reeves (actor) y Richard Donner (director), baluartes de las películas del personaje. La edición mexicana a cargo de Panini puede adquirirse con los números por separados o en un tomo compilatorio de pasta suave, todo de excelente calidad y sin un ápice de censura.
Capcom se encargó de promocionar lo que parecía que a nadie le interesaría: crossover entre los personajes de las franquicias Street Fighter (de Capcom) y Tekken (de Bandai Namco), y hay que reconocer que logró generar una gran expectativa entre la comunidad de gamers aficionados al género de los juegos de pelea, pero faltaba ver si Street Fighter X Tekken estaba a la altura de la cerrada competencia o era sólo un pretexto hecho videojuego. El juego está disponible para PlayStation 3, Xbox 360, PS Vita y PC.
Street Fighter X Tekken
Cuenta la leyenda de la existencia de una antigua diosa con poderes inimaginables. Ha vivido por eones enteros y cada vez es más difícil encontrar algo en el Universo que la sorprenda. Pero la diosa encontró en un pequeño planeta azul lo que se volvería su pasatiempo favorito: observar los conflictos humanos. Ya sea por dinero, salud, venganza o control, los humanos han peleado unos contra otros sobrepasando los límites de un cuerpo aparentemente débil.
Hoy, la diosa tiene una nueva idea, una forma de volver más entretenida esta lucha eterna. Mandará a la Tierra un regalo especial, un cubo que liberará todo el poder dormido de cada peleador e incluso despertará habilidades superiores en quien se adueñe de él, lo que provocará un nuevo conflicto entre los mejores guerreros por hacerse de la caja que tiene el mismo nombre de la diosa: Pandora.
Se lee demasiado mamerto, pero ésta es la historia de fondo que Capcom ideó para llevar a cabo el combate entre dos franquicias en Street Fighter X Tekken. Aquellos que compren la versión especial del videojuego podrán leer esta especie de prólogo en un cómic que viene añadido al manual de instrucciones, aunque la historia en general no vale la pena y los finales son más bien epílogos cortos que poco ahondan sobre la misteriosa Caja de Pandora, aunque son bastante curiosos varios de ellos.
Pero ya de lleno con el videojuego, lo primero que uno nota en Street Fighter X Tekken es la cantidad abismal de peleadores para seleccionar: 38 (16 por cada bando), y si tomamos en cuenta los cinco personajes exclusivos de PlayStation 3 -Toro, Kuro, Cole McGrath, Pac-Man y Mega Man- estamos hablando de 43 personajes en total. La lista incluye a combatientes clásicos de cada franquicia y varios que habían estado olvidados por algún tiempo, como Rolento y Poison de Street Fighter, y Ogre por parte de Tekken. A esto tenemos que añadirle doce personajes (descargables en consolas) que estuvieron disponibles hasta la versión de PS Vita y PC.
El sistema de juego es de duelo por parejas, donde cada jugador escoge a un par de peleadores y puede intercambiarlos en cualquier momento, ya sea para darle descanso a uno de los guerreros y que recupere sangre, para hacer algunos combos más largos o para realizar ataques en conjunto. La diferencia con otros títulos del género es que con que uno de tus personajes sea derrotado pierdes la ronda, no importando cuánto le queda de vida a tu pareja. Esto es algo que Capcom tomó “prestado” de Tekken Tag Tournament y que funciona bastante bien para darles dinamismo y agresividad a las batallas.
Street Fighter X Tekken tiene más de 40 personajes seleccionables.
Dominando a la máquina, perfeccionando al hombre
Más allá de este sistema tag a la Tekken, la jugabilidad, poderes y mecánica de combinaciones es casi todo de Capcom. Este título se encuentra en una zona intermedia entre el gameplay de Street Fighter IV y las cadenas de Marvel vs Capcom 3. Aun así, Street Fighter X Tekken cuenta con su muy personal estilo que agradará a más de uno debido a las nuevas combinaciones que se pueden lograr alternando entre tus dos personajes.
La principal jugada que estarás aplicando es un combo en cadena que consiste en débil, medio, fuerte y otro golpe fuerte, esto hace que levantes a tu rival y automáticamente entre tu compañero para alargar la cadena con algún remate. La jugada se llama Cross Rush y dominarla encierra gran parte del secreto de los campeones. Uno pudiera pensar que un golpe y un poder es lo normal para rematar a tu enemigo, pero si eres meticuloso y practicas pronto estarás realizando jugadas donde mantienes a tu enemigo en el aire para rematarlo más de la cuenta.
¿Y qué tanto puedes golpearlo antes de que caiga tu rival? Mucho, Street Fighter X Tekken hace uso de un sofisticado sistema de juggles para mantener a tu rival flotando mientras le puedas seguir conectando golpes y se puede aplicar en infinidad de situaciones, no sólo en el Cross Rush. Una alternativa a los juggles es rebotar a tus enemigos en el suelo, una característica que tienen varios movimientos de los personajes de Tekken y que es clásica en esta saga de peleas -ya sabes, en Tekken la ley es “todo lo que baja tiene que subir”-, así que cuando azotas a tu enemigo esto en realidad lo levanta para seguirle tundiendo.
No podía faltar los atómicos finales con súper poder.
Hablando de súper poderes, en Street Fighter X Tekken estos ataques se llaman Super Arts y, como es clásico de estos juegos, causan una gran cantidad de daño. En esta ocasión los Super Arts se marcan a la Marvel vs Capcom, o sea, basta con realizar la secuencia normal de un poder con los tres botones de golpe o patada según sea el caso. Este movimiento te quita dos barras de energía de un máximo de tres, pero bien puedes usar tus barras de poder para otras cosas interesantes.
La más apantallante quizá sea la Cross Arts, que como te puedes imaginar es un súper poder ejecutado por tus dos peleadores, baja una cantidad grosera de sangre, es fácil de meter en combinaciones y te gasta tus tres topes del medidor. También puedes usar una barrita para realizar un counter especial, muy útil cuando te están atorando en la esquina; también está la opción de cambiar de compañero en el momento exacto y que entre a continuar un combo sin necesidad de que lo levantes antes. Esto lleva a varias de las jugadas más manchadas de Street Fighter X Tekken y dominarlas es lo que hace la diferencia entre los hombres y los payasos.
Otra mecánica interesante es el nivel del poder al dejar cargado un botón. Es otra novedad en Street Fighter X Tekken y una de las más útiles, sobre todo para aquellos con Super Arts de larga distancia. Todos los personajes tienen un poder en el que pueden dejar presionado el botón y tiene tres niveles: si lo sueltas inmediatamente realizarás el poder normal, si aguantas un par de segundos ejecutarás la versión EX (la que realizas apretando dos botones al mismo tiempo) y si puedes aguantar un poco más tu poder se convertirá en un Super Art, y todo sin gastar barra de súper.
Los combos y remates son de una variedad monstruosa. Dominar el juego puede llevarte meses.
Esto quiere decir que tu rival no te tiene que pegar mientras estás cargando porque se suspende la acción, aunque claro, a Capcom le gusta jugar con este tipo de mecánicas e incorporó una especie de cancelación para esta jugada, así que puedes cargar tu poder y si el rival se acerca para golpearte puedes cancelarlo corriendo hacia atrás o adelante para sorprenderlo. Similar en cierta forma al Focus Attack, el movimiento trademark de la franquicia Street Fighter IV.
Pero no es todo, Capcom guardó todavía una mecánica extra para Street Fighter X Tekken: el Cross Assault, que consiste en sacar a pelear a tu personaje de reserva para atascarle con todo a tu oponente entre los dos de manera simultánea. Esta mecánica es muy curiosa y engloba a la perfección el concepto que Capcom buscaba: juego de parejas. Al realizar el Cross Assault el otro personaje será controlado por el CPU, pero también lo puede hacerlo un amigo que sea tu compañero de equipo.
Street Fighter X Tekken está ideado para promover las retas en parejas, alternando entre ambos jugadores de un equipo para hacer más emocionantes las batallas. Equipos de dos personas se enfrentan entre sí no sólo para mostrar sus mejores combinaciones y técnicas, sino para ver quién se coordina mejor.
Desgraciadamente, para la versión de Xbox 360 esta opción viene coja, ya que no pueden jugar dos personas con una misma consola en el mismo equipo, así que si quieres jugar de parejas tendrás que buscar por fuerza tu media naranja en Internet. Las otras versiones soportan a la perfección hasta cuatro retadores en un mismo sistema (excepto la PS Vita, claro). También hay un modo algo caótico con los cuatro jugadores en pantalla, pero es más para echar relajo que por seriedad competitiva.
El modo para cuatro jugadores puede ser caótico, pero divertido
Gemas y Caja de Pandora
El último de los movimientos especiales es el Modo Pandora, el cual se activa presionando dos veces abajo más los dos botones medios. Es un movimiento sencillo de realizar e incluso fácil de meter en los combos, pero generalmente inútil a menos de que seas el puto amo de Street Fighter X Tekken. Para ejecutarlo necesitas tener menos del 25 por ciento de vida en tu personaje y tomar en cuenta que vas “matar” a tu compañero para absorber su poder y hacer combos que de otra forma serían imposibles, todo para intentar acabar a tu rival en menos de diez segundos, pues el Modo Pandora es una especie de bomba de tiempo que si no logras ganar en ese límite hará caer vencido a tu personaje. Para cuestiones prácticas me parece más útil que cuando mi personaje tiene poca vida lo cambie por el que tengo de reserva.
Otra de las novedades es el Sistema de Gemas, que te permite equiparle hasta tres a cada uno de tus peleadores. Estas gemas se activan bajo diferentes circunstancias (poner defensa diez veces, pegar tres poderes, ejecutar dos agarres, etc.) y te otorgan diferentes beneficios (más fuerza, rellenar un poco tu sangre, más velocidad, etc). Existen otro tipo de gemas de asistencia, las cuales también se pueden equipar, pero que más bien facilitan las mecánicas del juego; por ejemplo, con gemas que te quitan automáticamente los agarres, autodefensa o hasta una que simplifica la marcación de los poderes.
Esto de las gemas es más denso de lo que parece y hay al menos dos centenares de ellas, cada una con diferentes efectos y diferentes modos de activación. Lo peor de todo es que algunas son DLC a la venta o exclusivas de la edición especial, por lo que de entrada esto rompe con el siempre deseado balance en los videojuegos de peleas ya que no todos tienen acceso a las mismas posibilidades. Otro defecto del sistema es que cuando activas una gema tu monito empezará a brillar como semáforo durante lo que resta del round, lo cual me parece visualmente molesto.
El Modo Pandora te da más poder durante unos segundos antes de morir… o ganar.
Ya lo verán ustedes mismos, es molesto que tu personaje brille ya que se pierde mucha calidad gráfica y detalle. Por si fuera poco, a pesar de que el videojuego está realizado con el mismo motor gráfico de Street Fighter IV, se nota un acabado más brusco en las texturas de la mayoría de personajes, sobre todo durante los acercamientos… Como que todo luce un pasito atrás de como nos tenía acostumbrados Capcom. No es algo tan visible, pero si uno se pone de sangroncito podrá apreciar las fallas.
Por su parte, los escenarios de Street Fighter X Tekken lucen increíbles, todos con mucha vida y llenos de detalles a manera de broma y cameos de otros personajes de Capcom y Bandai Namco. Además, incluyeron algunos escenarios dobles, donde durante el primer round peleas en la parte superior y para el segundo bajas a otro nivel dentro del mismo lugar. Este detalle me gustó porque últimamente Capcom se estaba viendo demasiado agarrado con el número de escenarios.
La música es una mezcla de ritmos de ambas compañías, aunque más con el estilo tecno electrónico de la saga Tekken. Las voces y sonidos son a lo que nos tiene acostumbrados Capcom, de alta calidad y con la opción de cambiar el audio de los personajes entre inglés y japonés. El diseño de los menús, las opciones y la dirección de arte es prácticamente la misma que vimos en Super Street Fighter IV.
Las Super Arts son poderes lucidos, pero versiones rebajadas respecto a SSFIV.
Street Fighter X Tekken, ¿el videojuego esperado?
Los modos de juego me remiten a los primeros renglones que escribí sobre la trama del Street Fighter X Tekken. El primer modo es el Arcade, donde si escogemos a una pareja adecuada podremos ver uno de los varios finales del videojuego. La mayoría son a manera de chiste o exagerados, pero no dejan de ser curiosos. En este modo no se pueden escoger los personajes exclusivos de PS3 y dependiendo del bando que selecciones son los jefes finales: si agarras a un equipo de Street Fighter te enfrentarás contra Jin y Xiaoyu en Modo Pandora como penúltimos enemigos, mientras que el jefe final será Ogre; si escoges una pareja de Tekken, tus rivales en Modo Pandora serán Juri y Bison, con Akuma como enemigo final. Cada pareja además tiene un equipo rival, estas batallas cuentan con secuencias especiales de introducción.
Street Fighter X Tekken también incluye la clásica opción de versus y distintos modos en línea, ya sea para una persona o de combates con parejas. Para desgracia de todos los aficionados al juego online, Capcom la cagó monumentalmente en el código, y aunque la velocidad de juego y la facilidad para encontrar partidas son sorprendentes, las batallas sufren un molestísimo desfase en los sonidos, provocando que todo se escuche a destiempo o no se escuche nada, dificultando tu capacidad de respuesta. Como edición a la reseña original, este problema fue corregido unos meses después con parches.
También regresan los canales de repeticiones y los leaderboards. Para practicar tus movimientos esta vez tenemos tanto el entrenamiento como misiones y un modo de desafío, donde tendremos que vencer a rivales en situaciones muy específicas. De desbloqueables están los clásicos títulos e imágenes, pero se extraña una galería de arte y videos, sobre todo para tener en tu consola todos esos promocionales que mostró Capcom durante casi un año.
Dan no aparece como personaje seleccionable, pero te inundará de tips y tutoriales
Una opción nueva es la de personalizar a tus peleadores con algunos cambios en la ropa y la piel, pero las variantes para elegir son mínimas. También puedes configurar un par de autocombos para usar con cada personaje. En el caso de la versión de PS Vita, la pantalla táctil funciona también como control, o bien puedes colocar simplemente cuatro botones táctiles muy útiles, como tener los tres botones de puño o patada.
Street Fighter X Tekken es un título en extremo divertido. La variedad de personajes es abrumadora y con toda la cantidad de jugadas que tienes a tu disposición tendrás peleador para rato. Desafortunadamente tiene varios puntos no tan finos bastante y muy notables, como que el 70 por ciento de los personajes de Tekken tiene acercamientos muy similares para su estilo de juego; las gemas, que es aburrido estar equipando por personaje, y aparte te toparás con usuarios que tienen mejores combinaciones; los molestos brillos en tu personaje cuando activas las mentadas gemas; y el online, que no es lo mejor de Capcom a la fecha.
Otro punto terrible en contra es el contenido bloqueado que vienen en tu disco, en el cual se incluyen trajes, pero sobre todo, a doce personajes extras que Capcom vende como contenido extra, salvo las versiones de PS Vita y Steam, que ya cuentan con todos los peleadores desde el inicio. Los usuarios de Xbox 360 tienen aparte los inconvenientes de no poder jugar en equipos con una misma consola y no contar con los cinco personajes exclusivos. Hasta la edición especial está medio chafa, la alcancía en forma de gabinete de arcade -que era lo más relevante- es tipo huevito de Kínder Sorpresa: armable.
Pese a varias fallas, nadie puede negar que es un muy divertido juego
A pesar de ello, vale la pena la compra. Capcom quedó a deber en este crossover, pero lo que muestra es un gameplay por demás interesante, con una mecánica de juego ofensiva que te hará experimentar parejas y combinaciones por meses. Las versiones de PC, PS Vita y PlayStation 3 terminan siendo mejor inversión que la de Xbox 360, pero aún así recomiendo que pruebes Street Fighter X Tekken en cualquier plataforma para que te convenzas: las retas se ponen de a peso y tiene suficientes novedades para hacerse un lugar en el género de peleas.
Toneladas de publicidad y el nombre de Disney en los cartelones habían mantenido en boca de todos la fecha de estreno de John Carter: Entre dos Mundos. Cada nuevo tráiler alzaba la barrita de la expectativa entre los que se iban volviendo fanáticos de la película aún antes de que saliera en cines, o por el contrario, apilaban una torre comentarios haters que ya deseaban calificarlo como otro gran fracaso de la industria (y de la compañía). La espera terminó y John Carter: Entre Dos Mundos llega a las salas de cine en busca de reivindicar un legado olvidado.
John Carter: Entre dos Mundos
Corría el mes de febrero de 1912, un novel escritor comenzaba la publicación de sus cuentos en una revista especializada. Sus historias hablaban de un hombre de Virginia, Estados Unidos, que vivía increíbles aventuras nada más y nada menos que en Marte. El nombre del escritor era Edgar Rice Burroughs, el personaje de sus historias era John Carter.
Un siglo después de la publicación de sus primeras aventuras, la industria cinematográfica por fin le hace justicia a este personaje. Ciertamente la obra más conocida de Edgar Rice Burroughs es Tarzán, pero la más “copiada” hasta la fecha había sidoJohn Carter. Sus cuentos habían servido de inspiración a cintas como Krull, Dune y al mismo George Lucas en la creación de Star Wars. Otros directores se vieron menos generosos y no sólo tomaron prestadas algunas ideas, sino que plagiaron totalmente la obra de Burroughs y la llevaron a la pantalla grande enfundada en moralejas ecológicas y títulos rimbombantes como Avatar.
[youtube id=C3ztVy0bQtY]
Disney tenía en sus manos una de las licencias más ricas de todos los tiempos, pero también una de las más difíciles de llevar a la pantalla grande. No sólo por el monumental esfuerzo que requería representar las aventuras de un humano en este Marte tan lleno de vida y caótico a la vez, sino para hacer sentir fresca a la audiencia una historia que ha visto en cines una y otra vez.
Y precisamente no voy a ahondar mucho en la historia para no echarla a perder, pero es necesario adelantar lo obvio. John Carter es un soldado norteamericano condecorado en mil batallas, pero retirado del servicio; ahora ocupa su tiempo con la ilusión de encontrar una gran mina de oro y ser inmensamente rico, pero un encuentro donde se ve involucrado entre apaches y militares americanos lo hace refugiarse en una cueva con unas peculiares inscripciones.
De repente, nuestro protagonista se ve sorprendido cuando de la nada aparece una persona de aspecto extraño que amenaza con atacarlo. John Carter desenfunda cual vaquero que es y lo hiere de muerte. Cuando examina el cuerpo descubre un curioso medallón plateado que al tocarlo y repetir las palabras del moribundo atacante lo transporta inmediatamente a millones de años luz de distancia, a un lugar llamado Barsoom.
John Carter es un soldado confederado retirado
Ya arrancados, la película siempre se mantiene con una dirección fija en la narrativa, no ofrece desviaciones ni se preocupa con subtramas intrincadas, lo cual en lo personal me parece un acierto. John Carter: Entre Dos Mundos hace hincapié en donde tiene que hacerlo y se olvida de los rellenos por completo, esto logra adentrarte en la historia, en la cultura y en el pasado de este extraño lugar a donde llega Carter sin explicaciones tediosas de por medio. Pronto aprenderás que jeddak significa “rey”, que los tharks son guerreros brutales que se reproducen por huevos y tienen costumbres salvajes, y que Barsoom (como llaman sus habitantes a Marte) está muriendo y las constantes luchas entre dos bandos enemigos amenazan con destruir por completo el planeta.
Es en este panorama conflictivo donde “aterriza” nuestro héroe. Su constitución humana y la baja densidad del planeta lo convierten prácticamente en un súper hombre capaz de realizar proezas increíbles como saltar edificios enteros o mover objetos de gran peso con facilidad. Esta condición no pasará desapercibida para las distintas facciones y razas de Barsoom, en donde vivirá una tonelada de aventuras que es mejor no adelantar y dejar que ustedes las vean durante las dos horas que dura John Carter: Entre Dos Mundos.
Tal vez la trama no te parezca tan novedosa… el humano que llega a otro planeta para salvarlo de la destrucción inminente… incluso aquí hay una princesa, el choque de ideales entre buscar regresar a casa o ser parte del conflicto. Sí, todas esas cosas las hemos visto en otras películas y tendrás esa sensación de deja vú constantemente. Para el director de John Carter: Entre Dos Mundos, Andrew Stanton, lo más difícil era lograr vender una historia que ha sido usada y reutilizada hasta el cansancio, pero la confianza de Disney en la persona que logró hacer de Wall•E un filme entrañable no fue en vano.
Los tharks son una raza guerrera verde y con cuatro manos
Barsoom, John Carter, Dejah Toris y Matai Shang
Stanton recurrió a toda la mitología encerrada en las obras de Rice Burroughs y al presupuesto de Disney para darle vida a John Carter: Entre Dos Mundos. Era difícil reinventar el género, pero era posible ofrecer algo mejor, algo más espectacular. Paisajes desérticos, antiguas ruinas, increíbles ciudades con torres que desafían la gravedad, naves en forma de insecto, distintas razas de habitantes y animales extraños, todo un banquete audiovisual como pocas, o quizá como ninguna película de este tipo hasta la fecha. Andrew Stanton utilizó la fuerza bruta para convencernos de que esta historia era mejor, o al menos lucía mucho mejor, de que este cuento era más agradable de seguir y de que Barsoom era un lugar que definitivamente valía la pena conocer.
El resultado es un filme en el que convergen casi con perfección los géneros de ciencia ficción y fantasía. Logra mezclar la acción de increíbles batallas contra criaturas gigantes y soldados enemigos, con la sensación de la aventura al explorar ese planeta desconocido. John Carter: Entre Dos Mundos es como un gran espectáculo circense de mil carpas, un show audiovisual que ciertamente denota algunas fallas en su producción pero que son difíciles siquiera de recordar mientras realizas este viaje por la pantalla de cine.
¿Y los protagonistas? Las actuaciones son buenas. He leído algunas críticas que tachan de plano el papel de Taylor Kitsch como John Carter, pero creo que gran parte de esa queja es por mero desconocimiento de la obra original. Carter en un tipo seco y con un pasado familiar traumático, las frases adustas y la actitud necia que vemos en la película son las mismas que Edgar Rice Burroughs le dio durante los diálogos de La Princesa de Marte, el libro sobre el cual está basado la mayoría del filme. No se puede decir que se va a llevar algún premio por su desempeño histriónico, pero el casting para el personaje fue adecuado.
Las secuencias de acción en John Carter son impresionantes
Lynn Collins en su papel como Dejah Thoris, la princesa de Hellium, es quizá el más flojito, pero nuevamente caemos en el papel de que esta princesa “cuasi heroica” la hemos vista en otra parte y es fácil adivinar el romance que se avecina. La culpa de que sea el perfomance menos fuerte viene más de los mismos clichés del personaje que de una actuación mal realizada.
Por otra parte, los villanos en turno están muy bien logrados. Destacando la siempre sorprendente labor de Mark Strong, un experto en personificar la maldad en cada película donde se presenta y que alcanza con Matai Shang un personaje por demás interesante, de esos que te gustaría ver que pierdan pero que no sean totalmente derrotados. Matai Shang logra generar incluso cierta empatía con el espectador, no por sus motivaciones sino simplemente porque Mark Strong es un actorazo.
La raza de marcianos verdes de cuatro brazos, los tharks, provee con varios personajes importantes a la historia, sobresaliendo Tars Tarkas, el jefe de esta tribu de guerreros y cuya voz es prestada por Willam Dafoe.
Para variar, Mark Strong se luce como el villano de la película
Esta diversidad de razas es parte del espectáculo de efectos especiales de John Carter: Entre Dos Mundos. Cada criatura parece que realmente respira, cada monstruo en verdad luce atemorizante, con gestos, poses, apariencias y personalidades que los vuelven no sólo reconocibles, sino hasta cierto punto, entrañables. Es una conjunción de detalles de este tipo que no se veían desde hace mucho tiempo en una galaxia muy lejana. Por si fuera poco, los impresionantes efectos visuales son acompañados por una banda sonora al mismo nivel a cargo de Michael Giacchino, a quien bien pueden ir anotando como serio contendiente al Oscar el próximo año.
John Carter de Marte
¿Cumple con las expectativas generadas o es sólo otro gran cascarón vacío? Disney es especialista en arruinar grandes producciones… ahí tienen a El Príncipe de Persia y Percy Jackson. Pero con toda seguridad puedo afirmar que cumple todas y cada una de las expectativas positivas puestas enJohn Carter: Entre Dos Mundos.
Algunos podrán calificarla como una película lineal y predecible, y es difícil no darles la razón, pero a pesar de que a veces se siente como un recorrido que sabes donde terminará nunca deja de ser emocionante seguir el curso de la historia. Aún así, los creativos deJohn Carter: Entre Dos Mundos se guardaron un par de giros en la trama, no muy sofisticado,s pero entretenidos y que dejan la moneda en el aire para futuros filmes basados en la franquicia.
El romance con la princesa Dejah Toris se ve venir de lejos
En conclusión, es difícil ponerle el mínimo “pero” a esta película. No es perfecta, pero lo que presenta lo hace de manera tan soberbia que es imposible no quedar maravillado. Andrew Stanton logra sumergirnos en Barsoom y nos hace desear que este viaje durara más. Es una de esas películas que puedas ver una, y otra, y otra vez y no aburrirte en el proceso. Disney no reinventó el género, pero alzó como nunca la calidad de producción acorde con una entretenida historia para todas las edades.
John Carter: Entre Dos Mundos nos recuerda a Flash Gordon, a la nostalgia de las aventuras que soñábamos tener cuando éramos niños, a los vaqueros, a los astronautas, a los viajes intergalácticos, a las batallas en coliseos contra bestias descomunales, a manejar naves espaciales, a conocer lugares exóticos, a rescatar a la princesa, a salvar el día; nos recuerda que vivimos en una época increíble donde el cine puede transportarnos mediante una gran pantalla y lentes 3D a vivir lo inimaginable. John Carter celebra su centésimo aniversario de gran manera y recupera su lugar en una industria que se había cansado de saquear sus ideas. Imperdible. John Carter: Entre Dos Mundos tiene todo para ser la Star Wars del siglo XXI.
¿Un pájaro? ¿Un avión? No, es otra película de adolescentes con súper poderes en Poder sin Límites, un filme que retoma el tema de los superhéroes (o similares), combinando la acción en que directamente desemboca el tener un kilo de habilidades cósmicas, con un manejo de cámaras estilo documental y un drama problemas de adolescentes.
Poder sin Límites
Tras ver el tráiler de Poder sin Límites quizá lo primero que viene a la mente es que el producto final sería una especie de híbrido entre Soy el Número 4 y Proyecto de la Bruja de Blair… y no está muy lejos de la realidad de esta película dirigida por Josh Trank. Sin embargo, no hay que clasificar tan crudamente y por adelantado a este filme, ya que aún encierra algunas sorpresas.
En lo personal, todo lo que huela a una cinematografía tipo documental me parece ya entre cansado, nefasto y falto de imaginación. Películas como Actividad Paranormal terminan siendo experiencias aburridas, con más ganas de salirme de la sala que de ver a qué hora viene la parte de miedo; pero, a pesar de ello me llamaba la atención la propuesta de aplicarla a una historia más cercana a lo que leo en cómics que a lo que veo normalmente en cines, en este caso narrando los sucesos desde la perspectiva de uno de los protagonistas (Andrew Detmer) que tiene por costumbre siempre cargar con una cámara y filmar su día a día.
El argumento de Poder sin Límites puede pecar de simple. Tres preparatorianos, Andrew Detmer (Dane Dehaan), Steve Montgomery (Michael B. Jordan) y Matt Garetty (Alex Russel) son agraciados con el don de los súper poderes después de examinar una extraña cueva. Al salir de la misma se dan cuenta de que pueden mover objetos con la mente y realizar algunas proezas similares a la telequinesis. La trama no vuelve a hacer referencia alguna a este suceso y nunca intenta ahondar en el origen de los poderes, sino en el uso que los protagonistas les dan a los mismos.
La historia simple, en este caso, pasa a ser una fortaleza de Poder sin Límites. En lugar de enfocar la narrativa hacia extraños orígenes con raíces alienígenas, anillos de poder o descendencia de los dioses, la película se centra en que no importando la naturaleza de tus habilidades, las tienes y te pone de platillo la clásica pero interesante pregunta: ¿qué harías tú con ellas?
El aprender a controlar sus nuevos poderes se convierte en el motor de buena parte de Poder sin Límites. Nuestros protagonistas los descubren y empiezan a entrenarlos, pues tienen la idea de que son una especie de músculo: mientras más los ejercitas, más fuertes son. Mover objetos pesados, resistencia física a heridas, doblar metales e incluso volar empieza a ser posible para los tres protagonistas.
Tres chicos que mágicamente obtienen súper poderes
Para evitar problemas, Andrew, Gary y Steve deciden poner reglas para sus nuevas habilidades: nada de apariciones en público, no aplicarlas contra otro ser vivo y, la más importante de todas, nunca usarlas en un momento de ira o enojo. Esto también lleva a estrechar sus relaciones a pesar de sus personalidades tan opuestas: un retraído, el tipo rudo y el chico popular. Sus poderes también construyen un nuevo lazo de amistad, se vuelven unos confidentes de los otros, se apoyan para aprender a manejar sus poderes y pasan juntos lo que ellos mismos califican como “los mejores días de sus vidas”.
Alerta, final abrupto a la vista
Desgraciadamente, para la segunda mitad de la película su director, Josh Trank, se salió por la puerta más sencilla y en lugar de seguir experimentando con el día a día de unos adolescentes con poderes, decide que, como en la mayoría de cómics y películas del género, es necesario un antagonista, un villano que conmemore una épica y cruenta batalla final que ponga a prueba lo aprendido en los momentos de ocio de estos chavos. Desde el tráiler se puede anticipar el giro de la película y Poder sin Límitespierde casi toda la capacidad de sorprendernos en los momentos en los que más debería hacerlo.
A esto le sumas que el uso de tomas al estilo documental son más una manera de disfrazar su limitado presupuesto (15 millones de dólares) que un recurso narrativo válido. Es cierto que en algunos momentos el estilo documental que maneja ayuda a conocer el lado íntimo de los personajes, pero en otras parece que la acción queda más afuera que adentro de la pantalla. No está tan mal ejecutado el recurso como en otras películas, pero a veces es ridículo que con tal de mantener las tomas de documental “usen” hasta las cámaras de vigilancia y de testigos.
¿Doblar metal? Sencillo
A pesar de ello, los encargados de efectos visuales armaron una batalla final de proporciones colosales, con autos, helicópteros, postes de luz, edificios y personas volando por los aires, demostrando que poco presupuesto no significa por fuerza sacrificar la calidad de producción (¿me lees,Última Noche de la Humanidad?)
Acompañado de estos efectos visuales bien logrados viene un sonido a la altura. Ciertamente la mayor parte de este festín audiovisual es hacia el final de Poder sin Límites y tampoco es algo que no se haya visto antes, pero funciona bien y ayuda a maquillar la predecible conclusión.
Por otra parte, las actuaciones son entre regulares y buenas. Cada uno de los protagonistas cumple con la tarea básica de representar personalidades muy disímbolas que se conectan en el mejor momento de sus vidas, pero fuera ello, muchas veces te parecerá que los personajes rayan en los estereotipos de la comedia colegial norteamericana; aún así el director de Poder sin Límites se las ingenió para que los tres irradiaran cierta magia, sobre todo en el proceso de aprender a manejar sus poderes.
Predecible; tú ya sabes quién será el tipo malo
Desgraciadamente, a la hora de ponerse serios es difícil tener la mínima empatía con alguno de los dos bandos, no sé si por lo forzado del final, porque las actuaciones se caen junto con la historia o porque poco te importa qué vaya a pasar mientras sigan haciendo pedazos la ciudad.
Sí, a fin de cuentas, y a pesar de una premisa relativamente original (al menos en el cine), Poder sin Límites no llega a cerrar con la misma fuerza con la que inicia. De cierta manera la batalla final compensa la caída de la historia con un cierre visualmente atractivo, pero narrativamente abrupto y poco satisfactorio… a pesar del buen rato que se pasa uno viéndola queda la sensación de que faltó algo más y de que en algún momento de la película tomaron el camino equivocado. Recomendable para los amantes del cine de acción y súper poderes. No exigirás tu dinero de regreso, pero difícilmente te darán ganas de volver a verla.
Daniel Radcliffe reinicia su carrera histriónica, se aleja del abrazo cobijado de Harry Potter y se aventura en una película de terror que desea dar una bocanada al gastado género. La Dama de Negro, dirigida por James Watkins, llega a las salas de México con una expectativa alta, tanto por el género, que es muy seguido en nuestro país, como por los seguidores y detractores del actor que desean verlo en nuevos papeles.
La Dama de Negro | Reseña
Las casas embrujadas con fantasmas habitando entre sus paredes siempre han encerrado ese halo de morbo y curiosidad. Por siglos han sido motivo de leyendas, mitos, cuentos, obras literarias y eventualmente dieron el brinco a los medios masivos de entretenimiento como la radio, la televisión y el cine de terror, en donde encontraron un fructífero espacio de expresión por medio de nuevas y más retorcidas historias. Para bien o para mal, las películas de este tipo (con casas embrujadas) han ido desapareciendo, dejando su espacio a otras formas de intentar aterrorizar a los espectadores.
La Dama de Negro rescata la temática de la casa embrujada y, de cierta manera, rescata a Daniel Radcliffe, quien tras terminar la saga de Harry Potter tiene por delante muchísimo más que demostrar como actor de cine de lo que él mismo cree. Ambos son los elementos de mayor interés para considerar ver este filme. Por un lado la tétrica historia de terror enterrada en una mansión abandonada, y por otra parte, ver a Radcliffe en un papel diferente al del cuadrado y poco exigente personaje del mago de J.K. Rowling.
Contrario a otras películas de terror a últimas fechas, La Dama de Negro resalta por una fotografía impecable a prueba de espantos. Lo primero con lo que uno cae enamorado aquí es con la atención al detalle en exteriores e interiores. Juguetes viejos, vasijas, jarrones, muebles apolillados, cerámica con formas tétricas, velas, polvo, luces, sombras, todo luce (des)cuidado hasta el mínimo detalle, colocado y coordinado milimétricamente para crear una atmósfera casi malsana que inmediatamente eriza los sentidos. Lo notarás desde el primer minuto del filme: cada muñeco, cada taza y cada mueble parece observarlos a ti y al protagonista.
El pueblo con construcciones de piedra, lodo y madera, la estación de tren tan antigua como Inglaterra misma, el camino que se cubre con la marea y la increíble vista de la casona abandonada de Eel Marsh complementan la ambientación. Cada fotograma de La Dama de Negro presenta una extraña visión híbrida entre belleza, nostalgia y tensión que alimentan la sensación de suspenso tan necesaria en el cine de terror.
Los exteriores presentados en La Dama de Negro lucen impresionantes
Esta tensión agrada. La Dama de Negro se aleja del sobreexplotado (y cansado) recurso de grabación tipo documental y nos trae algo más sofisticado, creando una atmósfera genuina de miedo a partir de todos los elementos visuales y sonoros que tenemos en pantalla, y no confiando en que el espectador se mentalice a que la película es de terror y por lo mismo en algún momento tiene que ponerse nervioso.
Su director, James Watkins, tampoco usó la clásica fórmula de que caigan todos como moscas, esperando a ver quién muere después… aunque la muerte es siempre un elemento presente en la película y pudiera decirse que el motor de la misma.
La Dama de Negro usa el inicio de siglo XX como base de operaciones y narra la historia de un joven llamado Arthur Kipps (Daniel Radcliffe) que se ve obligado a viajar a un pequeño poblado para supervisar el estado de una vieja casona. La dueña de la mansión acababa de fallecer y corresponde a Arthur ir y arreglar todo el papeleo y pendientes tanto de la casa como de su antigua dueña.
La mansión de Eels Marsh es perfecta para jugar con espantos y fantasmas
Tan sólo al llegar al pueblo nota la hostilidad de los lugareños, quienes prácticamente arreglan todo para que se vaya tal como vino. Evitan darle alojamiento en la posada, sacan sus maletas, los padres encierran a sus niños y evitan que cualquier infante del poblado tenga siquiera contacto visual con el visitante, pero Arthur se encierra en la vieja mansión para tratar de poner todo en orden.
Como es de esperarse, la casona no es un inmueble cualquiera, todo luce descuidado, abandonado y a punto de caerse a pedazos; por si fuerza poco nuestro protagonista pronto empezará a vivir una serie de acontecimientos extraños, desde el sonido de pasos, puertas y ventanas que se abren y cierran a placer, hasta la aparición de una fantasmagórica mujer que viste de negro.
Su visita a la casona del Eels Marsh parece también desatar una serie de infortunios en el lugar, pues los niños -aquellos que celosamente vigilaban en el pueblo- empiezan a morir unos tras otro y todo parece indicar que Arthur Kipps está en el centro de estos extraños sucesos. La llegada del joven al pueblo se conecta con la “visita” cada cierto tiempo de un fantasma, una mujer que ha perseguido los lugareños desde hace algunos años y que de alguna manera está relacionada con la muerte de los menores.
La muerte de niños empieza a acechar la región, los padres están impotentes
La trama puede parecer más o menos conocida, pero La Dama de Negro logra figurar entre las cintas de terror con oscuridad propia. A la atmósfera bien lograda de la película se suman actuaciones en tono con la misma, empezando obviamente por Daniel Radcliffe que, si bien no tiene un personaje muy difícil de interpretar, logra captar con naturalidad los distintos estados de ánimo y miedo que le exige la película.Arthur es una persona hasta cierto punto mentalmente inestable, con un pasado traumático tras la muerte de su esposa, a la cual seguido recuerda entre visiones y sueños, este trauma sólo alimentará los mismos miedos del protagonista al llegar a la casa abandonada. Radcliffe logra imprimir esa chispa necesaria para una película que busca generar miedo.
Ciaran Hinds complementa el balance necesario para La Dama de Negro con su interpretación de Sam Daily, uno de los hombres con dinero de la región y que termina siendo el único que recibe con buen ojo a Arthur. Sam está un poco alejado de la paranoia del pueblo y considera a todas esas historias puras supersticiones sin fundamentos y cuentos para atemorizar a la gente.
Hablando de temor, algo que me agradó sobremanera es que nunca pretenden retacar el filme de momentos abruptos y escenas de espanto; las secuencias donde te asustas llegan de forma natural y casi siempre de manera inesperada, logrando que brinques de tu asiento en varias ocasiones, pero que nunca sueltes la atención de trama para descubrir la relación entre las visiones de Arthur y las muertes de niños en el poblado.
Daniel Radcliffe realiza una actuación aceptable en La Dama de Negro
Los efectos de sonido y especiales también cumplen con su papel. Todo aquí está orquestado para asustar y casi siempre lo logran, o al menos te imprimen cierto grado de tensión. La Dama de Negro no es una película que abuse de efectos visuales o siquiera que haya tenido un gran presupuesto, pero lo que presenta en pantalla lo presenta muy bien. La música es la clásica del género, puesta de acuerdo a la pauta que el mismo filme indica. No deslumbra, pero funciona muy bien. Desgraciadamente no todo funciona de la misma manera.
Bien se puede considerar que la primera hora de La Dama de Negro es digna de lo mejor del cine de terror en los últimos meses, pero la realidad es que cuando la trama tiene que alcanzar su clímax la película comienza a caerse a pedazos y la historia se vuelve insostenible. La narrativa se hunde dramáticamente en un bache de incredulidad y hasta inocencia sobre las decisiones que toman los protagonistas y te preguntarás “¿cómo es que echaron a perder todo en menos de 30 minutos?”. El final es totalmente anticlimático y el único punto que se le puede dar a favor es que es relativamente inesperado.
Si lo tuyo son los sustos de brinco de butaca, La Dama de Negro es tu película
Otro punto en contra es que a pesar de la aceptable actuación de Radcliffe, no parece ser la mejor elección en el casting: luce demasiado joven para un hombre con problemas financieros, una esposa muerta y un hijo qué mantener. También, si leíste la novela en la que está basada (The Woman in Black, de Susan Hill) o la viste en teatro, notarás que la película es una adaptación muy libre de la misma, muchas partes de la historia cambian y se siente casi como una obra distinta. Esto no es necesariamente malo ya que La Dama de Negro nunca busca ser una adaptación fiel sino un buen exponente del cine de terror, y al menos durante dos terceras partes del filme lo logra con creces.
La Dama de Negro no alcanza la categoría de peliculón, pero cumple con la mayor premisa para la que este género existe: asustar a la audiencia. Si eres un fanático de los brincos de butaca y las películas de terror sobrenatural, no dudes en ir al cine, aunque la historia se cae estrepitosamente hacia el final sigue siendo una cinta muy entretenida que vale la pena ver a todo volumen y con las luces apagadas. Ñaca ñaca.
El Curioso Caso de Benjamin Button, dirigida por David Fincher y protagonizada por Brad Pitt y Cate Blanchet se estrenó en 2008 y fue nominada en varias categorías en los premios BAFTA, Oscar y Globos de Oro. Cuenta la historia de un hombre que “envejece a la inversa” y cómo intenta alcanzar en algún momento de su crecimiento al amor de su vida. En El Curioso Caso de Benjamin Button, David Fincher se reencuentra con Brad Pitt, lo que nos podría hacer pensar que con esta mancuerna director-actor repetirán él éxito obtenido en otros filmes donde también han trabajado juntos, como El Club de la Pelea y Seven.
El Curioso Caso de Benjamin Button | Reseña
El Curioso Caso de Benjamin Button está basada en un cuento corto escrito por F. Scott Fitzgeral. La trama, desarrollada en Estados Unidos justo al finalizar la Primera Guerra Mundial, relata casi en su totalidad la vida de un niño que nace con una extraña enfermedad tipo vejez prematura…. pero muy prematura, haciendo que con sólo un día de nacido tenga prácticamente todos los achaques y dificultades de un hombre de 80 años de edad.
Sumado a la muerte de su madre durante el parto y a su “monstruoso aspecto”, Benjamin también es rechazado por su padre, Thomas Button (interpretado por Jason Flemyng), quien lo abandona en la entrada de un asilo de ancianos.
Benjamin Button es adoptado por Queenie (Taraji P. Henson), una joven mujer de raza de negra, la cual administra el asilo. Queenie inmediatamente toma al niño en sus brazos a pesar de su aspecto y decide cuidarlo como su propio hijo, en gran medida por el amor natural de madre que ella busca brindar al no poder embarazarse con su pareja, Tizzy (Mahershala Ali)
Benjamin va creciendo de una forma misteriosa e impactante para todos, ya que su infancia la vive como un anciano, con enfermedades, dificultad de movimiento, achaques y esas cosas que conlleva ser una persona mayor. Sin embargo, crece feliz bajo el abrigo de su amorosa madre Queenie, quien lo cuida y atiende en todo momento, y que no cesa de sorprenderse con la vitalidad que gana Benjamin día con día.
Queenie se convierte en la madre adoptiva de Benjamin Button
Al pasar del tiempo conoce a quien será una de las mujeres más importantes de su vida, Daisy (Cate Blanchet), una hermosa niña pelirroja, nieta de una de las ancianas que vive en el asilo y a quien no le importó la apariencia arrugada de Benjamin. Ambos niños se volverán amigos y confidentes, y crearán un nexo muy especial… aunque raro, ya que Daisy irá y vendrá a la vida de Benjamin Button sin mediar muchas explicaciones.
Pero la vida tendría muchas sorpresas preparadas para el joven anciano, y es donde se encuentra toda la fuerza de El Curioso Caso de Benjamin Button. David Fincher nos pone en un asiento privilegiado, casi como siendo la sombra del protagonista, conociendo sus aventuras y creando vínculos con cada uno de los personajes que él conoce, sorprendiéndonos con sus ganas no de vivir, sino de aventurarse. Benjamin conocerá a una glamurosa mujer que le enseñará a tocar el piano, se volverá amigo de un bromista pigmeo que cuenta con singular humor su pasado como atracción de circos y zoológicos, incluso se hace a la mar a borde de un buque remolcador en el cual consigue trabajo pese a tu aspecto achacoso.
Benjamin permanece enamorado de Daisy
La vida a través de cuentos cortos
Esa vitalidad que le da cumplir (o descumplir, según lo vean) años es la que convence al capitán Mike Clark de hacerlo parte de la tripulación permanente del Chelsea. Su nuevo trabajo lo llevará a diversas partes del mundo, a probar el amor y el desamor e incluso participar en conflictos armados. Una colección de postales de vida, de diversos cuentos cortos que se unen en un solo personaje siempre a la espera de alguna vez reencontrarse con el amor de su infancia, pero también, siempre testigo mudo de cómo sus seres queridos van muriendo uno tras otro mientras él se vuelve más joven.
David Fincher es uno de los directores más aclamados del cine actual, y cuando hace pareja con Brad Pitt en el estelar la expectativa siempre es mayor. Esta vez realiza una película diferente, una especie de historia biográfica que se compone a su vez de diversas historias cortas, sin nunca llegar, o intentar llegar a un clímax narrativo, sólo avanzando la historia hacia donde todos sabemos que tiene que llegar.
El capitán Mike Clark se roba buena parte de la película
Uno pudiera pensar que ver las andanzas de Benjamin Button durante 166 minutos puede resultar tedioso, pero Fincher se las ingenia para que sea todo lo contrario, transformando lo que quizá debiera ser una tragedia clásica en una historia afable y hasta cierto punto, inspiradora. Cada nueva escena, cada personaje, cada memoria encaja con perfección en la trama y el espectador no espera el desenlace, sino una historia más
Aparte de su excelente actuación, debo destacar la caracterización que realizan en Brad Pitt. Es impresionante lo bien realizado que está el maquillaje en las diversas etapas de la vida que nos muestran en El Curioso Caso de Benjamin Button, y ni qué decir del vestuario y la ambientación en los diferentes contextos históricos reales que aborda la película.
Tremendo trabajo para recrear al hombre viejo que rejuvenece
Las actuaciones me parecieron impecables y hasta brillantes, no sólo la de Brad Pitt, sino también los actores de reparto, sobresaliendo en especial Taraji P. Henson en su papel de madre adoptiva, y Jared Harris como el bonachón capitán Mike Clark. Este último resultar ser un personaje tan carismático que uno quisiera verlo durante varios minutos más en la pantalla, o mejor aún, que le hagan su propio filme. La actuación de Brad Pitt, fue acompañada de otros actores sobresalientes, sobre todo para su etapa de (apariencia) anciano, como Tom Everett y Robert Tower. La única que en lo personal baja el ritmo es Cate Blanchet, que parece que nunca logra embonar del todo con el personaje de Daisy.
Ya han pasado más de tres años desde su estreno, pero si no la viste es el momento adecuado para hacerlo. Cuando el cine intenta contar estas historias largas de vida y abarcando grandes periodos de tiempo, generalmente terminan siendo películas tediosas y cansadas, pero cuando logran dar en la justa medida se convierten en clásicos instantáneos. David Fincher lo logró, El Curioso Caso de Benjamin Button es ya un clásico del cine.
2012, año de las profecías mayas, año en que el hombre se embarca hacia las estrellas y mas allá, el año del 30 aniversario de la popular serie de animeMacross. Y qué mejor forma de recordar este año tan especial que reviviendo una de las producciones más olvidadas de esta serie, Macross: Flashback 2012.
Macross: Flashback 2012 | Reseña
Lanzada como OVA musical el 21 de junio 1987 y con una duración de 30 minutos, Macross: Flash Back 2012 nos relata lo que sería el último concierto de Lynn Minmay en la Tierra, justo antes de partir en la nave SDF-2 Megaroad-01. Esto es narrado por medio de una hermosa combinación entre videos, imágenes y canciones de la serie (1982 a 1983) y la película Macross: Do You Remenber Love? e interpretadas por la cantante.
Macross: Flash Back 2012 culmina con escenas nunca antes vista de la partida de Hikaru Ichijo (Rick Hunter), Misa Hayase (Lisa Hayes) y Lynn Minmay (Linn Minmei). Algo que encantará a todo fan de la saga y que complementa la riqueza visual que logró su director, Shoji Kawamori.
Un homenaje a la serie de anime Macross
Las canciones Lynn Minmay presentes en Macross: Flash Back 2012 son:
Las pinturas de Angel (Tenshi no Enogu) (parte 1)
Sunset Beach
0-G Love
Shao Pai Long (小白 竜)
Silver Moon, Red Moon
Muere el Amor (Ai wa Nagareru) Parte 2
Cenicienta
Do You Remember Love? (Ai, Oboete imasu ka)
Las pinturas de Angel (Tenshi no Enogu) (parte 2)
Runner (créditos finales), dúo con Makoto Fujiwara
De acuerdo a la cronología oficial de Macross, la nave Megaroad y toda su flota desapareció cuatro años después al internarse hacia el centro de la galaxia y nunca se supo más de ellos. Lynn Minmay fue reportada entre las desaparecidas.
El OVA incluye varias canciones de Lynn Minmay
Su talón de Aquiles, por así decirlo, es el ser casi exclusiva para los seguidores Macross, por lo que cualquier persona ajena al concepto de Macross no encontrará gran atractivo en ver una colección de videos musicales de la misma, aunque la calidad de los mismos no desmerece y puede ser interesante el OVA por sí mismo.
