Anim-Arte.com

Categoría: Críticas, análisis y reseñas

  • Disgaea D2: A Brighter Darkness | Reseña

    Disgaea D2: A Brighter Darkness | Reseña

    ¿Cuántas secuelas prometen ser más grandes y tener un mejor gameplay que su primera parte? ¿Cuántas de estas cumplen con lo prometido? A casi diez años de que saliera Disgaea: Hour of Darkness, la primera parte de esta saga de pedigrí táctico, NIS America nos trae Disgaea D2: A Brighter Darkness, pero ¿podrá Laharl reclamar el título de señor del inframundo de nuestros corazones o habría sido mejor que esta obra obra se quedara en el olvido eterno?

    Disgaea D2: A Brighter Darkness

    Siempre es lo mismo. Aparece un título con un gameplay innovador y revolucionario, y al año siguiente, dos años máximo, ya hay una secuela cuya única mejora es un nuevo combo, una arma adicional o la posibilidad de poder jugar como un nuevo personaje ¿Cuántos de estas segundas partes s no se sienten totalmente idénticos a la primera? ¿Cuántos son, verdaderamente, secuelas dignas?

    Pues es ahí donde Disgaea D2: A Brighter Darkness brilla como ningún otro.  Muchos prometen que añadirán más horas de gameplay, pero pocos cumplen como lo hace este título, muchos añaden funciones totalmente innecesarias a su gameplay, aquí necesitas dominar cada habilidad para poder progresar.

    Disgaea D2: A Brighter Darkness es un RPG japonés de estrategia por turnos en el que tanto enemigos como aliados brillan por su personalidad y carisma, y es que en el centro de su éxito se encuentran personajes adorables, cada uno con uno con una personalidad propia y bien definidas; incluso los que tu creas responden a las distintas situaciones en las que se encuentren de acuerdo a las características individuales que tú les asignaste.

    [youtube id=”xlDz__n8rxY”]

    Las aventuras del simpático demonio Laharl continúan en esta secuela del Disgaea original. Esta vez nuestro “héroe” debe mantener el título de overlord del Infierno que tanto trabajo le costó ganarse en su primera aventura. Para hacerlo cuenta con la ayuda de sus amigas Flone y Etna, una ángel y una demonio que lo apoyaron en su camino al trono y no piensan dejar que cualquiera lo despoje de su derecho de sucesión.

    La trama es simple, predecible y hasta podríamos decir aburrida, pero las relaciones entre los personajes son realmente cómicas; si durante un combate Laharl y Etna se encuentran lado a lado se puede iniciar una conversación en la cual harán referencia al equipo que están usando, la trama o hasta la propia lucha en la que participan, todo esto de una forma muy divertida, por lo que ninguna batalla llega a aburrir o sentirse repetitiva.

    Está por demás decir que los eventos de Disgaea D2: A Brighter Darkness inician tras la conclusión de  Disgaea: Hour of Darkness, hora que nuestro simpático “héroe” ha obtenido el título y castillo del su padre. Laharl ahora es un amo del Inframundo hecho y derecho, aunque muchos demonios no se han enterado de esto, por lo que decide realizar una agresiva campaña para que todo el Netherworld se entere de quién es su nuevo overlord.

    Disgaea D2: A Brighter Darkness | Reseña
    La historia peca de simplista, pero no es mala ni aburrida.

    La situación se complica cuando el ex consejero de su padre y un grupo de demonios autodenonimados La Facción Krichevskoy deciden iniciar una revolución con el objetivo de derrocar a Laharl por considerarlo poco digno y, en medio del caos, el Infierno comienza a tomar un aspecto celestial sin que nadie pueda entender el motivo. Lentamente se irán sumando nuevos aspirantes a overlord y los antiguos se enfrentarán a cambios más allá de la lógica y la razón, pero como ya había dicho antes, la historia no es realmente relevante para el título, aunque tampoco es aburrida.

    Un nuevo Overlord, nuevas reglas

    Sólo dominar todas las mejoras al sistema de combate puede llevarte más de diez horas, prueba de esto es el tutorial de cuatro horas o más, pero si no lo haces no podrás progresar en la historia: Si no dominas la montura o los lanzamientos te quedarás corto en movimientos o atrapado en una zona al poco rato de iniciada tu aventura. Hay mucho que aprender, pero así de grandes son las posibilidades.

    El combate en Disgaea D2: A Brighter Darkness se lleva a cargo por turnos. En principio tu decides qué unidades llevar a la batalla, el orden en el cual desembarcarán y qué ataques ejecutan; hasta este punto todo parece la estructura básica de un RPG de estrategia por turnos tradicional, pero ganar una batalla simplemente atacando con tus unidades más fuertes resulta casi imposible aún contra los enemigos más débiles. Para ganar debes utilizar todas las herramientas a tu disposición.

    Disgaea D2: A Brighter Darkness | Reseña
    Los ataques especiales se basan en la personalidad de quien controlas.

    Laharl y demás aliados humanoides pueden cargarse unos otros hasta crear un enorme pilar que ataca al unísono, un combo básico pero devastador, pero también pueden montar a las criaturas no humanoides, como prinnys o demás demonios ;una vez dominada esta técnica puedes lanzar a tus aliados de un lado a otro para lograr un mayor avance en el mapa o saltar espacios que de otra manera resultarían imposibles.

    De política y mercadotecnia

    Pero avanzar es sólo una parte de la estrategia, si quieres ganar realmente tienes que hacer que tus unidades trabajen en equipo; si una unidad ataca sola probablemente muera sin importar que tan fuerte sea, si por el contrario dos o más unidades se mueven juntas se cubrirán las espaldas y podrán realizar ataques en equipo, aumentando el daño que pueden hacer y recibir y, por lo tanto, las posibilidades de éxito aun de las unidades más débiles. Para esto entran en juego dos factores la Dark Assembly (Asamblea Oscura) y la Likeability, el primero te permite comprar nuevos reclutas para tu causa y el segundo se refiere a que tanto se agradan entre si.

    La Dark Assembly es dos cosas al mismo tiempo: un mercado para comprar soldados y un comité que evalúa si los recursos que el joven overlord solicita le serán asignados o no; digamos que es algo así como  la Cámara de Diputados del Netherword. La parte del mercado es fácil de entender, necesitas un nuevo guerrero, sólo necesitas elegir su género, estilo de combate y personalidad, le asignas un maestro y listo, tienes una nueva unidad. La parte complicada viene cuando la unidad que solicitas representa un gasto mayor, ahí entra en juego la política, la asamblea votará a favor o en contra de permitir al joven overlord continuar con sus planes.

    Disgaea D2: A Brighter Darkness | Reseña
    Incluso el terreno juega un rol importante en tu estrategia

    Para convencer a los demonios de la Dark Assembly, Lahar puede proponer la compra de unidades simples que no representen un gasto enorme, o también puede acercarse a los lideres de los distintos “partidos políticos” y sobornarlos; aún así nada garantiza que una propuesta sea aceptada. Esto puede parecer una complicación innecesaria, pero resulta muy entretenido.

    El punto de la Likeabilitiy es otra de las mecánicas básicas que diferencía a Disgaea D2: A Brighter Darkness de otros títulos del género. En principio cada personaje tiene una personalidad propia la cual hasta puedes seleccionar para aquellos que creas; cada personaje desarrollará un vinculo emocional con tus demás unidades basándose en qué tan parecidos son y qué tan seguido se encuentran en combate. Es así que una unidad masculina muy presumida puede llegar a bloquear los ataques dirigidos a una unidad femenina muy coqueta, sólo para impresionarla.

    También podríamos ver el caso de dos amigos que siempre atacan juntos, o una unidad que no puede soportar ver que le peguen a su mejor amiga por lo que inicia un contraataque siempre que esto pasa cuando ella está cerca. Todas estas mecánicas pueden parecer excesivas, pero es justo la enorme complejidad del gameplay lo que hace que este juego resalte dentro de un género que ha caído en la monotonía.

    Disgaea D2: A Brighter Darkness | Reseña
    Puedes sobornar a la Dark Assembly, pero siguen siendo demonios y pueden votar contra ti, sólo por que se les da la gana.

    Técnicamente, este título muestra por fin un salto de diferencia sobre sus antecesores, aunque se sigue basando sprites sencillos y coloridos, nada que emocione a la pupila pero sí con cierto toque toque en el arte muy particular. Al final, el mismo gameplay hace que nos olvidemos qué tan bien o mal luce el juego. Las animaciones de batalla y poderes son igual ingeniosos y creativos, muy diferente a tu juego de rol promedio. Las voces y la música acompañan la acción de manera adecuada.

    Si eres fan de navegar entre menús, evaluar las posibilidades de éxito revisando todas posibles variantes, leer y releer bestiarios para descubrir todas las habilidades de un enemigo, y, sobre todo, planear cuidadosamente cada movimiento de tu estrategia en inacabables horas de batallas y sidequests, entonces Disgaea D2: A Brighter Darkness es para ti; si no, tal vez deberías dejarlo pasar. Si te gustaron los Disgaea anteriores, éste te va a encantar; si no conoces la saga pero te gustan los juegos de estrategia extremadamente puristas, también te va a encantar. Si no te agrada pasar más de quince minutos seleccionando equipo y comprando unidades, mejor ni lo consideres.

  • Crítica de The King of Fighters

    Crítica de The King of Fighters

    Este churrazo debieron de haberlo cancelado como se rumoraba que lo habían hecho, pero en un arranque de valentía y ganas de sorprender a incautos y fans mal informados, la película The King of Fighters vio la luz y capaz que hasta se cuela a tu videoclub cercano. ¿Vale la pena verla aunque sea por morbo?

    The King of Fighters

    Si alguien siguió el desarrollo y producción de este filme debería de saber que sus temores estaban bien fundados, y que el resultado no pudo haber cambiado mucho desde que se anunciaron los actores y esto se estaba yendo directito al salón de la fama de las peores adaptaciones de videojuegos al cine: En efecto, ésta es la peor basura entre las basuras, bazofia entre bazofias.

    Para empezar, los dos puntos más importantes: Mai Shiranui (interpretada por Maggie Q) fue al Monte de Piedad y la timaron: Dejó empeñadas sus chichis a cambio de chafísimas poderes eléctricos. “Pero eso sólo es un detalle mínimo”, dirán algunos fanáticos, craso error, porque el director de The King of Fighters, Gordon Chan, tiene muchas sorpresas preparadas para ellos.

    “Igualito al videojuego”

    En ésta muy, muy, pero muy libre adaptación del videojuego a la pantalla grande, Iori Yagami (ridículamente personificado por Will Yun Lee) le presenta a Chizuru (Françoise Yip) a su novia Mai, que en realidad es una agente secreta investigando el torneo King of Fighters y responde directamente las órdenes del agente Terry Bogard (David Leitch) de la CIA, el cual es todo un mequetrefe para los golpes, pero por alguna razón todo eso tiene sentido en el cerebro de Gordon Chan.

    Por último, a Kyo Kusanagi (Sean Faris) parece que lo concibieron in vitro con ADN de un Backstreet Boy a pesar de que su padre, Saisyu Kusanagi (Hiro Kanagawa), es más japonés que el sushi: ni el protagonista se salvó.

    Las peleas del torneo se desarrollan en otra “dimensión” a la cual acceden mediante una especie de audífono con tecnología Orochi; así tenemos escenarios de batalla como la dimensión de las fábricas con ventilador al fondo, la dimensión de las dos paredes con grafiti o la dimensión de los maniquíes con máscara (¿¿WTF??). Tal vez te arruine por completo el final de la película pero, honestamente, ¿qué más da? El escenario de la batalla decisiva es la “dimensión del callejón con un trono”: Impactante.

    The King of Fighters (película)
    Kyo fue creado con auténtico ADN de Backstreet Boy. Saisyu lo adoptó.

    La investigación del director y/o guionista (ni ganas me dieron de buscar el nombre del culpable) consistió en ir a las maquinitas y preguntarle al más mariguano que encontró en qué consistía la historia de The King of Fighters, luego la transcribió y metió los papeles a una trituradora para al final pedirle a un simio que los volviera a pegar.

    La trama comienza cuando Rugal (Ray Park), cual villano de Batman con pistola en mano, se roba los tres tesoros sagrados para buscar el poder de Orochi y de ahí en adelante todos se pelean contra él, hasta que de repente sale una bola voladora hecha de serpientes y una pokebola, pero en este punto ya dejé de buscarle sentido a las cosas que sucedían en esta película, así que no me pregunten qué son exactamente.

    Mai Shiranui es la poderosa

    Las actuaciones de todos, sin excepción, son de lástima; yo creo que los actores nunca vieron el producto terminado, porque de haberlo hecho ellos mismos hubieran boicoteado la cinta. Las escenas de pelea son malas, infumables y con efectos del editor de videos Movie Maker. La música, como era de esperarse, te recuerda a todo menos al videojuego.

    The King of Fighters (película)
    La batalla más timada de todos los tiempos: Rugal vs Iori versión cine

    Tal vez el único acierto de la película sea la escena lésbica entre Vice (Bernice Liu) y Mature (Monique Ganderton); deberían recortar esa parte y hacer toda un filme porno alrededor de eso. Por si la ridiculez no bastara, los personajes tienen dos versiones, la versión con traje de civil en la vida real y la versión con traje de batalla en las dimensiones de KoF, los cuales supuestamente son los del juego…Supuestamente, porque no recuerdo poder escoger a Rugal con traje de rapero.

    Otro punto que uno nunca entiende es la relación entre el poder y nivel de los personajes, de repente vemos que Rugal necesita pistolas para robar unos tesoros en un museo y lo termina pateando Mai sin problemas, luego sabemos que era tan pero tan poderoso que en un pasado no tan antiguo venció a Saisyu, Iori y Chizuru juntos. Pero Chizuru nunca hace nada en toda la película y le deja su legado a Mai. Kyo nunca aprendió nada de su padre y también Mai le rompe un brazo. Iori se cansa nada más de subir unas escaleras corriendo, o sea, que al igual en el juego, todos son inútiles menos Mai, que es la más poderosa.

    En general la película The King of Fighters es peor que pésima, y en lo particular también; como buen fanático de la franquicia les recomiendo que se alejen diez metros de cualquier copia pirata de ésta película, y si la ven para descargar, apaguen la computadora, huyan y cuéntenselo a quien más confianza le tengan. Para todos aquellos que no son seguidores del juego, ni se molesten. Una auténtica cochinada reclama su trono como el rey de peleadores.

  • Just Dance 2014 | Reseña

    Just Dance 2014 | Reseña

    Ubisoft por fin liberó Just Dance 2014, la entrega más reciente de la franquicia de videojuegos rítmicos y baile más popular en la actualidad. El título, disponible para Wii U, Xbox 360 y PlayStation 3 (y próximamente para Xbox One y PlayStation 4), viene con la promesa de varias mejoras sobre sus predecesores… Pero, ¿qué tan bueno es realmente para alguien que se acerca a la saga por primera vez?

    Just Dance 2014

    Si eres como yo, que has preferido pasar los años mozos de tu vida viendo las nuevas película de Stallone en cine y aplastando tortugas en el Reino Koopa antes de ir a la boda de la amiga de la prima, o a la fiesta de quinceaños de la sobrina del tío político, entonces compartimos el mismo miedo natural para cualquier cosa que en la cajita diga “juego de baile”.

    Voy a ser sincera, lo primero que pensé cuando tuve en mis manos la copia de Just Dance 2014 para reseñar fue montar mi consola en el sótano y encerrarme cual vil calabozo para evitar miradas curiosas. Soy de esas personas que no sólo tiene dos pies izquierdos, sino la cadera dislocada y un eterno conflicto con el ritmo, por lo que más allá de algunos brincos agarrada del barandal en la Pump It Up, mi experiencia con títulos de este tipo era casi inexistente.

    Pero aquí la dinámica es diferente. Persiste la idea de seguir los movimientos en pantalla, pero a diferencia de las PIU y DDR, el tipo de juego en la saga Just Dance es mucho más asimétrico. En la pantalla aparece alguien mostrándonos los pasos de una elaborada rutina de baile, mientras que en la esquina inferior derecha van turnándose algunos íconos que nos ayudan a anticipar más o menos cuál va a ser el próximo movimiento, pero varios modos de juego alternan nuestra experiencia.

    [youtube id=”2q8g-VjYwyU”]

    Mueve el esqueleto

    El juego, compatible con todas las consolas con periféricos de mandos de movimiento, lo que mide en realidad son los movimientos de nuestra mano derecha y bastaría tal vez con agitarla para marcar la mayoría de ellos de manera correcta, pero no, no, no, te estarías perdiendo de lo más divertido: Intentar ejecutar a la perfección las rutinas mientras que en el proceso luces como todo un bailarín, o más entretenido aún, hacer el ridículo con torpes movimientos hasta que poco a poco le vas agarrando la onda. Y si te lo preguntas, la respuesta de lectura es muy precisa y no te sentirás frustrado porque juras que lo hiciste bien.

    Mi primera y obvia elección en Just Dance 2014 fue darle a “Gentleman”, del coreano Psy. La canción no respeta del todo los pasos originales pero la rutina está súper chévere y antes de darme cuenta ya estaba metidísima intentando copiar los movimientos y sonriendo como enana al saber que las cuatro quintas partes de ellos los estaba ejecutando pa’l perro. Mi sonrisa se convirtió en carcajada cuando al final de la canción el juego me muestra un resumen de mi rutina y me doy cuenta de lo terrible que soy, pero lo divertido que es intentar realizarlo bien.

    De ahí continué con “Get lucky”, de Daft Punk; “Where have you been”, de Rihanna, “Feel this Moment”, de Pitbull y Christina Aguilera, y, mi gusto culposo, “Follow the leader, de Wisin y Yandel con Jennifer López. Para este momento ya estaba bañada en sudor y agotada, pero venía lo mejor, pues mis amigos llegarían a darle un rato a la bailada.

    Just Dance 2014 | Reseña
    Bailar como One Direction puede llegar a ser muy divertido.

    ¿Me concede esta pieza?

    Si jugar Just Dance 2014 en solitario me pareció sorpresivamente cool, hacerlo en bola es morbosamente entretenido. El título nos permite tomar el escenario con hasta cuatro jugadores (seis en Xbox One) al mismo tiempo e incluso en algunas canciones nos da la opción de ser cierto bailarín, con rutinas elaboradas que incluyen pasos tipo “La víbora de la mar” y coreografías a la One Direction.

    Bailar el tema de los Cazafantasmas fue increíblemente divertido, con alguien haciéndola de Pegajoso, y ejecutar un danzón en pareja con “Careless whisper” de fondo me hizo sentir como uno de esos concursos de baile de Televisa, con todo y tropezones incluidos (mi cotorro video subido al archivo de Ubisoft ya tiene varios likes). Al final, la pena o la falta de pericia se olvidan y uno se concentra (o se desconcentra) en sólo pasarla bien.

    Picándole un rato más a Just Dance 2014 uno descubre opciones bastante interesantes para seguir con el ritmo más rato. Una de las mejores sin duda es un modo tipo rutina deportiva, donde ajustas tu sesión de baile continuo según el tiempo que quieras ejercitarte, pudiendo comenzar desde diez minutos.

    [youtube id=”UGuVBj2Iagc”]

    El modo World Dance Floor es el componente online del juego, y, después de personalizar tu avatar, nos permite hacer equipo y competir contra personas de todo el mundo para ir acumulando puntos U en mayor cantidad, los cuales puedes cambiar después por nuevas rutinas, dificultades más altas o modos distintos para las canciones existentes.

    Algunos modos que puedes ir desbloqueando son el de Batalla, donde compites contra la IA o contra otros jugadores en varias rondas de canciones; el ganador de cada ronda elige la siguiente canción y al final se suman los puntos logrados. Hay otro modo llamado Sweat que, como dice su nombre en inglés, es para ponerte a sudar en serio (de hecho se van registrando tus calorías quemadas totales). En On Stage bailas al estilo concierto pop, con una persona siendo el líder de la rutina y otro par acompañándola.

    No todas las canciones tienen modos extras y hay algunas con más de una rutina alterna, la mayoría de ellas se obtienen cambiando los puntos U que logras tras pasar cada canción, pero otras se desbloquean según la fecha del calendario. En general Just Dance 2014 tiene para ponerte a bailar todo un año con su selección de más de 40 canciones y cerca de 250 rutinas distintas, sin contar el contenido adicional que Ubisoft vaya liberando mediante descargas.

    Just Dance 2014 | Reseña
    Si bailas como Pegajoso sacarás un trofeo/logro.

    Hablando de DLC

    Este punto en realidad no me agradó del todo. La mayoría de canciones tienen un valor unitario de 2.99 dólares, que me parece bastante alto considerando que si comprara 40 de ellas terminaría pagando casi el triple de lo que cuesta el juego originalmente. Sería mejor que estos paquetes incluyeran dos o más canciones a un precio más razonable.

    Otro detalle no tan limpio en Just Dance 2014 es la interfaz, que fuera de la selección de canción me parece poco intuitiva. Por ejemplo, para salir del modo World Stage no hay un ícono vistoso que te diga que tienes que picarle ahí para terminar la sesión y el botón de cancelar no tiene efecto; en otras ocasiones tienes que navegar entre incontables menús y opciones antes de llegar a lo que buscas.

    El apartado gráfico, aunque sencillo, es muy, muy llamativo. Las coreografías no sólo son divertidas, sino que lucen muy bien en tu televisor, con diferentes temáticas en cada nivel acordes a la letra de la canción o al concepto que uno tiene de la misma. Aaah, y si tienes ganas de cantar también puedes hacerlo, pues se te premia con algunos puntos por hacerlo bien, aunque no se te penaliza por hacerlo mal… Es un buen agregado, pero faltó por ahí darle más profundidad a esta opción si es que la iban a meter.

    Just Dance 2014 | Reseña
    Just Dance 2014 cuenta con más de 40 canciones y 250 rutinas.

    Just Dance 2014 se anota como mis videojuegos favoritos del año, y no crean que es un título que exclusivamente le va a gustar a las mujeres; ya sea que quieras echar relajo, aprender a bailar, pulir tu ritmo o ejercitarte, tiene mucho para todos. Es más, no importa si eres hardcore gamer, casual gamer o ni gamer eres, Just Dance 2014 es tan bueno que no reconoce clasificaciones ni estereotipos, diversión universal para todos.

  • Kingdom Hearts HD 1.5 Remix | Reseña

    Kingdom Hearts HD 1.5 Remix | Reseña

    Square Enix se trepó al barco de las compilaciones remasterizadas. Kingdom Hearts HD 1.5 Remix nos oferta en un sólo paquete para PlayStation 3 lo que podríamos considerar casi la mitad de la historia de la saga en forma de tres juegos: Kingdom Hearts: Final Mix, Kingdom Hearts Re: Chain of Memories y Kingdom Hearts: 358/2 Days.

    Kingdom Hearts HD 1.5 Remix

    Si por alguna razón no conocen la franquicia o no han podido/querido jugarla, el resumen general es que se trata de una especie de crossover entre Final Fantasy y varias películas (la mayoría animadas) de Walt Disney. El punto a resaltar es que no se trata de una simple mezcla de licencias sin ton ni son, sino que existe toda una historia de fondo para explicarnos el por qué diversos personajes conocidos cruzan caminos y el trasfondo una gran amenaza que se cierne sobre los mundos de los que son originarios.

    Kingdom Hearts: Final Mix

    Si sólo debieras probar una entrega de este -a veces enredado- universo, sin duda que sería la primera. La trama sienta las base del resto de capítulos, pero al mismo tiempo nos ofrece una aventura especial enmarcada por la fuerza de la amistad, la nostalgia y una historia con tintes de fantasía y suspenso por igual.

    Sora, Riku y Kairi viven en Islas Destino, un lugar rodeado por agua en cualquier dirección que se le mire, por lo que es natural que cualquier niño sueñe con hacerse a la mar, descubrir nuevas tierras y vivir impresionantes aventuras. Su deseo se les cumple de alguna forma cuando un tornado de oscuridad golpea su hogar y los tres son tragados y llevados a diferentes lugares. Sora, a quien controlaremos para el resto del juego, aterriza en Pueblo de Paso, un lugar a donde llegan los sobrevivientes de otros mundos que han desaparecido, justo como el suyo.

    [youtube id=”iOVVakmqQcE”]

    Resulta ser que nuestro protagonista juega un papel muy importante en la protección y restauración estos mundos que han sido atacados por criaturas llamadas heartless (sin corazón), ya que es de los pocos que pueden usar una Keyblade (Llave Espada) que le permite encontrar el corazón de cada lugar y sellarlo para evitar que más enemigos aparezcan. Donald y Goofy le acompañarán, pues ellos a su vez buscan al rey Mickey, quien partió abruptamente y parece conocer de qué va todo el problema.

    El argumento puede parecer simple y compulsivo de entrada, pero termina alcanzando las más altas cotas narrativas de Square Enix y funciona como el pretexto perfecto para recorrer diferentes niveles basados en animaciones de Disney. De hecho, Kingdom Hearts es el juego de la serie que presenta un mejor balance entre personajes de las dos compañías y una atinada selección de escenarios.

    El combate nos permite atacar en tiempo real a nuestros enemigos con la Keyblade, realizar algunas técnicas especiales, magia e incluso invocar a Bambi, el Genio o Simba para que nos ayuden a despachar a los heartless, mientras que Donald y Goofy atacan por su cuenta dependiendo del sistema de órdenes que les demos en el menú de configuración.

    Kingdom Hearts HD 1.5 Remix | Reseña
    Los personajes incluso cambian de atuendo en cada mundo de Disney.

    Final Mix, entrega que originalmente sólo salió a la venta en Japón, contiene algunos extras sobre la entrega que conocimos originalmente en PlayStation 2 en Occidente, principalmente con mejoras al balance, un poco de mayor dificultad, algunas armas y enemigos nuevos, y un par de jefes secretos adicionales que te harán sudar la gota gorda aún en tu nivel más alto.

    Esta remasterización es gráficamente una belleza, con modelos más nítidos y texturas estilo anime, y a pesar de que no corre a 60 frames por segundo, cuesta trabajo creer que sólo se trata de un port en alta definición de una consola de hace más de trece años. Desgraciadamente, así como se demuestran los puntos buenos de este clásico, también quedan de manifiesto algunas fallas que debieron al menos tratar de maquillarse, principalmente lo que corresponde a la cámara, ya que hay muchos momentos donde tu personaje pierde la visión del enemigo.

    Kingdom Hearts HD 1.5 Remix agrega la opción de poder elegir una cámara manual siempre controlada por el stick derecho, pero sólo resulta ser útil en el mapa, pues ya metido en batalla es normal que termines apretando los botones sólo con la esperanza de pegarle a algo debido a que la terrible cámara hace lo que se le viene en ganal.

    Kingdom Hearts HD 1.5 Remix | Reseña
    Sigue participando en el Coliseo de Phil para enfrentar a un viejo conocido.

    Más allá del sistema central de combate y la historia, hay varios minijuegos en algunos de los mundos de Disney, aunque mi favorito es el de las navecitas Gummi, necesarias para viajar a cada nuevo escenario, pero adictivas a largo plazo cuando empiezas a crear tu propia nave con las mejores partes disponibles e intentas mejorar tus récords en una especie de shooter espacial a la antigüita.

    Kingdom Hearts Re: Chain of Memories

    A primera instancia, Kingdom Hearts Re: Chain of Memories luce como una recapitulación de los sucesos del primer juego, pero poco a poco (y muy, muy despacito) la historia nos va interesando de lleno. Aquí Sora y Riku (por caminos separados) llegan a un laberíntico castillo donde se topan con una extraña organización que está interesada en sacar provecho de nuestros protagonistas y nos enteramos de varios sucesos que sirven como puente para Kingdom Hearts II.

    El control, aunque mantiene su esencia en tiempo real, cambia su sistema de comandos por un deck de cartas con ataques, habilidades y poderes. Derrotar a tus enemigos no sólo requiere habilidad y mayor nivel, sino pasarte un rato estudiando las posibilidades de tu baraja para armar las mejores combinaciones.

    Kingdom Hearts HD 1.5 Remix | Reseña
    Re: Chain of Memories usa un sistema de cartas para pelear.

    Los mundos de Disney que visitas son los mismos del primer Kingdom Hearts (y hasta los jefes y enemigos), aunque en Re: Chain of Memories se pierde la posibilidad de explorar y se trata básicamente de cuartos conectados con algunos cofres y heartless en ellos. Curiosamente, aunque las peleas se mantienen en tiempo real, tienes que tocar a tus enemigos en el mapa para “cargar” la batalla, muy a la RPG por turnos, lo cual te hace sentir como que a veces pierdes demasiado tiempo con estas secuencias.

    Esto se nota más cuando ves que para sacar el trofeo de platino tienes que terminarlo por fuerza en todas y cada una las dificultades, o sea, treces veces mínimo, haciendo que tu viaje se sienta cansado y algo frustrante al querer acelerar el ritmo de progreso. Este “problema” de trofeos de dificultades no acumulables también está en el primer título, pero digamos que es menos enfadoso.

    Kingdom Hearts: 358/2 Days

    El tercer capítulo de la compilación en Kingdom Hearts HD 1.5 Remix no es exactamente un juego como tal, sino un resumen con todos los cortes cinemáticos del spin-off que originalmente salió para la Nintendo DS. En esta ocasión no hay que hacer nada más allá de ver todos los videos, leer algunos apuntes y desbloquear trofeos por esto.

    Kingdom Hearts HD 1.5 Remix | Reseña
    Pro tip: “Termina” este juego antes que el resto para un ítem extra.

    Si no han jugado la segunda parte, la historia en 358/2 Days les parecerá algo confusa. Todo se centra en Roxas, un integrante de la Organización XIII que nos parece muy familiar y que tiene que ver con el final de Re: Chain of Memories. Así que ve por un tambo de palomitas y prepárate para una ” “película” de poco más de tres horas.

    A final de cuentas, Kingdom Hearts HD 1.5 Remix es una adquisición súper recomendable. Si eres fan de la saga seguramente querrás repasar tus aventuras en Agrabah, Atlantis y Wonderland ahora en alta definición, y si no estás muy enterado de esta franquicia es una buena oportunidad para no dejar pasar uno de los mejores RPG de acción de todos los tiempos junto a un par de títulos interesantes que bien valen la pena el gasto.

  • Machete Mata (Machete Kills) | Crítica

    Machete Mata (Machete Kills) | Crítica

    Machete representa la imagen distópica del macho mexicano. Su más reciente iteración en cine, Machete Mata (Machete Kills), recurre a su arrugado rostro, su bragada personalidad a prueba bombas atómicas y las bondades del género grindhouse para servir como un festín de sangre, “punch lines”, mujeres y pésimos efectos especiales en esta película que fue presentada en México en el marco del Festival Internacional de Cine de Morelia 2013.

    Machete Mata

    El cineasta Robert Rodríguez recurrió al viejo adagio de producir una película tan mala, que resultara ser buena; una que celebra lo que tanto nos gusta de aquellas cintas de El Santo y el cine mexicano de mediados del siglo XX, que con el paso de los años han cambiado su clasificación de ser largometrajes de heroísmo y acción a carcasas kitsch de comedia involuntaria.

    Machete Mata nunca se esmera en narrar la historia de manera pausada o siquiera coherente, sino simplemente en darle forma a una serie de disparates  que el director quiso compartir con su grupo de amigos de la farándula, como una especie de capricho donde lo importante era pasar un buen rato en la filmación y no tanto ganar un Oscar,  actuar bien, hacer una película respetable o sacar dinero reventando las taquillas.

    Ex compañeros de producción, como Antonio Banderas (que estelarizó Desperado, del mismo director), o simples amigos personales como el actor Cuba Gooding Jr. y la cantante pop Lady Gaga, aparecen algunos minutos en pantalla para interpretar una escena divertida y rebosante de violencia antes de que una nueva figura tome su lugar para repetir cíclicamente la fórmula.

    [youtube id=”BO1WwOQowlg”]

    La historia nos pone tras la pista de Méndez, un lunático mexicano que se considera a sí mismo una suerte de revolucionario al tiempo que controla un gigantesco cártel de droga. La situación se torna peligrosa para los intereses de Estados Unidos cuando el capo logra hacerse de un misil nuclear proporcionado por un zafado armamentista (Mel Gibson) y amenaza con impactarlo en Washington a menos que el presidente norteamericano se decida a invadir México, para así acabar de tajo con la violencia generada por el crimen organizado.

    Aún dentro de su desparpajo y locura, Machete Mata funciona como una desdibujada pero certera parodia, no sólo de otros filmes como Sin Piedad para los Débiles o la saga Star Wars, sino del clima de violencia que predomina en México. Una puntillosa crítica que nos muestra un Acapulco sumido entre el moho y las pandillas y da paso después a una frontera amurallada, donde del otro lado un grupo de rednecks espera atento a acabar con el sueño americano de cualquier hispano que intente cruzar hacia su lado.

    Una crítica grindhouse

    Para detener la amenaza, el presidente de Estados Unidos (Carlos Estévez, mejor conocido como Charlie Sheen), le asigna la misión a Machete, un ex caza-narcos que conoce la intimidad del peligro y a quien convence con la mejor recompensa que el país le puede otorgar a un espía: la nacionalidad estadounidense.

    Machete Mata (Machete Kills) | Reseña
    ¿Qué tal una precuela de Méndez?

    La amorfa pero siempre atractiva mezcla de situaciones, homenajes y escenarios, sin embargo termina cansando a los pocos minutos. Mientras la primera parte de Machete contaba con su propia chispa, Machete Kills se siente como una secuela sobre trabajada, poco original y de chistes prestados, un catálogo de gags -no todos muy buenos- que en conjunto logran hacer reir al espectador en repetidas ocasiones, pero que no cuajan para volverla un filme memorable aún dentro de su género.

    La mejor parte sin duda, son todas las cosas que Machete no hace y a las cuales se refiere en tercera persona: “Machete don’t tweet”, “Machete don’t test”, “Machete no esto”, “Machete no lo otro”. Danny Tejo y su abigarrada personalidad son quienes salvan al filme de caer en el enfado total al que pareciera que su director nos quería dirigir para demostrarnos no sé qué cosa.

    Las cabezas cortadas, las tripas desgarradas, la sangre corriendo a borbotones, las mujeres de acción corriendo en ropa sensual y el sostén metralleta de Sofía Vergara también funcionan, pero sólo la primera vez que los ves a cuadro.

    Machete Mata (Machete Kills) | Reseña
    La artillería pesada de Machete Kills

    Machete Kills Again… In Space

    Robert Rodríguez recurrió en Machete Kills sin mucha suerte a su fórmula poca seria de violencia exuberante, un malo malote y mujeres de buen cachete; la originalidad parece irse acabando y sus desenfadadas creaciones son vistas cada vez con más normalidad en un cine grindhouse que quizá está abusando de sobre explotar el efecto al grado de acabar con la sorpresa. Machete no mata, ni picha, ni deja matar, pero a pesar de sus notorias fallas tendrá su séquito fiel de fans que encontrarán en esta película tan mala el pretexto perfecto para volverla de culto.

  • PainKiller: Hell & Damnation | Reseña

    PainKiller: Hell & Damnation | Reseña

    PainKiller: Hell & Damnation es el remake y secuela del clásico shooter en primera persona PainKiller, en esta ocasión desarrollado por The Farm51 y publicado por Nordic Games. Su lanzamiento original ya tiene algo de tiempo en la PC, pero hasta prácticamente un año después llega en forma de título descargable para Xbox 360 y PlayStation 3.

    PainKiller: Hell & Damnation

    Este nuevo episodio nos pone en el papel de Daniel Garner (John St. John), quien a pesar de haber destruido las fuerzas enemigas del Infierno y el Purgatorio en la entrega pasada de la saga, le fue negado su tan esperado reencuentro con su fallecida esposa. Frustrado, Daniel regresa al cementerio donde su viaje comenzó; la muerte en persona se hace presente y le ofrece a nuestro protagonista un trato: Siete mil almas a cambio su amada esposa Catherine, que se almacenarán en la Soulcatcher (un arma que la misma Muerte ha puesto a su disposición). Obviamente, nada vence al amor, así que aceptamos el trato.

    Hombre de una sola arma

    El esquema de control en PainKiller: Hell & Damnation es relativamente básico; tendrás dos botones para disparar, uno para el fuego secundario, dos para brincar, un botón para disparar un arma diferente (sin cambiar manualmente) y, finalmente, tus cartas de Tarot, que te permitirán, entre otras cosas, hacer más daño, ralentizar el tiempo y varias habilidades que podrás ir mejorando y comprando al terminar un nivel.

    La acción aquí corre sin contratiempos. Inmediatamente al iniciar nuestro viaje para colectar almas estaremos enfrentando sin previo aviso hordas de enemigos que embestirán contra ti sin pensarlo dos veces. Y cuando digo embestir, es literal; no importa bajo qué situación estés, los enemigos, carentes de cualquier rasgo de inteligencia artificial se lanzarán contra ti sin detenerse y sin estrategia alguna de por medio.

    [youtube id=”R7lF3YcWmDg”]

    Los niveles de PainKiller: Hell & Damnation consisten de varias zonas donde enfrentarás a oponentes en arenas de batalla tipo Quake equipado con armas más o menos vistosas que mantienen por un momento la atención del jugador, hasta que descubres que la mayoría de ellas no son en realidad muy útiles que digamos.

    Desgraciadamente, a esto le tenemos que agregar unos controles confusos que te llevarán a desperdiciar power-ups casi por inercia y activar tus cartas de Tarot sin poder dosificarlas o guardar sus efectos. No hay nada más frustrante que un personaje que no hace lo que uno quiere y tirar a la basura todos los ítems ganados.

    Mata, ve al punto de control y vuelve a matar

    Además de sus controles ineficaces y un catálogo de armas poco atractivo, el principal problema de PainKiller: Hell & Damnation es que sus mecánicas de juego son extremadamente repetitivas. Enfrenta una horda de enemigos, sobrevive o encuentra un lugar donde puedas matarlos a todos sin riesgos, llega al punto de control y repite algunas veces la maniobra hasta llegar a la horda del jefe, quizá enfrentar alguna horda más y terminar con el nivel. Aún dentro de lo repetitivo que muchos pudieran considerar los FPS hoy en día, este título se lleva las palmas y rara vez te ofrece el incentivo necesario para continuar despachando rivales.

    PainKiller: Hell & Damnation
    Los jefes de nivel, si bien imponen, no representan peligro alguno.

    La música, por su parte, es casi inexistente, sólo tendremos algunos segundos de rock pesado cuando estemos enfrentando a las criaturas y después regresaremos a un silencio sepulcral salpicado con los sonidos del ambiente. Eso sí, aunque la música dura muy poco y sólo llega en momentos de alta tensión, sí logra su cometido de inspirarte para acabar a todo lo que se cruce frente a nuestro camino.

    Aunque no todo es malo en el título. Las gráficas, si bien no son algo que podamos considerar de la siguiente generación o súper impresionantes, no defraudan al regalarnos escenarios que nos recuerdan que estamos en algún lugar entre el Purgatorio y la Tierra.

    Si lo que buscas son más horas de juego por tu dinero, el modo multiplayer aumenta un poco la diversión con un modo cooperativo local y algunas formas competitivas, como los clásicos duelos o el modo tipo “captura la bandera”. Nada que no hayas visto antes y aún en multijugador encontrarás problemas para mantenerte pegado al control por mucho tiempo.

    PainKiller: Hell & Damnation | Reseña
    La campaña en multiplayer le agrega vida al juego.

    De regreso al Infierno

    Aunque el título mejora de manera gráfica PainKiller: Hell & Damnation no logra cautivarnos con sus mecánicas tan simples, la pobre inteligencia de los enemigos y la ineficiencia de alguna de sus armas. El juego es sólo un pretexto para expandir la historia de la primera entrega y un esfuerzo vano de regresarle la gloria a una franquicia que debió quedarse igual que Catherine, sepultada donde nadie la pueda alcanzar.

  • Gravedad | Crítica

    Gravedad | Crítica

    Alfonso Cuarón lo vuelve a hacer. El más “americanizado” de los cineastas mexicanos en Hollywood regresa con buenas críticas y una gran recepción hacia Gravedad, su nueva película de acción, suspenso y algo de ciencia ficción, ahora ambientada en el espacio, alejada de cualquier tradicionalismo o guiño nacional y salpicada de toda la maquinaria y efectos especiales que la meca del cine tiene a su disposición.

    Gravedad

    Si han visto algún adelanto de Gravedad sabrán que la trama es más bien simple y directa. Una misión especial encabezada por dos astronautas toma un súbito giro cuando una lluvia de restos de otros satélites golpea y destruye su estación, dejándolos totalmente a la deriva en el espacio, o como el mismo Cuarón lo dijera más acertadamente durante el Festival Internacional de Cine de Morelia 2013: “Se trata de unos güeyes flotando en el espacio”.

    El público cinéfilo, acostumbrado a aventuras intergalácticas donde pareciera que sobrevive más población humana regada por el Universo que en la Tierra misma, encuentra de entrada en esta premisa una verdadera bocanada de aire fresco, pues el filme, sin dejar de ser una obra de ficción, toma los elementos más cercanos a una eventual realidad para montar un drama en el espacio con muy, muy pocos personajes, contadas líneas de diálogo y la repetitiva espesura negra del espacio

    Cuarón, ávido de mostrar su historia y retratar el drama inmediatamente en el espectador, no se guarda nada para después, la acción y el suspenso arrancan con fuerza a unos minutos de haber iniciado el filme. La novata doctora Ryan Stone (Sandra Bullock) es despedida junto con la grúa tras el impacto de basura sobre el módulo espacial en el que trabajaba. Gracias al veterano astronauta Matt Kowalski (George Clooney), la doctora pudo ser rescatada, pero sólo es el comienzo de un viaje que parece imposible, pues su estación ha quedado destrozada y las oportunidades de “escapar” son casi nulas.

    [youtube id=”gmIvjgBbFak”]

    El desarrollo de Gravedad, sorprendente en su generalidad, llega a ser irregular y soso en algunos puntos. El peso de las escasas oportunidades de sobrevivencia golpean con fuerza e impresionan al espectador la primera media hora, pero en varios (tal vez muchos) momentos se convierte en una especie de teledrama, donde sabes que todo lo que puede salir mal va a terminar peor, perdiéndose mucho del factor sorpresa, incluso hacia el final.

    Aquí el mayor acierto es la forma de “contar el cuento”. Alfonso Cuarón recurre a un estilo narrativo que asemeja mucho al de un videojuego de acción, dejando de lado las subtramas y el desarrollo profundo de los protagonistas, y enfocándose casi de manera orgánica a la interacción entre los astronautas y la hostilidad del espacio. El único “pero” es que este ritmo no se mantiene al 100 por ciento, y al no ser un filme movido por la historia, termina habiendo algunos huecos que realmente te hacen bostezar ante la inmensidad de la nada.

    Afortunadamente, estos espasmos en la trama son menores y Gravedad dura lo justo para no darle demasiada vueltas al asunto. Con hora y media de tensión al borde de la butaca, es la medida adecuada para no dejar nada sin decir y al mismo tiempo no rellenar la película de demasiados momentos secos.

    Gravedad | Crítica
    En el espacio todo tiende a salir mal.

    Cabe resaltar el rol de Sandra Bullock, y como parece desenvolverse mejor en un género que casi no ha explorado. La actriz estadounidense realiza una actuación espectacular que combina ingenuidad, persistencia y suerte (de las dos, muy mala y muy buena), y que puede interpretarse incluso como un renacer, al igual que la doctora Stone cuando al borde de la desesperación asume una posición fetal dispuesta a dejarlo todo.

    George Clooney también reaparece con una sólida caracterización, y aunque su rol es relativamente menor, su personaje está tan bien diseñado que uno desearía verlo más minutos. Matt Kowalski es una especie de Buzz Lightyear bonachón que inspira confianza a quienes lo rodean y parece estar preparado para cualquier curso de acción sin perder su estilo afable.

    Técnicamente, de otro planeta

    En el aspecto técnico, Gravedad es imponente. Aunque es cierto que los más fijados notarán un par de aspectos no “tan realistas” o incoherentes, la representación de la gravedad cero es un manjar para los ojos del espectador, algo que incluso el célebre astronauta Buzz Aldrin destacó al mencionar que el filme es visualmente “impresionante” y “te pone en perspectiva lo peligroso de este tipo de misiones”.

    Gravedad | Crítica
    Los efectos especiales y la fotografía son de lo mejor.

    Más allá del efecto de nula gravedad, la construcción (y destrucción) de estructuras espaciales de todo tipo dan la idea de un entorno tan creíble, que por momentos cuesta trabajo creer que se trata sólo de efectos especiales. La fotografía, obra del también mexicano Emmanuel Lubezki, es el broche de oro para una presentación cuyos calificativos deben comenzar con soberbia.

    Cuarón ha demostrado ser un cineasta selecto, visionario, y a pesar de no contar con el presupuesto de otros grandes largometrajes logra establecer un nuevo estándar y redirigir el rumbo de las producciones de este tipo.

    Desgraciadamente, el 3D es casi imperceptible; salvo un par de escenas de lluvia de meteoritos que te hacen mover la cara, el efecto de profundidad está tan mal utilizado (o sutil, si lo quieren ver así) que puedes ver cuatro quintas partes del filme sin necesidad de las gafas. El sonido, con la respiración agitada y las voces apuradas de los astronautas, le termina dando un mayor efecto envolvente que el uso de los lentes, y esto es notorio prácticamente desde que comienza la función, ante una oscura pantalla y sólo la presencia auditiva de sonidos que parecen provenir de todas partes.

    Gravedad | Crítica
    Gravedad es quizá también la mejor película con Sandra Bullock.

    A pesar de algunos detalles, Gravedad se coloca como el mejor filme de Alfonso Cuarón; una película que combina de manera casi homogénea el drama de la soledad, el suspenso de la sobrevivencia en el espacio y la acción de los que enfrentan todo con tal de salir avantes, y aunque por momentos peca de ser una historia “demasiado gringa”, debido a su ritmo narrativo y una presentación técnica colosal es difícil no quedar maravillado. Un auténtico tanque de oxígeno para el desgastado cine de acción y suspenso en el espacio.

  • Rush: Pasión y Gloria | Crítica

    Rush: Pasión y Gloria | Crítica

    Rush: Pasión y Gloria es un nuevo filme deportivo biográfico. La historia de James Hunt y Niki Lauda, dos pilotos de la Fórmula 1 que presenciaron una de las rivalidades más fuertes de la especialidad a mediados de la década de los años 70 en una serie de sucesos que estremecieron al mundo entero y que merecían ser llevados a la pantalla grande.

    Rush: Pasión y Gloria

    ¿Cuántas veces no soñamos de pequeños con competir en automóviles a toda velocidad? ¿Cuántas veces no nos visualizamos sumidos en la cabina de un veloz monoplaza con un enorme casco que nos caía hasta los hombros? Desafiar al viento en nuestra contra, sentir el vértigo en cada curva como si se tratara de una emoción cotidiana, mirar de frente a la muerte y vencerla en la pista.

    A pesar de que la mayoría terminamos cambiando esos sueños y aficiones con el paso del tiempo, siempre hay hombres que se quedan con la espinita de la velocidad clavada. Durante la primera mitad de la década de los años 70, dos de estos soñadores se encontraron frente a frente en diversas competiciones y circuitos, cada uno a su manera buscando ser el mejor y cumplir el sueño que su misma familia les había negado.

    Rush: Pasión y Gloria no es sólo una película basada en la historia de estos dos pilotos, sino un retrato fílmico fiel de una de las más grandes y respetadas rivalidades deportivas de todos los tiempos. James Hunt (Chris Hemsworth) es un inglés temerario que suele vomitar antes de cada carrera para “sacar el miedo”, amante de la velocidad como también amante de los placeres de la vida, las mujeres y las borracheras con los amigos.

    [youtube id=”PsQK8mb8X8c”]

    Niki Lauda (Daniel Brühl), por su parte, es un joven austriaco frío, calculador metódico y funcional, acostumbrado a tomar los riesgos cuando sabe que puede tomar ventaja de ellos, pero de un talante más sobrio y ecuánime, un genio que confía en la precisión sobre las agallas.

    James Hunt vs Niki Lauda

    Ambos, a pesar de las diferencias tan notables en sus personalidades y la manera de abordar la vida, comparten varias cosas en común: Hunt y Lauda huyeron de las comodidades de un rico seno familiar que los veía encasillados como profesionistas, ambos rechazaron sus acaudaladas herencias para buscarse un lugar en el automovilismo, y los dos creen tener lo necesario para ser los número uno.

    La rivalidad entre los jóvenes inicia en 1970 durante la carrera de Crystal Palace, Inglaterra, en la Fórmula 3 y de ahí en adelante prácticamente no para hasta la Fórmula 1 y el final del filme. Pero contrario a lo que muchas otras cintas del género han presentado, Rush: Pasión y Gloria carece de protagonista y antagonista como tales, no hay buenos y villanos, más bien -como el mismo largometraje sugiere en algunos diálogos- se trata de dos hombres que no son lo mejor ni lo peor, sino simplemente lo que son en ese momento.

    Rush: Pasión y Gloria | Crítica
    James Hunt y Niki Lauda fueron increíblemente caracterizados.

    A pesar de ello, es difícil no simpatizar con alguno, o incluso con los dos. Más allá de un excelente ritmo narrativo, Chris Hemsworth y Daniel Brühl logran representar con una fidelidad espeluznante la personalidad de estos héroes del automovilismo en los años 70: frases, gestos, acentos y hasta tics nerviosos fueron retomados por los actores, logrando una simbiosis perfecta entre la rivalidad y el respeto. Hemsworth demostró que va creciendo a pasos impresionantes y no debemos encasillarlo en un papel un tanto plano como el del dios del trueno.

    Sobre la trama en sí, es preferible no profundizar. Rush: Pasión y Gloria no es un argumento con giros de tuerca ni grandes sorpresas, sino un planteamiento de convicciones humanas que se van rompiendo, reafirmando y retomando conforme las carreras avanzan; es una película cuyo aliciente principal son los personajes mismos y es mejor llegar al cine sin rastros de conocer lo que va a suceder en pantalla, tomando en cuenta que quizá ya muchos anticipen algunos eventos gracias a documentales o libros de esta gran historia.

    Y hay que destacar de sobremanera la calidad en la producción. El director, Ron Howard, de la mano del editor de fotografía, Anthony Dod Mantle, nos pone en el asiento mismo del piloto, entre los pistones del motor, recostados sobre los neumáticos en la curva más peligrosa o mirando hacia la lluvia atacando el asfalto, nos invita de manera casi íntima en el mundo de la Fórmula 1 con una producción tan pulida que es difícil no imaginarla compitiendo por un Oscar en varios apartados técnicos.

    Rush: Pasión y Gloria | Crítica
    Dos caras de una misma y veloz moneda.

    Rush: Pasión y Gloria es un bólido a gran velocidad que combina drama, impresionantes secuencias de automovilismo, espíritu y sentimentalismo. Una detallada producción que, como reconoce el mismo Lauda, no recurrió a cambios “hollywoodescos” para acentuar una rivalidad que seguirá dando varias vueltas en nuestra cabeza. Rush: Pasión y Gloria se lleva la bandera a cuadros como la mejor película en lo que va del año, y pueden irla anotando desde ya como serio contendiente para barrer con los Premios de la Academia.

  • Bioshock Infinite | Reseña

    Bioshock Infinite | Reseña

    Dicen que la primera vez jamás se olvida, y al menos en lo que concierne a la franquicia BioShock así fue. Auellos primeros minutos del título original fueron prácticamente un parteaguas: me quedé estático unos momentos después de la cinemática inicial, ya que nunca había visto un juego en el cual la transición entre video y gameplay fuera tan orgánica, tan perfecta, tan imperceptible.

    BioShock Infinite

    BioShock Infinite, la más reciente obra de Ken Levine, vuelve a sorprendernos, no solamente con sus gráficas o transiciones, sino en un renglón en el que la saga ha madurado notablemente con el paso del tiempo: la historia. Y es que estamos frente a uno de los videojuegos que mejor ha mejor ha sabido una manejar una narrativa intrigante.

    Para esta entrega dejamos las sumergidas locaciones de las dos primeros episodios para vaiajar a una nueva e inverosímil ciudad, Columbia, el paraíso en los cielos. Nuevos enemigos, una trama cautivadora, mecánicas de combate renovadas y la promesa de uno de los mejores juegos de la actualidad esperan a aquellos que decidan tomar el control.

    El falso pastor

    En BioShock Infinite tomamos el control de Booker DeWitt, un detective con una deuda imposible de saldar y un pasado que lo atormenta. Será con él con quien nos adentraremos en la nueva metrópoli caótica para explorar cada rincón, conocer una creciente lucha social y aprender los usos y costumbres de la vida en las nubes.

    [youtube id=”2ORux3g-jRI”]

    Aunque caótica no es lo único, increíble parece una palabra más adecuada para describir la impresión que causa la ciudad flotante de Columbia la primera vez que la vemos en la pantalla; pero la sorpresa no se queda ahí, al dar nuestros primeros pasos por el lugar encontraremos que parece tener vida propia y respirar, con individuos que nos sorprenden por sus actitudes y el retrato de una sociedad que a mucho asemeja a la estadounidense de finales del siglo XIX.

    Inmediatamente nos encontraremos caminando por las calles de una utopía esclavista llena de personajes pintorescos viviendo sus vidas tranquilamente, aunque al mismo tiempo tendremos tiempo suficiente para ver lo que sucede del otro lado de la moneda: mientras los esclavistas se divierten en sus fiestas, los esclavos no cuentan ni con un baño decente.

    No pasará mucho tiempo para que entiendas las reglas de este mundo, pero entender cómo funciona sólo hará que nos preguntemos qué lo hace funcionar, y es finalmente esta incertidumbre lo que nos impulsa a seguir en BioShock Infinite, nuestro deseo de entender lo que no podemos.

    Bioshock Infinite | Reseña
    La ciudad de Columbia es impresionante desde el primer hasta el ultimo momento

    Booker DeWitt inicia su aventura buscando a Elizabeth, una enigmática joven que ha sido aislada del resto de Columbia por motivos desconocidos para nuestro héroe y que al mismo tiempo parecen importarle poco; al encontrarla ella se unirá a nosotros y se convertirá en el mayor misterio de la ciudad flotante, pero también el punto de interés de diversos grupos, pues resulta que la chica tiene el poder suficiente para definir el balance de una lucha social, dependiendo del lado con que se alié o que la tenga en su poder.

    Conocer el pasado de Elizabeth y las motivaciones de cada bando se vuelven otro ingrediente para mantenernos pegados al control. A cada paso que demos nos encontraremos con más dudas, en una narrativa inteligente que muchas veces nos anticipa que una gran revelación se viene pronto, pero al mismo tiempo no nos da oportunidad de estar listos para ella.

    El argumento de BioShock Infinte cierra con una poderosa conclusión sólo comparable con grandes finales como el de Silent Hill 2, Red Dead Redemption o el primer BioShock. Si has terminado alguno de estos títulos sabes a lo que me refiero y si has completaste las aventuras en Rapture habrá bonos extras para ti. Al terminar el juego querrás volverlo a recorrer para asegurarte de no haber pasado nada por alto, y entonces notarás que sí habías ignorado muchos detalles, desde una simple canción hasta un par de personajes.

    Bioshock Infinite | Reseña
    Todo sucede por una razón

    Si quieres sólo un motivo para darle una oportunidad a BioShock Infinte es su final, que si bien es predecible hasta cierto punto, también nos sorprende y nos deja pensando, intentando realizar esa ultima conexión, preguntándonos cómo encaja el final en el resto de nuestra experiencia.

    La voz del pueblo

    Fuera de la historia y ya entrados en mecánicas de gameplay, Booker sabe arreglárselas en una pelea, de hecho se las arregla muy bien. El combate en Bioshock Infinite ha sido mejorado en comparación con primeras entregas, desafortunadamente estas mejoras también lo volvieron un título exageradamente fácil. La dificultad normal no supone reto alguno para el videojugador promedio, y tampoco existe una gran diferencia entre los modos normal y difícil.

    El problema es que los enemigos normales no ofrecen mayor resistencia: son torpes y mueren muy fácilmente, mientras que los enemigos especiales son muy escasos y más que nada auténticas esponjas de balas con puntos débiles obvios. A esto hay que sumarle el papel de Elizabeth, que nos ayudará a invocar aliados y artefactos a la batalla, lo cual más que una necesidad es otra ventaja en la ya de por sí, sencilla misión

    Bioshock Infinite | Reseña
    Un par de golpes son suficientes para matar a casi cualquier enemigo

    Mención aparte merece el nivel oculto de dificultad “1999” (desbloqueable en cualquier momento mediante el Código Konami),el cual convierte el juego en un verdadero reto para los veteranos, aunque de manera un tanto frustrante, ya que la inteligencia artificial no mejora, sino que la salud de todo lo que nos ataca aumenta y la nuestra disminuye considerablemente.

    Los recursos básicos de un FPS genérico se encuentran en BioShock Infinte, puedes cargar dos armas al mismo tiempo, tienes un escudo que se recupera con el tiempo y la posibilidad de tomar las armas que dejan los enemigos al morir. También cuentas con Vigores, que vienen a ocupar el lugar de los plásmidos de BioShock y Bioshock 2, súper poderes que puedes lanzar desde tus manos para atacar o defenderte, y que en combinación con ciertas situaciones son la mayor dosis de variedad en tu partida.

    El combate es en general rápido, frenético y colorido, y aunque en sus dificultades estándar no es ningún reto nunca deja de ser divertido, dejando siempre muy en claro la diferencia entre un título de la saga BioShock y cualquier otro juego de disparos en primera persona.

    Bioshock Infinite | Reseña
    Los heavy hitters son enemigos que representan un buen reto, pero apenas hay más de 5 en todo el juego.

    God only knows

    A los pocos minutos arrancar nuestra partida escucharemos a un cuarteto cantando un tema que no corresponde al periodo histórico en el que supuestamente nos encontramos, unas horas más tarde esto se habrá convertido en una constante. Todo en el mundo nos recuerda que algo está mal; los tiempos están mezclados, las leyes de la física no parecen aplicar y el azar no existe; hay algo en esta realidad que no pertenece ahí y el mundo quiere deshacerse de eso.

    Y qué mejor forma de mostrarnos esto que con un diseño de arte maravilloso y que se aleja del fotorealismo con la intención de crear una atmosfera imposible en el mundo real, reflejo del resto del título. Esto no significa que BioShock Infinte deja de ser hermoso, al contrario, las gráficas se ven tan bien que superan a la mayoría que vimos este año, en su estilo no realista.

    Aún así, la música es el punto más fuerte; no sólo está presente dentro de la trama, también es parte importante de la ambientación, desde Bach hasta Tear for Fears, todo cobra sentido dentro del mundo de Columbia y todo es parte de ese enorme misterio que queremos desenterrar. Los efectos de sonido, como podríamos esperar, están en el mismo renglón, con actuaciones de voz estupendas y todo tipo de explosiones y efectos especiales que nos ayudan a adentrarnos en el dreama.

    Bioshock Infinite | Reseña
    Girls just wanna have fun

    BioShock Infinite es uno de los mejores juegos de esta generación, una de esas raras joyas en la industria que aparecen muy de vez en cuando. El hecho de ya tener un tiempo en el mercado nos da la oportunidad de conseguir a un precio más accesible una de los mejores títulos de actual generación (PlayStation 3, Xbox 360, Mac y PC) y de todos los tiempos, cuyo “único” pero es la pobre inteligencia artificial y el injusto reto que supone la misma.

  • Dragon Ball Z: La Batalla de los Dioses | Crítica

    Dragon Ball Z: La Batalla de los Dioses | Crítica

    Llegó a finales del mes pasado a la pantalla grande la película más esperada por los fanáticos de la animación y la nostalgia, Dragon Ball Z: La Batalla de los Dioses, y como la mayoría de ustedes, pudimos verla en los primeros días pero decidimos esperar un poco para poder hacer una crítica centrada, sin intentar convencer a nadie de verla o dejarla pasar.

    Dragon Ball Z: La Batalla de los Dioses

    Sacada directamente del universo creado por Akira Toriyama y que inició su camino en manga a mediados de los 80, antes de capturar la programación televisiva durante casi 20 años gracias a su omnipresente serie animada, Dragon Ball Z: La Batalla de las Dioses, al contrario de otras películas de la saga y de la posterior Dragon Ball GT, entra completamente en el cánon de la franquicia y nos narra un episodio perdido ubicado entre la batalla contra Majin Boo y el último Torneo de Artes Marciales, cuando Gokú encuentra a Uub.

    Si como yo eres fan de Dragon Ball, desde el primer anuncio y al revelarse el póster oficial seguramente esperabas religiosamente que Shen Long concediera el deseo de traerla a este lado del mundo, algo que finalmente ocurrió gracias a la distribuidora Diamond Films; un esfuerzo que se agradece y más tomando en cuenta que prácticamente hizo caso de todas las peticiones y hasta caprichos de la fanaticada latina, que pedía no sólo verla en nuestras salas de cine, sino contratar a los actores del doblaje original para escuchar las voces con las que todos crecimos.

    Pero después de tanto años y dejando el factor nostalgia/fanboy de lado, ¿qué tan bueno es el regreso de Gokú y compañía? ¿Qué tanto influyó Akira Toriyama en este filme al participar activamente en su producción? ¿Qué tan bien encaja este apoteósico enfrentamiento con toda la mitología que la mayoría de nosotros conocemos al derecho y al revés?

    Dragon Ball Z: La Batalla de los Dioses comienza con el despertar de un antiguo dios de la destrucción llamado Birusu (Bills), quien junto a su sirviente, Uis, emprende un viaje para buscar al hombre que derrotó a Freezer y ver si alguien sabe algo acerca del Súper Saiyajin Dios, un guerrero contra el que soñó que luchaba. Sin abordar más en la trama, esto se combina con la reunión de nuestros viejos conocidos en la Tierra para crear una serie de situaciones cómicas mientras celebran una fiesta al mismo tiempo que intentan no enfadar al poderoso dios.

    Algo bueno de entrada es el despliegue de humor durante prácticamente los 85 minutos que dura esta cinta de anime. Es imposible no reír en varias escenas, una de ellas, mi favorita, implica a Vegeta cantando, o las sonrisas que se pintarán en nuestro rostro al ver el regreso de Pilaf y sus compinches en versión niño. El estilo cómico de Toriyama está presente en todo momento, con gags que se combinan ligeramente con la tensión de tener al ser más poderoso del universo comiendo a un lado de nuestros héroes.

    Dragon Ball Z: La Batalla de los Dioses | Crítica
    Kaio Sama intentará calmar las ansias de pelea de Gokú.

    Un ki muy bajo

    Desgraciadamente, quizá la comedia supera en demasía a todo lo demás que puede ofrecerte el filme. Bills es un villano de esos que le gustan al mangaka y que vimos desfilar durante toda la serie: simpáticos, despistados y bonachones, contrastando con el aparente nivel de pelea que son capaces de desplegar.

    Bills y Uis son una combinación de guiños de otros personajes conocidos, desde Roshi, hasta Majin Boo, que si bien encajan con los prototípicos personaje de la saga que se desarrollan en varios capítulos, para una película titulada La Batalla de los Dioses uno esperaría quizá un par de sorpresas en este aspecto y no el típico villano cuasi de broma.

    Contrario a los antagonistas, los personajes principales sí cambian notablemente en sus actitudes: Gokú, acostumbrado a pedirle su poder a toda la galaxia, a fusionarse o revivir mil veces con tal de proteger la Tierra, de repente amanece con el pie izquierdo y con un extraño código de cómo obtener poder; por su parte, Vegeta, orgulloso hasta la médula, se ve rebajado a un tipo servil y miedoso en menos de dos minutos.

    Dragon Ball Z: La Batalla de los Dioses | Crítica
    El humor sigue siendo el sello de Dragon Ball Z.

    Ciertamente estos cambios de personalidad fueron planteados como puntos de inflexión en la trama de Dragon Ball Z: La Batalla de los Dioses, con Gokú “sacrificando” sus (nunca antes vistos) principios y Vegeta explotando en cólera para defender a su esposa, pero la mayoría de estos giros se sienten faltos de tiempo y hasta incoherentes. Quizá algunos minutos de metraje extra hubieran ayudado a que encajaran de mejor forma.

    Y vaya que se siente como que le faltó al menos media hora al filme. Mientras que la comedia brilla con el sello de la saga, la acción y el suspenso llegan apenas a suspiros, con combates breves, sin gran variedad de técnicas especiales y la sensación de que la grandiosidad que uno esperaba ver en el máximo combate de Gokú se quedó atascada entre tantos chistes y guiños nostálgicos.

    En el apartado visual, Dragon Ball Z: La Batalla de los Dioses muestra lo que mejor sabe hacer Toei, con coloridos horizontes, rostros llenos de expresión, muecas burlonas y vibrantes escenas de acción (aunque sean pocas). Sin embargo, la productora hizo uso de la animación por computadora que en determinados momentos funcionan bien, pero que al ser sobre utilizadas dejan ver su simpleza y falta de detalles. A decir verdad, hubiera sido mejor invertirle un poco más de tiempo a la narrativa y dejar totalmente fuera estas secuencias en CGI.

    Dragon Ball Z: La Batalla de los Dioses | Crítica
    ¿Realmente es la batalla que todos esperaban?

    El doblaje, por supuesto, es quizá la mejor parte para muchos de los fans. No puedo dejar de mencionar que escuchar a Mario Castañeda gritar el “Kamehame Ha” enchina la piel casi como si se tratara de un himno de mi juventud, o la vibra que recorre toda la sala cuando René García le presta su voz a un exaltado Vegeta; aun así, el doblaje está lejos de ser perfecto y saltan a la vista obvios problemas de lypsinc, algunos diálogos poco trabajados y la falta de las voces originales de algunos personajes. Se nota que la premura de lanzar la película lo más pronto posible influyó en este trabajo, que nunca desmerece pero que pudo haber quedado mucho mejor.

    Dragon Ball Z: La Batalla de los Dioses está lejos de ser la mejor entrega en largometraje de este universo, pero como compensación al menos presenta los elementos suficientes para hacer pasar un buen rato a los más nostálgicos. La comedia brilla, pero la acción flaquea, su hilo narrativo es tan frágil que difícilmente interesará a las generaciones más jóvenes que no conozcan la saga y los pobres combates nos hacen pensar que el nombre de “batalla de los dioses” pudo quedarle algo grande. La insípida conclusión nos da pase a pensar que una serie de nuevos enemigos y confrontaciones quizá se avecinan, pero al menos este primer round pasó con más expectativa que resultados.

    Crítica hecha en conjunto con Yuri Pérez Taylor

  • No se Aceptan Devoluciones | Crítica

    No se Aceptan Devoluciones | Crítica

    No se Aceptan Devoluciones llegó a las salas mexicanas causando furor y excelentes ingresos después de una taquilla respetable en Estados Unidos. La película, dirigida y protagonizada por Eugenio Derbez junto con las actuaciones estelares de Jessica Lindsey, Loreto Peralta y Daniel Raymont, retoma una temática ya conocida en el género, aunque con el particular enfoque del comediante, quien al mismo tiempo experimenta con un guion y situaciones lejanas a lo que ha presentado anteriormente. ¿La fórmula funciona o si vamos al cine corremos el riesgo de solicitar reembolso?

    No se Aceptan Devoluciones

    El largometraje escrito Guillermo Ríos, Leticia López Margalli y por el mismo Derbez presenta un giro notable a la historia ya contada del personaje irresponsable que conoce de repente a su hija y se ve envuelto en un viaje donde aprenderá a ser padre.

    En No se Aceptan Devoluciones, Valentín (Eugenio Derbez) es un latin lover, un gigoló acapulqueño que ha pasado la mayor parte de su vida entre sus muchos amores mientras evade responsabilidades y miedos. Todo esto cambia cuando Julie (Jessica Lindsey), una de sus antiguas conquistas, reaparece en su vida junto a Maggie (Loreto Peralta), la hija de ambos.

    Los papeles se invierten y las cosas se complican cuando Julie abandona a Maggie con Valentín mientras ella regresa a los Estados Unidos. El nuevo padre, asustado con la responsabilidad y asustado de perder su cómodo estilo, se embarca en un viaje para encontrar de nuevo a la madre y recuperar su vida.

    [youtube id=”_Dn70Q4tWro”]

    Instructions well followed

    Seamos sinceros, No se Aceptan Devoluciones es una de esas películas que hemos he visto muchísimas veces en diferentes pieles. Incontables ocasiones hemos presenciado de alguna u otra forma esta historia. ¿Pero realmente esto sepulta al filme?

    La trama nos lleva de la mano en el crecimiento de Valentín como el padre de Maggie. Una figura paterna sobreprotectora y complaciente que sobrevive como doble de películas; atrapado en un trabajo peligroso sólo por darle la mejor vida a su hija, pronto notamos que los personajes viven a la sombra de algún clásico estereotipo, de la mano de una enfermedad acechando a la vuelta de la esquina.

    El rumbo “normal” de nuestros protagonistas se sale de curso cuando finalmente Julie regresa para conocer a la hija que abandonó hace años y ganarse el cariño de la pequeña. Después de pasar un tiempo con ambos y conocer la vida que llevan, la madre decide luchar por la patria potestad de Maggie para tenerla a su lado.

    No se Aceptan Devoluciones
    En el mar la vida es más sabrosa…

    Las actuaciones de los tres personajes principales son lo que mantiene a flote No se Aceptan Devoluciones, ya que son ellos los que le imprimen su propio sello a una historia que por momentos puede parecer sobada. La convivencia de Maggie y Valentín se siente real, al igual que la relación de Maggie con Julie, aunque por momentos es demasiado melosa y faltó arriesgarse para llevar a la pantalla algo más que los problemas que todos sabemos que tarde o temprano saltarán a escena.

    Por otra parte, los personajes con papeles secundarios, si bien aportan variedad, no salen de su típico rol, algunos son únicamente un chiste que se repite una y otra vez y aportan poco a la narrativa, destacando a Reené (Alessandra Rosaldo) como una de las pocas sorpresas que la película nos presenta en este aspecto.

    Instructions not Included

    Afortunadamente, es la misma obra la que nos explica (algo apresurado) el porqué de las situaciones que se presentan, con problemas espontáneos que nunca dejan de sentirse verosímiles. Las situaciones, pese a pecar de ser exageradas al punto de llevar al espectador de un sentimiento a otro, son tratadas al mismo tiempo con una facilidad notable que nos hace creer que al menos en este mundo todo esto es posible: Estarás riendo de un dialogo cómico para después caer en la realidad de la situación y de sus responsabilidades adjuntas.

    No se Aceptan Devoluciones
    Valentín, como es de esperarse, crece como padre.

    El humor en No se Aceptan Devoluciones es en realidad el que siempre ha caracterizado a Eugenio Derbez; no encontrarás a Ludovico Peluche en la pantalla ni a alguno de sus otros personajes (aunque hay algunas referencias a ellos que navegan casi imperceptibles), pero sí te toparás con la comedia que lo ha caracterizado en televisión.

    Pero no son los personajes ni el humor lo que consolidan al largometraje, sino el final del mismo. Durante el curso de 115 minutos te encontrarás intentando adivinar el curso real de la historia, predecir el siguiente giro, y cuando todo parece lineal y sin sorpresas es el último acto el que nos golpea de frente como pocas cintas; no es sino la conclusión misma la que nos hace voltear atrás para entender la cruda idea central detrás de su coraza comedia ligera.

    Contrario a lo que la mayoría pudiera anticipar al ver los tráileres o leer el nombre de Derbez en las marquesinas, ésta no es una historia de sonrisas, no es un cuento de princesas donde al final sabemos que todos vivirán felices por siempre.

    No se Aceptan Devoluciones
    Julie intenta recuperar a su hija porque lo cree adecuado.

     

    No se Aceptan Devoluciones es, en su muy particular estilo, un relato profundo de responsabilidades, de acciones y consecuencias que terminan afectando a quien menos deseamos, un retrato matizado de una realidad que muchas veces tenemos enfrente, pero que debido las risas y bromas de la vida misma, no alcanzamos a percibir hasta que el final nos golpea, igual que lo hace esta película.

  • One Piece: Pirate Warriors 2 | Reseña

    One Piece: Pirate Warriors 2 | Reseña

    La primera parte nunca pudo llegar oficialmente a América Latina, pero Bandai Namco nos trajo este septiembre One Piece: Pirate Warriors 2 ahora sí a los hispanohablantes en forma de descarga en la PSN americana y el juego retail en España. ¿Pero captura este título de PlayStation 3 realmente la esencia del anime o es sólo uno de esos clásicos pretextos para vender copias usando el nombre de una franquicia popular?

    One Piece: Pirate Warriors 2

    Antes de iniciar en forma la reseña tengo que reconocer que nunca he sido fan del anime/manga One Piece y que, como muchos de ustedes, mi experiencia con juegos tipo Dynasty Warriors es más bien reducida, de esos títulos que por azares del destino y por nuestro mismo mercado, rara vez tengo oportunidad de jugar.

    Conocí One Piece hace ya varios años, cuando la serie de anime comenzaba a tomar fuerza y a volverse popular, pero la idea de peleas entre un grupo de piratas estereotípicamente extraños no me pareció atractiva. De ahí a la fecha, poco o nada he visto o leído de la obra de Eiichiro Oda y mis conocimientos de la misma no abarcan más allá de ubicar a los personajes principales.

    En el caso de Dynasty Warriors, motor de juego bajo el que corre completamente One Piece: Pirate Warriors 2, mi experiencia se reduce a un par de horas en alguna entrega para PlayStation 3 y otro par de horas en una de PS Vita. Gracias a un amigo he tenido más la oportunidad de probar la saga Sengoku Basara, con la que comparte ciertas similitudes, pero nada más.

    [youtube id=”b5iPUKTaeaU”]

    ¿Para fans?

    Mi primera idea fue que gracias a One Piece: Pirate Warriors 2 al menos podría enterarme de manera resumida la historia de One Piece, conocer a sus personajes y ponerme al día con los sucesos para ver si me interesaba darle una nueva oportunidad al manga. Afortunadamente, me equivoqué.

    El juego nos presenta una historia original con la mayoría de personajes que los fans conocen; esto me pareció acertado, pues los seguidores tendrán una trama nueva para conocer con referencias que muchos de ellos identificarán sin sentir que todo esto ya lo vieron antes; mientras que a los novatos nos ofrece un acercamiento más amigable y que no nos obliga a conocer de fondo la franquicia para disfrutar del juego, es fácil identificar quién es el malo, el bueno y el poderoso.

    En One Piece: Pirate Warriors 2, Luffy se adentra a una isla donde encuentra unos misteriosos diales emitiendo un humo negro que vuelve violentos a quienes lo respiran, incluyendo a los compañeros de nuestro protagonista. Haciendo alianzas con otros piratas y con la Marina, nuestra misión radica en vencer prácticamente a todo el universo creado por Eiichiro Oda, que nuestros amigos recuperen la cordura y encontrar al culpable de todo. No es la gran cosa en cuestión narrativa, pero cumple su cometido de entretener y presentar a decenas de distintos personajes.

    One Piece: Pirate Warriors 2 | Reseña
    Una bola de poderes exagerados para despachar a los enemigos.

    El argumento se desarrolla por medio de muchas imágenes semi estáticas que dejan bastante que desear, junto a pocos cortes cinemáticos de mediana calidad. Realmente la presentación técnica aquí es el punto más bajo. Los gráficos se sienten “viejitos” en los modelos de los personajes y los escenarios francamente carecen de vida y detalle.

    La buena noticia es que este sacrificio compensa la acción, pues One Piece: Pirate Warriors 2 se trata de derrotar hordas-literalmente hordas- de cientos de malosos y nunca notarás alentamientos en el gameplay, pese a que la pantalla se inunda con 200 o 300 enemigos a los que les pateas salvajemente el trasero con toda clases de golpes y poderes especiales. Para que te des una idea de la cantidad de bellacos que irán contra ti, existe un trofeo por matar a 500 de ellos antes de que expire tu barra de Estilo, y es sencillo de obtener.

    Hagan fila, que para todos tengo

    Y hablando de poderes y movimientos, la jugabilidad es bastante, bastante sencilla. Tienes un par de botones de golpe (cercano y distancia), un botón para evadir, otro más para una habilidad especial que gasta barra de poder, más el R1 que te sirve para entrar en el Modo de Estilo, donde alentas el tiempo para tundirle a gusto a todo lo que se te cruce enfrente, obtienes movimientos más poderosos e incluso puedes llamar a un aliado para que entre un rato a repartir caña y se despida con un ataque especial muy llamativo.

    One Piece: Pirate Warriors 2
    Cada personaje tiene movimientos muy, muy diferentes.

    Ciertamente existe una gran cantidad de combos, pero a veces el timing es tan exacto que la mayoría del tiempo usarás algo más simple como apretar cuatro veces el mismo botón, obteniendo más o menos los mismos resultados. Faltó un poco de variedad en este apartado, aunque de alguna forma se equilibra con la gran cantidad de personajes que puedes elegir (más de 30), así que si sientes que de repente se torna demasiado repetitivo el combate, simplemente escoge a otro guerrero.

    Conforme avanzas en One Piece: Pirate Warriors 2 nuestro personaje aumentará de nivel y podrás usar más combos, equiparte monedas para mejorar tu rendimiento, así como nueva habilidades. El nivel de tus compañeros en modo aliado también sube conforme los utilizas, así que hay cierto toque de RPG para pensar en cómo abordar tu aventura.

    Las misiones se desarrollan en diversos mapas con zonas que generalmente tiene ocupadas el enemigo. Nuestro objetivo es tomar esas zonas para que nuestras tropas -porque también te acompañan varios soldados en tu aventura- se vuelvan más fuertes. Esta mecánica generalmente implica derrotar a algún enemigo más grande, gordo y fuerte en el lugar, hasta que después de ocupar varias regiones aparece el jefe o los jefes de nivel, que son algunos de los personajes de la saga.

    One Piece: Pirate Warriors 2 | Reseña
    La pantalla se llena de enemigos sin que el juego se alente.

    Habrá que estar atento a los mensajes en pantalla, porque de repente alguno de nuestros acompañantes puede estar a punto de morir, y te tocará dejar de patear los traseros que estás pateando para ir a ayudarlo antes de que lo maten/huya y la misión fracase. Estos mensajes suelen aparecer muy rápido y es difícil leerlos al principio debido a todo lo que pasa frente al televisor, pero con el tiempo más o menos te acostumbras a verlos y a reconocer las diferentes señalizaciones en los mapas.

    El modo de juego de One Piece: Pirate Warriors 2 puede parecer algo repetitivo, pero la verdad es que la dinámica masiva de combate no te da mucho tiempo para pensar si esta misión fue similar a la anterior, y los poderes tan exagerados te harán experimentar con diversos combatientes para encontrar el que más te guste o el más útil para despachar a más piratas en menos tiempo y golpes. Así como mencioné que el Modo Estilo te permite alentar el tiempo, hay otros personajes con lo que esta característica cambia por un brutal aumento de ataque y tu estrategia con ellos cambia.

    Pirata para rato

    La campaña principal es algo larga, compuesta de un prólogo y cuatro episodios. Cada episodio cuenta con varias misiones, y mientras algunas las puedes terminar en quince minutos, habrá otras que te tomarán hasta una hora.

    One Piece: Pirate Warriors 2 | Reseña
    Los jefes son más complicados, pero nada del otro mundo.

    Si le sumas que conforme avances abrirás episodios adicionales para vencer y reclutar diversos aliados, One Piece: Pirate Warriors 2 te puede dar fácilmente 20 horas de juego sin contar una segunda vuelta en la dificultad más alta e intentar conseguir la calificación perfecta y las monedas secretas en todas las misiones

    La música y las voces son las originales del anime en Japón, así que los más acérrimos aficionados estará contentos con esto, aunque no me hubiera venido mal una opción con voces en inglés para los momentos abrumadores en batalla en que difícilmente puedes voltear a ver qué dicen los subtítulos.

    El juego contiene montones de desbloqueables entre galerías de imágenes, videos y voces, así que sacar todos los trofeos en este título de PlayStation 3 pude un largo tiempo, aunque no es un platino complicado para todos esos “trophy hunters”. Como extra, tiene un limitado modo cooperativo pero bien logrado, donde puedes ayudar o solicitar que te ayuden para pasar ciertas misiones, las misiones aquí se vuelven una barbacoa de enemigos y es satisfactorio hacer puré de piratas junto a un completo extraño.

    One Piece: Pirate Warriors 2 | Reseña
    Y por si necesitas otra razón para jugarlo…

    Una lástima que el sólo haya llegado a América en forma de descarga en la PSN, pero se agradece el esfuerzo de Bandai Namco. One Piece: Pirate Warriors 2 es una buena opción en PS3 para fans y no fans; me sorprendió gratamente con su atascado sistema de pelea, y aunque obviamente peca de repetitivo, nunca se siente como una carga, pues la vasta selección de personajes y la enorme cantidad de misiones siempre tiene un reto nuevo frente a ti. A decir verdad, me gustó tanto que creo que le volveré a dar una oportunidad al manga para ver si realmente es tan entretenido como este juego.

  • Marcado por la Muerte | Crítica

    Marcado por la Muerte | Crítica

    Niels Arden Oplev, encargado de la adaptación original de La Chica del Dragón Tatuado (2009) adaptación al cine del libro de Stieg Larson y parte de la trilogía Millenium, ahora ocupa la silla director en Marcado por la Muerte (Dead Man Down), una dramática historia, casi tragedia, que se centra en dos personas y su afán por la venganza.

    Marcado por la Muerte

    Protagonizada por Colin Farrell, Noomi Rapace (conocida de Niels en Millenium), Terrence Howard, Dominic Cooper, Isabelle Huppert y el también luchador de la WWE Stu Bennett, la película cuenta con un guion de J.H. Wyman quien participara de igual forma en series exitosas de suspenso como Fringe y la reciente Almost Human, Dead Man Down. La cinta se presenta como una historia de suspenso noir llena de emociones autodestructivas y sin futuro, pensamientos que rondan continuamente a los protagonistas durante las casi dos horas de duración.

    Víctor (Colin Farrell) es al parecer una persona tranquila, pero con hambre de violencia. Su trabajo dentro del mundo criminal ha rendido frutos pues tiene cercanía y es la mano derecha de un amo de la mafia, (su jefe) Alphonse Hoyt (Terrence Howard), quien al mismo tiempo, desesperadamente intenta encontrar a la persona que insiste en mandarle mensajes de muerte, amenazas continuas dentro de acertijos que lo dirigen a trampas y encuentros con otras pandillas del bajo mundo.

    [youtube id=”Iiir587RScY”]

    Víctor y otros miembro del grupo bajo las órdenes de Alphonse comienzan a investigar con más profundidad las misteriosas notas, algo que sin embargo tiene a nuestro protagonista un poco preocupado. ¿La razón? Él esconde un peligroso secreto que debe esconder a como dé lugar. Un secreto que sin duda puede salir a flote si las cosas siguen su curso.

    Sin embargo, nada es más preocupante que la velocidad de deducción de Darcy (Dominic Cooper), uno de los cómplices en el grupo criminal de Alphons. Darcy un hombre de familia que ama a su esposa e hijo sobre todas las cosas, alguien que con el tiempo se ha ganado la confianza y el lugar como mejor amigo de Víctor, quien le mira con admiración, aunque también con cautela y miedo a que las cosas salgan a la luz.

    El tiempo pasa rápido en Marcado por La Muerte, los días suben en violencia y temor, las amenazas siguen su curso y Víctor tiene un plan que seguir, uno que le llevará al final de su solitaria existencia; las cosas aun así no podrían funcionar mejor para él, de no ser porque existe una mujer con pruebas de uno de sus crímenes. Beatriz (Noomi Rapace) es una mujer con una vida destruida y el odio ha crecido dentro de ella; su madre, Valentine, (Isabelle Huppert) tampoco es un fuerte apoyo y la única herramienta que tiene para vengar el cambio en su vida es la prueba contra Víctor, pero ¿qué tiene que hacer él para salvar su secreto?

    Dead-Man-Down_01
    Colin Farrel y Noomi Rapace, una combinación perfecta

    Marcado por el suspenso

    Las complicaciones empiezan acercar los caminos de los diferentes personajes, la verdad está a punto de saberse y al parecer la única salida es el sacrificio, uno que exigirá más que sangre, justicia, pero también uno que Beatrice teme, pues ella ve que quizá, sí hay oportunidad para reconstruir la vida que tanto ella como Víctor han visto desvanecerse con el paso del tiempo.

    Marcado por la Muerte es sin duda una historia dramática y llena de personajes corrompidos por el odio y la frustración. El largometraje se acompaña con sólidas actuaciones y una cuidada fotografía de tonos desolados y fríos, aun teniendo escenas en lugares abiertos y urbanos.

    La narrativa, por su parte, sigue todas las tendencias de un buen thriller de suspenso, donde cada uno de los protagonistas tienen su relevancia dentro del mundo del crimen, entregando una atmósfera en la que sus problemas, tal y como marca la historia, se ahogan en complicaciones sin dejar ver con claridad el mundo alrededor. Beatriz y Víctor son dos vidas que destruidas y arrastradas por la violencia, y que tienen la desgracia de seguirla expandiendo a otros, como Darcy, si el odio no termina allí el futuro pinta negro para todos quienes les rodean.

    IMG_2878.CR2
    Darcy (izquierda) es Dominic Cooper, un hombre que puede perderlo todo

    El espectadora inmediatamente se ve envuelto en este mundo de tramas, conspiraciones, temores y revanchas. Además de una buena cinematografía y actuaciones a la altura, hay que destacar la banda sonora a cargo de Jacob Groth, el mismo compositor de la trilogía Millenium; sus melodías agregan el sentimiento trágico a la cinta, sin mencionar además un excelente cover por la cantante Kendra Morris de “Shine on you, crazy diamon”, de Pink Floyd.

    A pesar de ser su interesante reparto y la capacidad comprobada de Niels Arden Oplev como director, Marcado por la Muerte pasó como una película sin pena ni gloria. En lo personal, el filme cumple dentro de su género y puedo recomendarla a todos aquellos que busquen un un drama de suspenso donde el único hilo en común es la sed de sangre. El único punto malo son algunos giros exagerados en la trama.

  • Chicas Armadas y Peligrosas | Crítica

    Chicas Armadas y Peligrosas | Crítica

    Paul Feig, experimentado director de sitcoms y comedias en televisión como Arrested Developement, Nurse Jackie y The Office, regresa al cine para intentar por cuarta ocasión, ahora con Chicas Armadas y Peligrosas (The Heat). Si bien la taquilla respondió favorablemente a la idea de un par de inesperadas e inadaptadas agentes del orden, ¿realmente se trata de una explosiva combinación?

    Chicas Armadas y Peligrosas

    Seguramente han escuchado el término “comedia barata”. Bueno, Chicas Armadas y Peligrosas sigue todo el concepto de una comedia barata de los años 80 aunque con un costo de producción bastante elevado para una cinta de su género (43 millones de dólares).

    El filme nos ofrece el clásico cuento del policía bueno y el policía malo, y no tanto porque alguna de las protagonistas sea la villana de la cinta, sino por la actitud y medios que cada una utiliza para desempeñar su función, situación que hemos visto hasta al cansancio con actores masculinos, pero que en esta entrega se convertía en el principal punto de “originalidad” el retomar el concepto ahora con mujeres en los roles estelares.

    [youtube id=”CSRSOcRqjjo”]

    Sandra Bullock interpreta a la agente del FBI Sarah Asburn, relativamente exitosa y con un olfato envidiable para resolver los casos. De aspecto refinado y métodos apegados tajantemente a lo que dictan las normas, Sarah sin embargo no se ve motivada por un verdadero sentimiento de justicia, sino por su ideal de ascender puestos en el esquema de la organización.

    La detective Shannon Mullins (Melissa McCarthy), por su parte, es la rudeza hecha mujer policía. Grosera, antipática, borracha y peleonera, la regordeta agente del orden no es nada sutil para realizar su trabajo y ejercer miedo por igual entre los criminales a los que busca y sus compañeros del departamento. Como podemos imaginar, a su favor tiene que su motivación es una verdadera vocación de servicio, de cuidar a su barrio y a su gente.

    En Chicas Armadas y Peligrosas, pese a disputas iniciales ambas se verán envueltas en un caso que las obligará a trabajar juntas, aunque no necesariamente de manera coordinada, para atrapar a un gran capo de la droga que está cometiendo ejecuciones a mansalva en la ciudad de Boston. Ashburn lo ve como un escalón para llegar a un nuevo puesto, Mullins como una obligación para sanear un mal que afectó a su propia familia.

    Chicas Armadas y Peligrosas | Crítica
    Policía buena, policía mala.

    Ni tan armadas, ni tan peligrosas

    La combinación, obviamente disfuncional para completar la misión, termina comprobando también ser disfuncional para el espectador durante los 117 minutos que dura este largometraje. El nombre que le asignaron en español a este estreno quizá sea parte del engaño, pues uno esperaría ver a Bullock y McCarthy armadas hasta los dientes y siendo mujeres de cuidado; en realidad el comportamiento de ambas raya en algún lugar indefinido entre la torpeza y la inoperancia, por lo que la mayor sorpresa de la historia es ver que unas agentes tan malas sigan vivas hacia el final de la película.

    La historia, predecible como se espera, ni siquiera tiene un desarrollo medianamente interesante y la mayoría de los avances se dan por tropezones, salpicados con algunos dramas familiares que se ven venir a kilómetros de distancia. El director de Chicas Armadas y Peligrosas, Paul Feig, decidió que la mejor manera de avanzar con la trama era con una nube de bromas interminables y tratando de romper el récord de más palabrotas por minuto en pantalla.

    Melissa McCarthy nuevamente se aleja en cine de la efectividad de sus papeles cómicos que le conocemos en televisión y aparece por enésima ocasión como una chica cuya principal habilidad es disparar groserías. Sandra Bullock, por su parte, confirma que tenerla en cualquier producción es un lujo innecesario. En ambos casos sus interpretaciones se sienten sobre actuadas y la mayoría de chistes ridículamente encajados a la fuerza.

    Chicas Armadas y Peligrosas | Crítica
    No podía faltar la escena donde toman, cantan y bailan.

    Curiosamente, son el mexicano Demián Bichir y el comediante Marlon Wayans los que medianamente salvan el desarrollo de Chicas Armadas y Peligrosas por momentos. Bichir interpreta a un duro pero intuitivo jefe del FBI, mientras que Mayans se aleja de sus papeles cómicos para dar vida a un efectivo asistente de inteligencia.

    No puedo negar que por momentos me reí, al menos durante los primeros minutos, pero cuando vez que todo el rumbo de la película se basa en la misma y torpe idea de una comedia malhablada y exagerada a la máxima potencia, la broma se muere antes de siquiera cruzar la media hora. Tampoco puedo ocultar que en la sala había varias carcajadas de mujeres, por lo que tal vez sea una especie de humor de género que no comprendo del todo. Como esas absurdas películas para machos que casi sólo a los hombres nos gustan, pero en un sentido inverso.

    Mi mejor recomendación es que si no la viste en cines, tampoco te esperes a que salga en formato casero, en el mejor de los casos quizá a verla doblada en televisión. Chicas Armadas y Peligrosas es una de esas comedias rebuscadas que para poderse disfrutar necesitas desconectar el cerebro lo suficiente para no pensar, pero no tanto para no quedarte dormido.

  • Rayman Legends | Reseña

    Rayman Legends | Reseña

    Rayman Legends nació como una exclusiva para la nueva consola de Nintendo, que finalmente fue portada a prácticamente todas las plataformas que podían correr el juego: PlayStation 3, PS Vita, PC, Xbox 360 y, obviamente, Wii U. Ubisoft prometió adaptar la jugabilidad y ofrecer extras interesantes en cada consola, ¿puede acaso este título superar toda la polémica generada a su alrededor y levantarse como un destacado representante del género de plataformas en 2D?

    Rayman Legends

    Pueden estar tranquilos. La mascota insignia de Ubisoft regresa en Rayman Legends provocándonos frases como “¡Oh por Dios!” o “¡Qué emoción!” tan pronto como tomamos el control y empezamos a deslizarnos en una catacumba escondida en lo profundo de un corazón de manzana.

    ¿Recuerdas esas pequeñas sensaciones que te abrumaban pero mantenían tu pulso latiendo cuando de niño te sorprendías con cada nuevo nivel? Ese silencio cuando un monstruo con tentáculos te quiere arrastrar hacia el abismo, el crescendo musical con melodías de guitarras españolas que aumenta conforme te acercas al final de la misión, la seguridad de que el nivel que sigue será no sólo más difícil sino mejor que el anterior… Damas y caballeros, estamos ante un videojuego que comprende la importancia de la retroalimentación resumida en doce horas.

    [youtube id=”yMIKs1PKrEM”]

    Si eres de los que compró el Rayman Legends simplemente atraído por su caricaturesca presentación,  pero esperabas tener un adecuado juego de plataforma y nada más, te sorprenderás gratamente. El instinto artístico tapiza no sólo su impresionante apartado gráfico y su cuidado sonido, sino que se transporta todo a una maravillosa combinación de gameplay (en especial para Wii U), diversión y soropresa.

    No hay mucha historia aquí -rescatar es lo de siempre-, pero supieron equilibrar la carencia de historia por un control de fábula. Este título cooperativo lleno de inventivas ideas muestra que aún hay espacio en esta era de juegos híper realistas para una buena aventura en dos dimensiones. Naturalmente, nuestro héroe sin articulaciones comienza su viaje simplemente simplemente corriendo, saltando y golpeando, pero antes de que te des cuenta tu campo de jugabilidad se habrá extendido y emplearás diversas maniobras para evadir trampas mortales, pelear contra enormes jefes o superando sorprendentes retos rítmicos.

    Cada nivel es mejor que el anterior

    Gratamente, cada estación de Rayman Legends es más impresionante que la anterior e introduce pequeños cambios en las dinámicas de juego que son bienvenidas: desde avanzar en secciones de sigilo y apegándote a las sombras, pasando por parodias de mini shooter de navecitas, hasta escenarios musicales al ritmo de “Eye of the tiger”; estos últimos niveles en específico pueden ser de los más divertidos, ya que no sólo se trata de superarlos sino de realizar todo en tiempo y forma para conseguir todas las notas. En general, cuando crees tener un nivel favorito aparecerá uno nuevo que te hará cambiar de opinión.

    [youtube id=”8tlCbEuwN6I”]

    Claro que Rayman Legends fue diseñado como un título con fuerte énfasis cooperativo local y de esta forma siempre son mejores cuando los compartes con los amigos o la familia. Aunque por el estilo de juego las cosas se vuelven un poco caóticas cuando juntas a cinco personas a jugar, el gameplay nunca es rebasado por la dificultad de localizar a tu personaje en niveles de alta velocidad.

    Las versiones para PS3 y Xbox 360 soportan un cooperativo para cuatro jugadores, mientras que la versión para Wii U agrega un usuario más gracias al GamePad. No es noticia ni secreto que este título fue planeado inicialmente como exclusiva para Wii U, ya que en esta consola el GamePad es fundamental y nos permite controlar a Murphy, quien activa switches, controla plataformas y ayuda a resolver algunos puzles.

    Rayman Legends puede presumir el mejor uso de la tableta hasta el momento con un estilo juego asimétrico que suele funcionar muy bien siempre y cuando haya varios jugadores de por medio. Si juegas en solitario, habrá un punto en que cambies tu perspectiva para poder activar los switches con el GamePad, accediendo a minijuegos exclusivos gracias a su control alternativo.

    Rayman Legends | Reseña
    Con el Gamepad controlarás a Murphy.

    Esto no significa que las otras versiones sean malas, al contrario, la gente de Ubisoft supo solucionar elegantemente este asunto comandando su enciclopedia voladora hacia los switches usando un botón, haciendo más sencillo el proceso. La versión para PS Vita incluye algunos controles táctiles que también se sienten bien aplicados y demuestran que el equipo creativo pasó bastante tiempo diseñando niveles e implementando lo mejor de cada consola en ellos.

    Cooperativo vs Rayman solitario

    Es una excelente idea el plantear Rayman Legends como una aventura cooperativa, pero sin duda también esto vuelve a veces más hostil el viaje cuando sólo tú estás implicado. En este sentido, no puedo dejar de mencionar unas frustrantes misiones de escolta. No importa cuán cuidadosamente limpies el área y actives los switches, el problema recae en la inteligencia artificial de Sir Globrax, quien nunca toma buenas decisiones.

    Escasas veces nuestro “compañero” entiende por donde necesitas que avance y por lo general es un suicida, yéndose por los láseres y directo hacia peligrosos obstáculos que se supone debería evadir. Repito, en multijugador es excelente, ya que depende de la habilidad y coordinación de los demás jugadores, mientras que solitario la mayor parte de las vidas perdidas son por culpa de la inteligencia artificial, lo que vuelve cansada esta parte y casi te invita a renunciar a los retos de más complicados si no tienes un amigo con quien superarlos.

    Rayman Legends | Reseña
    La experiencia de Rayman Legends es mucho mejor multijugador.

    Fuera de esto, la curva de dificultad es sencilla y uno se adapta rápidamente al control. La mayoría de niveles están brillantemente diseñados y al momento de terminarlos te deja una gran satisfacción y las ganas de ir por el que sigue. Aquí no hay mapa, sino cuadros que representan un nivel distinto; al ir superando diversos escenarios se irán abriendo nuevos, además de que hay algunas opciones fuera del modo de historia para mantenerte jugando, como retos, niveles remixes, score attacks y tablero de líderes en Internet.

    Las peleas contra los jefes es de lo más destacado de Rayman Legends. Estos encuentros muestran gran parte de la atención sobre el detalle plasmado en un creativo combate que se convierte en un show espectacular. Como ejemplo, “El Luchador”, una masa gigante de músculos que mueve una de sus enormes manos y constantemente lanza a su pequeño oponente por los aires. Sus actitudes al momento de golpearlo en la cabeza, las reacciones de dolor y derrota/victoria venden una atmósfera que te hará reintentar la pelea aún si pierdes.

    En el apartado técnico, esta secuela toma el colorido de Rayman Origins y lo lleva a un nivel de mayor detalle visual, con gráficos y melodías que asemejan un cuento animado.  Las asombrosas transiciones, los despampanantes y vibrantes jefes de nivel, el esmerado diseño de niveles, los colores que parecen retar la realidad de tu pantalla y una pegajosa banda sonora harán imposible poner el mínimo “pero” en este apartado.

    Rayman Legends | Reseña
    ¿Qué es lo que más nos gusta? Enormes jefes de nivel.

    Sin obligación de buscar, el juego te mantiene atento ya que por todos lados hay miles de cosas que descubrir, al momento que su pulido gameplay te invita a no soltar el control salvo en aquellos cansados niveles con Globrax. No importando en qué consola lo juegues, Rayman Legends es el ejemplo estelar de los videojuegos de plataformas en 2D, manteniendo el enfoque y la tradición del género: Atractivo y disfrutable para todas las edades.

  • Teenage Mutant Ninja Turtles: Out of the Shadows | Reseña

    Teenage Mutant Ninja Turtles: Out of the Shadows | Reseña

    Hubo una época en la que las Tortugas Ninja eran el último grito de la moda y todos los niños podían recordar el nombre de cada una de los cuatro mutantes artemarcialistas con sólo ver el color de su antifaz, esos tiempos parecen muy distantes ahora, pero una nueva serie animada de Nickelodeon parece la oportunidad perfecta para darle aire a la franquicia en consolas. Red Fly Studios y Activision presentan Teenage Mutant Ninja Turtles: Out of the Shadows, juego descargable para Xbox 360, PlayStation 3 y PC.

    Teenage Mutant Ninja Turtles: Out of the Shadows

    Teenage Mutant Ninja Turtles: Out Of The Shadows es un nuevo título de las Tortugas Ninja que como inmediata carta de presentación maneja un nuevo estilo de arte innovador, que no se parece totalmente a la caricatura actual o la original, sino que presenta vestigios de los orígenes de la saga, con los oscuros cómics de los años 80. Estos elementos podrían ser suficientes para convertirlo una opción a tomar en cuenta, pero no todo es así.

    El juego se ve bien gráficamente, ciertamente no pretende competir con Uncharted o Gears of War, pero esta por encima del promedio de títulos descargables sumado a su interesante concepto visual; el problema es que sufre constantes caídas en el frame rate y -aún más preocupante- las texturas no cargan con normalidad. En un momento podemos estar frente a un muro grafiteado dañado por el combate y lleno de pequeños detalles que desaparecen en el momento que nos movamos, aunque sea solo unos centímetros, y convirtiéndolo de repente en un muro plano y gris.

    [youtube id=”lwvJd1RLA10″]

    El problema se intensifica al jugar Teenage Mutant Ninja Turtles: Out Of The Shadows en multiplayer con pantalla dividida, y aunque la ayuda de un compañero sentado junto a nosotros vale la pena, los problemas de frame rate y harán que te la piensas dos veces antes de pedirle ayuda a un amigo. Tampoco es como que todo el juego esté lleno de fallos o glitches mayores, pero no dudes que te encotrarás con uno dos a lo largo de los cuatro niveles que componen la campaña principal, y aunque no vuelven la experiencia insoportable, sí resulta molesto.

    Las tortugas ninja vengadores mutantes

    El diseño de arte es otra cosa, de hecho es la mayor fortaleza de este título disponible de momento para Xbox 360 y Steam.  Leonardo, Rafael, Donatello y Miguel Ángel han sido totalmente rediseñados para mostrar más la personalidad de cada tortuga con gestos y detalles muy específicos. Los puristas de la serie animada pueden desaprobar el concepto de que cada una tenga características tan propias, pero es algo que les da personalidad individual y sirve como un apoyo visual para saber con qué tortuga estamos jugando y cuál es su estilo de pelea.

    No sólo nuestro cuatro reptiles han sido rediseñados, tanto aliados como enemigos de las Tortugas han pasado por el mismo cambio de look para acoplarlos a un mundo que luce más realista y oscuro de lo que la serie o incluso los cómics nos tenían acostumbrados. El nuevo diseño es muy atractivo, sobre todo en personajes como Abril o el maestro Splinter que se ven mucho mejor que como lucieron en los viejos tiempos.

    TMNT Out of the Shadows
    El mundo se ve y se siente más real que en la serie de los 80

    Si hiciera una comparación tendría que decir que TMNT: Out Of The Shadows hace por las Tortugas Ninja lo que Josh Whedon hace por Los Vengadores, los coloca dentro un mundo real sin perder de vista lo que los hace personajes de cómics. El mundo de Out of the Shadows se siente realista en todos los sentidos: los escenarios, los enemigos y las mismas tortugas, sin embargo, el juego falla mantener un efecto constante en sus gráficos gracias a sus constatnes bugs.

    Beat’em Up algo olvidable

    En tanto al gameplay, estamos ante un beat’em up en el que podrás controlar a las cuatro tortugas cambiando de personaje en cualquier momento con la cruz direccional, o compartir el control de las Tortugas Ninja con un amigo en pantalla dividida, aunque lo mejor es jugarlo con cuatro amigos a través de Xbox Live, Steam o PlayStation Network. Si avanzas solo, el resto de personajes son controlados por la computadora.

    La habilidad de cambiar de tortuga cuando juegas en solitario es una buena idea, pero su ejecución es desesperante, pues la IA recibe daño siempre que pelea y cuando cambias de tortuga verás que ya ha perdido salud. Además tus compañeras Tortugas de inteligencia artificial no son capaces de derrotar a un enemigo solas, puede ser que lleguen a derribar a uno o dos villanos, pero dependerá enteramente de ti terminar con cada pelea, eso si no decides cambiar a un personaje que ya esté herido y terminas perdiendo salud en todas tus tortugas por intentar ejecutar un combo de cambio de tortugas.

    Cada Tortuga tiene sus propios ataques, pero no se juegan tan diferentes una de otra
    Cada Tortuga tiene sus propios ataques, pero no se juegan tan diferentes una de otra

    Los combos en TMNT: Out Of The Shadows, si bien pueden ser divertidos, resultan un tanto frustrantes al no permitirte apuntar cómodamente a un enemigo; además, te resultará molesto ver a los enemigos levantarse una y otra vez ya que para derrotarlos definitivamente debes derribarlos dos veces o ejecutarlos lo que mata un poco el efecto de espectacularidad de la cadena.

    Cuando juegas con compañeros humanos el caso es el lado contrario, los enemigos se vuelve demasiado fáciles de derrotar y la verdadera dificultad está en luchar contra los controles y los combos poco prácticos. Puedes hacer combinaciones y counters en equipo que se ven muy bien (aunque no se ejecutan tan cómodamente), además de felicitar a tus compañeros cuando realicen una buena jugada.

    Un juego incompleto

    Tanto el sistema de progresión como el tutorial resultan poco atractivos y totalmente innecesarios ya que puedes terminar el título sin mejorar ningún atributo de tus tortugas y no aprenderás nada importante sobre el control de tus personajes en el tutorial. Vaya, no hace falta siquiera medio dominar TMNT: Out Of The Shadows para completarlo y se siente que hay muchos aspectos del jugabilidad que puedes pasar por alto simplemente por default.

    El tutorial no te enseñará nada, pero la nueva Abril se ve muy bien
    El tutorial no te enseñará nada, pero la nueva Abril se ve muy bien

    La historia peca de olvidable, y aunque pretendía explicar el origen de las Tortugas Ninja -por enésima ocasión- no resulta interesante o entretenida; eso sí, el humor presenta es bueno, ya que de repente las diferentes Tortugas dirán algún chiste o una frase interesante al derrotar a un enemigo o adquirir un ítem nuevo.

    Pero en su generalidad TMNT: Out Of The Shadows parece un título que simplemente un experimento que se escapó del labortario antes de ser completado, El diseño de personajes, las gráficas y algunos aspectos del gameplay son buenos intentos que desgraciadamente que se quedaron cortos de tiempo para desarrollarse por completo. Si bien esto no es suficiente para arruinar una buena experiencia, sí es motivo de consideración para adquirir el juego en su estado actual, en el que se nota que necesita varios parches.

    TMNT: Out Of The Shadows tenía todo para ser un gran juego pero se quedó algo lejos: se siente incompleto y lleno de errores. Aun así, es una experiencia disfrutable si eres fan de la franquicia, el modo en línea es muy divertido y el diseño de personajes es asombroso. Muchos de los defectos del juego podrían solucionarse con un simple parche, así que no descarten darle una oportunidad más adelante.

  • Crítica: La Caída de la Casa Blanca

    Crítica: La Caída de la Casa Blanca

    No se puede pedir una película palomera de Verano más entretenida que La Caída de la Casa Blanca. Esta cinta la protoganizan Channing Tatum, quien es bastante conocido por haber estado en algunos filmes de acción como G.I. Joe, y Jamie Foxx, quien interpreta al presidente de los Estados Unidos en una especie de extraña parodia de Barack Obama.

    La Caída de la Casa Blanca fue dirigida por Roland Emmerich. Seguro que a muchos les sonará el nombre, ya que él estuvo detrás de películas como El Día Después de Mañana, la versión de 1998 de Godzilla, 2012 e incluso Día de la Independencia, de la cual hay una pequeña parodia en esta nueva cinta con un tour bastante divertido por la casa presidencial estadounidense.

    El papel de Tatum es el de un policía llamado John Cale, quien, para demostrarle a su hija lo mucho que la quiere (que por cierto cabe mencionar que es una pequeña obsesionada con la política de Estados Unidos), logra obtener pases para una visita guiada por la Casa Blanca, además de una entrevista con el Servicio Secreto, ya que también desea pertenecer al grupo que se encarga de proteger al presidente.

    Sin embargo, las cosas no salen bien en la entrevista y es rechazado, aunque afortunadamente para Cale, obtiene una segunda oportunidad de demostrar su valía cuando un grupo de terroristas ha logrado introducir un cargamento de armas y explosivos a la Casa Blanca para lograr capturar al presidente y así obtener algo que más adelante sabemos qué es.

    2

    Después de varias escenas de tiroteos, Cale y el presidente terminan escapando juntos. Pero la cosa no es fácil, ya que la hija del héroe de guerra de Afganistán ha sido tomada como rehén y las intenciones de Cale lo hacen no salir de la casa presidencial hasta recuperar a su hija, la cual con su celular ha logrado subir videos a YouTube de los terroristas y que la ponen más en peligro cuando éstos descubren lo que ha hecho.

    Hay muchas escenas cómicas en la película que quizás están de más y que le quitan un poco de seriedad, pero hay otras que encajan a la perfección, sobretodo aquellas relacionadas con el nulo entrenamiento militar con el que cuenta el presidente y que lo ponen en situaciones que le harán dudar de haber querido dirigir al país desde un principio.

    A pesar de que la película tarda en arrancar, pasados los primeros 30 minutos la acción comienza de lleno y no para sino hasta el final. Quizás no sea el filme que mejor represente el trabajo que se realiza en la vida real en la Casa Blanca o el conflicto que tal vez siempre exista con los terroristas, pero al menos la película cumple con su propósito inicial de que pasemos un buen rato tratando de desenmarañar el conflicto que en ella se nos presenta.

  • Thunder Wolves | Reseña

    Thunder Wolves | Reseña

    A pesar de aparecer en mayo en la plataforma Steam para computadoras corriendo bajo Windows, fue hasta el mes pasado que Thunder Wolves -literalmente- aterrizó en las consolas Xbox 360 y PlayStation 3. Most Wanted Entertainment promete en este título acción bragada estilo arcade, llenar tu televisor de explosiones, miles de misiles y un shooter poco exigente justo para pasar un buen rato. ¿Lo logra?

    Thunder Wolves

    No les voy a mentir, la primera vez que toqué Thunder Wolves no me pareció una experiencia del todo placentera. ¿Se imaginan lo difícil que debe ser pilotear un helicóptero en la vida real? Bueno, en este juego me pareció confuso y torpe durante los primeros minutos, y eso que apenas era la misión tutorial donde con peras y manzanas te van diciendo exactamente qué hacer y cómo hacerlo. Más que tener el control de una aeronave, parecía que iba arreando una tortuga voladora.

    Afortunadamente, una vez superada esta -un tanto frustrante- misión de iniciación, el gameplay prueba ser todo lo contrario y tus dedos empiezan a fusionarse en uno junto con el control. Tomar altura, descender, girar, apuntar, disparar y sacar los misiles, todo se va simplificando sobre la práctica.

    [youtube id=”R_XIcN33C9M”]

    Aprendiendo a volar

    Básicamente el esquema de mando es controlar la dirección adelante/atrás con un stick, mientras que con el otro giras la nave y apuntas al mismo tiempo. La altura y los disparos se ajustan con los botones superiores y gatillos; de momento puede parecer demasiada información para un título como Thunder Wolves, que aparentemente quiere retomar el gameplay atascado y simplificado de las maquinitas de los años 90.

    Pero como decía, una vez que partes en sí en misión, te das cuenta que los controles responden bien y que la dificultad de operar tu helicóptero es parte intrínseca del gameplay y no se te penaliza casi por choques o cosas por el estilo, siempre y cuando te mantengas en el rumbo de la misión.

    ¿Y de qué trata Thunder Wolves? Créanme, la historia no hace falta abordarla pues es sólo un pretexto para darte tus objetivos: los personajes masculinos son los típicos estereotipos del cine de acción macho de antaño y las mujeres son las clásicas lideresas del grupo súper sexualizadas con un gran escote que te indica que su rango es mayor que el tuyo.

    Thunder Wolves
    Al principio los controles te pueden desorientar, pero se supera rápido.

    Pero no necesitas motivos realmente para disparar, sólo seguir los requisitos de la misión. Los objetivos de Thunder Wolves generalmente varían entre avanzar en escenarios lineales derribando estructuras, protegiendo a civiles, escoltando a otros compañeros y ocasionales enfrentamiento contra jefes. En todos los niveles hay otra infinidad de vehículos y soldados por tierra, mar y aire que intentarán frenarte, por lo que los disparos y explosiones serán el pan de cada minuto.

    Aprendiendo a disparar

    Aparte de tu cañón normal, cada helicóptero tiene tres tipos de misiles con pros y contras: están, por ejemplo, los de mira manual que se recargan rápidamente, y otros que señalan varias objetivos a la vez causando gran daño, pero que tardan un rato en estar listos para un segundo disparo. De vez en cuando también tendrás que bajar casi a nivel de tierra para recoger algunos rehenes o compañeros, así que hay que tener cuidado que nuestra holocausto no los alcance previo a que los rescatemos.

    Algo que me gustó, al menos para este tipo de juego donde lo entretenido es simplemente volar cosas sin que te vuelen a ti en pedazos, es que morir o que destruyan tu nave es algo difícil. El daño se va recuperando lentamente y hay un botón de maniobra lateral rápida para salir de situaciones apretadas. Realmente serán los jefes de nivel los que te pondrán a prueba, pues son objetivos móviles difíciles de acertar y que suelen soltar un gran número de misiles. Para evitarlos, además de ir puliendo tus habilidades como piloto, tendrás que usar bengalas de calor para desviarlos.

    Thunder Wolves
    Las misiones de escoltar o proteger no son aburridas como en otros juegos.

    En niveles más avanzados de Thunder Wolves habrá partes con torretas de todo tipo disparando a mansalva, así que te verás obligado a estar en constante movimiento y disparar certeramente. Pero la curva de aprendizaje y los puntos de guardado son tan amigables que no te tomará más de tres o cuatro intentos adaptarte y revirar ante las situaciones más complicadas.

    Algunos escenarios presentan variantes de gameplay y cambian la vista de tercera persona por una que te pone en primera persona como cañonero o francotirador desde el helicóptero. Estas son secciones generalmente sencillas pero sirven para darle algo descanso a la explosiva acción del sistema de juego regular.

    Entretenido, pero no tan pulido

    Con trece misiones, nueve helicópteros desbloqueables con diferente armamento y la posibilidad de mejorar tu puntaje de nivel como máximo incentivo, notarás que Thunder Wolves es un título corto aún en la dificultad más alta y no cuenta con fuertes pretextos que te haga revisitar las misiones. También existe un modo cooperativo local para dos jugadores, en donde uno toma el control del piloto y otro actúa como cañonero, nada que te haga decir “wuau”.

    Thunder Wolves
    En algunas misiones hay secciones donde tomas el papel de francotirador.

    Tengo que resaltar la música tipo rock o metal noventero; las pistas son prendidas y realmente te ponen de humor para avasallar con todas las fuerzas enemigas. Los gráficos no cumplen con el mismo estándar de calidad, y aun para ser un juego descargable se notan deficiencias técnicas que van desde texturas pobres, polígonos y pixeles que brincan de manera molesta hacia la pantalla, patrones gráficos repetitivos y una visión de campo pobre y que muy poco te invita a recorrer el escenario.

    En general, mi experiencia con este título, a pesar de su mínimo replay value y sus pobres valores técnicos, fue buena. Si te gusta la idea de revivir los shooters con helicópteros, no te molesta ver la pantalla repleta de explosiones a la vieja usanza y no quieres enredarte mucho con los controles gracias a una curva de aprendizaje pasteurizada, dale una oportunidad a Thunder Wolves.

  • Reseña de Payday 2

    Reseña de Payday 2

    Después del relativo y un tanto inesperado éxito de Payday: The Heist en 2011, Overkill Software, Starbreeze Studios y 505 Games trabajaron para ofrecer una segunda parte que reescribiera todo lo que ya conocíamos del juego, pero al mismo tiempo mantuviera la esencia. Payday 2 nos regresa a los tiempos de la infancia cuando jugábamos a policías y ladrones y, tal como cuando éramos niños, nos permite tomar control de la parte más divertida: ser el ladrón.

    Payday 2

    Máscaras para cubrir el rostro, pistolas y fusiles de diversos calibre, un chaleco antibalas, la oportunidad de tomar rehenes, deshabilitar sistemas de seguridad, sorprender a los guardias, huir, todo está aquí, aunque no exactamente accesible en primera instancia, por lo que tendremos que invertir tiempo en este título para Xbox 360, PlayStation 3 y PC para ir descubriendo todas las posibilidades que nos ofrece.

    El núcleo de Payday 2 es Crimenet, una especie de servicio de empleo clasificado para criminales en Internet, desde donde te contactarán para diversos trabajitos. Así como tú, otros cientos de miles de ladrones esperan su oportunidad para actuar y al iniciar una partida te unirás a un grupo de personas que se seleccionó mediante este sistema. Hora de entrar en acción.

    Bienvenido a Crimenet

    Una vez iniciada la misión, comienzas como un civil cualquiera, fase que debes aprovechar junto con tu equipo de hasta cuatro personas para recorrer el lugar, conocer, valorar las opciones y establecer una estrategia. Ok, voy a ser sincero, la primera vez que obtienes un encargo mediante Crimenet -y varias de las subsecuentes- te olvidas de todo eso y simplemente entras a robar todo a plomazo abierto. Pronto notarás que llega la Policía y dependiendo de la dificultad de la misión será tu posibilidad de salir vivo o sin ser arrestado.

    Tuviste suerte, el nivel no era tan complicado y lograste escapar en la camioneta. Pero sorpresa, las fuerzas de seguridad no se van a rendir tan fácilmente y te han copado en un parque cercano. Este lugar es tu bastión, ningún policía debe entrar o salir sin recibir una ráfaga que acabe con sus intenciones, y si el enfrentamiento para salir huyendo del atraco fue duro, éste se volverá más tenso.

    Te das cuenta que puedes morir y resucitar a tus compañeros si les ayudas a tiempo. Es algo importante, porque la refriega se ha tornado larga y llevas más de quince minutos compartiendo plomo con los federales y ningún bando parece ceder. Llegan los refuerzos, una nueva camioneta pasa a recogerlos y ya sólo es cosa de correr hacia el punto de encuentro, salir y recibir tu paga.

    Payday 2
    Olvídate del sigilo, tus rimeras misiones serán auténticas lluvias de plomo.

    Finalmente, tras lo que parecían eternas horas, superaste la misión atracando una serie de pequeñas tiendas y repeliendo a la Policía en la plaza. Una sonrisa se pinta en tu rostro y estás listo para lo que sigue, no sin antes, ahora sí, hacerle un poco de caso a las opciones que te presenta Payday 2.

    Y vaya que hay muchas opciones entre selección de equipo, personalización de máscaras y el desarrollo de diversos árboles de habilidades. Es casi como si fuera un RPG, pero créeme que todo esto lo vas a necesitar, pues esa primera escaramuza con la ley es sólo uno de los múltiples escenarios que puedes enfrentar en este título.

    El juego está diseñado bajo el factor aleatorio cada que te asignan un nuevo robo. Hay alrededor de 30 escenarios distintos, pero Payday 2 se encarga de tirarnos algo nuevo aunque ya creamos conocer ese nivel: el número de clientes cambia, el sistema de seguridad es distinto, las cámaras de vigilancia están en otro lugar y la posible fuerza policial que intente contraatacar reacciona diferente de acuerdo a estos factores.

    Payday 2
    La máscara no viene incluida con el juego… bueno, sí, en la edición especial.

    Primero piensa, luego asalta

    ¿Recuerdas que te mencioné que tus primeras intrusiones serían prácticamente balaceras de correr y matar? Eso irá cambiando con el tiempo, con las mejoras que vayas adquiriendo, el equipo que compres y el nivel de los jugadores que te acompañen. Aunque no tan pronto, con paciencia y varios atracos en tu currículum, verás que por debajo de esa capa de first person shooter Payday 2 ofrece una experiencia mucho más completa que implica táctica, precisión y coordinación entre varias personas.

    Las dificultades más altas te obligarán a tomarte tu tiempo antes de formalmente iniciar el próximo robo. Recorrer a manera de civil los alrededores del lugar, estudiar las entradas, identificar la disposición de los dispositivos seguridad, conocer el esquema guardias: planear el robo perfecto. Si todo sale bien podrás salir con el dinero sin activar alarmas ni alertar a nadie, algo muy, muy difícil de lograr, pero que define en su totalidad el éxito en Payday 2.

    Ciertamente la mayoría de tus golpes implicarán protegerte y recurrir a tu armamento aunque sea por breves momentos, pero si actúas bien el número de guardias que salgan a tu paso puede ser mucho menor. En niveles de máxima dificultad, intentar un asalto frontal como aquella primera misión es prácticamente un suicidio y pasarás buenas parte del tiempo analizando las opciones antes proceder junto a tus compañeros.

    Payday 2
    “Tú abre la caja fuerte, yo me hago el macho contra los polis”.

    Llegar a este punto requiere de habilidades como abrir cerraduras más rápido, control de masas, desactivar sistemas eléctricos, etc; no sin antes invertir buena parte de tus ganancias en adquirir mejoras y horas de juego para acumular el dinero y la experiencia necesarias para efectuar trabajos más limpios.

    Y esto me lleva a comentar que toda esta magia en Payday 2 es gracias a su sistema cooperativo en línea. La necesidad de diadema para ponerse de acuerdo o por lo menos un chat de texto será vital y demuestra el grado de interacción social que pueden establecer este tipo de títulos, aunque también exhibe el pobre modo en solitario que ofrece el juego. Si no tienes conexión o no quieres brincar en línea existe una Crimenet simulada que te alía con unos desangelados ladrones controlados por la CPU.

    Bueno, olvídate por completo de este modo y de tus esperanzas de jugar offline, pues tus compañeros no sirven para otra cosa que no sea disparar o revivir. Abrir cajas fuertes, tomar el dinero, cargar maletas o someter rehenes está más allá de sus habilidades y se vuelve un martirio casi injugable salir bien librado hasta de la misión más fácil.

    Payday 2
    La sensación de un robo perfecto es lo más placentero en Payday 2.

    Altibajos técnicos

    En el aspecto técnico, Payday 2 tiene marcados altibajos. Los escenarios generales lucen increíblemente realistas y detallados, pero una vez que pones un pie dentro de cualquier inmueble se acaba la belleza: texturas planas, modelos geométricos muy simples y hasta bugs clásicos de paredes invisibles, trabarte en una esquina y personas traspasables. La diferencia visual entre exteriores e interiores es tal que parecen dos juegos distintos.

    El apartado sonoro es muy bueno en cuanto a sonido de sirenas, balaceras y la muchedumbre. Todo te mete directo a la acción. La música es sólo cumplidora, no estorba ni ayuda, simplemente está presente. Igual la mayoría del tiempo necesitas más bien estar escuchando lo que dicen tus compañeros.

    En lo que respecta al control, Payday 2 se aleja de los shooters genéricos con barras de salud regenerativas y ajuste de mira permisiva. Aunque no es mi género más prolífico, puedo decir que los controles son muy justos y milimétricamente exactos: poco o nada te sirve disparar sin apuntar y para darles a la cabeza necesitas tener puntería de auténtico jefe apache. De cualquier forma, con unas cuantas partidas te acostumbras a este ligero cambio, ya que en parte la dificultad de sobrevivir las secciones de disparos te obliga también a replantear tu estrategia previa al asalto.

    Payday 2
    Los interiores presentan gráficos con texturas pobres. Regresemos a los 90.

    En resumidas cuentas, me es difícil pensar en otro título con el mismo tipo de entretenida tensión y trabajo en equipo en un FPS reciente, aunque al mismo tiempo falla al ofrecer un modo para un solo jugador que era mejor omitir. Payday 2 es un shooter en primera persona con algunos altibajos, pero con un acercamiento original que requiere una buena cantidad de tiempo, paciencia, conexión en línea y un grupo de amigos para recorrerlo, experimentar, aumentar las habilidades y jugar de distintas formas. Si cumples todo lo anterior, bienvenido a Crimenet. Es tal como la vida real: la oportunidad hace al ladrón, pero la experiencia hace al maestro.

  • The Raven: Legacy of a Master Thief | Reseña

    The Raven: Legacy of a Master Thief | Reseña

    Si eres fanático de los point and click y/o buscas un título interesante para tu computadora sin que tengas que armar una nave espacial para jugarlo, te interesará The Raven: Legacy of a Master Thief, un juego episódico con sabor a las películas y novelas de misterio de los años 60, en donde tu misión es atrapar a un ladrón que parece regresar de la tumba.

    The Raven: Legacy of a Master Thief

    Desde que descubrí Monkey Island me convertí en un aficionado del género de aventuras gráficas tipo point and click. A pesar de que conocí este título unos seis años después de haber salido al mercado, caí enamorado de su método narrativo y su dinámica de juego tímida-pasiva, pero reconfortante, algo muy alejado a lo que un jugador de consola estaba acostumbrado.

    Este género, aunque ciertamente con menos propuestas que antaño, sigue vivo gracias a desarrolladores como King Art y publicadoras como Nordic Games, quienes nos traen en The Raven: Legacy of a Master Thief un título que combina suspenso, investigación criminal y tu dosis diaria de point and click junto a un despistado investigador con sueños de grandeza.

    [youtube id=”ILP9pKukDPs”]

    The Eye of the Sphinx

    La historia comienza con un audaz robo a un museo en Londres, donde una de dos joyas gemelas a presentarse en una futura exhibición ha sido sustraída. Poco después tomas el control de Anton Jakob Zellner, guardia suizo de un tren que curiosamente transporta la segunda joya rumbo a una muestra en Egipto.

    El  protagonista de The Raven: Legacy of a Master Thief se sale un poco, o un mucho, del estereotipo protagónico que podemos esperar en cualquier otro juego, pero a su vez se apega a los patrones disfuncionales que suelen presentar los personajes centrales de este tipo de aventuras. Zellner es un policía bonachón que, al borde de su retiro y tras una carrera profesional en calma a bordo del tren, ve su oportunidad de destacar ayudando al afamado inspector Legrand.

    Nicolas Legrand es quizá el más reconocido investigador del planeta. Su carrera se disparó a la fama cuando pudo por fin detener -disparándole- al Cuervo, un legendario ladrón que realizó diversos golpes por toda Europa. Legrand está convencido de que de alguna forma el Cuervo ha regresado de su tumba, o en realidad nunca lo detuvo, y se dispone a robar la segunda joya que viaja a bordo del tren, por lo que le ha sido encomendada la misión de vigilarla y atrapar ahora sí al famoso criminal.

    The Raven: Legacy of a Master Thief | Reseña
    Jakob Zellner, un policía bonachón, es el protagonista

    Como Zellner, nuestro objetivo en The Raven: Legacy of a Master Thief es ganarnos primero la confianza de Legrand y más tarde apoyar en lo posible en la investigación. Sin embargo, nuestro simpático y calvo vigilante se inmiscuirá pronto en una marea de sucesos tipo “jugar al gato y el ratón” que incluyen un asesinato y varios secretos de Legrand, algo para lo que definitivamente no estaba preparado.

    Como mencioné antes, The Raven: Legacy of a Master Thief es un juego episódico, por lo que al adquirirlo de momento sólo tendrás disponible la primera de tres partes; la segunda sale el 27 de agosto y la última el 24 de septiembre. Esta primer capítulo, El Ojo de la Esfinge, se lleva a cabo en dos locaciones: el mencionado tren y un barco, aunque en ambos lugares me sentí un poco “atrapado”.

    Los escenarios son lugares muy confinados con una mínima presencia de personajes secundarios o con quienes interactuar. Las acciones a realizar, sobre todo en los vagones, son contadas y poco satisfactorias, aunque todo mejora un poco cuando abordas el barco, en donde la historia de The Raven: Legacy of a Master Thief tiene un repunte notable y cuentas con más oportunidades de mostrar tu instinto de detective.

    The Raven: Legacy of a Master Thief | Reseña
    La historia mejora en cuanto te subes al barco

    Ancestry of Lies

    Ya con el segundo capítulo disponible, definitivamente la experiencia del título se siente muchísimo más redonda. Ancestry of Lies retoma la historia justo donde nos dejó la primera parte y nos lleva finalmente a Egipto, donde no sólo tendremos la oportunidad de desenmascarar finalmente al Cuervo, sino de ver gran parte del primer episodio desde el punto de vista del ladrón.

    Este giro le da más profundidad a la trama de The Raven: Legacy of a Master Thief y sirve para mostrarnos la personalidad y motivaciones del villano de la historia, aunque al mismo tiempo se cometieron algunos errores de continuidad muy notorios, como el hecho que en el primer episodio el sujeto que escapa por la ventana del tren supuestamente usó guantes para no dejar huellas, y cuando repasamos esta parte de la historia siendo el ladrón vemos que nunca usamos guantes en todo el viaje.

    Nuevamente se trata de un episodio corto (tres-cuatro horas máximo), aunque presenta un puzle que si no le agarras rápido puede marearte un par de días en lo que tu cabeza aterriza la respuesta. Los personajes que conocimos se repiten, agregando a la historia al director del museo, pero en general este es un episodio mucho más íntimo, que se adentra en la psique de nuestro protagonista  y antagonista.

    The Raven: Legacy of a Master Thief
    El segundo episodio, Ancestry of Lies, redondeda la historia.

     Atrapando al Cuervo

    En general, la trama se desarrolla a buen ritmo y con una narrativa entretenida que te da algunas opciones (aunque no muchas) para contestar y tomar diferentes decisiones. El único “pero” real en ambos episodios es que se trata de cuentos muy cortos con pocas motivaciones para repetir la aventura más allá de completar los logros.

    En lo que corresponde al aspecto técnico, la presentación de The Raven: Legacy of a Master Thief es linda y colorida, a pesar de tratarse de un thriller con ciertos tintes oscuros. Este título presenta gráficos en 3D sin mucho lujo de detalles pero con escenarios y personajes vívidos, algo que me agrada, pues no necesitas una gran computadora para correrlo. Las actuaciones de voz tienen sus altibajos, aunque en general están bien trabajadas y con diálogos inteligentes. La música es un caso curioso, ya que la música es muy bueno pero me parece que desentona en varias partes de acuerdo a los sucesos presentados.

    La jugabilidad es impecable, siempre y cuando decidas utilizar la interfaz clásica con el uso del mouse: avanzar, hablar, recoger objetos, analizar el lugar y acceder a todos los menús está a sólo un clic de distancia. El juego presenta la opción de usar un gamepad, que pudiera parecer tentadora, pero es poco recomendable, pues controlar al personaje para moverse es como si intentaras maniobrar un tráiler de doble remolque en medio de callejones. Deben corregir este detalle rumbo a la versión para consolas.

    The Raven: Legacy of a Master Thief | Reseña
    Los escenarios tienen varias partes y detalles partes a revisar

    Si te gustan los relatos de misterio y las novelas de detectives, difícilmente encontrarás algo más apegado en videojuego que The Raven: Legacy of a Master Thief, a pesar de algunos puntos flacos y sus espacios confinados, sus personajes humanamente creíbles y una narrativa inteligentemente diseñada te hacen desear que ya sea el próximo mes para concluir la historia. Un point and click recomendable; si te llama la atención puedes comprarlo mediante Steam para Windows, Mac y Linux.