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Categoría: Críticas, análisis y reseñas

  • Monsters University | Crítica

    Monsters University | Crítica

    Con una recaudación que ya alcanza los 160 millones de dólares en su primera semana, Monsters University llegó a cartelera como una no tan esperada, pero sí deseada continuación de Monsters Inc., película animada de 2001 que nos enseñó que del otro lado del closet existía un universo repleto de monstruos que viven gracias a la energía que provocan los sustos en el mundo de los humanos. Esta segunda entrega nos muestra que lograr esos gritos de los niños es parte de un largo proceso estudiantil que tiene su centro en una auténtica universidad para monstruos.

    Monsters University

    Pixar no es ajena a las secuelas, por lo que retomar una de sus franquicias más exitosas parecía hasta natural. Pero a diferencia de la trilogía de Toy Story, donde la historia nos guiaba hacia nuevas aventuras, Monsters University usó el recurso de la precuela, contándonos parte de los años mozos de “Mike” y “Sulley”, cuando eran apenas unos jóvenes mozos que asistían a la universidad en la búsqueda de ser los seres más aterrorizantes.

    Honestamente, siento que desde el principio la tónica elegida no fue la más indicada. Gran parte de la magia de Monsters Inc. consistió no sólo en ver a los monstruos de las pesadillas de los niños, sino en observarlos interactuar con una pequeña traviesa humana que por primera vez parecía no tenerles miedo. El choque de ambos universos miniatura erigió lo que a mi gusto es una de las mejores cintas del estudio.

    En cambio, Monsters University se fue en una dirección mucho más simple. Sacamos de la ecuación la mayoría de la interacción con los humanos (salvo referencias obligadas) y ponemos a nuestro ojo con patas y su amigo, el oso azul, en un ambiente relativamente cómodo, donde todos, por muy diferentes que parezcan son iguales que ellos: Monstruos.

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    Ahora, si naciste en los 80, la trama de Monsters University te recordará inmediatamente a un montón de películas de aquella época de un subgénero nerd, que se enfocaba en seguir a un grupo de ñoños en su travesía por tratar de volverse cool y tener sexo con las chicas más guapas del colegio. La premisa es similar, le cambias las ganas de encamarse por el deseo de ser terroríficos y tenemos una fórmula que no estoy seguro que el director, Dan Scanlon, haya obtenido por mera coincidencia.

    Monsters University comienza con el siempre rebelde “Mike” Wazowski, quien desde pequeño queda marcado para intentar ser el mejor asustador que exista, razón por la cual se enrola en la universidad más prestigiada, en donde se topará con James Sullivan, otro aspirante a asustador, y con un grupo de monstruos tetos de la fraternidad Oozma Kappa con quienes tendrá que aliarse para poder tener una oportunidad en esta estricta institución.

    Pero ser un universitario no es fácil, y mucho menos para los que aspiran a entrar a la famosa Facultad de Sustos; otros equipos, una directora salida de las obras de Stephen King y las propias decisiones de nuestros protagonistas se interpondrán siempre en el camino de la graduación.

    Monsters University | Crítica
    Atrapar el cerdo, una vieja tradición en MU.

    Oozma Kappa

    Monsters University - Mike WazowskiMichael “Mike” Wazowski

    “Mike” es la clásica personificación del esfuerzo y el ir contra lo que el destino le tiene preparado a cada uno. Y es que dentro del mundo de monstruos, él es uno de los que menos miedo genera, pero ingresa a la universidad confiado en su preparación y perseverancia para demostrar que el talento no lo es todo.

     

     

     

     

    Monsters University - SullivanJames P. Sullivan

    El último de los Sullivan, una familia con una larga tradición de asustadores. De carácter afable y arrogante, “Sulley” está seguro de que su gruñido puede más que mil libros teóricos, por lo que inmediatamente choca con “Mike”. Debido a su fama, de inmediato es invitado a formar parte de otras fraternidades.

     

     

     

     

    Monsters University - Don CarltonDon Carlton

    Don es el tradicional estudiante que lleva ya varios cursos atorado en la universidad, aunque en su caso se trata de un regreso para estudiar una nueva carrera. Actualmente un agente de ventas, no dudamos que este monstruo con tentáculos de pulpo y gran pancienca haya fundado Oozma Kappa.

     

     

     

     

    Monsters University - SquishyScott “Squishy” Squibbles

    Sin duda alguna el más nerdo del equipo, y todo parece indicar que ha sido bulleado durante gran parte de su vida. No sabemos a cienca cierta cómo entró al equipo, pero estamos seguros que algo tiene que ver con su madre, que dicho sea de paso, sin ser un personaje central es ella quien se roba la película.

     

     

     

     

    Monsters University - Terry & TerriTerry & Terri Perry

    En realidad no es uno, sino dos monstruos con un sólo cuerpo. De todos los integrantes del equipo, Terry y Terri son los que pasan más desapercibidos, personajes totalmente dispensables y tan desaprovechados que de no ser por la sudadera verde y un par de bromas tontas quizá ni los hubiéramos notado.

     

     

     

     

    Monsters University - ArtArt

    Art es el único miembro de los Oozma Kappa que realmente vale la pena recordar tras ver la película. Con una actitud alivianada y hippy, este monstruo amante de las cosas brillantes es esa especie de vago vividor que existe en todas las escuelas . Después de la madre de “Squishy”, Art es el personaje más divertido de Monsters University.

     

     

     

    Una universidad sin matrícula

    Desgraciadamente, esta temática de los ñoños que en realidad son una bola de chingones la sentí tan rebuscada y cliché que podía anticipar con monstruosa (jajaja) exactitud el desenlace de cada escena. Y  si pensabas -como yo- que seríamos testigos de horas de clase, bromas escolares y parrandas épicas al estilo Pixar, lamento decepcionarte. La trama se centra en una competencia interna por equipos y poco vemos realmente de lo que implica el ambiente colegial de este peludo universo con alas y cuernos. Algunas escenas y clips con que anunciaron la película nunca aparecen… Una lástima porque eran bastante más cotorros.

    En cuanto al humor, las bromas en Monsters University carecen a mi gusto del efecto de carcajada del filme original y lo sustituye por discretas sonrisas esbozadas, a excepción de un par de chistes realmente memorables. Parte de lo divertido es reconocer a algunos monstruos de la primera parte por ahí regados, siendo el más notable “Randy”.

    El doblaje en español es bueno, como uno puede esperar en este tipo de producciones, incluyendo algunas frases regionalizadas y bromas que cambiaron de contexto pero que al final funcionan bien; el único detalle extraño que le encontré es que me pareció que Andrés Bustamente, en su papel de “Mike”, se esforzó demasiado en hacerlo sonar como el “Güiri Güiri”, restándole algo de su propia personalidad al protagonista.

    Monsters University | Crítica
    La madre de “Squishy” es quien se roba la película

    A pesar de todo, Monsters University cumple con el objetivo de entretener, especialmente a los más pequeños. El largometraje animado es predecible y buena parte de la magia se perdió en el brinco a la secuela, pero “Mike” y “Sulley” son garantía suficiente para pasar un buen rato si uno no se pone muy exigente. ¿Lo que más me gustó? El mensaje final, osado y arriesgado para un filme infantil: La universidad y los estudios no lo son todo para la vida profesional.

  • Mi Novio es un Zombie | Crítica

    Mi Novio es un Zombie | Crítica

    Warm Bodies, conocida en México y América Latina como Mi Novio es un Zombie, es una película basada de la relativamente exitosa novela homónima escrita por Isaac Marion y que convierte al género de los zombis en una historia de romance y redención; ¿estará el mundo preparado para ello?

    Mi Novio es un Zombie

    Desde el inicio de los tiempos (bueno, prácticamente) y más aún desde que George A. Romero invadió la pantalla grande con su famosa Noche de los Muertos Vivientes el público no puede resistirse a los cuentos donde la humanidad lucha encarnizadamente contra los muertos que se niegan a morir, seres que usualmente lo único que hacen es deambular mientras sus articulaciones o todo su ser, se cae en pedazos, ah claro, pero siempre con el hambre que dicta el inmortal grito de “brains!” o “¡cerebros!”.

    Qué decir de la aportación del director Zack Snyder con aquella visión que lo puso en el mapa cinematográfico con su trágica Dawn of the Dead, donde por vez primera conoceríamos a zombis capaces de correr o hacer sprints a velocidades alarmantes.

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    Bueno, no importa quien sea el director o escritor de este tipo de cintas, uno ya sabe que los muertos vivos no son buenos para la salud y que lo que siempre buscan son cerebros y carne humana en general.

    Habiendo dicho esto, es obvio que quizá -muy quizá- el público o tú que estás leyendo pienses que Mi Novio es un Zombie no es más que una extraña fórmula para hacer desatinar al espectador, bueno, ciertamente puede volver loco a algunos, pero sólo si no estás listo para intentar con otro tipo de narrativa y enfoque en cuanto a estas criaturas se refiere.

    Dirigida por Jonathan Levine y producida por el mismo estudio que llevó al cine la adaptación de la saga Crepúsculo, Memorias de un Zombie Adolescente (como se le llamó en España) es una historia que bien podría encajar con la trama de Romeo y Julieta, ya saben, dos personas destinadas a amarse pero incapaz de hacerlo a plenitud porque provienen de dos familias tan diferentes como el agua y el fuego, excepto que esta vez las dos familias son en verdad humanos y zombis.

    Mi Novio es un Zombie | Crítica
    Romeo y Julieta meets Dawn of the Dead

    Warm Bodies

    Adaptada de la novela de Isaac Marion publicada por vez primera a través de Internet, Mi Novio es un Zombie es la historia de “R” (Nicholas Hoult), un zombi carismático a quien con voz en off escuchamos todos sus pensamientos, los cuales, por cierto, suenan bastante humanos y complejos, algo que contrasta totalmente con su apariencia putrefacta y medio aterrorizante; esto también que imprime una cierta ironía al personaje mientras vemos que deambula por los pasillos de forma muy, muy lenta junto a otros de su especie.

    En principio es una idea que sin duda llama mucho la atención porque de antemano y aún sin proponérselo se presenta un curioso e involuntario humor, una especie de burla hacia el género zombi; por el otro lado tenemos toda una metáfora respecto al tipo de vida en el que muchas personas llegan a caer: vivir para comer y comer para vivir, sin encontrar ninguna dicha en el camino y sin pensar a sus semejantes.

    ¿Y cómo se arregla todo? La premisa de Mi Novio es un Zombie se esfuerza en plantearnos que con amor todo se puede y en lo personal, aunque parezca cursi y rebuscado, me parece que es lo correcto.

    Mi Novio es un Zombie | Crítica
    “Bros before brains”

    Una idea que comienza a tener forma y avanzar en la trama con la aparición de una chica llamada Julie (Teresa Palmer) que, como es ya normal en este tipo de cine, trata de sobrevivir buscando alimentos y arriesgando el físico con tal de ayudar a otros, actitud que contrasta un poco con la de su padre Grigio (John Malkovich), un hombre de carácter fuerte y dominante que pone ante todo la seguridad de los integrantes en su grupo y más de su latosa y rebelde hija.

    Las cosas se complican cuando “R” se encuentra con Julie y, bueno, surge un cierto amor entre ellos dos. ¿Confundido? Puede que sí, pero para no arruinar la historia,  sólo agregaré que los zombis que se enamoran se “humanizan”, tal y como el tráiler nos muestra, situaciónn que pone una extraña disyuntiva: en lugar de masacrar zombis para acabar con ellos, ¿tenemos que quererlos?

    En términos generales, Mi Novio es un Zombie es una cinta original, bastante diría yo, con una buena mezcla de aventura y algunas escenas romanticonas, eso sí, los efectos visuales digitales tienen algunos fallos enormes, sobre todo en la animación, pero a favor tiene un maquillaje realista, lo mínimo que se podría esperar. Las actuaciones también cumplen muy bien en casi todos los casos.

    Mi Novio es un Zombie | Crítica
    El humor es omnipresente en Mi Novio es un Zombie

    La mayoría de los seguidores, o las seguidoras, de Crepúsculo quedarán contentos con la Mi Novio es un Zombie;  a aquellos que busquen algo original y no sean tan exigente seguramente les agradará el planteamiento y la narrativa. Hay que admitir que la película tiene varios buenos momentos sobre todo en los diálogos y chistes con voz en off, un detalle que pudo haber sido mejor explotado. Los fanáticos reacios de hueso colorado de los zombis querrán vomitar un poco, sólo un poco. Actuaciones decentes, efectos en ocasiones muy malos y una historia empalagosa hacen que este largometraje vertiginosamente original encuentre un público reducido.

  • Reseña de The Last of Us

    Reseña de The Last of Us

    Con más de 1.3 millones de copias vendidas durante su fin de semana de estreno, The Last of Us se convirtió en el videojuego más exitoso del año, al menos hasta su lanzamiento. La exclusiva de PlayStation 3 llegaba con la promesa de una épica aventura, exprimir la consola al máximo y mostrar que la nueva generación podía esperar.

    The Last of Us

    Aunque no desde el nacimiento de la industria, pronto los desarrolladores de videojuegos se dieron cuenta del potencial que tenían en sus manos para contar historias. Si bien al principio eran apenas esbozos con más corazón que estilo, estos primeros intentos nos decían algo más que “Congratulations” o que nuestra princesa estaba en otro castillo cuando finalmente alcanzábamos el objetivo.

    Géneros como el RPG florecieron bajo este concepto, donde además de terminar el juego parte vital de la experiencia era conocer el cuento y recorrer ese mundo que habían creado para nosotros. Pronto el poder de cada nueva generación de consolas ofreció herramientas a los diseñadores para extender su historias a otros géneros y emplear elementos narrativos más complejos, que asemejaran en la medida de lo posible ya no a leer un libro, sino a ver una película.

    The Last of Us es el más reciente intento de Naughty Dog para transportar este tipo de experiencias a los botones de un mando de PlayStation 3. Este título no es sólo un ambicioso shooter en tercera persona montado en un clásico escenario cuasi apocalíptico, como podría parecer de entrada, The Last of Us redibuja bajo su propio ritmo la línea que separa a los videojuegos de la cinematografía moderna, en un concepto de gameplay que tiene reminiscencias de Resident Evil y Metal Gear Solid, pero también del progreso argumental estructurado de una buena serie de televisión.

    The Last of Us nos ubica en mundo post pandemia. Unos 20 años atrás una mutación del hongo cordyceps infectó a millones de humanos matándolos y/o convirtiéndolos en horrendos seres desfigurados que atacan e infectan a otros como parte de su instinto natural. Militares han tomado el control de las zonas en cuarentena mientras que grupos rebeldes surgen en todas partes, algunos con la única misión de sobrevivir a toda costa, otros intentando restaurar el orden y encontrar una cura. El resto del territorio se ha convertido en una tierra hostil, con la naturaleza reclamando las grandes ciudades y millones de infectados acechando en cada paraje.

    Los primeros minutos de la experiencia sirven para ponernos casi toda esta información en contexto, mientras que al mismo tiempo aprovecha para exhibir el toque dramático con el que nos toparemos el resto de nuestra aventura al lado de Joel y Ellie. No pasa ni media hora y The Last of Us ya transpira sentimiento y desgracia, y el final del prólogo sirve para inducir de manera perfecta al usuario a un mundo donde el mañana dejó de ser importante hace varios ayeres.

    The Last of Us
    Joel y Ellie, un viaje incomparable en The Last of Us

    Joel y Ellie

    Joel es un auténtico sobreviviente, un hombre curtido que sacó lo mejor y lo peor de sí mismo tras el brote: ha sobrevivido a la milicia, a los infectados y a los saqueadores que cazan a cualquiera que ose aventurarse en su territorio. Áspero, de pocas palabras y con un estilo metódico de vida, Joel se dedica a contrabandear armas, alimento y medicinas entre los diferentes campamentos. Su próximo embarque, sin embargo, es muy especial: pasar a una niña y llevarla hasta el territorio de las Luciérnagas, un grupo rebelde perseguido por el ejército.

    Ellie es la jovencita en cuestión. Con catorce años de edad, ella no conoció el modo de vida antes de la pandemia y su visión del mundo es limitada, pero idealista, añorando las películas de antaño y los inventos que ya nadie recuerda cómo funcionan. La chica es el contrapeso ideal para Joel: ella siempre con miles de preguntas y él sólo intentando mantener la boca cerrada y los recuerdos atados. Como es de esperarse, ambos trabajan en equipo para progresar durante la historia, aunque la mayor parte del tiempo tu rol es el de controlar a Joel para proteger a Ellie.

    En este punto es donde realmente brilla The Last of Us y destaca muy por encima de otros productos con temáticas similares. Neil Druckman, el escritor del argumento, nos cuenta una historia disímil a lo que uno pudiera anticipar. Nuestra misión no es desentrañar los por qué ni los cómo, el juego nunca apunta nuestro destino hacia atrás, para conocer el pasado de la infección, ni hacia adelante en cómo se las arreglará la humanidad para reparar el daño. The Last of Us es pura y mera sobrevivencia al día en los ambientes más hostiles, situación que crea un lazo emocional efectivo entre nosotros, los protagonistas y otros personajes que vamos encontrando en nuestro camino.

    The Last of Us
    La dificultad no es lo único que aumenta conforme avanzamos, también la relación de los personajes.

    Druckman tuvo un tino tal que nos permite conocer parte de la situación viendo nuestro entorno, recolectando mensajes, escuchando lo que otros nos tienen que contar, pero dejando todo el peso a las relaciones interpersonales que estableces en The Last of Us, logrando que desees progresar con tu misión más por la empatía que tienes con la pareja y un genuino interés por mantenerlos vivos, que por conocer la conclusión de la trama. La química entre Joel y Ellie es tan importante como la química que la narrativa va ejerciendo entre el jugador y sus personajes. Brillante.

    The Last of Us también golpea con fuerza al paradigma de las decisiones morales en los videojuegos. Naughty Dog demuestra que no es necesario que se le pregunte a cada rato al usuario si desea hacer algo bien o mal para sentir remordimiento o peso sobre sus acciones. Lo importante, al contrario, es presentar rumbos bien definidos para que los personajes actúen bajo sus “propios criterios”. Varias partes de este título nos harán fruncir el ceño y dejarán cuestiones éticas flotando en nuestra mente, invitando a pensar en diversas salidas posibles para lo que hemos presenciado en un mundo donde es comer o ser comido, pero dejando que el ritmo natural y violento de este cuento siga sin alteraciones. Doblemente brillante.

    Sobreviviendo a la pandemia

    Claro que el viaje para llevar a Ellie es uno bastante largo, atravesando montón de locaciones abandonadas en panoramas que realmente lucen fantásticos gracias a la calidad gráfica de The Last of Us. Así como el desarrollo de la trama destaca por sí mismo, la belleza visual de la obra de Naughty Dog es otro aliciente, con paisajes urbanos, bosques, parajes nevados, un campus universitario y decenas de zonas que invitan a (y deben de) ser exploradas hasta el último rincón.

    The Last of Us
    Sí, los infectados son básicamente zombis.

    El alto estándar gráfico también se nota en los modelos humanos, con impresionantes texturas de piel, ropa, cabello, mugre, humedad y en especial los ojos más expresivos que haya visto en un juego de video. Me llamó fuertemente la atención el esfuerzo por mostrar emociones a través de las miradas, especialmente cuando la vista se les nublaba y sus ojos enrojecían de llanto o miedo. Este detalle, sumado a la intensa combinación entre gameplay y drama, es parte de la fórmula secreta para mantenerte pegado al control.

    Y hablando del control, la jugabilidad de The Last of Us, como ya había mencionado antes, trae a la mente los shooters en tercera persona que todos conocemos del género zombi, aunque en este caso la mira es un poco más tiesa y a cambio tienes un mejor repertorio de ataques físicos, ya que puedes usar tus puños junto a palos, ladrillos, cubetas o cualquier objeto que tengas a la mano para atizar a humanos o infectados. El entorno también te puede ayudar a liquidarlos, como por ejemplo, azotándolos contra mesas o paredes, y todo con un sólo botón para atacar y un par más para ajustar la mira y disparar.

    The Last of Us también incorpora un sistema de sigilo que se vuelve vital para salir adelante. Puedes avanzar agachado y de manera silenciosa para despachar a tus enemigos desprevenidos sin hacer ruido. Con el botón R2 tienes una habilidad especial que te permite aguzar tus sentidos y escuchar el movimiento aún detrás de las paredes, algo que se vuelve vital para sobrevivir.

    The Last of Us
    El sigilo y la sorpresa son parte de la estrategia.

    Con estas dos premisas junto a un sistema de fabricación de ítems en tiempo real (los haces mientras peleas, por lo que es importante buscar tiempo para hacerlo), basta para ofrecernos buena variedad en los enfrentamientos; hay decenas de formas de avanzar dependiendo de tu estilo, las armas que tengas en ese momento y la situación, pues no es lo mismo enfrentar a patrullas humanas que a hordas de mutantes: las primeras tienen cierto orden y coordinación, pero las segundas imprimen momentos de adrenalina donde a veces ni todo tu arsenal es útil en espacios cerrados.

    La sensación de suspenso en estos momentos es alta, dando como resultado algo que casi nunca nos toca ver en este género: le tienes verdadero respeto al infectado. Mi única queja en este aspecto es que a veces los puntos de guardado son demasiado permisibles, reduciendo la necesidad de salir victorioso, pues el checkpoint a veces registra hasta el número de enemigos que habías matado en una sección antes de perder.

    Para sobrevivir, en tu arsenal tendrás armas cortas y largas, como pistolas, rifles de caza y escopetas, junto con algunos utensilios explosivos de fabricación casera como bombas de humo y molotov. La selección de armas no es muy amplia, pero sí justa. En The Last of Us las balas no suelen abundar por lo que tendrás que racionar sabiamente su uso. Cada una puede ser mejorada al igual que algunas habilidades como precisión, velocidad de fabricación o el tamaño de tu barra de salud.

    The Last of Us
    No dejes que los infectados te acorralen o serás una espora más.

    Fuera de los encuentros contra grupos enemigos, en The Last of Us resolverás algunos puzles no tan complicados y explorarás un buen rato en busca de municiones, partes e ítems. Las misiones, aunque en fondo relativamente lineales, ofrecen escenarios de buen tamaño que te obligan a recorrerlos por completo antes de tomar un curso de acción, por lo que difícilmente te sientes limitado hacia dónde puedes ir.

    La campaña te dará por lo menos unas 18-20 horas de vida si comienzas en la dificultad alta y decides curiosear los alrededores meticulosamente. Al terminarlo tendrás la opción de New Game + para intentar juntar absolutamente todos los coleccionables y llevar a tope tu árbol de habilidades, así como una dificultad extra desbloqueada.

    Somos varios sobrevivientes

    Sorpresivamente el modo multijugador de The Last of Us traslada de forma puntual todos estos elementos a los combates en línea. Armamento, sigilo, elaboración y recolección de ítems en combates entre dos equipos cuyo principal punto fuerte es la necesidad de trabajar de manera coordinada. Aunque no tan espectacular como la campaña, el componente multiplayer es adictivo y añade profundidad al ofrecernos opciones de personalización, objetivos secundarios y mejoras por subir de nivel. Actualmente está bastante activos y dada la dinámica de los enfrentamientos se ve que puede durar años antes de mermar su participación.

    En cuanto al apartado musical, The Last of Us presenta una banda sonora sublime y certeramente utilizada. Las composiciones de Gustavo Santaloalla no suenan en todo momento y dejan gran parte de la musicalización a los sonidos ambientales de cada escenario, pero cuando aterriza lo hace con fuerza y en momentos clave, añadiendo dramatismo en la adecuada proporción.

    El casting de voces también es impresionante y se nota que los desarrolladores han perfeccionado esta técnica de captura de movimiento y voz para dar vida a sus creaciones. Joel, Ellie, Tess  y todos los invitados que cruzamos en nuestro camino se sienten vivos gracias a su contraparte real y al doblaje tan atinado. A esto le sumamos diálogos inteligentes, referencias para hacer pensar al jugador y en general un script cual si fuera la mejor producción de cine. Las voces en español latino también son buenas, pero es obvio que no cuentan con el mismo control de calidad del doblaje original.

    ¿Una compra obligada? Si tienes una PlayStation 3 definitivamente lo es, y si no lo tienes, The Last of Us te obligará a adquirir una. Es un gusto contar con videojuegos como éste, que permiten ver que la innovación no es por fuerza hacer algo que nadie había realizado antes, sino generar un nuevo enfoque o elevar la cota de calidad al máximo. Naughty Dog demostró que en un tema aún tan rascado como el zombi, puede haber propuestas inteligentes que mezclen distintos modos de juego de manera acertada con una historia que nos seduzca a no soltar el control.

    El estudio detrás de Crash Bandicoot y Uncharted de nuevo pone el listón muy alto en cuestión narrativa y gameplay, retando a toda una industria a ofrecer algo más que botonazos e historias sobadas. The Last of Us es sin duda el eslabón más destacado en la cadena evolutiva entre jugabilidad y recursos cinematográficos. Cierto, tiene algunos bugs por aquí y por allá, y en un par de momentos los escenarios tan vastos y solitarios abruman, por lo que The Last of Us no es una obra inmaculada, pero da gusto que alguien intentara hacer el videojuego perfecto y estuviera tan, pero tan cerca de lograrlo.

  • Crítica de El Hombre de Acero

    Crítica de El Hombre de Acero

    No debe haber nada más difícil en cine que retratar las historias que todo mundo conoce. Aquellas que son casi tan de dominio público que cuesta trabajo sorprender al público. El cuento del niño que llega en cohete a la Tierra como el último de su raza ha sido representado en infinidad de ocasiones en un sinfín de medios y es complicado creer que una nueva versión en cine pueda mostrarnos algo nuevo de Superman, pero El Hombre de Acero lo logra.

    El Hombre de Acero

    Afortunadamente, el director del filme, Zack Snyder, no quiso reinventar la rueda sino hacer notable quizá el aspecto más significativo del superhéroe por antonomasia en su regreso a la pantalla grande: es el ser más poderoso del universo, capaz de arrasar planetas enteros y sobreviviente de las más cruentas batallas en los cómics.

    Atrás quedaron Lex Luthor, la kriptonita y detener ladrones metiéndolos al cesto de basura. Snyder representa con su grandiosidad característica al Superman que muchos queríamos ver en la pantalla grande, al que pocos aficionados casuales conocían después de varias lastimosas adaptaciones y con el que soñamos ser muchísimos niños, cuando enfundados con una capa roja salíamos a salvar el mundo en la inmensidad de nuestra imaginación.

    El génesis clásico está aquí y no nos podíamos salvar de él en una cinta que recapitula los orígenes de Superman. El Hombre de Acero comienza en Kriptón para volver a atestiguar la destrucción del planeta y cómo Jor-El y su esposa, Lara, envían al último heredero de su especie a los confines del universo.

    La película también abarca el mito de Jonathan y Martha Kent, los padres adoptivos de Kal, a quien dan el nombre Clark y enseñan a lidiar con su fisionomía extraterrestre y encaminan su destino basado siempre en la importancia de sus decisiones y lo moralmente correcto.

    El casting de sus padres, adoptivos y biólogicos, fue tremendamente acertado. Kevin Costner encarna esa figura tierna, aprensiva, pero firme de Jonathan Kent, un padre fiel en sus convicciones que le da a Clark la lección más importante de su vida. Diane Lane representa a Martha Kent, la mujer más importante en la vida de nuestro superhéroe y dispuesta a todo por él. Russell Crowe es un interesante Jor-El, un hombre visionario que deposita la esperanza de su familia y de un mundo entero en su hijo. Con menos minutos, Ayelet Zurer completa el mito en el rol de la madre biológica, Lara Lor-Van.

    El Hombre de Acero
    Russell Crowe y Ayelet Zurer dan vida a los padres kriptonianos de Kal.

    El mito de Superman

    La selección adecuada de actores no se limita a estos personajes, y es obvio que la producción de El Hombre de Acero pasó tiempo escogiendo a cada uno de los integrantes del filme, desde el Laurence Fishburne, como el comprensivo Perry White; pasando por Amy Adams, como la sagaz Lois Lane, hasta llegar a Henry Cavill en el rol de Superman, quien logró lo que parecía insuperable, competir mano a mano con la interpretación de Christopher Reeve en los filmes clásicos de los años 70 y 80 y actualizar el personaje a los tiempos modernos.

    Henry Cavill nos muestra a un Clark Kent físicamente poderoso, pero también humanamente, o kriptonianamente, sensible. Un hombre que encierra un gran poder, pero que encuentra en su aceptación y en el temor de otros su más grande debilidad. Un inmigrante del espacio que adopta a la Tierra como su hogar mientras al mismo tiempo se embarca en la búsqueda de su linaje.

    Me gustaría profundizar un poco más en el argumento de la película, pero no vale la pena echarla a perder, y si has seguido los tráileres de El Hombre de Acero seguramente ya conoces la premisa: un grupo de kriptonianos liderados por Zod (Michael Shannon) y Faora (Antje Traue) llega a la Tierra para exigir que les sea entregado Kal-El.

    El Hombre de Acero
    La humanidad es amenazada para entregar a Kal-El.

    La narrativa no se anda con enredos o suspensos innecesarios y Zack Snyder prefirió convertir una simple idea en un festín de poder y efectos especiales. Eso no quiere decir que El Hombre de Acero tenga una trama pobre, al contrario, es impresionante la empatía que logra imprimir en los personajes y los pequeños pero a la vez grandes momentos en que nos muestran el lado humano de Clark en diferentes etapas de su vida, cuando sus habilidades suelen ser más su enemigo que su aliado.

    Pero es obvio que Snyder apostó por lo espectacular, por presentarle al público lo que siempre ansía ver cuando asiste al cine a ver una película de superhéroes: acción pura en su máximo esplendor. Vuelo, golpes, explosiones, visión de calor, peleas que desafían la realidad y una gama de impresionantes tomas cinematográficas adornan la cinta mejor lograda en este tenor. El sonido del crujir de huesos, el chirrido de las ventanas desbaratándose en cascada, los cráteres tras el impacto de dos súper hombres, todo está en El Hombre de Acero, un filme que hace fruncir el ceño incluso a Los Vengadores, de Marvel. Si amabas esas impresionantes batallas en la versión impresa, todo está aquí.

    Un banquete de acción kriptoniana

    Un banquete de acción, con héroes y villanos que golpean con la potencia de una bomba atómica y se mueven a velocidades impresionantes sobre la pantalla. Difícil no quedar enamorado de esta estética tan Snyder. La música, por su parte, es el complemento indicado. Hans Zimmer creó en El Hombre de Acero la que sin duda ha sido su mejor banda sonora y logra superar el trabajo realizado por John Williams para Superman en 1978. El efecto en 3D, visto en la pantalla adecuada, también es inmersivo y ayuda a la presentación del filme.

    Aun así, El Hombre de Acero no se salva de tener varios “pero”. El más notable, a mi gusto, fue la premura con la que se dan algunas relaciones interpersonales, aunque es entendible por la misión de Warner Bros. de volver a contar el origen de Superman al mismo tiempo que empujaba la historia hacia adelante. Hubiera sido difícil, y tal vez hasta intolerable, dejar pasar una película entera para desarrollar a un personaje que ya todo mundo conoce y esperar hasta una segunda parte para las escenas de acción. Sin embargo, el balance entre acción y recursos narrativos no es el mejor: la adrenalina tarda en llegar y cuando llega no cede ante nada y se vuelve un derroche efectista que puede tornarse cansado para algunos.

    Al final, El Hombre de Acero le hace justicia al último kriptoniano en cine. Logra su cometido de sorprender sin reinventar a Superman a tal grado de que resultara irreconocible. Este es el Superman de los cómics de los años 90 en adelante, el que vimos en sagas como Birthright, Last Son y, sobre todo, Superman: Tierra Uno. A la vez presenta un acercamiento tan simple que cualquier fan de la acción, las cintas palomeras y/o la ciencia ficción puede disfrutar.

  • Superman: Birthright | Reseña

    Superman: Birthright | Reseña

    Este año, Superman cumple 75 años. La película El Hombre de Acero está en puertas para la celebración, y con un Superman hoy más vigente que nunca se antoja hacer un poco de historia. Curiosamente, este año el cómic Superman: Birthright (algo así como “Derecho de Nacimiento”, y que Editorial Norma publicó en España bajo el título de Superman: Legado), por Mark Waid y Leinil Yu, cumple también su primera década.

    Superman: Birthright

    Superman: Birthright fue una maxiserie de doce números publicada por DC Comics, que intentó actualizar (luego de casi 20 años de Man of Steel, el exitoso cómic de John Byrne escrito en 1986) los orígenes y el planteamiento de Superman. Perpetrada por Mark Waid, uno de los grandes artífices del cómic en especial en cuanto a reinvención se refiere, Birthright planteó a Superman como un joven en el siglo XXI, con todo lo que esto conlleva.

    La historia comienza, como siempre, por el principio: Jor-El y Lara enviando a su único hijo en un cohete a la Tierra, y luego de un hábil salto narrativo contemplamos a Clark Kent en donde uno no se lo imaginaría: África, entrevistando a Kobe Asuru, un líder que intenta demoler el sistema de tribus que ha condenado a su pueblo a la servidumbre.

    Este comienzo de la narrativa nos muestra a Superman como un personaje con una misión mucho más compleja que aplastar camiones, uno que intenta conocer y resolver los problemas de la humanidad… Y al mismo tiempo, que existen cosas que a pesar de su poder no puede evitar.

    El situar a Clark en el continente que se dice la cuna de la humanidad es bastante estratégico: No sólo lo perfila ya como un futuro héroe global (ya no el reporte que acude todos los días al mismo edificio y teclea en la misma máquina de escribir), sino le añade una dimensión mítica que demuestra cuánto ha adoptado su crianza terrestre.

    Sin embargo, el principal tema en Superman: Birthright es la búsqueda de Superman por retomar el legado que le dejaron sus antepasados (su legado), y luchar por convertir a la Tierra en un mundo de paz y armonía como en algún tiempo fuera Kryptón.

    Superman: Birthright
    Birthright transporta el inicio a un continente poco abordado

    Desde luego, la relación con sus padres no se encuentra ausente en esta historia de origen, pero aquí se da principalmente por correo electrónico (¿qué esperaban?). Uno de los puntos focales de la historia es también Jonathan Kent y su conflicto al saber que Clark desea crearse una nueva identidad y olvidar lo que él le enseñó. Una bastante clara dicotomía entre el Superman como héroe universal y el tan reiterado Superman “protector del modo de vida americano”, que Mark Waid contrapone, en vez de censurar, para sintetizar a un Superman definitivo.

    El arte de Leinil Yu (para no ser injustos, démosle crédito también a Gerry Alanguilan por sus entintados), sin llegar a ser algo impresionante, es simplemente adecuado por su modernidad en cuanto a trazo y por ende acorde con la reinvención de un Superman actual.

    El resto de Superman: Birthright sigue las convenciones del personaje, narrando su llegada a Metrópolis, su debut en el diario el Planeta, sus coqueteos con Lois Lane y sus enfrentamientos con Lex Luthor. Aunque una parte de la trama en esta parte de su vida como reportero sí llega a ser algo aburrida.

    Superman: Birthright
    No podía faltar la relación entre Clark y Lois

    Birthiright también se enfoca a explorar el pasado de Lex Luthor, a través de los ojos de Clark: Un genio desde chamaco, explotado por sus padres, y toda una fichita en cuanto a problemas de juventud. Y quien en algún tiempo creyó encontrar en Clark a un amigo.

    Con una frustración y un ego enormes, al saberse superior en inteligencia al resto de la raza humana, Luthor dedica su obsesión a encontrar rastros de vida en otro planeta. Aunado a su continuo aislamiento y descontento con la sociedad que lo rodea, el personaje se convierte con el tiempo en un auténtico maniático, pero uno que realmente logra crear una empatía con el lector, conjuntando a la vez el patetismo con la grandeza.

    Ahora dueño de una poderosa corporación científica, la obsesión de Luthor sigue siendo la astrobiología, y su furia al enterarse de la existencia de Superman es inenarrable. Gracias a estos matices, Waid logra aventarse en Superman: Birthright unos buenos diálogos de belleza científica y le da al villano más herramientas para atacar a su némesis (“conoce a tu enemigo”, dice el dicho).

    superman-birthright-3

    Si algo está mal, sin embargo, es que Luthor adulto es básicamente planteado como un malvado hasta la médula, perdiendo ese encanto suave de manipulador que tiene en algunas encarnaciones y que sí se echa de menos. En Superman: Birthright es mucho más científico que publirrelacionista. Debido a los descubrimientos del calvo, tanto Superman como Clark tendrán que enfrentar duras decisiones para ganar la confianza de los terrícolas.

    ¿La vuelta de tuerca? ¡Una invasión kriptoniana a la Tierra, dirigida por el general Van-Gar! ¿Irá Superman a seguir creyendo en los ideales de sus ancestros o en qué se convertirá? En esta parte final, Waid y Yu son capaces de retratar la caída moral de Superman ante dichos acontecimientos como un momento que alcanza una impresionante empatía para con el lector, reconociendo el lado más vulnerable de Superman, el más humano.

    Mientras Clark es un personaje que precisamente trabaja la empatía con cualquier criatura con que se encuentra, sin distinciones, Luthor se representa como un deslumbrado por la otredad, la búsqueda de un otro que dé sentido a su vida y que le lleva a negar a su raza y su propia naturaleza humana. La batalla final es una resolución es un reencuentro con las raíces del personaje; las que valen la pena y convierten a Superman en el auténtico ideal para la humanidad y la… eh… kryptonianidad. Encumbrando en Birthright una vez más a Superman como el -no hay mejor ocasión para decirlo- auténtico héroe universal.

    Superman: Birthright
    ¡Invasión kriptoniana!

    En general, Superman: Birthright es una serie de cómics para recordar. ¿La versión definitiva del origen de Superman? Tal vez no, pero el buen ojo y la fina prosa de Mark Waid lo consolida como uno de los mejor cimentados y que más huella dejan en el lector.

    Ante todo, es una experiencia entretenida, que cualquiera puede levantar y leer haciendo que los minutos ni se sientan. Si lo que quieres es un drama muy bien centrado en el personaje y con una buena probada de todo lo que es Superman, te recomendamos ampliamente este cómic, ya que Waid dio en el clavo en su versión del héroe.

    Aunque algunos podrían achacarle que el conflicto principal de Superman en este cómic es con “los grandes valores”, en lugar de una clásica empatía con “el hombre pequeño”, aquel ojo experto será capaz de encontrar a lo largo de estos 12 níumeros las pistas que Waid esparce y que configuran a Superman como ser humano.

    Si bien Superman: Birthright no es una obra perfecta, fue una excelente forma de traer de vuelta a Superman para el nuevo siglo… Bastante superior, en mi opinión, a Superman: Secret Origin de Geoff Johns, y al relanzamiento de 2011 que tuvo Superman dentro de Los Nuevos 52, que podrán haberlo desplazado de la continuidad, pero no de ese espacio dentro de nuestro corazón. Por siempre: Superman.

    Superman: Birthright

  • Ladrona de Identidades | Crítica

    Ladrona de Identidades | Crítica

    Ladrona de Identidades llegó a las salas de cine como una prometedora comedia, sin embargo, por alguna extraña razón no ha terminado de cuajar entre la crítica “especializada”. Sí, por alguna extraña razón.

    Ladrona de Identidades

    Seth Gordon, director del popular documental King of Kong y del filme cómico Quiero Matar a mi Jefe, reaparece con una historia de humor muy similar a su anterior trabajo en la pantalla grande e incluso con algunas caras conocidas del género como Jason Bateman, Melissa McCarthy, Jon Favreau, Amanda Peet, John Cho y Génesis Rodriguez (hija de Jose Luis Rodriguez “El Puma”, para quien no lo sabía). Gordon se vio en cierta medida hábil y convirtió en bromas y risas una película que bien pudo haber sido un drama en toda su extensión.

    Tal vez ese sea el punto por el que Ladrona de Identidades no ha terminado de convencer a los críticos. La profunda carga dramática con la que inicia y con la que se desenvuelve en ciertos puntos clave choca por momentos con la aventura de comedia, pero de manera personal encuentro la fórmula simpática y digerible, y funciona como el pretexto perfecto para que la narrativa tome caminos variados entre persecuciones, tiroteos y revolcones.

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    Sandy Patterson

    Sandy Patterson (Jason Bateman) es un muy responsable jefe de familia, tiene dos hijos pequeños, otro por nacer y una esposa (Amanda Peet), que claramente es bastante comprensiva con su marido; en fin, todo en su inicio es alentador en la vida de los Patterson, excepto quizá porque en su trabajo Sandy es explotado al igual que muchos otros trabajadores, algo que está a punto de cambiar cuando en una junta secreta en el estacionamiento deciden dejar la firma para la que trabajan y conformar una empresa propia donde, claro, Sandy será nada más y nada menos que el vicepresidente.

    No suena mal, ¿verdad? Pues no, las cosas -como es de esperarse- explotan en las oficinas cuando el presidente Harold Cornish (Jon Favreau) se percata de lo que pretenden hacer sus mejores empleados, algo que lo enfurece y entre muecas y gritos les advierte que no podrán regresar a sus puestos si la vida los trata mal.

    Aun así, el futuro se mira prometedor para Sandy y su familia: un nuevo trabajo, mejor puesto y mejor salario, todo el horizonte brilla de felicidad. Pero la noche le llega a nuestro protagonista cuando al día siguiente se percata que cada una de sus tarjetas están sobregiradas.

    Ladrona de Identidades | Crítica
    Melissa McCarthy y Jason Bateman son el alma de la comedia

    Diana, alias Sandy

    ¿Mala suerte? ¿Un error del banco? No, una mujer de nombre Diana (Melissa McCarthy), experta en este teje y maneje, robó la identidad de Sandy y no solo vació la línea de crédito de las tarjetas, también ha sido arrestada por conducir ebria… y además está bajo una investigación de narcóticos. Al robar su identidad y aprovechando el femenino nombre de Sandy, esta chica ha cargado una larga fila de delitos y deudas que aumentan mientras no se resuelve el caso, algo que según Ladrona de Identidades puede tomar mucho tiempo mientras se apilan los problemas uno encima del otro.

    Si bien la historia de usurpación de personalidades no es del todo nueva y guarda incluso cierta aura sombría de tragedia, el director se las ingenió para cambiar el suspenso por comedia de manera casi intuitiva, así que en lugar de llorar y preocuparse por lo delicado del caso, Seth Gordon prefiere reírse de ello con una mano en la cintura (prácticamente).

    Ladrona de Identidades nos llevará a una despotricada travesía donde Sandy deberá buscar a Diana y obligarla a esclarecer todo el asunto con las autoridades, y, como es obvio, las cosas no serán sencillas para nadie; además de ser testigos de persecuciones, balaceras y hasta peleas con serpientes, es interesante el manejo que le dan a los personajes, especialmente a Diana, haciendo hincapié en lo molesta y detestable que puede ser, pero al mismo tiempo explorando el mundo en el que (sobre)vive bajo sus propias y extrañas reglas.

    Ladrona de Identidades | Crítica
    El humor es similar al de la serie Mike & Molly

    Ladrona de Identidades muestra cierta madurez en los protagonistas en este sentido, no sólo son actores intentando causarnos risa con alguna descabellada puntada, sino que desarrollan sus personajes al punto de lograr cierta empatía aún con lo disímiles que los vemos al principio del filme. La chantajista obviamente encuentra su momento de redención, pero no por ello sin enfrentar las consecuencias de sus actos, mientras que Sandy sale por momento de su zona confort para enfrentar problemas reales.

    Sin ser ni de lejos la mejor película ni el estreno recomendable en cartelera, Ladrona de Identidades puede ser una comedia apetecible para el público en busca de una cinta ligera. Aquellos que conozcan la teleserie Mike & Molly ubicarán inmediatamente a Diana, por lo que también pueden esperar un estilo similar de humor en este largometraje. La historia no enganchará del todo a muchos, pero si lo logra prepárese para un buen momento de risas y enredos.

  • Black Rock Shooter: The Game | Reseña

    Black Rock Shooter: The Game | Reseña

    Tomado del más clásico molde de las historias dentro de un RPG de corte japonés, Black Rock Shooter arriba a la PSP junto con toques de un juego de disparos en tercera persona. En esta peculiar aventura tomas el control del clon de una cantante que recibió habilidades sobre humanas -benditos videojuegos- y despierta en un mundo post apocalíptico, donde además de nuestra protagonista, que carece de memoria y rasgos de personalidad humana- la población del mundo se ha reducido a diez soldados.

    Black Rock Shooter: The Game

    Como es de esperarse, la chica que controlamos empezará a desarrollar y crecer como “persona”. Este recurso narrativo de hacer que los que menos entienden la condición humana son los que llegan a apreciarla más se ha masificado a tal extremo que francamente me tiene hasta la madre.

    ¿Cuántas veces no hay un personaje que es en esencia un infante en la búsqueda de auto descubrirse y valorar los sensaciones humanas? En cine podemos mencionar infinidad de ejemplos como Inteligencia Artificial, El Hombre Bicentenario y Cloud Atlas, mientras que en los videojuegos tenemos casos como el Deus Ex: Human Revolution, Devil May Cry, toda la saga de Mega Man X y Bioshock 2, sólo por mencionar algunos).

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    La diferencia en Black Rock Shooter: The Game es que aquí tomamos el control de una niña pre adolescente con poca ropa y habilidades súper humanas, por si el juego necesitaba ser más japonés. Bueno, en realidad se trata de una franquicia japonesa que incluye animación, canciones y ahora un videojuego.

    A mi gusto, una buena historia tiene que poseer al menos dos ingredientes importantes: Un lugar interesante y personajes a la misma altura. El lugar es una tierra desolada y los personajes secundarios son tan profundos como una cucharada de té; puedes identificar que los motiva inmediatamente además de tener vagas influencias en tu personaje siguiendo la fórmula que llamaré “descubriendo tu humanidad”.

    Disparando al enemigo

    En Black Rock Shooter: The Game, el gameplay se divide de la siguiente manera: Cada capítulo tiene un número determinado de misiones (más de cuatro) donde avanzas por escenarios lineales con poco espacio de exploración, eliminas enemigos en una perspectiva de disparos en tercera persona con una serie de habilidades súper poderosas que puedes asignar a los cuatro botones principales, para desbloquear el siguiente fragmento de la escena hasta llegar a un jefe o encuentro significativo y pasar al siguiente nivel.

    Black Rock Shooter: The Game | Reseña
    La protagonista es la clásica teen enseñando pierna

    Los enemigos menores son poco imaginativos. La mejor manera de poder describirlos sería como sapos, insectos, manos gigantes, pollos más gigantes, bloques con piernas que se irán acercando a ti en la escena de batalla, etc. Para contrarrestarlos debes usar tu cañón de mano y dispararles, bloquearlos, esquivar sus ataques y usar algunas habilidades especiales, pero debes tener en cuenta que abusando de ciertos movimientos tu arma se sobrecalentará y tendrás que esperar a que se enfrié totalmente para continuar, momento en el que te quedas totalmente desprotegido.

    Los jefes, por su parte son los comandantes del ejército otaku extraterrestre invasor sacados de un manga (hay manga de Black Rock Shooter: The Game, por supuesto) y al igual que el resto del elenco tienen una motivación unidimensional que a pocos les interesará conocer.

    Como en todo RPG, acumulas puntos de experiencia y obtienes mejores habilidades para usar en la batalla, tales como recuperar tus puntos de vida, aumentar tu defensa, disparar ataques especiales y un largo etcétera que sólo descubres con varias horas de juego y mucha dedicación.

    Black Rock Shooter: The Game | Reseña
    Algunos niveles le dan algo de variedad, pero no te emociones

    Black Rock Shooter: The Game no es sencillo, requiere de mucha destreza y presenta un desafío que en más de una ocasión se mostró tan complicado que sentí que el reto era injusto. Durante tus batallas, las habilidades especiales son precedidas de una animación donde no tienes control sobre tu personaje, esto se traduce en largos momentos donde dependiendo de cómo te embistan y si no has terminado la animación de tu poder quedas vulnerable y algunos ataques de los jefes te eliminan si no sabes esquivarlos con matemática precisión.

    A pesar de todo, no luce mal

    En cuanto a la presentación de este videojuego, con la excepción de los niveles lineales y los enemigos poco intimidantes que parecen sets mal armados de Mecano, es un título agradable a la pupila para ser de PSP. La banda sonora fue particularmente agradable mientras traversas los amplios escenarios.

    Eso sí, Black Rock Shooter: The Game sólo tiene disponible audio japonés con subtítulos en inglés; a pesar de que no soy partidario de esta filosofía de diseño de no entender lo que dicen los personajes, pude salir de mi zona de confort y la experiencia no fue terrible. Además, seguramente es algo que agradecerán los más acérrimos seguidores de los juegos japoneses.

    Black Rock Shooter: The Game | Reseña
    Se requiere habilidad y paciencia para las batallas

    En resumen Black Rock Shooter: The Game es un título desafiante pero repleto de clichés ya explorados con mayor profundidad en otras dimensiones. Su gameplay, que se sale de la fórmula clásica de los JRPG al integrar un estilo dinámico que requiere habilidad y precisión, es desafiante y ofrece algunos buenos momentos, aunque no los necesarios para enganchar a todo el público por igual.

    [highlight]Black Rock Shooter: The Game fue reseñado usando un código de descarga provisto por NIS America.[/highlight]

  • Los Juegos del Destino | Crítica

    Los Juegos del Destino | Crítica

    Una historia de amor regida por la locura y el impulso de convertirse en una mejor persona. Dirigida por David O. Russell (El Peleador), Los Juegos del Destino es la adaptación cinematográfica de la novela Silver Linings Playbook, publicada en 2008 y escrita por Matthew Quick.

    Los Juegos del Destino

    Pat Peoples (Bradley Cooper) es una persona que ha pasado la mayor parte de su vida sumido en la presión y el estrés, sin embargo las cosas no se ven tan mal, claro, hasta que un día encuentra a su mujer con otro hombre en la regadera y, para colmo, escuchando de fondo la música del día de su boda.

    Este evento de forma detonante le hace ver que algo no anda bien y que quizá así ha sido siempre; un estallido de ira incontrolable ha servido como explosivo para propinarle una dura, realmente dura paliza a la persona que estaba con su mujer y que de paso lo arrastró una buena temporada al psiquiátrico donde deberá lidiar con su personalidad bipolar.

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    Sin embargo Pat no es alguien que se dé por vencido fácilmente, y, haciendo trampa con los medicamentos que le recetan, comienza a vislumbrar un camino que le ayude arreglar su vida: ser alguien diferente, positivo, con visión a futuro y tratando de mostrar lo mejor de sí para con todo el mundo; la motivación de Pat, sin embargo, no es mera superación personal, sino el deseo de recuperar a su esposa, quien obviamente lo abandonó y guarda una orden de restricción contra él.

    En esta ilusión centra su fortaleza Los Juegos del Destino, la espera de un hecho que todos sabemos es prácticamente imposible, pero que nuestro protagonista lucha por creer alcanzable. El esfuerzo por reencontrarse con Nikki finalmente también lo lleva a un sendero vacío, uno que si no se mira de manera realista puede hacerlo recaer y que vuelva siquiátrico.

    Afortunadamente él cuenta con una familia amorosa; su padre (Robert De Niro) y su madre (Jackie Weaver) siempre le han comprendido, y junto a buenos amigos como Ronnie (John Ortiz) las cosas parecen pintar mejor; en este momento entra en escena una chica muy particular, Tiffany (Jennifer Lawrence), una reciente viuda y adicta al sexo que se compromete a ayudar a Pat.

    Los Juegos del Destino | Crítica
    ¿Una adicta al sexo y un furibundo bipolar? Nice match!

    El lado bueno de las cosas

    Tiffany se vuelve el condimento perfecto para Los Juegos del Destino, en una tragicomedia romántica que durante cada uno de sus 122 minutos destila una atmósfera llena de carisma, buenas actuaciones, una narrativa sumamente dinámica y una muy destacable banda sonora realizada por Danny Elfman, a quienes muchos ubicarán por sus colaboraciones en películas como Misión Imposible y Hombres de Negro.

    Los Juegos del Destino, multi nominada y ganadora de numerosos premios, es una película que llamará inmediatamente la atención del espectador; no sólo guarda una historia sumamente entretenida por sí misma, sino una con la que muchos se sentirán identificados.

    El largometraje, con un claro mensaje de superación y empatía, exhibe la realidad de muchos de nosotros, los que mantenemos bajo llave un poco de locura, casi siempre mal vista, pero que funciona mejor cuando encontramos con quien compartirla, como es el caso de Tiffany y su genuino interés por ayudar a Pat a la vez que enloquece su relación al cruzarse continuamente por su camino casi siempre de forma agresiva.

    Los Juegos del Destino | Crítica
    Los Juegos del Destino muestra las ventajas de una familia unida

    En general, Los Juegos del Destino es un drama sin excesos que muestra un lado cómico y peculiar de las situaciones más difíciles en lugar de enfrascarse en insufribles escenas llenas de tristeza, una reinvindicación de los gastados argumentos románticos en cine, en pocas palabras, totalmente disfrutable. Buenas actuaciones, carisma en todos sus personajes, un sutil drama de relaciones humanas y entendimiento que demuestra que Jennifer Lawrence y Bradley Cooper son prácticamente una pareja perfecta. Ya está disponible en Blu-ray y DVD.

  • Iron Man: Extremis | Reseña

    Iron Man: Extremis | Reseña

    Con el estreno de la reciente película Iron Man 3, Marvel México publicó una compilación tipo Monster Edition de Extremis, uno de los clásicos modernos del personaje, que tuvo sus orígenes en las páginas de Invincible Iron Man (volumen 4), concretamente los números 1 al 6, publicados entre 2004 y 2005.

    Iron Man: Extremis

    Como puedes imaginarte con el título, la trama de este cómic inspiró en cierta medida a Iron Man 3, sin embargo, para quienes deseaban ver esta célebre saga adaptada fielmente a la pantalla, el filme fue una decepción, debido a que dejó fuera los puntos importantes y alteró todo lo demás hasta volverlo algo irreconocible.

    De cualquier modo, luego de ver Iron Man 3 definitivamente se antojó hacer una relectura de este arco en cómics, más cuando hay que tomar en cuenta que Iron Man: Extremis no sólo sirvió de inspiración directa para la tercera cinta, sino que sentó las bases del universo fílmico del Hombre de Hierro. La pregunta es, ¿qué tan bueno resulta en comparación con el largometraje y como obra propia?

    La trama en Iron Man: Extremis presenta al multimillonario Tony Stark, quien  se encuentra sufriendo una crisis de identidad, aquejado por sus dilemas y su involucramiento en tecnologías de guerra. Por otro lado, un problema surge cuando una antigua colega de Stark, Maya Hansen, sufre un robo en sus laboratorios y sustraen una fórmula bioelectrónica llamada Extremis, capaz de reescribir “el sistema operativo genético humano” y convertir al cuerpo de un humano común en una máquina de matar indestructible.

    Como es de esperarse, Iron Man confrontará al ladrón, que ha escalado sus habilidades a un nivel donde el traje mecánico de Tony por momentos se siente más como un estorbo que como una ayuda, por lo que tendrá que “evolucionar” para poder estar al nivel de la situación.

    Otras subtramas, que en realidad ni son tan “sub” sino que tienen la misma importancia que la del “héroe contra villano” involucran el pasado y la carrera de Tony Stark como ingeniero, los vuelcos de su vida como armamentista y su trabajo con los Avengers, así como la relación con sus mentores y compañeros con los que se formó. A través de flashbacks y conversaciones, también se nos exponen diferentes temas, algunos prácticamente tangenciales, pero que enriquecen y dan mucho más perspectiva e interés a la historia de ciencia ficción que enmarca todo este combate entre dos maravillas de la tecnología.

    Iron Man: Extremis | Reseña
    Extremis desarrolla la personalidad de Tony Stark

    Temática y personajes

    Durante Iron Man: Extremis se crean debates internos entre una variedad de temas, poniendo distintos puntos de vista en boca de los personajes que interactúan con Tony Stark. Su autor, Warren Ellis, lo logra con singular enfoque y agudeza como siempre, mientras que todos los nuevos personajes que introduce, como el ex mentor de Stark, Sal, son memorables y se sienten excepcionalmente creíbles y realistas, con características e ideales que reflejan las de varias personas célebres del mundo real.

    El dilema principal en Iron Man: Extremis es si la ciencia y la tecnología tienen mayor capacidad de salvar al mundo que de destruirlo. Desde humanismo, crítica corporativista con una gran dosis de ironía, hasta cuestiones de revisionismo histórico relacionada con la psicodelia, la serie aborda sendos caminos que dan mucho que pensar al lector. Ellis sigue siendo un maestro en cuanto a aprovechar sus historias para traernos datos y hechos científicos en extremo interesantes.

    La fascinación de Warren Ellis con el transhumanismo, corriente científico filosófica que señala que a través del contacto con la ciencia el ser humano se está convirtiendo y se convertirá en mucho más, no está ausente en Iron Man: Extremis. En este caso, la encontramos en el personaje de Sal Kennedy, un psicodélico ex científico vuelto al new age y empapado de posmodernidad; un personaje en demasía interesante en este aspecto y que da ciertas lecciones a Stark y Maya.

    Iron Man: Extremis | Reseña
    El cómic tiene momentos para reflexionar

    El comentario social tampoco deja de estar presente, esta vez en la figura de Mallen, el villano, que representa el pasado trastornado de las guerras y la violencia social ya casi inherente en nuestra forma de vida. Aún así, ninguno de los personajes de Iron Man: Extremis se siente en absoluto como una simple “bocina de ideas” de su autor; todos ellos cuentan con una cualidad humana, sus propios dilemas y defectos de personalidad, y reaccionan de formas complejas al interactuar con los demás actores del cómic.

    Y respecto a Tony Stark, el protagonista de la historia, no esperen ver al encantador playboy que tal vez hayan conocido por el cine. En esta historia, previa a la película con Robert Downey Jr., nuestro protagonista se encontraba aún bien instalado en su papel del ingeniero confundido, ligeramente ansioso y torturado por su vida e identidad.

    Si bien se siente tal vez como el personaje más débil de la obra, la idea de un Tony sensible y vulnerable, que solo en los momentos climáticos es capaz de mostrar su verdadera convicción, supera al supuesto estado de vulnerabilidad que quisieron imprimirle en algunas partes de los filmes.

    Iron Man: Extremis | Reseña
    El cómic presenta al Iron Man más vulnerable

    Arte in Extremis

    El artista bosnio Adi Granov le hace la comparsa a Warren Ellis en cuestión de la ilustración. Su estilo de dibujo, fotorrealista e impresionista al trazar a los personajes, y sobrio casi al punto del minimalismo en cuanto a los fondos, es sencillamente adecuado para Iron Man: Extremis, que corre con el mismo cálculo de timing y narración que una buena película. Los ángulos mismos en que se toma cada viñeta son perfectamente cinematográficos y crean en el lector esta sensación.

    Pero aunque muy bueno, no puede calificarse precisamente de espectacular. Al lector acostumbrado al vibrante dinamismo y plástica del cómic de superhéroes le parecerá aburrido; y para el lector general parece un poco o bastante tieso. Todo el énfasis está centrado en la figura de los personajes y, por lo mismo, los escenarios se sienten muy poco trabajados.

    No obstante, el trabajo de arte en Iron Man: Exremis no deja de ser bueno y obviamente requirió una labor estupenda de planeación y coordinación artística entre escritor, narrador e historia de parte de la editorial.

    Iron Man: Extremis | Reseña
    El arte no es tan pulcro, pero encaja muy bien

    Cuestiones editoriales

    Iron Man: Extremis está a punto de cumplir unos diez años de publicación y definitivamente se siente un poco obsoleto, nos guste o no. La controversia entre Tony Stark y sus “contratos con militares” se menciona prácticamente cada dos páginas, y aunque en plena era Bush Jr. por aquellos años era un tópico en boguísima, a las nuevas generaciones que sólo recuerdan la vida bajo el ala de Obama todo esto les parecerá ridículo.

    Del mismo modo, aunque pocas, las referencias a tecnología “moderna” alcanzan extremos absurdos. Stark discutiendo sobre su “red ultramoderna” que “te permite descargar un mp3 a tu celular en 30 segundos” nos dan ganas de excavar un agujero y morirnos.

    Como todo, es comprensible. Sin embargo, en ese aspecto creemos que Marvel México debió cuando menos añadir una aclaración al principio del cómic explicando en qué año se creó y publicó originalmente; pero buscando por todo el libro… ¡No hay ni una referencia a esta corrida original, ni siquiera en los créditos! Del mismo modo, tampoco se encuentran en la edición de Televisa números de página, ni los créditos de las portadistas, que a veces vale la pena revisar. Marvel México tendrá que seguir mejorando y poner atención a esto en sus próximas ediciones.

    Iron Man: Extremis | Reseña
    Una lectura muy recomendable para fans y no fans

    Imperdible Iron Man

    Tratándose de una historia como la es, Extremis no hubiera podido traducirse íntegra y exitosamente al medio del cine, o más bien, del blockbuster al que Marvel Studios nos tiene acostumbrado. Si lo que esperan es un festín de acción y efectos como en la película de Iron Man 3, lo que encontrarán en su lugar es una historia íntima y cerebral, en la que eso sí la acción y el dramatismo de las batallas no desmerece en lo más mínimo y se sienten como un auténtico, único y concentrado clímax, donde además desembocan todos los temas abordados en la trama.

    Por si fuera poco, el final de Iron Man: Extremis supone un cambio drástico al estatus del personaje, y no sólo dentro del título propio sino de todas las líneas de los cómics de Marvel, acabando de realinearlo para el siglo XXI.

    Infinitamente mejor construida que la película que vieron en los cines, Iron Man: Extremis es una de las historias esenciales de Iron Man que nadie se debe de perder, te gusten o no las películas y/o los cómics. Sin embargo, desde la última vez que lo leímos pierde media estrellita, ya que su tema principal ha perdido interés (que no vigencia) con los cambios políticos que se han dado desde entonces.

  • Star Trek: En la Oscuridad | Crítica

    Star Trek: En la Oscuridad | Crítica

    El espacio ha sido llamado por décadas la última frontera. La exploración del universo y desentrañar sus milenarios secretos han servido de inspiración a la industria del entretenimiento desde siempre, para un público que sueña llegar junto a sus personajes favoritos a los recovecos más distantes de una galaxia desconocida.

    Star Trek: En la Oscuridad

    Este sentimiento fue el que los creadores de Star Trek vislumbraron para la serie Viaje a las Estrellas en 1966, que debido a sus bajos presupuestos e historias redundantes tuvo que ser cancelada con apenas tres temporadas. Le siguieron una tonelada de películas, la mayoría bastante malitas, creándole a Star Trek una extraña fama de ser una franquicia popular más no necesariamente una buena.

    Paramount Pictures puso a Star Trek en las manos de J.J. Abrams con la intención de reiniciar, relanzar y reformular para 2009 todo lo que la serie tenía de bueno y no había sido aprovechado,  ahora con mucha mayor capacidad por parte de los efectos especiales para retratar historias más verosímiles aun cuando hablamos de futuros tan distantes. El filme fue un éxito en taquilla, pero era sólo la punta del iceberg.

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    Star Trek: En la Oscuridad es el regreso a esta reinventada franquicia. Chris Pine y Zachary Quinto retoman sus roles como el capitán Kirk y el primer oficial Spock al mando de la USS Enterprise; junto con ellos viene toda la tripulación que conocimos hace cuatro años, Bones (Karl Urban), Hikaru Sulu (John Cho), Scott (Simon Pegg), Chekov (Anton Yelchin) y la teniente Uhura (Zoe Saldaña), por mencionar a los más destacados. Las actuaciones son regularmente buenas y no podemos quejarnos al respecto.

    El regreso de Kirk y Spock

    El argumento nos lleva algunos años después de la conclusión de la primera entrega, Kirk es un intrépido capitán que mantiene esa extraña manera de no seguir las reglas, o de interpretarlas a su forma. Spock ha endurecido su carácter producto de la destrucción del planeta Vulcano y se mantiene como un fiel seguidor de las premisas institucionales hasta sus últimas consecuencias.

    La personalidad de ambos jugará un papel importante en Star Trek: En la Oscuridad, y J.J. Abrams suele jugar con esta parte para definir el desenlace de ciertas situaciones y a su vez otorgarle profundidad a los protagonistas: encariñarnos con ellos, vaya.

    Star Trek: En la Oscuridad
    Zachary Quinto y Chris Pine regresan como Spock y Kirk

    Sin embargo, muy pronto en la película vemos a James Kirk removido de su cargo al romper algunas de las normas en una misión de exploración y ser prácticamente echado de cabeza por su primer oficial. El capitán es puesto como segundo al mando de su nave, mientras que Spok es reasignado a otra unidad. Pero poco o nada durarán en estos nuevos puestos, pues una misteriosa explosión en una “biblioteca” de la Federación obliga a los altos mandos a realizar una reunión de último momento, sólo para darse cuenta que les ha declarado la guerra ¡un solo hombre!.

    Ágil, diestro en las armas y dominador del combate cuerpo a cuerpo, el ex oficial John Harrison ahora se alza por su propia cuenta contra la Federación en lo que pareciera una misión suicida, de no ser por el gran secreto que esconde y que lo vuelve prácticamente un arma de destrucción masiva.

    La fuerza del antagonista

    Buenas películas necesitan buenos protagonistas, pero buenos protagonistas son alimentados por un excelente antagonista. Al final, la calidad de la narrativa la dicta no el bueno de la historia, sino el villano en turno, y es algo de lo que muchas cintas de este género han adolecido. Pero no Star Trek: En la Oscuridad.

    Star Trek: En la Oscuridad
    ¿El villano capturado? Hay montones de giros de tuerca aquí

    Benedict Cumberbatch logra con John Harrison uno de los villanos más memorables que recuerde a corto plazo. Uno que te invita a odiarlo sin que por ello dejes de sentir admiración. Uno al que respetas no sólo por su evidente sensación de poder, sino por sus motivaciones. J.J. Abrams, sin embargo, no se conforma sólo con dejarlo como el “malo del cuento” sino que arma una elaborada red de intrigas que sorprenderán al espectador hasta el último momento.

    Podemos resumirlo de manera simple: si te gustaron los tráileres de Star Trek: En la Oscuridad y crees conocer al villano, no es así. El producto final es mucho mejor y el villano también. Los trekkies más aferrados incluso gozarán con el personaje, pues inmediatamente ubicarán a este conquistador representado originalmente en la serie original por el actor mexicano Ricardo Montalbán.

    Ciencia ficción como nos gusta

    Y aparte del antagonista, ¿qué más ofrece Star Trek: En la Oscuridad? Mucho. Como mencioné, la historia no es tu típico recorrido en línea recta de punto A a punto B, sino que el director ideó la manera de mantener al borde del asiento al espectador no sólo con la pletórica demostración de efectos especiales, sino con una trama que por sí misma justifique el ver el filme. Drama y suspenso son las constantes aquí… junto con la acción.

    Star Trek: En la Oscuridad
    La Enterprise la pasará muy difícil en la película

    Y vaya que hay acción. Si te gustan las cintas con pocos momentos para respirar y trepidantes montajes cada diez minutos, bienvenido al mundo de Star Trek: En la Oscuridad. Esta obra de la ciencia ficción intergaláctica no tiene empacho en mostrar una nueva secuencia de acción más impactante que la anterior durante todo el viaje. Adornada y ambientada con increíbles efectos especiales, podemos considerarla -y por mucho- la mejor exponente en efectos especiales de su género.

    Ahora que si te gusta ver las películas en 3D, tampoco te decepcionará. El trabajo realizado con el efecto de tercera dimensión es destacado, con primeros planos muy bien logrados y objetos que brincan sutilmente a la pantalla durante las escenas de mayor velocidad. El 3D logra su objetivo: ser inmersivo y darle una mejor experiencia al público.

    Realmente me cuesta mucho trabajo no calificar a Star Trek: En la Oscuridad como perfecta, al menos en su género; el único detalle relativamente negativo que le veo es que parte de disfrutar muchas de las bromas entre la tripulación y algunas referencias que hacen es haber visto el primer filme, lo cual no es en sí un problema y ni siquiera una necesidad, pero sí redondea la experiencia.

    Star Trek: En la Oscuridad
    No pasan ni cinco minutos cuando la acción invade la pantalla

    Alucinante, intrépida, estéticamente sublime, con un apoteósico villano y una historia para recordar. Star Trek: En la Oscuridad tiene todo lo necesario para ser la mejor película de la franquicia  y el mejor filme de su tipo en los últimos 30 años. Es cierto, no es un completo viaje a las estrellas, pero deja todo listo para celebrar como nunca los 50 años de Star Trek con una tercera parte en 2016. Mi sugerencia: dirígete inmediatamente a velocidad warp a ver el mejor estreno comercial del año.

  • Hyperdimension Neptunia Victory | Reseña

    Hyperdimension Neptunia Victory | Reseña

    Uno de mis propósitos de Año Nuevo fue experimentar con nuevos géneros. Cuando supe que Hyperdimension Neptunia Victory era un JRPG exclusivo de PlayStation 3 donde los personajes son chicas lolis que viven en un peculiar mundo llamado Gamindustri y cada una administra un país que representa una consola de videojuegos (con nombres tales como Planeptune, Laststation, Lowee y Leanbox), supe que este título era justo lo necesario para iniciar mi travesía.

    Hyperdimension Neptunia Victory

    La historia de Hyperdimension Neptunia Victory sería difícil de explicar, pero podemos resumirla en una trama vacía que toma referencias de todo lo que le gusta a los japoneses, desde chicas preadolescentes en provocativos atuendos hasta tecnología geek y videojuegos. El argumento nunca intenta ser serio y se burla de sí mismo, aunque a veces lo hace de manera demasiado frecuente.

    Ignoro si uno de los gustos otakus es tener una montaña de texto antes de poder pasar a la acción del juego, pero esta es la premisa universal en Hyperdimension Neptunia Victory. Básicamente, cualquier acción que intentes realizar está precedida por toneladas de letras, ya sea para equiparte un nuevo ítem o siquiera para enfilarte hacia alguna batalla.

    [youtube id=”Eu1juaIXspU”]

    A esto le sumas que la presentación de Hyperdimension Neptunia Victory es horrible; no soy ajeno al estilo de novela gráfica, como Phoenix Wright (de mis juegos favoritos), pero por si la cantidad de diálogo escrito no fuera suficiente, el título abusa de esas típicas conversaciones ilustradas por la imagen del personaje en pantalla, en este caso con evidentes limitaciones para mostrar la mínima expresión, ya que cuando algunas de las chicas tiene la decencia de hablar se mantiene la misma ilustración… quizá con los ojos diferentes.. Las pláticas se vuelven monótonas, con los mismos cuadros de conversación repetidos una y otra vez.

    Por si fuera poco, el desarrollo de los protagonistas, parte esencial en cualquier RPG aunque sea uno no tan serio, se reduce a ser una loli que comanda una nación como princesa totalmente desconectada de la realidad hasta que saltas a otra dimensión donde puedes seguir siendo una mantenida.

    Un JRPG unidimensional

    Todos los personajes son unidimensionales, Neptune (la protagonista) sólo se interesa en jugar videojuegos, dormir y de vez en cuando comer. El resto tiene una motivación intrascendente durante el transcurso de la trama. La mecánica de observar sus insulsas problemáticas cambia de vez en cuando para matar a cierta cantidad de monstruos, explorar la zona o realizar algunas encomiendas adicionales.

    Hyperdimension Neptunia Victory | Reseña
    Diálogo y más insulso diálogo

    Ahora que sí pensabas que sería un gran alivio cuando por fin llegase la acción y entraras a los calabozos, no te emociones tanto. Hyperdimension Neptunia Victory sigue teniendo un look muy genérico, que bien pudo haber salido de cualquier película post Tron, con muchas líneas rectas, acabados metálicos, robots salidos de Los Supersónicos y mezcla de las criaturas más chafas de Monster Hunter. Aquí todo lo que no tiene una estética tipo anime luce terrible y se nota que el motor gráfico ya no está acorde a los tiempos actuales.

    Para echarle sal a la herida, en Hyperdimension Neptunia Victory es necesario un grinding (subir niveles a lo güey) bestial para superar la muy inclinada curva de dificultad. El peor momento en mi experiencia fue descubrir al primer jefe pasando los primeros dos episodios, morir, volver a intentarlo, morir y repetir hasta que en mi frustración consulté una guía y descubrí que necesitaba llegar a nivel 25 para desbloquear las habilidades mágicas necesarias para vencerlo. Apenas era nivel 11.

    Esto puede ser también un error en el diseño del juego, pues las primeras horas de Hyperdimension Neptunia Victory son bastante permisivas y sientes que tu equipo es invencible, para de repente darte de topes con la pared por un repentino y manchado incremento en la dificultad. Las batallas no sólo te requerirán nivel, sino estrategia para salir avante, ya sea mejorando a tu equipo o debilitando al enemigo previo a atacarlo.

    Hyperdimension Neptunia Victory | Reseña
    Subir de nivel es imperativo para superar la curva de dificultad

    Gracias NIS America… pero es muy japonés

    Los combates en sí tienen su complejidad y por momentos son adornadas por secuencias de súper poderes que lucen más o menos bien y representan lo mejor del aspecto gráfico del título. Tienes la capacidad de incrementar tu poder para realizar remates espectaculares y aniquilar más rápido a tus enemigos, pero al mismo tiempo existe la posibilidad de que contra lo que te enfrentas evolucione a una forma más poderosa de sí mismo que, aparte de extender tediosamente la batalla, puede que termine pateándote.

    En este momento vale la pena retomar la cantidad y mala calidad del diálogo en Hyperdimension Neptunia Victory. Después de horas de juego, duros enfrentamientos y justo cuando a tu personaje le van a entregar el aparato que le permite transformarse en la modelo del arte de la portada, cuando esperas algo significativo, siguen hablando hasta el infinito, como si sólo se “escucharan” entre ellas mismas.

    Estoy consciente que este es un problema más con el género y el público meta al que va destinado que con los escritores en sí, pero sospecho que los mangakas (hay manga de Hyperdimension Neptunia) son los mismos que escribieron todos los diálogos para el juego sin entender que es un medio distinto: interactivo. A menos de que seas un clavadazo de este tipo de títulos, existirá una gran desconexión entre el interés del gamer con lo que sucede en pantalla.

    Hyperdimension Neptunia Victory | Reseña
    Esto es quizá lo mejor de Hyperdimension Neptunia Victory

    En conclusión Hyperdimension Neptunia Victory es un producto poco atractivo, poco disfrutable y el único interés que puedo verle para un segmento de nuestros queridos lectores es que tiene a chicas lolis en situaciones que ciertos otakus podrían disfrutar (y jugarlo lo más alejado de la Policía). Muchas horas de juego, muchas cosas que hacer,  un RPG poco serio y quizá demasiado japonés que peca de tedioso.

    [highlight]Hyperdimension Neptunia Victory fue reseñado usando una copia retail provista por NIS America.[/highlight]

  • Reseña de Guacamelee!

    Reseña de Guacamelee!

    Luchadores, día de muertos, anuncios de tequila y todo el folclor y estereotipos de la cultura mexicana combinados con juego de acción y plataformas para PlayStation 3, PS Vita y Steam (PC, Mac y Linux) suponía una bomba dispuesta a explotar a la menor provocación. Sin embargo, el estudio Drinkbox nos demuestra que todo puede coexistir y ofrecernos con Guacamelee! un título al que debíamos echarle el ojo.

    Guacamelee!

    Aquí controlas a un luchador enmascarado que comienza como trabajador campesino cualquiera en una villa llamada Pueblucho, algo que puede parecer un insulto racial a primera vista, regresando a los tiempos en los que todo el mundo pensaba en México vivíamos como Speedy Gonzalez.

    Pero al iniciar la partida y con sólo unos minutos de conocer al personaje y al mundo en que habita (y que trata de salvar), caí en cuenta que Guacamelee! no se trata de estereotipos, sino de rasgos, patrones de la identidad cultural mexicana representados de la manera más ligera para ser atractivo a todo el público, pero a la vez respetando los orígenes de todo lo que vemos en pantalla.

    Guacamelee! es un juego de acción y aventuras con plataformas en dos dimensiones y fuertes dosis de exploración, en un género llamado comúnmente “Metroidvania”. Aquí nos ponemos en los guaraches de Juan Aguacate, un recolector de agave enamorado de la hija del presidente (asumo que presidente municipal). El destino es cruel e irónico, pues cuando ambos se reencuentran después de años de no verse, la joven pueblerina es secuestrada por las huesudas manos de Carlos Calaca, un charro calavera que tiene pensado ofrecerla en sacrificio humano durante el Día de Muertos para así poder fusionar la dimensión de los vivos con la de los difuntos. Como es de esperarse, y tras una serie de sucesos inesperados, Juan parte máscara en mano en una búsqueda para rescatar a su amada.

    Para superar tu misión, Guacamelee! te ofrece un amplio repertorio de movimientos ofensivos y defensivos. El modo de juego es fácil de entender, pero difícil de dominar, con un sistema de salto, golpe, agarre y combos básicos que van aumentado en complejidad conforme desbloqueas nuevas habilidades en forma de poderes especiales.

    Estas mejoras las obtienes al destruir estatuas Chozo (nótese que no es una estatua “chozo” para no infringir derechos de autor), momento en que aparece tu gran maestro de la lucha -una cabra humana- que te revela los secretos del pancracio, como un macizo cabezazo, la caída de rana y el salto de cabra. Aparte de combinarlos con tus ataques regulares, los poderes te permiten romper/librar ciertos obstáculos para acceder a nuevas áreas del juego, por lo que el backtracking está a la orden del día.

    Guacamelee!
    Más mexicano, imposible

    Los movimientos especiales de Guacamelee! hacen uso de la resistencia de nuestro protagonista, por lo que tendremos que encontrar algunos objetos para mejorarla; de la misma forma puedes reunir pedazos de corazón para aumentar tu barra de vida. Ya sabes, este es un juego para los obsesivos de encontrar cada artefacto y buscar en cada escondite hasta el último fragmento de tus mejoras, más aún cuando son necesarias para obtener el buen final.

    El último ingrediente del refinado gameplay de Gucamelee! viene en la forma brincar entre el mundo de los vivos y el de los muertos, ambos conectados por portales a los cuales tendrás que acceder para abrirte camino, ya que algunos parajes bloqueados en tu dimensión quizá tenga una salida en la de los difuntos. Hay varios momentos donde este elemento se usa en secuencias rápidas de plataformas que te exigirán coordinación ojo-mano al máximo.

    La batalla final es lo que toda pelea contra un jefe debe ser: un examen del dominio de tus habilidades con una curva de dificultad extremadamente alta que requiere de precisión, buenos reflejos, combinaciones y el espíritu de luchador para al vencer dejarte una sensación de satisfacción y el derecho innato de presumir tu trofeo al derrotar a Calaca.

    Guacamelee!
    En el modo de dos jugadores te ayuda la misteriosa Tostada.

    Pero Guacamelee! no sería quizá ni la mitad divertido sin la increíble dirección artística que posee. Este mundo respira vivacidad con gráficos coloridos y animaciones que inmediatamente capturan tu mirada. Los bellos visuales se complementan con un sonido acorde y pegajosas melodías con arreglos de mariachi tocando en el fondo.

    No sólo eso, el título incluye montones de guiños y referencias, no sólo a México (en forma del escudo nacional, espectaculares de tequila, cabezas olmecas, guerreros jaguar, altares a los muertos y un curioso lenguaje spanglish), sino también a muchos otros videojuegos y memes de Internet, a los cuales hace referencia usando principalmente carteles que te encuentras en diversas partes del mapa.

    El único punto en que se le puede criticar a Guacamelee! es la duración. A pesar de ser un juego descargable, se siente demasiado corto para el género al que pertenece y puedes terminarlo con la mayoría de coleccionables en alrededor de seis horas. Claro que hay más cosas por hacer, en forma de una dificultad extra, un brillante trofeo de platino y un entretenido -aunque no tan pulcro- modo cooperativo para dos jugadores, pero nos hubiera gustado gozar algo más de tiempo las aventuras de Juan Aguacate. El otro punto “raro” que encontré es que una vez que obtienes el poder de convertirte gallina puedes planear sobre todas las secciones de plataformas, reduciendo la dificultad a cero.

    Guacamelee!
    Guacamelee! es también referencias y mucho humor.

    Para cerrar la reseña sólo queda decir que estamos ante una excelente adquisición para tu biblioteca digital, más cuando con la misma compra obtienes las versiones de PS3 y PS Vita con soporte para cross-save. La versión de Steam (Gold Edition), por su parte, ya incluye todos los DLC. Con su gran sentido del humor, gameplay (casi siempre) desafiante, personajes coloridos -aunque carentes de diálogo-, notable dirección de arte, adictivo sistema de combate y fino diseño de niveles, Guacamelee! merece ser jugado de dos a tres caídas sin límite de tiempo.

  • Far Cry 3: Blood Dragon | Reseña

    Far Cry 3: Blood Dragon | Reseña

    Casi como un capricho, los gamers nos hemos vuelto entes que consumimos franquicia tras franquicia mientras a la vez exigimos a los desarrolladores que se atrevan a experimentar, a innovar, a salirse del molde con conceptos que desafíen lo establecido. La respuesta de Ubisoft a esta petición entre una saga establecida y aire fresco puede ser Far Cry 3: Blood Dragon, una curiosa visión de los años 80 desde una perspectiva en primera persona.

    Far Cry 3: Blood Dragon

    Lo primero que hay que hacer notar es que Far Cry 3: Blood Dragon es una expansión de Far Cry 3, pero no necesitas el título original para poder jugar este shooter, ya sea en PlayStation 3, Xbox 360 o computadora. El modo de juego mantiene ciertas similitudes como el elemento de exploración y la caza, pero es en sí mismo un juego distinto.

    La historia aquí nos lleva a una distópica realidad futurista, en un 2007 donde tomas el rol de un guerrero cibernético mejorado por las autoridades gubernamentales, con un sistema operativo basado en las experiencias de combate del mejor soldado que jamás haya existido; el mundo nos da una cacheta y la ironía es que este soldado ha vuelto en contra del gobierno y es tu deber rastrearlo hasta la isla ha conformado su ejército particular, usar sólo tus habilidades súper humanas para sobrevivir y explotar tus mejoras de billón de dólares para detener sus planes.

    [youtube id=”0dofacvjRkc”]

    Con sólo conocer la trama, ver el tráiler y checar el logo de Far Cry 3: Blood Dragon, uno se da inmediatamente cuenta del giro que la gente de Ubisoft colocó en este producto. La trama y narrativa están llenas de bromas rebuscadas, clichés y referencias a los 80 salpicadas con pequeños momentos de creatividad y algunos, sólo algunos, buenos chistes.

    En teoría, todo esto lo planearon los escritores para darle un giro de comedia al videojuego y que el usuario no se tome tan en serio el hecho de que los monstruos emblemáticos son “dragones de sangre” y mal humor que lanzan láseres mientras la pantalla se infesta de enemigos cibernéticos; pero el abuso del chiste se llevó a tal grado que dejó de ser divertido.

    En cuanto al gameplay, Farcry 3: Blood Dragon es un FPS con elementos de mundo abierto en una locación exótica, todo muy característico en la serie. Además de tu misión central de derrocar al tirano cíborg, cuentas con misiones secundarias que van desde rastrear ciertos animales -donde la ubicación dificultará la caza y debes usar un arma específica, como matar tiburones láser con explosivos-, hasta capturar las bases enemigas.

    Far Cry 3: Blood Dragon
    ¡Groaar!

    A diferencia de Far Cry 3 donde recapturar estos enclaves era lo más divertido, aquí faltan ciertas habilidades que hacían entretenido infiltrarte sigilosamente, planear la mejor ruta de ataque o ser lo suficientemente rápido para evitar que te detecten; en Farcry 3: Blood Dragon puedes básicamente entrar “a la Rambo” o escabullirte para desactivar la alarma y dejar que un blood dragon haga el trabajo pesado.

    La principal diferencia de este spin-off es que está mucho más focalizado como una experiencia de acción que como un enorme mundo para recorrer: los combates frontales son más recurrentes y la variedad y el tipo de armas te invitan a usarlas lo más posible, en lugar de escatimar y esperar la mejor la oportunidad para hacer uso de un arsenal más metódico.

    En Farcry 3: Blood Dragon sigues teniendo la capacidad de desbloquear mejoras para tus armas al cumplir algunas de las misiones secundarias que incluyen matar un animal específico, pero este aspecto se vuelve bastante cansado y repetitvo, no sólo por la cuestión de hacerlo hasta el cansancio, sino por lo tedioso que suele ser apuntar y disparar a algunas escurridizas bestias.

    Far Cry 3: Blood Dragon
    Blood Dragon es un shooter más atascado

    La narrativa y el esquema de misiones puede parecer divertido en papel, aunque durante mi sesión de juego, después de terminar una misión, un peculiar diálogo se dio entre mi personaje y la narradora de Farcry 3: Blood Dragon, en lo que podría ser mejor descrito como “romper la cuarta pared”; pero tuve la idea de ir a explorar el mundo abierto y retomar una de las bases enemigas donde me encontré con un grupo de dragones que me convirtió en la cena; al volver al mapa, el mismo diálogo ocurrió sólo para probar un punto: cada vez que reiniciaba te recitaban la misma línea, como un comediante que solo tiene un buen chiste.

    Otro aspecto que me sacó de la experiencia es que Farcry 3: Blood parece un video de Daft Punk (que aparte son de los 90): los colores neón, las luces fosforescentes y el cielo rojo a menudo eran molestos de ver, aunque también es de remarcar que la presentación del juego destaca inmediatamente de cualquier otra cosa que hayas jugado, con momentos que no arruinaré adelantando, pero donde la acción se complementa perfectamente con la música y el estilo visual.

    Para narrar el argumento y destacar los sucesos importantes, se hace uso de cuidadas escenas cinemáticas diseñadas como si se tratara de un título de 8 o 16 bits, algo que puede agradar a muchos retro jugadores, pero que en lo personal siento que faltó mayor visión y estas secuencias bien pudieron hacerse jugables o al menos no cortar la acción en pantalla.

    Far Cry 3: Blood Dragon
    Mira mamá, un video de Daft Punk

    A pesar de varios puntos memorables, no puedo evitar sentirme decepcionado de Farcry 3: Blood Dragon, incluso al terminarlo me quedé con una sensación de vacío, ya que la gran batalla final que llevas esperando desde que presionaste Start no existe y es reemplazada por una secuencia cursi y predecible. A pesar de ello, quienes busquen acción más ochentera y menos sigilo en un ambiente Far Cry, quizá encuentren este título interesante.

    * Farcry 3: Blood Dragon fue reseñado con un código de prelanzamiento para Xbox 360 provisto por Ubisoft.

  • Crítica de Iron Man 3

    Crítica de Iron Man 3

    Querido Marvel. Por fin pude ir a ver la que para muchos era la película más esperada del año. Claro, ya sabes que me refiero a tu Iron Man 3. Basada en la saga de cómics Extremis, finalmente la aparición del Mandarín, la caída de Tony Stark y toneladas de armaduras prometían lo mejor para tercera parte.

    Iron Man 3

    ¿Te soy sincero? Yo por el contrario fui escéptico. Desde los avances había algo que me causaba cierta incomodidad: no sé si era que no terminaba de creerme que Tony Stark realmente se pondría a evaluar la importancia del hombre sobre la armadura o tal vez era que no veía mucho, si no es que nada del Mandarín o de algún otro villano.

    Por otra parte, esto también alimentó mi expectativa. Quería que me sorprendieras, que me embelesaras con una épica de ciencia ficción junto a uno de mis personajes favoritos de la infancia, donde al final, a pesar de que todos sabemos que el (super)héroe tiene que ganar, antes lo harías pasar las de Caín para que resurgiera con fuerza y rumbo a una segunda parte de los Los Vengadores.

    El Mandarín

    A fuerza de ser honestos, algo que debo reconocer es que a pesar del éxito innegable de Iron Man, nunca has podido entregarle un villano propio a su altura. Hablo de los cómics, ya sabes, Batman tiene al Joker, Bane, Gatúbela y un amplio etcétera. Superman tiene a Lex Luthor, Doomsday y Zod, por mencionar algunos, Spider-Man enfrenta al Dr. Octopus, Electro, Duende Verde y a otro kilo de nombres; Iron Man, en cambio, tiene pocos villanos recurrentes que pudieran considerarse “propios”, quizá siendo el único de renombre el Mandarín. Tony generalmente se la pasa combatiendo a toda la galería de malosos de tu universo.

    Todos sabemos que querías incluir al Mandarín desde la primera cinta, pero era muy temprano para un proyecto que estaba hecho no sólo para generar billones de dólares sino para darles a los fans lo querían. ¿Esto era lo queríamos los fans, Marvel?

    Realmente salí decepcionado de la sala tras la función de Iron Man 3. La trama es un ente sin pies ni cabeza, las armaduras lucen más horribles que nunca, los efectos especiales incluso un pasito abajo, pero el Mandarín… lo que hiciste con el antagonista más esperado de toda la saga es una verdadera burla. Como quizá es una burla toda Iron Man 3.

    Iron Man 3 | Crítica
    Algunas bromas de Iron Man 3 son muy ingeniosas.

    Si bien la franquicia se había caracterizado por una fina mezcla de acción y humor – sin dejar de reconocer que varias escenas me sacaron risas- no se puede intentar convertir a un personaje como Tony Stark -alcohólico y mujeriego empedernido- en el nuevo bufón de Marvel. Claro, su personalidad y el mismo Robert Downey Jr. se prestan para tomar ciertas libertades con respecto al personaje del cómic, pero no al grado de transformar el largometraje en una comedia con algunos (muy pocos) toques de acción.

    Pero regresando al Mandarín, te lo juro, no puedo entender quién y por qué tomaría la decisión de portar tan ridículamente al máximo enemigo del Hombre de Hierro. No me malentiendas, Ben Kingsley es un estupendo actor y lo demostró siendo el mejor del elenco haciendo justo lo que le pediste… pero no lo que queríamos ver los seguidores, no lo que esperaba incluso la mayoría de espectadores casuales que van al cine con la promesa de ver a Iron Man confrontarse a su supuesto máximo enemigo.

    Un Iron Man oxidado

    Aún así, tuve la esperanza y la (casi plena) seguridad que algo me aguardaba tras esa larga tira de nombres blancos en un fondo negro, en la clásica escena postcréditos. Siempre nos has tenido al pendiente de ella, Marvel, nos acostumbraste a esperar lo inesperado y sorprendernos con estos últimos segundos. Pero de nuevo, en Iron Man 3 esta secuencia final parece una burla en la cara: insulsa y sin nada que me haga decir “debí quedarme a verla”, de no haberlo hecho.

    Iron Man 3 | Crítica
    Guy Pearce hace un papel decente como Aldrich Killian.

    Es claro que la salida de Jon Favreau como encargado del proyecto afectó al producto final. Iron Man 2 no fue tan tremenda como la primera, pero seguía siendo muy entretenida. No te puedo decir que Iron Man 3 no me haya divertido, pero sí te puedo asegurar que lo hizo mucho menos que las dos anteriores, que Thor y que nada que recuerde que hayas hecho en fechas recientes.

    La historia pecó de plana, con antagonistas sacados del más trágico y ya conocido cliché de “me las debe Stark y me las pagará tecnológicamente”, junto a pocos elementos argumentales que me invitaran a estar al pendiente. Todo sucede muy rápido, Marvel: de repente Tony Stark está diseñando una nueva armadura, luego se engancha en una entrevista sin sentido, su traje nunca está al 100 por ciento y a pesar de ser ridículamente inteligente parece que tiene que ser un niño el que se lo recuerde.

    Seguro pensarás que al final la gente compra un boleto de Iron Man 3 por la acción, los estupendos efectos especiales y una magna conclusión que levante a todos de sus asientos, pero, ¿lo lograste? El director Shane Black no sólo se encargó de tirar a la basura el argumento de un excelente cómic (Extremis), sino que fastidió, literalmente fastidió, la pelea final -que empezaba a levantar- con esa estrepitosa, absurda y mamerta conclusión. Me cuesta trabajo creer que alguien no les haya dicho en la pre o post producción: “¡hey, alto!, no podemos cagar la batalla final”.

    Iron Man 3 | Crítica
    Pepper está convirtiendo en un personaje sin beneficio a la saga.

    Te repito: decepción y frustración. Si éste hubiera sido el capítulo de una serie televisiva, seguramente te hubiera aplaudido por los riesgos tomados y el enfoque cómico de los personajes, ya que a la semana siguiente podría continuar con un episodio distinto. Pero no es así, las cintas del Hombre de Hierro se realizan a la sazón de una cada dos años y medio y ésta podría ser la última.

    Cierto, si Iron Man 3 fuera la primera de las tres partes, seguramente mi crítica habría sido distinta, pero desgraciadamente pusiste la marca muy alta. Tienes que entender que Iron Man no es ya sólo uno de los personajes insignia de tu casa de cómics, sino una de los nombres más respetados en materia de cine.

    ¿Que sí me gustó algo? Bueno, hay varias bromas que son especialmente ingeniosas… aunque terminan siendo predecibles después de que inundas media Iron Man 3 de chistes. El enfrentamiento definitivo tiene sus momentos y Aldrich Killian (Guy Pearce) demostró ser un personaje interesante en la pantalla grande. Pepper (Gwyneth Paltrow), en cambio, parece ir siendo más dispensable y es obvio que con cada nuevo filme de Tony Stark queremos ver más cosas en riesgo que a su novia, más cuando él no crece humanamente un ápice entre película y película.

    Ah, pero escribía de cosas que me gustaron. Es obvio que la calidad en producción está ahí, los 200 millones de dólares en presupuesto se desquitan por momentos y hay secuencias de rescate y batallas que quitan el aliento, sin contar que la sobre exposición de armaduras y Iron Patriot es algo que los más “tecnofanáticos” agradecerán, pero fuera de ello poco o nada.

    Vaya, pareciera que es casi una maldición. Terceras partes de cintas de superhéroes están destinadas a ser malas. Le pasó a El Hombre Araña, sucedió con X-Men, pero se repite con creces en Iron Man 3. No sé si el personaje tenga más para dar una cuarta adaptación en cine, si Robert Downey Jr. no está ya demasiado viciado por la armadura o si el Hombre de Hierro se oxidó; tal vez la mejor idea sea usarlo como invitado en largometrajes de otros personajes hasta que te decidas a filmar Civil War.

    Es una lástima. Generalmente a este tipo de películas, por muy malas que estén suelo llamarlas “palomeramente entretenidas”; pero aquí incluso bostecé varias veces del enfado porque siempre consideré que me estabas timando hasta con el supuesto 3D: no entregaste nada de lo que prometiste en los carteles y tráileres. Como conclusión, y si me preguntas qué es lo que más me gustó de Iron Man 3 te puedo decir que fueron los dos vasitos de colección que compré en la dulcería del cine.

  • Nosotros los Nobles | Crítica

    Nosotros los Nobles | Crítica

    Con un toque de drama telenovelesco, Nosotros los Nobles es una comedia que ha impactado fuerte en el público mexicano por una simple razón: mantiene la esencia fiel de una industria cinematográfica que a veces parece olvidar su tradición en busca de imitar otras tendencias. La comedia dirigida por Gaz Alazraki ya superó a El Padre Amaro como la cinta mexicana más taquillera de todos los tiempos, por lo que es un buen momento para hacer una crítica al respecto.

    Nosotros los Nobles

    Lo primero que salta a la vista de Nosotros los Nobles es que es una película muy mexicana en todos sus elementos: tenemos una historia estirada casi siempre por la arista más absurda, un montón de personajes cliché, drama rebuscado ante situaciones que parecieran francamente solucionables, romance y humor, porque sea del género que sea, cualquier largometraje mexicano debe tener al menos un chistín o dos, aunque en este específico caso es una tragicomedia al más puro estilo de Televisa con tintes de la Época de Oro del cine nacional.

    Pero para criticar a Nosotros los Nobles primero nos tenemos que ir por lo que dicta el curso de la trama: sus personajes, seres estereotípicos que representan diversos sectores de la sociedad. Y es que nuestra forma de narrar historias desde siempre ha apelado a este tipo de protagonistas: los pobres son muy pobres, los ricos son muy ricos, los tontos son realmente estúpidos y los malvados son muy malévolos.

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    Claro que la magia consiste en ver como -a pesar de todo- el choque social se desvanece a media función y los ricos se pueden volver pobres o los pobres aspirar a ser ricos, existe un punto de balance, un romance anunciado y algún villano o protagonista despistado enreda el argumento innecesariamente.

    La familia Noble

    Bárbara Noble (Karla Souza) es la típica chica fresa cuyo principal súper poder consiste en gastar la tarjeta de crédito de su padre. Acostumbrada a lujos y caprichos, Bárbara no tiene mayor aspiración que casarse con un millonario, continuar con su vida de opulencia, salir de vez en cuando con sus amigas y menospreciar a los que no están a su nivel.

    Javi Noble es, por el contrario, algo más voluntarioso, un “mirrey” que sin embargo piensa que sus ideas son brillantes por el simple hecho de formularlas él mismo. Cree la necesidad de destacar, aunque por momentos lo asimila como si su éxito fuera a llegar de manera automática gracias a su pedigrí, gastando buenas oportunidades profesionales por irse de parranda con sus cuates en un jet privado. Haciendo un breve paréntesis, Javi es sin duda el personaje más divertido de Nosotros los Nobles y Luis Gerardo Méndez hace una tremenda interpretación del mismo.

    Nosotros los Nobles | Crítica
    Javi, Cha y Bárbara Noble, las ovejas descarriadas

    Para completar el trío de hermanos tenemos a Cha Noble (Juan Pablo Gil), quien desentona con el patrón de los otros dos y resulta ser una especie de aprendiz de hippie y hipster, amante de las MILF (las señoras mayores, pues) y bastante problemático en la escuela. Su personalidad es más bien de bajo perfil y casi siempre pasa desapercibido salvo por alguna frase graciosa que entra a manera de punch line.

    Obviamente el motor de la película es el padre, Germán Noble (Gonzalo Vega), quien enviudó hace algunos años y se da cuenta que tras la muerte de su esposa los hijos sólo se han dedicado a malgastar los recursos de la familia. Para intentar ponerlos en su lugar y enseñarles una lección, Germán decide fingir que su compañía constructora cae en bancarrota, se gestan una serie de fraudes y ahora todos son perseguidos por la Policía, por lo que tienen que esconderse y sobrevivir como la gente normal, o sea, partiéndose el lomo para efectos de Nosotros los Nobles.

    Drama de cine mexicano

    Sí, en lugar de cancelar simplemente sus tarjetas de crédito y obligarlos a trabajar para mantenerse, el patriarca Noble tiene la impetuosa idea de montar un circo que -obviamente- todos sabemos que en algún momento explotará. Como mencionaba hace algunos párrafos, Nosotros los Nobles sigue las más básicas premisas de las producciones tradicionalmente mexicanas y una de ellas es el drama innecesario extendido por decisiones incomprensibles.

    Nosotros los Nobles | Crítica
    Germán Noble idea una enorme farsa para recomponer a sus hijos

    Curiosamente, son también estos argumentos inverosímiles con personajes estereotípicos llenos de defectos y virtudes los que atraparon a una generación hace 70 años, los que enganchan a las amas de casa por las tardes frente a su televisor con las telenovelas de temporada y los que hoy también producen una sonrisa en la mayoría de los espectadores que se deciden por ver Nosotros los Nobles.

    La historia finalmente termina enredándose más con la aparición de Lucho (Ianis Guerrero) y Peter (Carlos Gascón), dos caras distintas de la moneda que se relacionarán con la familia Noble, especialmente con Bárbara. Claro, porque el toque de romance no podía faltar en la ecuación.

    Definitivamente, Nosotros los Pobres está muy lejos de ser una película perfecta, pero no por ello deja de ser recomendable. Hay que agradecer también que nunca se abusa de un léxico sobrecargado de palabrotas para causar gracia, lo que la coloca en la gama de comedia para todo público. Su director, Gaz Alazraki, consciente o inconscientemente, demostró que este cine lo podemos criticar, burlar y maldecir, pero al final nos viene en las venas y nos gusta.

  • Los Croods | Crítica

    Los Croods | Crítica

    Llega Los Croods, el primer estreno animado del año (porque Tadeo, el Explorador Perdido es en realidad de 2012). El filme animado por computadora de Dreamworks costó 150 millones de dólares y contó con más de un año de retraso, aunque al ser estrenada en una época que podríamos llamar “baja”, no cuenta con la expectativa de otras animaciones. ¿Vale la pena pagar o mejor nos quedamos con Pedro y Vilma?

    Los Croods

    El nombre de Chris Sanders seguramente le sonará a los fanáticos del cine animado. El cineasta tiene una larga carrera participando en diversos filmes de este tipo y se encargó de dirigir Lilo y Stich, para Disney, y Cómo Entrenar a tu Dragón, para Dreamworks. El visionario hombre de 51 años regresa ahora el rol de director y guionista de Los Croods, cinta en la que comparte su labor con Kirk DeMicco.

    Los Croods, a su vez, es un regreso a la prehistoria, una de las épocas que más risas y buenos dividendos ha sacado en la animación, desde la popular caricatura Los Picapiedra hasta El Valle Encantado y un montón de largometrajes con los cuales podemos encontrar ciertas similitudes.

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    Claro que la fuerza de Los Croods no está únicamente en el periodo que representa en pantalla, sino en los valores familiares y las ingeniosas bromas que siempre logra imprimir Chris Sanders. La película resalta los valores y los lazos familiares en una historia donde una familia de cavernícolas se ve obligada a salir de su cueva para enfrentarse un mundo desconocido.

    Sin duda, la estrella del show es Grug, un padre sobreprotector que se ha dedicado a inculcarle el miedo a su familia como principal método de sobrevivencia. La familia Croods vive en una pequeña cueva sellada a piedra y lodo de la que sólo salen algunas horas al día para lo más esencial, como estirar un poco los pies y conseguir comida.

    Pero Eep, no piensa de la misma forma. La hija mayor tiene un espíritu aventurero y quiere descubrir lo que hay más allá de los 500 metros de terreno que conoce. Una noche, Eep se escapa de su cueva y conoce a Guy, un cavernícola nómada que le advierte que una catástrofe que “abrirá el suelo y creará ríos de lava” se acerca. La chica le informa su familia, que parece no tomarse muy en serio la amenaza hasta que ven cómo su cueva y todo lo que conocen se desmorona en pedazos y son obligados a escapar y buscar un nuevo hogar… que para la visión de Grug, tiene que ser otra cueva aún más pequeña.

    Los Croods | Crítica
    A pesar del miedo, los Croods tendrán que abandonar la cueva

     Yaba Daba Doo

    Desde los primeros minutos de Los Croods se nota el ritmo que llevará la película: comedia con situaciones de acción desenfrenada y chistes casi cada tres minutos, todo combinado de manera magistral, dando paso a divertidas secuencias rápidas de persecución que te asombran con la atención al detalle en la parte técnica, así como a estarte carcajeando y mantener una sonrisa en la cara durante los 98 minutos que dura la película.

    La mayoría de bromas tienen que ver con intentar sobrevivir en el ambiente más hostil posible, enfrentar a curiosas bestias, en las relaciones familiares y en la personalidad de cada integrante de los Croods, todos cayendo en algún estereotipo divertido que es fácilmente asociar con lo que vivimos en el día a día. Mención especial para el chiste de “hazte el muertito”, que si existiera una categoría a Mejor Broma en los Oscar, seguramente la ganaba de calle, literalmente esta escena te mantendrá riendo por más de cinco minutos después de haberla visto.

    Los Croods - Grug
    Grug

    El líder de los Croods. Un padre de familia no tan cariñoso, sobreprotector y chapado cavernariamente a la antigua. Ubica su cueva como el único lugar seguro sobre la tierra, teme a lo nuevo y evita ser curioso: curiosidad igual a muerte. Necio, fuerte, de léxico limitado, pero con corazón de tiranosaurio, Grug es sin duda el personaje más entrañable de todos.

     

    Los Croods - Uga
    Ugga

    Amorosa y comprensiva, Ugga es también la primera madre moderna de la prehistoria. Esta mujer cavernícola es la esposa de Grug y confía (casi siempre) en que sus decisiones son las mejores, sin embargo, ante la llegada de Guy se cuestionará si realmente el camino que sigue su familia es el mejor ante nuevos tiempos y la búsqueda de felicidad de su hija.

     

    Los Croods - Eep
    Eep

    Esta divertida, rebelde, greñuda y corpulenta jovencita de espalda ancha se convertirá en la chispa motor de Los Croods. De espíritu aventurero y temerario, Eep cae enamorada de Guy cuando lo conoce e intenta que éste le enseñe su visión moderna del mundo, por lo que hará hasta lo imposible para que su familia lo “adopte”.

     

    Los Croods - Thunk
    Thunk

    Este pequeño mastodonte de más de dos metros de alto y 2oo kilos de peso es apenas un chiquillo de nueve años. Thunk representa la ingenuidad e inocencia de su edad con una fe ciega hacia su padre. Normalmente es quien da inicio a las labores de cacería para cansar a la presa. Un tipo torpe que maneja varias de las mejores bromas del filme.

     

    Los Croods - Sandy
    Sandy

    “Suelten a la niña” es la frase que suena cuando todos los demás intentos para atrapar comida fallan. Sandy es una máquina de guerra con apetito insaciable que no cede terreno ante nada y ante nadie. Podría decirse que esta pequeña niña es el vivo retrato infantil de Grug. No habla, pero vaya que gruñe y siempre anda acompañada de un osito de felpa.

     

    los-croods-abuela
    Abuela

    Esta respetable anciana (de 45 años de edad) es el segundo personaje más carismático de Los Croods. Con sus rabietas y su eterno pleito con su yerno, Grug, da paso a sonrisas y carcajadas cada que sale a cuadro. A pesar de su edad, esta señora termina siendo la más hambrienta de la familia y es mejor tenerla lejos cuando la comida ya se terminó.

     

    Los Croods - Guy
    Guy

    De apariencia más esbelta y atlética, Guy representa lo opuesto a los Croods. Su idea es vagar siempre libre, no temerle a nada y usar el cerebro antes que los puños. Este joven usa zapatos, paraguas y varios inventos que vuelven su vida más cómoda y moderna. Como es de esperarse, empieza a desarrollar sentimientos por Eep.

     

    Los Croods - Brazo
    Brazo

    Brazo es una de las múltiples criatuas seudo prehistóricas que aparecen en Los Croods, una especie de perezozo que pasará a la historia como la primera mascota. Aparte de servir de compañía de Guy, le ayuda en situaciones comprometidas y a que no se le caigan los pantalones.

    Además de sus bien desarrollados personajes, Los Croods también es un logro en materia técnica, con una vívida, colorida y fluida animación por computadora que nunca cesa de maravillarte. Si decides verla en 3D tampoco hay pierde, pues el filme hace buen uso de este efecto para acentuar más que nada las tomas dramáticas.

    El sonido y la música están en el mismo nivel, pero sin duda lo que más resalta es el doblaje al español latino: increíble. Siempre me he quejado cuando las traducciones incluyen demasiados modismos y acentos muy regionalizados, sin embargo, tengo que decir que todo esto funciona muy bien en Los Croods.

    La familia tiene un aire de “chilango” con el típico acento marcado tepiteño, siempre usando palabras y frases “modernas” que provocan hilaridad y quedan muy ad hoc, dado el concepto de una familia cavernaria con un lenguaje muy limitado. Más allá de la línea de doblaje, la interpretación de los actores que prestan su voz a la versión en español es estupenda. La voz de Humberto Solórzano encarnando a Grug es la mejor de todas, pero no quedan atrás Eiza González (Eep), Alfonso Herrera (Guy), Arturo Castañeda (Thunk) y Ángeles Bravo (la abuela); en general, me cuesta trabajo recordar un doblaje más divertido que éste en cine animado.

    Los Croods | Crítica
    La familia no dejará de maravilllarse con cada nuevo hallazgo

    Pero no todo es broma y risas, Los Croods, como decía, encierra un mensaje final sobre el valor del núcleo familiar. La conclusión de la película da paso al drama y al sentimentalismo, mientras invita al espectador -niño, adolescente o adulto- en pensar en lo difícil que por momentos resulta la labor de un padre y el compromiso de quedar bien con sus seres queridos por encima de todo.

    En resumen, Los Croods es una cinta animada muy, muy entretenida para todo público, con una trama simple e incluso genérica, en la que no nos salvamos de la típica moraleja de la historia, pero que al menos la presenta de una manera tan divertida/emotiva que es difícil pasarla por alto. La alta calidad técnica y el inspirador doblaje son otro punto a su favor y es prácticamente imposible salir de la sala sin una sonrisa de oreja a oreja.

  • Oz, el Poderoso | Crítica

    Oz, el Poderoso | Crítica

    Los habitantes de Ciudad Esmeralda, las malvadas brujas y la fantasía de un mundo de sueños regresan en Oz, el Poderoso, el nuevo estreno en cines de Disney que nos cuenta una historia original en el mito, una precuela donde conoceremos el ascenso de uno de los magos más conocidos de la literatura infantil. Pero, ¿el largometraje está la altura de este reino mágico o es otra versión live action de cuentos que la compañía ya no debería tocar?

    Oz el Poderoso

    Amo El Mago de Oz. Las catorce novelas de L. Frank Baum y sus adaptaciones en cine, televisión e historietas impresas salpicaron varios de los mejores momentos de mi infancia, como seguramente  lo hicieron con varias otras personas. La serie animada japonesa  (que abarca los primeros seis libros) y la oscura secuela Regreso a Oz (también de Disney) son las dos versiones que recuerdo con más cariño.

    Retomar esta franquicia en cines inmediatamente despertó mi curiosidad y Oz, el Poderoso se convirtió en uno de los filmes que más esperaba para inicios de año. En esta ocasión, Disney le concedió la batuta del director a Sam Raimi, cineasta que francamente viene en caída libre, mientras el papel del protagonista recayó sobre James Franco, quien da vida al célebre mago.

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    La premisa de Oz, el Poderoso es narrar la coronación del hechicero como rey de Ciudad Esmeralda. La historia se centra en Oscar Diggs, un mago de circo que se hace llamar Oz, quien tras una desafortunada función es tragado por un torbellino y transportado a mundo mágico que tiene su mismo nombre, donde inmediatamente es identificado como el salvador del reino: un hechicero que, según la profecía, ocuparía su justo lugar como rey, acabaría con la amenaza de una temible bruja y traería tiempos de prosperidad.

    Oscar Digss, más bien un elaborado estafador, ve la oportunidad de volverse monarca de manera “fácil” y se embarca en una aventura de la cual desconoce riesgos y su magnitud, pero que, como todo mundo puede anticipar, sacará lo mejor de sí mismo. Además de la bruja Theodora (Mila Kunis), Evanora (Rachel Weisz) y Glinda (Michelle Williams), Oz pronto conoce a Finley (con la voz de Zach Braff), un simio volador que se volverá su escolta y ayudante incondicional, y a China Doll (voz de de Joey King), una pequeña muñeca de porcelana que desea seguir a su benefactor.

    Una precuela poco poderosa

    Al ser una historia original, Oz, el Poderoso se toma ciertas libertades en la narrativa tratando de respetar los elementos clave de las obras originales, no siempre de la manera más atinada. Los personajes son simples, metódicos y poco “humanos”, con diálogos realmente estúpidos y un nulo desarrollo de los protagonistas, como si se trataran más de personajes de una pésima película infantil animada o de alguna telenovela mexicana. Ya sabes, risas maquiavélicas, hablar a solas en voz alta y mentiras obvias son el pan de cada minuto.

    Oz el Poderoso | Crítica
    Evanora lleva a Oz a la Ciudad Esmeralda

    De todos los personajes de Oz, el Poderoso, los únicos que realmente me parecieron divertidos son Finley y la niña de porcelana (luce genial), o sea, los que no son actores humanos, lo que refuerza mi teoría de que este filme bien pudo quedar un poco menos peor si lo hubieran hecho en animación. Aunado a la pobre trama y al cero entrañable casting, tenemos efectos especiales y maquillajes técnicamente sorprendentes, pero muy mal aterrizados: mas que un mundo real, parece una pintura sobre la que desfilan los actores.

    Ciudad Esmeralda se ve falsa y acartonada, el bosque oscuro simula más bien una escenografía de una obra de teatro, el camino de las lozas amarillas nunca resalta y sus ciudadanos son todos burdas caricaturas de los habitantes de cualquier cuento de hadas genérico, con bigotes, pelucas y coletas tan falsas que sólo faltaría que un grupo de enanos cantara a media película… bueno, eso también sucede en Oz, el Poderoso.

    El argumento de la cinta de Disney navega con torpes enredos y bromas apagadas que te harán bostezar en más de una ocasión, aunque para su fortuna nunca se vuelve tan aburrida como para que valores levantarte de tu asiento y salirte de la sala de cine. Por momentos me da la impresión que quisieron parecerse demasiado a El Mago de Oz, el musical de 1939, largometraje que honestamente nunca me gustó y no ha envejecido bien: un acercamiento demasiado ingenuo y con tantos errores de coherencia, que termina por enfadar al espectador.

    Oz el Poderoso | Crítica
    China Doll y Finley son los únicos personajes divertidos

    Realmente lo único que me pareció entretenido en Oz, el Poderoso es el cierre. La conclusión de la película apela al corazón nostálgico de los que crecimos con estos cuentos, viendo los orígenes de las brujas que todos conocemos y poniendo las bases del futuro sabio soberano de Oz, siempre lleno de trucos para mantener unido a su reino e impresionar a las masas.

    Oz, el Poderoso es en resumen, patética. No sé si sea por mi adoración a las obras de L. Frank Baum o la alta expectativa generada, pero me decepcionó prácticamente en todo, incluso en los rebuscados, pero pocos creíbles efectos especiales. A menos que seas fanático de Oz o quieras invitar a tus hijos/sobrinos al cine, no existe razón alguna para ver este bodrio. Mi recomendación es que mejor compres o rentes Regreso a Oz, ese si es un peliculón, que aún con casi 28 años de antigüedad representa la mejor versión en cine de este mágico, pero también oscuro mundo de fantasía.

  • Carnage | Reseña

    Carnage | Reseña

    Carnage es una de las más recientes ediciones Monster de Marvel México. La publicación recopila dos miniseries de cómics donde el protagonista central es el villano homónimo: Carnage: Family Feud y Carnage U.S.A., ambas escritas por Zeb Wells e ilustradas por Clayton Crain.

    Carnage

    Sin duda uno de los villanos de cómics más populares de los años 90 fue Carnage. El asesino Cletus Kasady fusionado con el simbionte rojo intentó adueñarse y acabar con Nueva York en una de las sagas más reconocidas de Spider-Man y de Marvel. Sin embargo, posteriores apariciones ya no contaron con el mismo punch y el que una vez que reconocido como el máximo enemigo del Hombre Araña entró en una etapa de letargo creativo.

    Carnage recopila dos de las más recientes historias del simbionte asesino (la otra, Minimun Carnage, se está publicando actualmente en México en formato semanal) en un formato atractivo donde lo primero que salta vista es el lúgubre y realista arte de Clayton Crain. Ilustraciones que derrochan oscuridad y que le otorgan a las historias la ambientación necesaria para un maniático desquiciado como lo es Carnage.

    Carnage: Family Feud

    Para mala fortuna de Clayton, el argumento de Zeb Wells no acompaña a las imágenes con la misma fuerza y está llena de altibajos… bueno, no tanto. En realidad la parte que corresponde a la miniserie Carnage: Family Feud es una historia bien trabajada, con diálogos ingeniosos y un arco argumental coherente. La edición se derrumba cuando le das vuelta a las páginas que corresponden al arco Carnage U.S.A.

    En Carnage: Family Feud, vemos a un curioso equipo formado por el siempre ególatra Iron Man y el dicharachero Spider-Man. Ambos son confrontados, primero con el regreso de Doppelganger, y más tarde por un grupo de guardias de élite con nuevas armaduras formadas a partir del simbionte de Carnage.

    Todo ésto llama la atención de nuestro heroico dúo y descubren que alguien recuperó a su simbionte para experimentar con él. Obviamente, todo esto desencadena un caos total donde vemos el regreso de viejos conocidos, la introducción de personajes nuevos y una gran pelea final con diálogos chuscos e ilustraciones oscuras y retorcidas que quedan como anillo al dedo.

    Carnage: Family Feud
    El arte de Clayton Crain es lúgubremente atractivo

    Carnage U.S.A.

    Carnage U.S.A. no tiene la misma frescura. Salvo el trabajo en los trazos de Clayton Crain no hay nada rescatable en estos cómics. Carnage invade un pequeño poblado estadounidense donde gracias a las habilidades del simbiote mantiene controlados a varios de los habitantes como sus marionetas; a los que no pudo controlar los tiene bajo amenaza o con el miedo de lo que le pueda pasar a sus seres queridos.

    Todo parece normal hasta que Carnage U.S.A. nos presenta la propuesta del villano: crear un Estado propio para los simbiontes  sí… claro; estamos hablando de un lunático desquiciado con las ideas más ridículas de cuando en cuando, pero no creo que fuera necesario hacer todo un arco argumental de cinco números al respecto.

    Para enfrentar la amenaza tenemos nuevamente a Spider-Man, quien hace equipo con los Avengers (Capitán América, Hawkeye, la Mole y Wolverine) y un grupo simbiontes que nadie conoce. La formación de esta curiosa ala de los Vengadores es tan desastrosa que el mismo escritor, Zeb Wells, los usa apenas como comparsa y su participación en la historia es tan inútil que bien pudieron habérsela ahorrado. Si deseabas ver a Logan contra Cletus Kasady, bueno, eso  no va a pasar.

    Carnage U.S.A.
    Pese a que da la idea de algo épico, creéme, nunca es así.

    El primer arco argumental es ágil e interesante, mientras que el segundo destruye todas tus expectativas. Aún así, por el precio de esta Monster Edition (119 pesos),  la calidad de su impresión y las atractivas ilustraciones, suena tentador hacerte con Carnage aunque sea para aumentar tu colección de cómics.

  • Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 3 | Reseña

    Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 3 | Reseña

    Aunque etiquetado con el número tres, Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 3 es en realidad el cuarto episodio de una prolífica serie de videojuegos de Naruto en PlayStation 3 y Xbox 360. Bajo la misión de capturar la esencia del anime en cada nuevo título, la franquicia se ha distinguido por su combate simple y ágil, la enorme cantidad de personajes a escoger y las visualmente impactantes batallas.

    Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 3

    Si has sido seguidor fiel de Ultimate Ninja Storm déjame decirte que todas las características de la saga se mantienen y al contrario de su antecesor, Generations, Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 3 regresa con un modo de historia más elaborado y las batallas con Quick Time Events que tanto nos gustaron de la segunda parte…. Aunque no todo esto es necesariamente bueno.

    Pero vamos por partes y primero expliquemos un poco del juego para quienes no lo conocen o lo han jugado muy poco. En resumen, Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 3 es un título de peleas en escenarios 3D usando a los personajes de la obra original de Masashi Kishimoto. Con un amplio casting de más de 80 personajes para seleccionar, es difícil no encontrar a tu favorito o alguno que te guste.

    [youtube id=”qE3x-eAt4Jg”]

    Las peleas se desarrollan en escenarios más o menos abiertos donde puedes moverte,  soltar shurikens y accesorios, poner guardia, realizar “cambiazos” y ejecutar varias de las técnicas más poderosas del mundo ninja. El esquema de control es sencillo y básicamente es un botón por acción, ya sea golpear, defender, brincar o cargar tu chakra. Adicionalmente, puedes escoger hasta dos personajes como ayudantes, los cuales entran a la refriega apretando un botón (y llenando una barra) para asistir, ya sea atacando o cubriéndote de las cachetadas enemigas. La secuela presenta algunas mejoras como cancelar carreras ninja, pero nada que impacte de lleno.

    Este sistema de batalla es transportado al modo de historia principal, donde Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 3 nos pone al mando de diferentes personajes cubriendo la historia de Naruto justo donde terminó la segunda parte. ¿Hasta dónde llega? Bueno, en diez capítulos y sin soltar un spoiler tan grande, abarca hasta lo que está transmitiendo el anime al momento de escribir esta reseña, aunque el final es bastante diferente a la historia original. Si no conoces la trama o no jugaste los títulos anteriores… bueno… no le vas a entender a nada.

    Campaña no Jutsu

    Para complementar el modo de campaña, en algunos momentos tendremos un mapa de mundo para ir de punto “A” al punto “B” y activar algún evento de la historia. Además de ello, en varios capítulos enfrentaremos batallas contra jefes especiales, que además del método tradicional de control cuentan con apantallantes escenas cinemáticas que complementan mediante Quick Time Events.

    Naruto Shippuden: Ultimate NInja Storm 3 | Reseña
    El sistema de batalla se mantiene casi sin cambios

    Bueno, todo suena muy similar a Ultimate Ninja Storm 2, y en realidad lo es, pero CyberConnect2 añadió una mecánica nueva a la campaña, ya que hay algunas misiones donde avanzarás lidiando contra varios enemigos a la vez en una especie de beat’em up simplificado.

    Además de completar la historia, Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 3 cuenta con los tradicionales modos de versus, torneo, entrenamiento y partidas en línea. El juego online recibió un retoque en apariencia y funcionalidad, pero nada que te haga clavarte tanto pues siempre es notorio los personajes que llevan ventaja (generalmente, los que spamean poderes de lejos).

    Ultimate Ninja Clon

    La pregunta importante: ¿La fórmula de Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 3 funciona? No. El juego pareciera atascado en el tiempo y como si fuera sólo una expansión de la historia de las entregas anteriores. El roster de personajes, aunque inmenso, no muestra diferencias tan notables entre ellos debido al esquema simple de control e incluso si juegas en línea notarás  que siempre escogen a un pequeño grupo de monitos que son los más “poderosos”.

    Naruto Shippuden: Ultimate NInja Storm 3 | Reseña
    Las bestias de colas son seleccionables

    Si seguimos adentrándonos en cuanto a los personajes y su selección, también notaremos que varios de los rivales que enfrentamos en el modo de historia no se pueden seleccionar, como los Siete Espadachines de la Niebla y destacando los Kages del pasado, que pese a que tienen todo su arsenal de movimientos no son seleccionables. Tal vez más adelante mediante un DLC.

    El modo de historia tampoco es tan atractivo a menos que seas un fan clavadísimo de Naruto y poco exigente de los videojuegos.  Los cambios con respecto a Ninja Storm 2 son pocos y no tan fructíferos, y pese a que son más episodios en esta ocasión, el tiempo real de juego es mucho menor ya que decidieron atascarlos con horas y horas de animación usando el motor 3D del juego y dejando poco espacio para el gameplay real.

    Este es quizá su mayor pecado, pues cuando terminé la historia principal miré que el reloj marcaba poco más de doce horas, de las cuales no recuerdo haber tomado el control en más de tres. Sí, así de impersonal es Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 3. Un buen ejemplo es la cuarta misión, donde enfrentas a Kurama, algo que te toma unos 15-20 minutos cuando mucho (porque tiene cinemas intercalados con la pelea) y más adelante es soltar el control y ver una mini película de anime de casi una hora de duración hasta que finalizas la misión.

    Naruto Shippuden: Ultimate NInja Storm 3 | Reseña
    A los eventos QTE les falta el punch de la segunda parte

    Incluso los jefes de Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 3 se sienten menos atractivos y las peleas sin tanto brillo. Tal vez sea eso o el soporífero diseño de juego que implementaron, ya que pese a contar con un mapa de mundo en realidad sólo avanzas una pantalla para que se active algún diálogo, vuelves avanzar otra pantalla sin nada más que hacer para que se abra otro cinema y así casi infinitamente hasta que de repente enfrentas a alguien.

    Tomando en cuenta que las batallas suelen  tomarte menos de cinco minutos, tienen cero dificultad  y hay tiempo de carga entre cualquier cosa que hagas, el proceso termina volviéndose metódicamente nefasto y el principal enemigo para derrotar al jefe es tu aburrimiento. Existen algunos momentos donde puedes decidir qué camino tomar (entre enfrentar a un mono o a un grupo de monos), pero el resultado final de la decisión es apenas perceptible.

    ¿El feeling del anime?

    Si deseabas explorar el mundo ninja y todo eso, te tengo malas noticias, el juego es más lineal que nada y la interacción con el mapa es mínima;vaya para poder acceder realmente al seudomodo RPG de Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 3 tendrás que terminarlo primero. Una vez que ves el final puedes ahora sí recorrer las diferentes villas y realizar un montón de encargos y misiones, casi siempre de recolectar determinados ítems o enfrentarte a algunos personajes.

    Naruto Shippuden: Ultimate NInja Storm 3 | Reseña
    El mundo lo recorrerás muy superficialmente en la historia

    No entendí muy bien esta decisión, pues ambos modos -campaña lineal y mundo tipo RPG- tienen elementos muy repetitivos y la mejor forma de que funcionaran era intercalarlos para romper la monotonía del progreso. Al final de cuentas obtienes, primero, una campaña en la que interactúas poco o casi nada, y después un mundo que ya ni te dan ganas recorrer. Hay mucho contenido extra, pero es un hecho que uno llega sin ganas a esa parte.

    En cuanto al apartado gráfico, Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 3 mantiene el alto estándar de la franquicia, ahora con un mundo recreado también con polígonos y no con imágenes bidimensionales, aunque nuevamente mal optimizado pues el juego muestra pantalla de cargas a la menor provocación. El juego ofrece la opción para visualizarse en 3D, pero mi experiencia no fue tan satisfactoria, el efecto de profundidad es aceptable pero la calidad gráfica baja considerablemente sobre todo en los contornos, no importando si usas lentes activos o pasivos. Otro “pero” en este aspecto es que la mayoría de poderes son reciclados y no recibieron el mínimo cambio estético al menos para que te sorprendan la primera vez que los observas.

    El sonido es bueno, al menos en el apartado de voces, ya que cuenta con doblaje en inglés y japonés. La banda sonora es la que queda a deber y aunque no es mala, desentona que Bandai Namco no haya podido licenciar también la música clásica de Naruto.

    Naruto Shippuden: Ultimate NInja Storm 3 | Reseña
    Sin duda, la mejor batalla es contra Madara

    Mucho que ver y poco que hacer, así podría resumir lo que ofrece Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 3. Si eres fan de Naruto, disfrutaste los anteriores juegos de la serie y no puedes esperar a ponerle las manos encima, entonces cómpralo, aunque seguramente ya lo habrás hecho para cuando hayas leído esta reseña. Si no lo eres o te consideras un poco más estricto en cuanto lo que te debe ofrecer un videojuego, te sugiero que lo pienses muy bien antes de hacer cualquier gasto. Es obvio que esta franquicia necesita un cambio mucho más profundo que sólo una expansión anual rellena de cortes cinemáticos.

  • Tomb Raider | Reseña

    Tomb Raider | Reseña

    Uno de los personajes más icónicos de los videojuegos regresa con un reboot desarrollado por Crystal Dynamics y publicado ahora por Square Enix. Obviamente nos referimos a Lara Croft, la aventurera del mundo bits y pixeles por excelencia, que con su nuevo Tomb Raider confía encontrar un nuevo rumbo, pero al mismo tiempo dejar bien claro su lugar en la industria.

    Tomb Raider

    1996 fue un año de grandes cambios en la forma de jugar. Nuevos controles, nuevos motores gráficos y nuevas consolas introdujeron el uso de ambientes poligonales en 3D para representar los mundos virtuales que íbamos a recorrer. Super Mario 64 y Tomb Raider fueron quizá los dos títulos más sonados de esta nueva avanzada, y pese a que nadie duda de la importancia del plomero en su brinco a los 64 bits, hay que recordar que su estilo de juego ha sufrido más cambios y modificaciones que propuesto en la primera incursión de Lara Croft.

    El 25 de octubre de 1996 Tomb Raider apareció por primera vez en Saturn. Su calidad gráfica, su estilo de juego y, por qué no decirlo, las poligonales curvas de la protagonista marcaron un antes y un después. Desgraciadamente, a pesar de ser aclamado por la crítica en su momento, las secuelas no contaron con el mismo recibimiento, en una franquicia que con cada nueva iteración parecía enterrarse en lo más profundo de alguna tumba para no volver nunca.

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    Aquellos gráficos despampanantes con cuevas, pasajes, templos perdidos, selvas y locaciones extrañas se fueron desvaneciendo en nuevos capítulos con argumentos cada vez más raros y visuales tristes, que más allá de checar el nuevo look de la sexy Lara Croft, no invitaban a mucho.

    Afortunadamente, la franquicia fue retomada con una simple misión: crear el mejor Tomb Raider jamás producido, y de entrada lo primero que resalta a la vista en el juego son las gráficas, niveles tremendamente bien diseñados, con detalles hermosos y sutiles a la vez, colocándonos en una isla espectacularmente recreada que incluye efectos de clima como lluvia, luces, sombras, lodo, humedad y la sangre que literalmente vas derramando al intentar sobrevivir en un ambiente marcadamente hostil.

    Si algo se puede decir del reboot de Tomb Raider a nivel técnico es que son realistas y apelan a esto para agradar al consumidor. Los gráficos juegan un papel importante y te hacen sentir inmediatamente parte de la aventura, como si de verdad estuvieras codo a codo en esta expedición junto a la joven Croft.

    Tomb Raider | Reseña
    El peligro está en cada paso que das en Tomb Raider

    La atención está en el detalle

    Claro que una epopeya de este tipo no sería nada sin peligros y, más allá de los naturales que presenta la isla, es de destacar lo bien lograda de la inteligencia artificial de la fauna y sobre todo de los enemigos. Las bandas rivales patrullan organizadamente el terreno y son tenaces en su labor, llevándote a tí y a Lara hasta el límite.

    Lasas animaciones en Tomb Raider son excelentes, destacando aquellas donde nuestra protagonista muere o es herida. Es tan cuidado detalle en este aspecto que incluso pecan de ser brutalmente reales. Lara Croft puede ser aplastada por una roca y se escuchará hasta el crujir de sus huesos.

    Pero no sólo las formas de morir son realistas, ya que desde cómo agarra una antorcha, busca la salida de una cueva, camina con inseguridad pero con prisa e interactúa en general con todo lo que lo rodea, Lara muestra detalles que rayan en la perfección y que denotan de lo que son capaces aún las PlayStation 3 y Xbox 360.

    Tomb Raider | Reseña
    La historia se desarrolla a un excelente ritmo

    Aquellos que lo jueguen en computadora tendrán obviamente aún una mejor calidad gráfica, sobresaliendo la tecnología TressFX en las tarjetas de video AMD, con lo que logran efectos de cabello ultra real y la cola de caballo de la protagonista se mueve como si estuviera anunciando una marca de champú.

    La banda sonora, por su parte, puede llegar a ser emotiva y tiene sus buenos momentos en Tomb Raider, pero en la mayoría de misiones deja mucho que desear. La música es el único apartado técnico de cierta manera negativo, no porque sea propiamente mala, sino porque este título merecía un toque musicalmente más épico.

    Reinventando a Lara Croft

    Otro apartado donde sin duda había fallado la saga a últimos años era en sus argumentos, revisitando el pasado de la heroína en incontables ocasiones para arruinarlo o perdernos en un mundo de guiones sin sentido. Tomb Raider también cuidó este aspecto al máximo. El videojuego se desarrolla casi magistralmente gracias a su historia, replanteando los orígenes de Lara Croft como aventurera mientras nos muestra su evolución de una chica asustada y relativamente frágil hasta una mujer más madura y preparada para seguir viva como sea.

    Tomb Raider | Reseña
    Cazar… en esta isla es matar o morir

    Los eventos de Tomb Raider llevan a un grupo de exploradores liderado por Lara a una búsqueda de la antigua nación japonesa de Yamatai, una isla ubicada dentro del Triángulo del Dragón, donde habitualmente se pierde todo tipo de naves y embarcaciones. Como es de esperarse, el grupo sufre un terrible accidente y terminan varados en un extraño lugar.

    Nuestra exploradora pronto se da cuenta que no es un lugar abandonado ni mucho menos, pues casi al instante es noqueada y atrapada en una cueva por un grupo de “piratas” que también se encuentran en la zona. Lo primero que tienes que hacer en Tomb Raider es escapar, en una probadita de lo que será el resto de tu travesía: la mayor parte del tiempo estarás en desventaja, sentirás desesperación y miedo mientras aprendes de la peor forma que en esta isla es matar o morir. Simplemente genial el cambio que sufre Lara Croft poco a poco, de inocente a toda una bad ass, encontrando a los integrantes de su grupo de expedición, a otros prisiones y descubriendo los misterios que rodean el lugar.

    Tomb Raider cuenta con varias escenas cinemáticas para narrar la historia además de un gameplay donde abundan los QTE (Quick Time Events) y tengo que admitir que son bastante divertidos, recordándome a lo bien que se sentía presionar adecuadamente las secuencias en God of War 2. Tu progreso no se realiza linealmente por misiones como en los anteriores juegos de la saga o en Uncharted, sino que tienes toda una isla para explorar aunque los objetivos siguen siendo generalmente llegar de un punto a otro.

    Tomb Raider | Reseña
    El elemento de exploración no se puede dejar de lado

    La isla del gameplay

    Puedo afirmar sin duda que éste es el mejor gameplay visto hasta ahora en la franquicia, ya que logra un balance óptimo entre sobrevivir, la aventura y la acción: Tomb Raider te tira por igual salvajes tiroteos, así como ubicaciones donde tendrás que usar el sigilo para acabar con tus enemigos. Al mismo tiempo, los movimientos de Lara Croft para trepar y escalar se sienten muy naturales y te quitarán el aliento los acantilados y abismos donde tendrás que seguir empujando hasta llegar a tu objetivo.

    El elemento de exploración sigue ahí, intacto. A través de los escenarios encontraras “tumbas” donde te esperaran acertijos inteligentes para llegar a una recompensa. Los puzles están muy bien diseñados y realmente te dan ese grado de satisfacción cuando logras resolverlos. Por si fuera poco, una vez terminado Tomb Raider puedes recorrer la isla a tus anchas, regresar por donde habías pasado, abrir nuevos caminos y encontrar algunos coleccionables para darle más vida al juego.

    Y hablando de extender el tiempo de juego. ¿En realidad era necesario un multiplayer? Uno se pregunta por qué los desarrolladores pierden el tiempo creándole un modo multijugador a un juego que en realidad no lo necesita, bien pudieron ser horas y horas bien invertidas en mejorar la campaña y cada aspecto de Tomb Raider aíun más, o simplemente en darnos retos adicionales en la campaña. El multijugador resulta algo tedioso y con jugabilidad de mucho menor calidad que la campaña, basada en enfrentamiento a pistola como si se tratara de una copia barata de las opciones en línea de Uncharted.

    Tomb Raider | Reseña
    Creéme, no vas a querer tocar el modo multijugador

    Soy un fan de Tomb Raider desde sus inicios en el Saturn y PlayStation, conocedor de que en la actual generación de consolas las últimas entregas han dejado un sabor agridulce a propios y extraños. Crystal Dynamics por fin escuchó a los fans y se esforzaron en incluir novedades en el gameplay junto con la esencia de los capítulos anteriores para crear una mezcla interesante y bien lograda. La mas reciente aventura de la arqueóloga mas famosa de los videojuegos resulta ser un juego muy entretenido y una experiencia satisfactoria que ningún gamer puede dejar pasar. Tomb Raider es el must have de esta temporada.