Tercer y último capítulo del universo creado y publicado por Daedalic Entertainment, Goodbye Deponia es un juego que cierra con broche de oro en las aventuras de Rufus, Goal y compañía, en una nueva travesía que les llevará por varios lugares causando el caos y con la habitual dosis de calidad en diseño, humor y música. Si jugaste los pasados, tienes que terminar éste, ya disponible para Mac y Windows vía Steam.
Goodbye Deponia
Como dice el título, este episodio se trata de la despedida y desenlace de la trilogía, pero no se asusten pues no significa que también signifique “adiós Deponia”, pues obviamente Rufus salva el día (algo no difícil de imaginar), sin embargo lo interesante es saber cómo lo logra un personaje tan despistado y accidentado como él.
Manteniendo el estilo de jugabilidad point & click, charla con muchas personas, recolección de ítems y resolución de acertijos, todo comienza con una acelerada secuencia de acción donde nuestros personajes se las deben arreglar para escapar del malvado y viejo conocido villano Cletus, luego de eso podrán descansar en un pequeño hotel. Pero no todo es tan sencillo en Goodbye Deponia, los problemas una vez más llegarán a nuestro protagonista como un resfriado en invierno, dejándonos ver que sigue igual que siempre: Por el lado negativo, egoísta, egocéntrico e incapaz de asumir sus errores; por el positivo, tontamente valiente y dispuesto a ayudar a los demás… Claro, esperando algún tipo de compensación a cambio.
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Estas cualidades le han convertido desde inicio en una muy particular clase de héroe, envolviendo a quien le rodea entre problemas y luego sacándolos de ellos, una fórmula que estos títulos han manejado en comedia, siempre mostrándonos una serie de diálogos caricaturizados y situaciones increíbles, y que permanece intacta en Goodbye Deponia.
¿En qué otro podrías encontrarte con una secta que no te dejará lavar la ropa, la búsqueda de un arma inexistente para todos, un monje al que varias veces mandaremos a la regadera, tener la oportunidad de ayudar a un hombre atascado en el retrete, emparejar a unos enamorados y un largo, muy largo etcétera? Un vaivén de tareas que por fortuna siempre se nos serán recompensadas con las herramientas suficientes para seguir avanzando en la trama.
El arte permanece igual de cuidado en Goodbye Deponia. Los diferentes escenarios, ya sean en hoteles, alcantarillas, bares o fortalezas, tienen un aspecto llamativo y el diseño de estos ayuda en gran parte a sumergir al jugador en esta despedida de Deponia, la cual guarda muchas sorpresas pues el guion nunca se vuelve monótono: Veremos el desarrollo de la historia con viajes, ocurrencias, y peligros, sin dejar de lado el humor ya mencionado, algo que desde el primer juego ha caracterizado a esta saga de Daedalic Entertainment.
Una peripecia encontrarle ropa a Bonzo.
De lugares y personajes
Goodbye Deponia es la última parte de la trilogía, algo que a mi parecer deja un pequeño hueco pues extrañaremos un montón. Esta tercera entrega maneja como siempre escenarios diferentes entre sí, la variedad de los personajes con que nos toparemos también es amplia, conoceremos desde niños perdidos, hasta siquiatras, pasando por visitar la casa de Bozo, el serio amigo de Rufus, en lo personal uno de los mejores momentos del juego ya que la narrativa es convertida a como si estuviéramos viendo un programa de comedia, de esos que tienen risas grabadas y donde todo es un chiste, claro, lo más curioso aquí es que cualquier cosa que exclama Rufus no es del agrado de nadie.
Pero este no es el único instante del juego que te sacará una sonrisa, además de otros momentos cómicos, también encontrarás en especial la participación de tres curiosos cameos provenientes de la marca Nintendo. No investiguen si no quieren saber, llegado el momento lo sabrán.
La música tampoco se queda atrás, las finas y alegres melodías siguen al ritmo de la aventura, hablando de los sucesos que nuestro héroe ha pasado para librar a Goal y Deponia del villano Cletus, una tarea que desde el primer juego parece no terminar. Menos aquí, que es el final. Incluso la banda sonora es melodramáticamente nostálgica. como anticipando un final que por momentos no quisiéramos alcanzar.
Uno de los mejores momentos del juego.
Goodbye Deponia es el cierre de los viajes de Rufus y compañía, un personaje que al inicio simplemente quería escapar de su mundo buscando nuevos horizontes; cometiendo tonterías por aquí y por allá, haciéndose de amigos, hablando con extraños, peleando con su ex novia, nadando en residuos tóxicos, viajando en pueblos perdidos dentro del drenaje, peleando contra un imperio, burlando alarmas de seguridad para terminar bailando disco y mucho, mucho más. Es sin duda un título que debes jugar si has probado los otros dos, si te gustan las aventuras de point and click, o simplemente si quieres tener una nueva experiencia gamer que difícilmente encontrarás en otro juego.
La era de los grandes juegos de plataformas parece muy lejana ahora que vemos tantos Call of Duty, Halo y Gears of Wars, pero de vez en cuando llegan títulos que nos recuerda porqué este género fue el rey todavía hasta la década pasada. Pac-Man and the Ghostly Adventures (para Xbox 360, PlayStation 3, Wii U y PC) es uno de estos juegos.
Pac-Man and the Ghostly Adventures
Antes de hablar del del videojuego, quiero recomendarles la serie animada. En Pac-Man and the Ghostly Adventures (serie) vemos a un come píldoras muy diferente al que conocemos; este nuevo Pac-Man es un niño que asiste a la escuela de Pac-World y tiene aventuras con sus amigos, hasta que un día el sello que divide su mundo con el inframundo se rompe y los fantasmas atacan.
La serie es muy divertida y altamente recomendable, para un público infantil claro está, y el videojuego que se desprende de este show es uno de los pocos que no sólo retoma el humor, el arte y la historia de manera adecuada, sino que la complementa apoyado en las características propias de su medio, brindándonos una experiencia más completa y muy disfrutable.
Pac-Man inició como un videojuego, y por más recomendable que sea la serie no puede superar al material original, de hecho ninguna iteración de esta saga ha superado la esencia simple del clásico que salió para arcades en 1980; por fortuna, Pac-Man and the Ghostly Adventures no intenta reinventarlo, en lugar de eso empieza a construir una nueva mitología basada en la más reciente teleserie del último hombre amarillo.
Comiendo fantasmas, juntando power-ups
Lo más notorio aquí es el enorme parecido que existe entre el programa de televisión y el videojuego, gráficamente son idénticos, los personajes se mueven y actúan muy parecido, aunque las voces no son las originales y eso resulta muy molesto tomando en cuenta lo bien que se siente la adaptación. Además, para los pequeños gamers latinos, no cuenta con ningún tipo de doblaje, el cual también se habría agradecido en un juego con cierto enfoque para niños.
La historia toma lugar al finalizar la primera temporada, puede que los que no la conozcan no se sientan intrigados con la trama así que recomiendo verla antes de tomar el control; como ya dije, es una buena serie. Los personajes que conocemos estarán ahí y es especialmente divertido verlos en la escuela haciendo lo que siempre pensé que harían en sus tiempos libres cuando los miraba en TV.
Los niveles están muy bien diseñados y mantienen cierta nostalgia.
Nuestro joven héroe Pac-Man necesitará derrotar a los fantasmas de toda la vida y evitar que el perverso Betrayus ejecute sus maléficos planes, para hacer esto recorrerá diversos mundos, recogerá muchísimas píldoras, devorará cientos de fantasmas y conseguirá todos los power-ups que puedas.
Así es, ahora Pac-Man puede comer fantasmas sin la necesidad de una gran píldora y también puede cambiar su forma y adquirir nuevas habilidades como disparar fuego o hacerse de goma, esto es de hecho el centro del gameplay, pues cada poder tiene funciones específicas, ventajas y desventajas.
Los controles de Pac-Man and the Ghostly Adventures se sienten precisos; tal vez no sea un Mario, pero es un muy buen juego de plataformas. No encontré un solo nivel en el que muriera por culpa del control, siempre que caía al vacío o un fantasma reducía mi salud a cero sabía exactamente en qué había fallado. Cada muerte fue mi culpa… Y morí mucho.
Olvídate de comer píldoras, ¡busca los power-ups!
Los escenarios en Pac-Man and the Ghostly Adventures abarcan lo clásico del género, pero son variados y divertidos de explorar: Templos antiguos, paisajes urbanos, parajes helados hasta los dientes y cavernas repletas de lava te esperan en tu camino antes de poder hacerle frente jefe final.
La dinámica de gameplay es primordialmente en niveles tridimensionales, donde aparte de avanzar y derrotar algunos enemigos, podrás ir recolectando ítems y encontrar la mejor ruta hacia el final de nivel. También hay varios momentos y jefes de nivel que te harán replantear tu estrategia, sobre todo en el uso de power-ups. Las boss battles son efectivas, con enemigos inmensos y creativos, que en muchos momentos ponen a prueba tu habilidad con el joystick.
Del juego a la serie… Y al juego (de nuevo)
Pac-Man and the Ghostly Adventures sufre de un conflicto de identidad: No quiere ser un juego, quiere ser una continuación de la caricatura; pero al mismo tiempo no quiere ser la serie, quiere tener su propia personalidad… Pero no lo logra; y lo peor, quiere ser un juego para niños, pero también quiere cumplirle a los nostálgicos de los primeros títulos de Pac-Man, así que se obliga a sí mismo a ir en dos direcciones diferentes.
Las batallas contra jefes son divertidas y tienen su chiste.
Los jugadores más hardcore pueden encontrar Pac-Man and the Ghostly Adventures algo simplista en sus controles y mecánicas de juego, pero los niños (y me refiero a niños pequeños como los que ven la serie) encontrarían la dificultad del título no sólo retadora, sino prohibitiva, casi imposible en algunas zonas, sumándole a eso que el juego sólo se encuentra subtitulado al español pero todos los diálogos están en inglés nos da como resultado un producto que no está correctamente orientado ni para niños, ni para adultos.
Sin duda esta obra de Bandai Namco pudo ser mucho más de lo que es, pero no quiere decir que no sea bueno, de hecho es buenísimo, pero necesitas tener la disposición adecuada para disfrutarlo, así que si te gusta el género de plataformas y eres un adulto inmaduro que se despierta los fines de semana a ver Disney XD, Pacman and the Ghostly Adventures te va a encantar.
Chaos on Deponia es la secuela directa que sigue los eventos transcurridos en Deponia, luego de que nuestro héroe Rufus luchara por su (presumiblemente) amada Goal, en una nueva aventura que mantiene la calidad de la anterior y que te llevará explorar diferentes y nuevos lugares en un ambiente de point and click.
Chaos on Deponia
Inmediatamente luego del final del pasado juego, Rufus escapa junto a sus nuevos amigos, sin embargo hay cosas que debe solucionar, principalmente buscar y salvar a Goal de las garras del malvado Cletus, quien además desea llevar a cabo un plan malévolo: Destruir Deponia y con ella a todos sus habitantes. Será tu tarea impedir que esto suceda.
Si hay algo que me ha gustado enormemente de esta franquicia, y en general de la desarrolladora Daedalic Entertainment, es el esmero y compromiso real que tienen para con sus seguidores y fanáticos, entregando productos cuidados estéticamente hasta el límite, y Chaos on Deponia no se queda atrás.
No solo mantiene el nivel artístico, sino que lo eleva mostrando nuevos escenarios llenos de color como mercados, puertos, talleres, tiendas con mucho detalle en cada rincón, ilustraciones que hacen real aquel mundo y que te sumergirán junto con sus brillantes personajes en una travesía plagada de humor, diálogos caricaturizados, situaciones extrañas y un desarrollo narrativo que brinda la simpatía necesaria para que uno realmente se interese en seguir progresando con la historia.
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Problemas, pero de los buenos
Como buen juego de este estilo, Chaos on Deponia sigue con la línea de su antecesor al tratarse de una aventura de point and click y con ello todo lo que podrías esperar. Hablar con una gran variedad de personajes para descubrir pistas sigue siendo algo verdaderamente importante, pues tarde o temprano y luego de recoger alguna gran cantidad de objetos tendrás que darles uso… O al menos sentido, así que es esencial prestar atención a los pequeños detalles, usar la lógica, experimentar, y muchas otras veces simplemente adivinar cómo podrás resolver algo porque en ocasiones encontrarás problemas, pero de los buenos; así que la paciencia será tu mejor aliado.
Hablando de problemas es importante mencionar que Rufus, como se imaginarán, sigue igual que siempre, es decir, esparciendo el caos por cualquier lugar donde se le vea, junto a su extraño sentido de la astucia combinado con una tonta valentía y una gran porción de, lo que provocan que desde el inicio él mismo sea el culpable que la pobre de Goal sufra una fragmentación en su memoria, creándose varias personalidades diferentes de las cuales ninguna de ellas confía plenamente en nuestro protagonista.
Parte importante del juego es tratar de ganar de vuelta la confianza de la androide para poder salvarla, y junto con ella a todo Deponia; una arriesgada misión donde hasta veremos de todo, delfines-torpedo… Sí, leyeron bien, en Deponia las cosas más locas siempre terminan sucediendo.
No sé cuántas veces prendí ese swtich.
La siempre bella Deponia
Debo aclarar que no hace falta el haber jugado el original Deponia(pero lo recomiendo ampliamente), pues rápidamente uno ya sabe de qué va el asunto, también gracias al fantástico trovador que entre algunos escenarios aparece para narrar los acontecimientos ocurridos, todo con un aire cómico muy bien manejado que encaja perfectamente con el título.
El mundo a visitar nuevamente es presentado con un estilo de animación y cómic, con diseños elaborados, vibrantes colores y una serie de puzles que te retarán y te mantendrán pensando. Vuelvo a repetir que es de agradecer que también existan esta clase de juegos donde no todo se trata de matar y matar, y no se necesita tener una pistola en la mano para viajar a escenarios insospechados.
Y es que en Chaos Deponia el jugador sale ganando siempre (por decir de una forma), pues sólo por descifrar los acertijos y conocer la historia el usuario siente recompensado el tiempo invertido. Deadelic Entertainment nuevamente crea uno de esos títulos que luego de terminados desearás darle una rejugada de vez en cuando, ya saben, para ganar trofeos extra, apreciar los gráficos, la música o simplemente pasar un buen rato.
La siempre bella Deponia.
Salvo algunos altibajos narrativos y normales en este género, al final Chaos en Deponia te ofrece -sin necesidad de una súper computadora- todo lo que se podría esperar y si eres de los que gustan de resolver retos mentales, esta secuela no te dejará defraudado, pero sí esperando por más, sobre todo porque la historia continúa en la tercera y última parte, Goodbye Deponia, juego del que por supuesto podrás leer su reseña aquí en Anim-arte.com
Sólo para mayores de edad y aun así, únicamente para quienes puedan soportar una historia donde continuamente pareciera que se pone a prueba al espectador escena, tras escena, tras escena, tras escena. Así es Hobo With a Shotgun, un clásico del cine grindhouse.
Hobo with a Shotgun
Dirigida por Jason Eisener y protagonizada por Rutger Hauer en su papel de Hobo o el vagabundo; la trama cuenta sobre una ciudad llamada Hope Town que por el crecimiento de las pandillas y delincuencia organizada se ha hundido en la desesperación total de sus habitantes a tal punto que el término “Hope” (esperanza) es reemplazado por “Scum” (basura).
La ley no puede (y en algunos casos no quiere) detener al que pareciera es el dueño de tal lugar, The Drake (Brian Downey), quien gobierna y reparte caos junto a sus dos hijos, Ivan y Slick (este último el más sádico y violento). Claro, todos sabemos que con el transcurso de la historia estos tres personajes se toparán con Hobo y su escopeta.
Nuestro protagonista se encuentra asqueado de la corrupción y falta de ayuda por parte de las autoridades y en un momento clave decide defender de los temibles hermanos a una prostituta de nombre Abby, enfrentamiento del que Ivan y Slick logran salir libres y Hobo malherido. De aquí en adelante el vagabundo se convierte en el único amigo de Abby y al mismo tiempo en una suerte de vigilante de las calles.
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El escenario de HopeTown es extremadamente violento y tras estos minutos introductorios uno se percata del “clima de la película”, es allí cuando entra el juicio del espectador entre no seguir viendo o quedarse para conocer la conclusión de los eventos de Hobo With a Shotgun. El protagonista anida un sentimiento de malestar que crece rápidamente y se transforma en odio, una aberración completa por todo lo que acarrean los criminales; es allí cuando explota en ira y con la ayuda de una escopeta sale a matar a sangre fría a todo aquel que represente una amenaza para la paz y el bienestar.
Rápidamente se esparce la voz de lo que está haciendo este “hombre sin hogar” y el pueblo comienza a aplaudirle e idealizarlo por sus acciones. Los malandrines comienzan a dejar las calles, pero aún faltan The Drake y sus dos vástagos, momento en que la violencia recrudece y sube el listón de lo que se puede soportar. Claro, tomando en cuenta que desde comienzo las cosas ya estaban verdaderamente mal.
Por desgracia, no creas que la escala de violencia pinta para mantenerse en este estándar. Luego de un terrible suceso, la población se pone en contra de las acciones de este vigilante y decide comenzar a asesinar a cualquier vagundo por temor, una vez más subiendo el nivel de sangre y tripas, llevando caos y más eventos en cadena que sólo traerán desdicha y muerte a todos.
Nunca te metas con un “homeless” encabronado.
Noventa minutos de violencia sin tapujos
Lo repito, Hobo With a Shotgun no es una cinta para cualquier público. Mantiene una constante de violencia explícita de todo tipo, cuando no es gráfica, es verbal, y las escenas gore realzan y sirven para acentuar el desolador panorama en el que viven los ciudadanos de Hope Town. Sin embargo, todo tiene una especie de freno, siempre se deja al espectador en el filo de lo insoportable y grotesco, para entrar en una”calma momentánea que después nuevamente sube a tal punto que reta al público de alejarse del filme.
Lanzada en 2011, es por varias razones una de esas películas que de forma instantánea han entrado en la categoría de culto; las actuaciones presentadas son creíbles y en algunos casos expuestas de una forma casi caricaturesca para marcar una serie de eventos plagados, como he dicho, de una violencia en ascenso junto a una fotografía saturada de colores fuertes y un aspecto ochentero.
Hobo With a Shotgun es una historia cruda y hasta cierto punto trágica; una crítica que nos plantea un mundo tan brutal que la misma sociedad lo ha aceptado como normal y cotidiano, algo del día a día, de tal manera que sólo una persona sin hogar lo descubre como intolerable. Una tragedia de hora y media dentro de un escenario en decadencia y sin futuro.
Un pueblo decadente, violento y lleno se sangre.
Basada de un corto ficticio aparecido en Grindhousede Quentin Tarantino y Robertt Rodríguez (al igual que Machete), Hobo With a Shotgun, con su estética llamativa, ágil narrativa y la crudeza de las situaciones mostradas se convierte en un largometraje que muchos encontrarán imperdible en el género. En lo personal, mucho, mucho mejor Machetey bastante recomendable para los seguidores de este tipo de cine, aunque quizá sólo para ellos.
De mano de Pedro Pablo Ibarra, con un guion de Issa López, Georgina Riedel, Gabriel Ripstein y Oscar Orlando llega Amor a Primera Visa, una comedia ligera con un romance común y corriente que, al menos de entrada, no ofrece más allá de una historia contada más de mil veces.
Amor a Primera Visa
Jaime Camil es Alejandro Fernández (no, no el que todos conocemos), un mariachi que vive una vida promedio, típico padre soltero que aunque lo desea no puede darle “lo mejor” a su hija, María (Renata Ybarra). Después de la muerte de su esposa, Alejandro se sumerge en la depresión y en sus propios miedos, principalmente el no ser el mejor para el resto.
Del otro lado tenemos a Laura Ramsey como Rachel, una mujer trabajadora que se mantiene en constante movimiento, y que al laborar como cónsul de la embajada americana concentra sus metas en una sola cosa: Ir a Londres, la última ciudad donde estuvo su padre.
Alejandro cree que lo mejor para su hija es que sus abuelos maternos se encarguen de educarla y de darle lo que aparentemente él no puede. Tras una negativa de Rachel a Alejandro en cuestión de obtener la Visa por no cumplir los requisitos, y de un reencuentro afortunado con “El Canicas” (interpretado por Omar Chaparro), ambos se involucran en la búsqueda de dos objetivos diferentes: ella estará detrás de una Mac que tiene documentos confidenciales que fueron confiados por su jefe, mientras que Alejandro la ayudará (porque él tiene la computadora en cuestión), mientras intenta convencerla de que es un buen prospecto para que se le conceda la Visa.
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Una de mariachis
Todos telegrafiamos en qué terminará Amor a Primera Visa. En realidad no hay ningún cambio en la historia y en su ejecución. Anticipamos que ambos terminarán enamorados, sabemos que en algún punto la verdad saldrá a relucir entre tantos enredos y los protagonistas terminarán distanciados por una mentira que, aunque se intentó aclarar, nunca pudo ser explicada, además de que tenemos a Omar Chaparro en el apartado del humor.
Y aunque no salir del cliché establecido podía sentirse como algo malo, resulta no ser el principal problema de la película, sino que las motivaciones de los personajes no se sienten genuinas, y en una trama con tintes románticos los sentimientos que transmiten los personajes son claves para disfrutar una historia, aunque ya sepas en qué termina.
Recuerdo estar durante toda la proyección de Amor a Primera Visa preguntándome por qué Alejandro quiere alejar a su hija. ¿Por qué no intentar de nuevo el trámite consular? ¿Por qué sigue trabajando sólo como mariachi? ¿Por qué le oculta la computadora a Rachel cuando pudo haberle servido como un buen argumento desde el principio? ¿Por qué ella quiere seguir los pasos de su padre cuando fue lo que más detesta? ¿Por qué la maestra de inglés odia a la niña y a su padre?
El clásico padre soltero bueno para nada.
Durante todo el largometraje estarás cuestionándote éstas y muchas cosas más. El guion no tiene sentido, las situaciones simplemente proyectan una necesidad imperativa de formar una historia romántica que no se detiene a explorar las motivaciones que llevan a los personajes a cometer sus errores, y sólo se sienten como un berrinche.
No se aceptan comparaciones
Después del (por muchas personas odiado) éxito de No se Aceptan Devoluciones, las comparaciones entre ambos exponentes del cine mexicano no se hacen esperar. Mientras que la cinta dirigida y protagonizada por Eugenio Derbez intenta imprimir su propio estilo (bueno o malo) a un cuento de sobra conocido, Amor a Primera Visa no se arriesga a intentar nada en este renglón y se guía por la única premisa de que el amor mágicamente solucionará todo.
Aunque seamos sinceros, no todo en es malo este filme, tengo que ser enteramente honesto con ustedes. El cine mexicano ha sido un constante problema para mí; el que las obras de cine “negro” mexicano sean levantadas como única propuesta para exportar es algo que considero sinceramente estúpido.
Aunque no lo crea, es Omar Chaparro.
“En Estados Unidos se hacen diez Iron Man y dos Precious, la gente mira esas dos obras y dicen: ‘¡Qué gran película!’. Mientras que en México se hacen diez Precious y solo dos Iron Man y la gente critica a los que intentan hacer algo diferente”. Dejando a un lado las obvias diferencias pero siendo sinceros, así es.
No tengo porqué justificar las fallas de la película, pero es cierto que intenta mostrarnos varios detalles tradicionales mexicanos que se han ido olvidado en el cine nacional. Los mariachis, los monumentos, la música, la gente, la comida mexicana, por lo que los mejores actores en Amor a Primera Visa sea la cultura, los lugares y la misma esencia mexicana que (aunque poco) se intenta resaltar.
Con todas y esto, la fotografía, la música, algunos personajes que llegan a destacar, el humor (que siendo sinceros, es el que manejamos muchas veces en la vida diaria), el breve tour por la Ciudad de México y algunos aspectos rumbo a la conclusión hacen que nos quedemos en nuestros asientos. A pesar de todo soltarás risas discretas y carcajadas culposas por el humor simple pero, en algunos puntos, efectivo.
Roberto Sosa interpreta al villano de la película.
Amor a Primera Visa tiene muchísimos fallos, pero estaría siendo deshonesto con todos ustedes si no les dijera que me divertí con esta comedia romántica. Es la clásica obra estándar del género que cumple con entretener, aun sin poderla recomendar abiertamente.
Únete a Rufus y descubre los secretos y personajes de un mundo que no olvidarás en Deponia, un viaje lleno de humor, sarcasmo, rarezas, acertijos y una banda sonora memorable. Créeme, vale la pena darle una oportunidad a ésta, la primera de tres partes de una trilogía estilo point and click.
Deponia
Desarrollado y publicado por la compañía alemana Daedalic Entertainment (fundada en 2007), Deponiaes un videojuego lanzado al mercado en idioma alemán originalmente en enero de 2012 y más tarde con audio en inglés en agosto de ese mismo año; el primero de una trilogía que ha visto su publicación en las plataformas de PC y Mac, y que puedes conseguir vía Steam.
El título es fiel testigo de los valores de esta compañía en cuanto a sus desarrollos internos, con un estándar de calidad bastante alto en donde destaca su apartado artístico, que incluye diseño de personajes, escenarios y hasta la música, junto una historia repleta de situaciones chuscas.
De acertijos, rompecabezas y minijuegos
A diferencia de lo que la mayoría podría esperar, Deponiaenfoca el 100 por ciento de su gameplay en la solución de problemas por medio de la recolección de objetos variados y combinarlos entre ellos o usarlos como herramienta para, por ejemplo, abrir puertas u obtener otras cosas.
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Varios de estos ítems están dispersos por los escenarios que recorres simplemente con apuntar el mouse; pero no solo por la observación en el entorno descubrirás aquello que te falta, también en varias ocasiones será indispensable que hables largo y tendido con los diferentes personajes para que, llegado el momento, estos entreguen una pista, o la herramienta faltante en algún rompecabezas que tienes sin resolver y que te impide que sigas avanzando.
En esencia un point and click, un género enfocado a la exploración meticulosa del ambiente, la interacción con todos los personajes y el entorno, además de mucha cabeza para resolver los puzles. Si eres nuevo no te preocupes, Deponiarecompensará tu paciencia con una entretenida historia enmarcada con una presentación visual que inmediatamente invita a jugar y seguir tus travesías.
El escape de Deponia
Aquí conocerás a Rufus, un muchacho de espíritu aventurero con el gran sueño de salir de su tierra, un gigantesco tiradero de basura llamado Deponia, donde la gente no puede aspirar a mucho más que seguir con un estilo de vida muy diferente a como es en Elysium, donde la clase alta de la sociedad descansa en una ciudad flotante en las alturas de los cielos, a donde Rufus desea llegar.
Este torito mecánico nos ayudará de una u otra forma.
Sin embargo las cosas están por cambiar, pues nuestro animado protagonista también tiene la característica de ser bastante despistado, algo que rápidamente le pondrá en aprietos no sólo a él, también a Goal, una bella androide que ha caído de aquella ciudad en las nubes y que rápidamente se ganará el cariño de Rufus, quien se verá en la tarea de rescatarla de una u otra forma para, quizá en contra de su voluntad, llevarla con su prometido, que curiosamente es un hombre que no desea nada bueno para Deponia ni para su gente.
Todo transcurre con una dirección de arte que difícilmente no será de tu gusto. Colores llamativos, hermosas ilustraciones con un aspecto de cómic europeo y una estupenda banda sonora que sigue el camino de nuestro héroe son de las aspectos que brincan a sólo unos minutos de tomar el ratón.
Otro punto muy importante en Deponiaes que podrás interactuar con la mayoría de personajes que te encuentras, dialogando con ellos de forma extensa sobre múltiples temas, algo que enriquece el trasfondo de la trama y el mundo donde transcurre, y que, como ya mencioné, sirve también para entregar pistas de importancia para saber dónde buscar y qué objetos se necesitarán para completar cada objetivo, como preparar un explosivo café para Goal.
Deponia desborda arte y color.
El gameplay en estos juegos es generalmente sencillo y ni siquiera necesitamos tener gran habilidad con los pulgares, pues el músculo que más exprimirás aquí es el cerebro, aunque siempre junto un argumento lleno de situaciones hilarantes a base de errores y accidentes, y un mundo que los creadores supieron desarrollar de tal forma que llegas a conocer las costumbres, tradiciones y rumores de los lugares que visitas.
En general este Deponiaes un videojuego que gustará a todos aquellos que conocen el trabajo de Daedalic Entertainment y/o gustan de los point and click, aunque también es un título tan bien logrado que cualquier gamer debería darle al menos una oportunidad, estoy seguro encontrarán mínimo un detalle que les guste lo necesario para sumergirlos en una experiencia de juego diferente,
Battlefield 4 es la nueva entrega de la popular franquicia de FPS desarrollada por el equipo DICE, para llevar la saga hacia la nueva generación de consolas y al mismo tiempo ofrecer un producto digno del punto de vida más maduro de las plataformas actuales, dígase PlayStation 3, Xbox 360 y la PC (en donde mejor luce el juego).
Battlefield 4
Quizá lo primero que intentemos para familiarizarnos con este renovado campo de batalla es el modo de historia, algo que Electronic Arts se cansó de presumirnos como una notable mejora sobre las entregas anteriores y con una trama digna del mejor thriller de acción hollywoodense.
¿La realidad? La campaña es un desastre empezando por tu pelotón; tus compañeros controlados por la Inteligencia Artificial son tan ineptos que necesitan que les señales a quién atacar y aún así prefieren dispararle a la pared. Quizás yo esté equivozado, pero tenía entendido que todos en mi escuadrón eran miembros del Ejército y su propósito era ayudarme a combatir, no quedarse atrás picándose la nariz. No sólo eso, en más de una ocasión estaba escondido para replantear mi estrategia y mis “compañeros” debieron haber pensado que tenía pena de asomar la cabeza y decidieron empujarme, para terminar muerto entre una lluvia de balas enemigas.
Esta guerra ya me la sé
En cuanto al argumento, la trama de Battlefield 4 está llena de clichés y terribles líneas de diálogo, el guion y la narrativa son tan deficientes que bien pudieran tomarse para crear un manual sobre cómo no hacer una historia para un first person shooter. Este título nos lleva seis años después de su predecesor, en un mundo donde la crisis armamentista tocó fondo: La tensión entre Rusia y Estados Unidos ha crecido en los últimos meses y cuando parecía que nada podía ir peor, hay indicios preocupantes de que el gobierno chino recibirá un golpe de estado que inclinará la balanza contra los sueños americanos.
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El almirante Chang (ni al nombre le pensaron) plantea derrocar al régimen de China, y tras ello prestar todo el poder de la nación más poblada del mundo a Rusia para declararle la guerra a Estados Unidos; nuestra misión consiste básicamente en que esto no suceda, presentando nuevos personajes, reencontrándonos con algunos viejos conocidos, metiendo varias secuencias de peligrosa acción por aquí y por allá, aunque con cero factor sorpresa, pues todo esto ya lo viviste en otro shooter hace mucho tiempo o, peor aún, rebasan el absurdo.
Por ejemplo, en algún punto de la historia uno de tus compañeros está claramente muerto, termina en una situación imposible de sobrevivir, otro miembro de tu escuadrón lamenta su muerte pero el juego continua; misiones después regresa al mundo de los vivos y la manera en la que explican su resurrección es simplemente: “Me tenían jodido, pero después me des-jodí. Déjalo en eso”. (They had me fucked, then I got unfucked. Leave it at that”).
La última secuencia de Battlefield 4 y su “decisión moral” merecen contemplación especial, ya que no sólo es absurda, sino que involucra el último intento de sacrificarse de uno de los personajes por el bien común, porque sólo Estados Unidos podría salvar el día y contra las posibilidades astronómicas en contra logras tu cometido porque…¡Es América, fuck yeah!
Los escenarios lucen muy detallados aun en PS3 y Xbox 360.
Multijugador, el diamante en Battlefield 4
Afortunadamente, los altibajos de la campaña se olvidan ante uno de los sistemas de juego en línea más sólidos que hay en el mercado. Los mapas multijugador en Battlefield 4 son inmensos, supongo que claramente están diseñados para PC o consolas de siguiente generación donde el número de jugadores alcanza hasta 64 totales, pero en PlayStation 3 y Xbox 360 la cifra desciende a 24, lo cual hace que los niveles se sientan más grandes de lo normal; en varios momentos logré explorar y perderme en los mapas sin que alguien me encontrara, aunque esto no es necesariamente malo, sólo prolonga un poco las partidas entre equipos pequeños.
Algunas nuevas adiciones a la fórmula incluyen el Commander Mode (resucitando de Battlefield 2), donde tomas el rol de un estratega que no participa en la acción frontal de las escaramuzas, sino que debe transmitir sus órdenes desde una vista aérea al resto del escuadrón; incluso si eres un experto jugador requieres de habilidades de comunicación para salir adelante, ya sea para alertar a tus compañeros o para planear el ataque.
Otra de las novedades es Obliteration, donde dos equipos buscan hacerse con el control de una bomba para destruir tres posiciones enemigas. El resto de modalidades multiplayer son más o menos las mismas que conocemos en el género con sus respectivas variaciones personales, aunque las partidas son bastante menos repetitivas gracias a una característica implementada por DICE llamada Levolution, que consiste en darle un nuevo sentido a los llamados “escenarios destructibles”.
Olvídate de la campaña, el mero mole de Battlefield 4 es el multijugador.
Los mapas de Battlefield 4, bellamente diseñados en su enorme mayoría, esconden un evento especial que cambia la dinámica de tu estrategia en gran medida, y casi siempre recae en una gran estructura colapsando, puertas que se cierran para cambiar los accesos y hasta un mapa que se inunda por completo, haciendo que tengas que cambiar tu acercamiento para no ser un blanco fácil.
Las partidas suelen ser enérgicas, divertidas y siempre con la idea de explotar el factor cooperativo por encima de todo; hacer equipo es vital y éste es uno de esos juegos donde no basta ser un estupendo asesino solitario para avanzar. Todas las armas y vehículos (tanques, aviones, botes, etc) son útiles y pasarás un buen rato logrando tu configuración de equipo perfecta entre las distintas clases que nos ofrece el título.
El único problema es que aunque todos los mapas están abiertos a ser usados en cualquier modo multijugador, no necesariamente están diseñados para soportar adecuadamente todos los modos de juego. Golmud Railway, por ejemplo, es un gran mapa para Conquest, pero frustrante en Obliteration, donde una bomba aparece para destruir los puntos de captura del enemigo y hay partidas tan largas que pueden rebasar la hora de duración.
Las clases diversifican tu acercamiento, pero la habilidad es lo más importante.
En el apartado técnico realmente hay poco nuevo que mencionar. La franquicia siempre ha destacado por una exuberante presentación gráfica, y Battlefield 4 no es la excepción, incluso en consolas de actual generación. Destrucción, explosiones, fuego, polvo, estructuras, fuentes de luz y vehículos de todo tipo se ven bien en tu PlayStation 3 y Xbox 360, y se verán mucho mejor obviamente en PlayStation 4 y Xbox One, pero la diferencia gráfica no debe ser un factor preocupante si piensas adquirirlo.
Pese a su campaña fallida y de corta duración (no más de nueve horas aunque seas muy maleta), el juego en línea es impresionante a todos los niveles. Fácilmente podemos decir que el multijugador de Battlefield 4 rebasa las expectativas que no logró cumplir el gris modo para una persona y justifica la compra de este nuevo campo de batalla.
Todos las conocemos, aquellas criaturas que normalmente salen en la basura y que merodean por los desperdicios, que son sinónimo de infecciones y, cómo no, de ser de los únicos bichos que resistirían la radiación de una explosión atómica… y de entre las características normalmente desagradables de las cucarachas tenemos Journey of a Roach, una nueva aventura para computadoras corriendo con Windows y Mac, donde algunos de estos insectos sobreviven en un escenario post apocalíptico.
Journey of a Roach
Bienvenidos al mundo visto a través de los ojos de una cucaracha y, lejos de lo que podrían imaginar por lo antes mencionado, estamos ante una aventura llena de encanto y carisma donde el arte es lo primero a tomar en cuenta gracias a sus muy bien logrados escenarios y personajes; un viaje que presenta un mundo post apocalíptico luego de una guerra nuclear.
Y ustedes preguntarán, ¿qué hay de encanto y carisma en eso? bueno, la vida que ha subsistido debajo de la tierra, donde muchos bichos como hormigas, arañas, ratas, alguna que otra luciérnaga y por supuesto las cucarachas son el centro de la historia en Journey of a Roach.
La raza humana se ha extinguido, pero no los peligros. Bud es sin duda una “cuca” con un poco de mala suerte; no sólo anda por ahí con un brazo roto, también por algún tropiezo del destino ha caído en un agujero de fondo desconocido, así que es tarea de Jim encontrarle o liberarle si el imperio de las hormigas le ha capturado… ¡Porque es obvio que ha caído en sus fauces!
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Cucarisma y encanto de patas a cabeza
Así pues, Journey of a Roach es la aventura de Jim por rescatar a su compañero, conociendo a diferentes personajes en el camino que también le necesitarán, brindándole en recompensa toda la ayuda posible para seguir con su misión. Todo en un ambiente de exploración donde “caminaremos” con todas las patas de nuestro protagonista y superando multitud de acertijos.
Si hay algo que llame inmediatamente la atención es el buen diseño de cada escenario y de los personajes; los colores varían entre tonos cafés y otros más brillantes dependiendo del lugar, en un estilo de gráficas recuerda mucho al de un cómic con todo y su look cartoon en 2.5 dimensiones, un mundo realmente vistoso que impulsa al jugador a seguir en la búsqueda del despistado Bud, quien parece no salir de un aprieto cuando ya está en otro. Desgraciadamente, no parece que todos los escenarios compartan la misma calidad en detalles y notarás que por momentos algunos se sienten descuidados.
La jugabilidad en Journey of a Roach te permite caminar también por paredes y techos para encontrar de esta manera una serie de diferentes objetos que, solos o combinados entre sí, te ayudarán a resolver los acertijos para avanzar en las profundidades de la tierra. En tu recorrido prasarás entre túneles con señoras arañas, bares con juegos de mesa y música en vivo, laboratorios y algún que otro dormitorio.
Un buen equilibrio entre luces, sombras y colores.
Una travesía de acertijos y objetos
Si bien toda la apariencia de Journey of a Roach tiene un enfoque más infantil o para público joven, el estilo de acertijos puede llegar a ser un poco complejo para alguien de esa edad, convirtiéndose en un videojuegos que realmente amarás u odiarás por aburrimiento al sentirte atorado y no poder solucionar el puzle en turno.
Como es natural, las pistas no existen para resolver los problemas y la cantidad de ítems a recoger son bastante variados, el poder caminar y trepar por diferentes lugares complica un poco las cosas, pues en verdad se debe prestar atención en el entorno y saber ingeniárselas para descubrir la combinación, varias veces extraña, de los elementos que uno recoge durante la aventura.
Sin embargo la solución que lleva al avance de la historia (muy básica por cierto) y el buen estilo que tiene este “Viaje de la cucaracha”, hacen que una vez que superes los retos sientas cierta necesidad de buscar una mayor, aunque no esperes tantos, pues este título puede puede ser terminado por completo en un máximo de cuatro e incluso un mínimo de dieciocho minutos, desbloqueando un logro de ésta última forma.
Los personajes son llamativos y sus gestos muy graciosos.
Al final, Journey of a Roach, desarrollado por Kobold Games y publicado por Daedalic Entertainment, es un buen título para descansar de tantos disparos y violencia casi gratuita que existen en los videojuegos. Hay que destacar la habilidad de la narrativa para expresar las emociones y necesidades de los personajes sin el uso de diálogo hablado, más que la comunicación por medio de dibujos y sonidos como “¡¡Tada!!”, muy simpático por cierto. Su peor punto es que quizá es algo para lo que te ofrece en tiempo de juego.
Con una nueva versión que su creador considera más una secuela que un remake en alta definición de su obra. Spelunky “HD” llega con viejas caras pero con un modo de juego completamente renovado a lo que su contraparte gratuita nos ofrecía, ahora en el catálogo de descargas para Steam, PlayStation 3, PS Vita y Xbox 360
Spelunky
“De nuevo me desperté en la entrada de este misterioso templo. Lo único que recuerdo fue que estaba cayendo en un abismo sin fondo. Estas cuevas misteriosas están repletas de cosas que ni el más extraño de los relatos podría describir. He muerto muchas veces. Me han disparado, he muerto intoxicado, mordido y muchísimas formas más… Esto se ha convertido más que una búsqueda de riquezas. Esto se ha convertido en un viaje por mi supervivencia, fama, fortuna y en un reto personal”
Recuerdo la primera vez que pude jugar el original Spelunky. Atrapado en ese empleo donde debía esperar en un mostrador pacientemente a los clientes, mi jefe muy amablemente me ofreció su conexión a Internet. Ya había escuchado del título y un poco de su música. Sin pensarlo tanto descargué su versión gratuita y comencé a jugar. Tiempo después tuve que hacerme con la versión en “HD”.
¡Soy un explorador!
Ésta es una de esas experiencias que puedes amar y odiar, tendrás momentos donde maldecirás a todas las cosas santas del cielo, aunque también tendrás esos alivios donde todo sale perfecto y el sentimiento de orgullo y reto superado saldrá a relucir. Lo que quiero decir con esto es que Spelunkyes un juego de momentos.
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El juego es simple. Tendrás cuatro zonas y cada una tendrá cuatro “actos”. Tu objetivo será salir con vida de cada uno de los niveles con la mayor recompensa posible en una combinación de plataformas, algunos puzles y montones, realmente montones de trampas. Simple, ¿no es así? Bueno, lo divertido de Spelunkyes que cada partida es diferente. Cada vez el sistema “construirá” niveles nuevos durante tu progreso, añadiendo o quitando elementos para que cada una de tus experiencias sea diferente y única.
Nunca te confíes y responde por tus acciones
Los controles son algo complejos de dominar, todas las mecánicas disponibles te tomarán varias partidas para dominarlas. Incluso aquellos que ya son conocedores del título (en su versión gratuita y su remake en alta definición) tendrán problemas para salir adelante, pero el problema nunca será el juego. Siempre serás tú.
Trampas de aire (mejoradas a diferencia de su antecesor), arañas, serpientes, yetis, plantas carnívoras, aliens e incluso algunos enemigos humanos se encargarán de terminar tu aventura. Y aunque todo esto suene peligroso, lo que deberás cuidar siempre serán tus movimientos. Spelunkynunca será injusto contigo, siempre habrá una manera de terminar el juego incluso sin usar alguno de tus ítems, aunque claro, eso no significa que esta forma de triunfar sea la más sencilla.
Los niveles son generados aleatoriamente.
Tendrás que poner toda tu experiencia y tus conocimientos del juego para adaptarte y encontrar la ruta a seguir. Cada uno de tus ítems te beneficiará o perjudicará tanto como tú lo decidas. Quizá tele transportarte sea lo mejor, aunque existe la posibilidad de terminar desintegrado entre el camino que está delante de ti. Tal vez sacrificar a tú damisela a Kali para recibir uno de sus favores es lo mejor, o qué tal llevarla a la salida y cobrar tu recompensa, esto te salvará de una muerte en el siguiente nivel. ¿Has pensado en robarle al mercader como una mejor mejor opción? Aunque la recompensa es grande, el peligro y las consecuencias lo pueden ser aún más. Spelunkyes un juego de riesgos, concentración y consecuencias.
Un videojuego para estresarte y aliviarte
El multiplayer local en Spelunkyes una de las pocas características que te demostrará un poco de piedad. El juego puede ser explorado por cuatro jugadores simultáneos, cada uno con sus propios ítems, aunque la versión de consola seguirá a un líder, se siguen las reglas originales, con la diferencia de que si un jugador muere podrá ser revivido si su cuerpo se encuentra en los ataúdes de los niveles.
Aunque esto le agrega variedad a la campaña principal, mi recomendación personal es el modo de combate. Aquí te enfrentarás en distintas arenas a los otros jugadores mientras evitan morir por el escenario o por tus contrincantes. El primer jugador que llegue a las cinco victorias será el ganador. Esta opción es extremadamente divertida y garantiza risas y anécdotas de juego que seguramente serán recordadas por un buen tiempo.
Encontrarás algunos personajes que te “ayudarán” en tu aventura.
La versión de Steam también ofrece una modalidad extra llamado Daily Challenge, en donde se nos presentará una partida que será exactamente igual para todos los jugadores que tomen el reto; tendremos una sola oportunidad por día y tendremos que competir contra otros jugadores para ser el mejor. Aunque no ofrece alguna recompensa en concreto, si eres un jugador competitivo el ver tus números en la pantalla seguramente será la motivación indicada para seguir intentándolo.
Spelunky HDes un título que puedo recomendar ampliamente. Lo odiarás, tendrás muchísimas frustraciones, muchos momentos donde aventarás tu control o simplemente tendrás los ya clásicos “Rage Quit”, pero cuando logras llegar al final juego o simplemente completas una buena partida te dejará con una satisfacción que te hará regresar por un poco más. ¿No te he convencido de probar el título? ¡Te invito a que pruebes la versión original de Spelunkytotalmente gratis!
De los creadores de Súper Cool llega Este es el Fin, una comedia hecha para todos aquellos que sólo desean pasar un buen rato con una historia donde muy bien quedaría la frase “cameos, cameos everywhere”, ya que la película cuenta con un amplio repertorio de estrellas invitadas, todas apareciendo como ellas mismas durante una fiesta mientras presencian el fin del mundo a media cuadra de distancia.
Este es el Fin
Un filme de Evan Goldberg y Seth Rogen, muy conocidos por la serie de cintas ya mencionadas antes y más Rogen, por todas las comedias que ha interpretado; un actor, escritor y productor que ha demostrado tener la habilidad para crear y presentar personajes llenos de vida y carisma, aunque en la mayoría de las ocasiones se comporten de una forma infantil e irresponsable.
Sus cintas tienen el sello de ser aventuras y desventuras en las que podemos ver rasgos en común entre todos sus personajes, sin embargo esta historia va más allá, Este es el Fin entrega lo que el público desearía: llevarte por un escenario apocalíptico con algunas de las estrellas más populares en Hollywood dentro de este género.
Cameos a la orden del día
Si hay algo que destaca es en la variedad de artistas que se han prestado para Este es el Fin y donde cada quien es él mismo dentro de la narrativa, es decir, James Franco es James Franco, Seth Rogen es Seth Rogen, Emma Watson es Emma Watson, Michael Cera es Michael Cera, etc. ¿Cuál es la ganancia de esto? Bueno, déjenme decirles que para cualquier fanático de estos actores y actrices es una gran sorpresa verlos lejos de personajes ajenos y más de una manera cotidiana, tomando en cuenta que las puertas de la destrucción están a un santiamén.
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En la lista de invitados podemos encontrar, además de los ya mencionados, a Jonah Hill, Jay Baruchel, Danny McBride, Craig Robinson, Mindy Kaling, David Krumholtz, Christopher Mintz-Plasse, Paul Rudd, Rihanna, Kevin Hart, Aziz Ansari, David Jensen, todos los Backstreet Boys y la participación especial de Channing Tatum.
En su mayoría comediantes o rostros conocidos del género que nos recuerdan a películas como Scott Pilgrim Contra el Mundo, Harold & Kumar, Piña Express y varias más, de hecho si hay alguien que faltó es Natalie Portman, a quien vimos en Your Highness (una loca aventura medieval, muy loca de hecho), quizá en su lugar colocando a Emma Watson, quien se interpreta a ella misma como una fiera y enérgica mujer sin miedo a nada.
¡Corran todos, es el fin del mundo!
Tal y como el título lo expresa, estamos ante el fin de los tiempos, una catástrofe que toma por sorpresa a media fiesta a nuestros protagonistas cuando son testigos de cómo se abre la tierra expulsando bocanadas de fuego y tragándose casas, avenidas y mucha gente, entre ellos algunos de los cameos, escenas divertidas y llenas de un humor singular entre la sátira y comedia ligera; en lo personal ver a Rihanna darle una cachetada a Michael Cera luego de que este le diera una nalgada, y que además antes de eso le estornudara cocaína en la cara a Christopher Mintz-Plasse (Kick-Ass, Súper Cool) para luego terminar atravesado con un poste de luz mientras trata de hablar con Paris Hilton, bueno, realmente no tiene precio.
Emma Watson es… Emma Watson, una chica furiosa :O
En general así transcurre Este es el Fin, una serie de situaciones alocadas que causan más gracia si el espectador reconoce a los artistas. La trama y el desarrollo de la historia nunca se mantienen lineales, en lugar de eso avanza directamente al clímax mientras nos desvelan los secretos del fin del mundo en el cual podremos llegar a ver más situaciones extrañas, irreverentes y mucha más comedia… Incluso hay una escena de exorcismo.
Analizando lo anterior, Este es el Fin acierta totalmente, pues no es una película que quiera llegar a todos, es un filme que sabe a quién dirigirse y gran parte del chiste es reconocer artistas con largos o cortos diálogos que salen en primer, segundo y a veces hasta el tercer plano. Descubrirlos es casi como “encontrar a Wally”, lo cual tiene sus buenos momentos.
El argumento siempre mantiene a las estrellas en continuo movimiento, con gags típicos, varios clichés y un final en el mismo tono. Sin mencionar spoilers, puedo decir que sobresalen los efectos especiales a tal grado que estos parecen sacados de una gran producción, algo que sube la calidad del filme. Las actuaciones, como era de esperarse, son difíciles de juzgar, pues básicamente todos pasan un buen momento esperando que el mundo se acabe en una gran fiesta, mientras el público parece como espectador en primera persona.
Toda la pandilla esta reunida… que empiecen los chistes
Este es el Fin, basada en el corto Jay and Seth Versus the Apocalypse, es sin duda una comedia que encaja perfectamente al humor de los otros filmes ya mencionados, lo perfecciona, entrega carismáticas representaciones, instantes irreverentes, bobos, irónicos, irreales, fantásticos, satíricos y nunca se toma en serio a sí misma, lo cual es muy agradable ya que cumple con su objetivo, el simplemente ser una cinta para entretener y hacer pasar un rato agradable entre risas y algunos instantes de pena ajena (hablando en el buen sentido).
Después de transformar en pequeños bloques franquicias como Indiana Jones, Star Wars, Piratas del Caribe, Harry Potter y hasta DC Comics, parecía sólo cosa de tiempo para que Lego y Marvel se encontraran en un videojuego que pusiera de manifiesto lo mejor de ambos mundo con la clásica dosis de humor que Traveler’s Tales y WB Interactive le imprimen a todas sus creaciones… Y bien, aquí tenemos por fin Lego Marvel Super Heroes para prácticamente todas las plataformas: Wii U, Xbox 360, Xbox One, PlayStation 3, PlayStation 4 y PC.
Lego Marvel Super Heroes
La historia comienza, como en todo buen cómic, con una desgracia y un súper villano. El Doctor Doom ataca a Silver Surfer haciendo que nuestro Deslizador de Plata sea convertido un montón de bloques Lego. Claro que no son bloques cualquiera, sino bloques cósmicos que contienen un inmenso poder.
Doom alista a su bando con aliados como Magneto y Abomination para encontrar todas las partes que están regadas en diversos escenarios, mientras que Nick Fury, al frente de SHIELD, hace lo mismo, mandando a un enorme grupo de superhéroes a hacerse con las piezas antes de que los malos las encuentren.
Si has jugado los anteriores títulos de Lego, poco o nada ha cambiado del gameplay central para Lego Marvel Super Heroes. Si no lo has hecho, lo explico brevemente. Las mecánicas principales aquí son puzles y combate. Cada escenario nos presenta retos, trampas y acertijos que sólo pueden ser resueltos o superados con algún tipo de habilidad específica, por lo que tendrás que alternar entre los personajes que tengas disponibles para ir progresando.
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Por ejemplo, si hay un enorme rayo que necesitas redirigir, prueba utilizando el escudo del Capitán América; si en tu camino se atraviesa algo que necesitas romper en pedacitos, entonces intenta con Hulk, y si necesitas congelar, seguramente tendrás que cambiar a Iceman. La mayoría de puzles son relativamente sencillos de figurar y el único problema es que a veces el juego se pone algo quisquilloso con la posición que tienes que tener para que reconozca lo que estás haciendo como válido (con Iceman precisamente, por alguna razón no es lo mismo disparar desde la izquierda que de la derecha).
El combate es aún más simple. Lego Marvel Super Heroes es un sencillo machaca-botones donde sólo tienes uno para atacar y otro más que acciona un poder especial. Realmente no hay mayor estrategia en derrotar a tus oponentes y difícilmente alguno te logrará matar, aunque las cosas se ponen mejor con los jefes, que si bien tampoco ofrecen patrones complicados de seguir, sí diversifican un poco cómo abordas la situación.
HERBIE, Howard y la tía May
Conforme vayas superando los niveles y la historia se desarrolle, podrás reclutar o encontrar a una tonelada de personajes de Marvel (héroes, villanos y de todo) para que se unan a tu causa, y aquí es donde realmente brilla el juego. Con alrededor de 150 personajes desbloqueables, cada uno con su poder particular y su propia misión adicional, pasarás un muy largo rato intentando obtenerlos a todos. Además, podrás revisitar locaciones y hacer uso de las habilidades especiales de los nuevos monitos para abrir puertas y caminos secretos.
La cantidad de personajes disponibles es abrumadora.
La oferta de personajes abarca desde los obligados como el grupo original de Avengers, los Cuatro Fantásticos, la mayoría de X-Men y prácticamente cualquier creación de Marvel que sea relativamente conocida. ¿Buscabas a la tía May, HERBIE y el Pato Howard? Aquí los tienes, y puedes jugar con ellos. Varios personajes poseen también trajes alternativos o “transformaciones”, como Spider-Man, que puede quitarse el disfraz para ser Peter Parker.
Al final de cuentas pasé muchísimo más tiempo fuera de las misiones de campaña regular, intentando encontrar todo lo que había para encontrar. El escenario central es una gran ciudad de Nueva York hecha de bloques de Lego, la cual puedes recorrer tipo mundo abierto, ya a sea pie o en algún vehículo. Realmente el control cuando abordas un carro es bastante torpe… ¿Pero quién necesita cuatro llantas cuando podemos seleccionar un personaje que vuele?
Esta versión Lego de Nueva York esconde la mayoría de secretos y sidequests de Lego Marvel Super Heroes. Aquí podrás tomar parte en carreras, encontrar bloques especiales, entrar a ciertos edificios, activar algunas batallas contra jefes y participar en varios mini juegos. Ir superando todo esto te da acceso a más personajes y actividades extras, como rescatar chorrocientas veces a Stan Lee, que parece meterse en problemas cada que recién lo liberas, y necesitas un personaje muy específico para cada nueva situación en que lo hallas atorado.
Cada personaje tiene habilidades específicas.
La fórmula Lego
Además del montón de personajes a tu disposición, los otros puntos fuertes en Lego Marvel Super Heroes son la atención al detalle y el clásico humor Lego. La historia es obviamente una parodia de lo que hemos visto en cómics, caricaturas y películas, pero nunca dejan de ser curiosos la infinidad de gags que Traveler’s Tales incluyó para nosotros. Y no sólo la trama principal encierra momentos chuscos, esta es una obra hecho con esmero y amor a las franquicias, por lo que vas a encontrar cada cinco minutos algo que te hará sonreír: Si golpean mucho a Wolverine revelará su esqueleto de adamantio, si dejas a Iron Man sin moverse empezará a hacer pasitos de baile de robot, las diferentes formas que adopta el Señor Fantástico, en fin, humor y estilo le sobran.
Desafortunadamente, me parece que siguen siendo juegos muy de nicho. Las mecánicas generales de gameplay son simples y repetitivas hasta el cansancio; la jugabilidad no ha cambiado en años y parece que no tienen la intención de hacerlo. La opción de dos jugadores a pantalla dividida se agradece, pero a veces algo caótica (no me agrada eso de separarse tanto), y también demuestra que hace falta refrescar la saga con nuevos elementos y quizá un poco de mayor complejidad.
El apartado técnico luce excelso a primera vista. Figuras, texturas, luces, sombras, todo parece una gran estación de juego en tu televisor, pero conforme vas avanzando notarás que suele bajar dramáticamente el frame rate aún sin muchos elementos en pantalla, y que a veces tarda varios segundos de más en cargar adecuadamente un escenario. El sonido cumple y ya: las voces no son las conocidas pero logran su cometido, mientras que la música y los efectos de sonido la verdad pasan sin pena ni gloria
El gameplay de puzles se mantiene casi intacto.
Explotado a fondo, aquí encontrarás al menos 20 horas por tu dinero, pero sigo pensando que la fórmula necesita cambios más profundos para apelar a un mercado más amplio. Aunque los puzles tienen su ingenio y el factor de exploración le da un plus, el combate es estéril y no dejo de pensar que vengo haciendo exactamente lo mismo desde hace unas diez entregas. Lego Marvel Super Heroes es un buen juego que sin embargo nunca trasciende a sus franquicias, por lo que a pesar de su factor de diversión intrínseco, sólo un fanático de Lego o de Marvel podrá disfrutarlo como se debe.
Como cada otoño, es la época del año en que revivimos el eterno enfrentamiento entre Asesinos y Templarios. Ubisoft nos trae en Assassin’s Creed IV: Black Flagsu proyecto más grande y ambicioso hasta el momento, uno que pretende retomar lo mejor y combinarlo con su experiencia en otros juegos para ofrecernos al pirata definitivo en Xbox 360, PlayStation 3, Wii U, PC y próximamente en Xbox One y PlayStation 4.
Assassin’s Creed IV: Black Flag
Aceptémoslo, todos de niños alguna vez jugamos a los piratas y todos queríamos ser el más rudo, valiente y osado; gritar “al abordaje”, hacer caminar por el planchón, menear la espada con una excelsa esgrima y ser el capitán de un barco con una numerosa tripulación fueron parte de las andanzas de mis juegos infantiles que sin embargo nunca pude recrear en consolas.
Había videojuegos donde controlabas a algún pirata brincando y aventando cuchillos, otro donde a base de diálogos y mezclando menjurjes seguías la pista de un ex capitán fantasma, y algunos más basados en películas… Pero de piratas, piratas lo que se dice un videojuego de piratas no había nada.
Por otra parte, la saga Assassin’s Creed se había caracterizado por presentarnos personajes que perseguían un único fin: ser parte de la Orden de Asesinos y cumplir con sus diferentes. Altair era un Asesino de tiempo completo en busca de venganza, mismo caso de Ezio, que pasó de ser un chico rico a un temible matón motivado por la venganza; Connor Kenway y Aveline, criados en un ambiente hostil encontraban su mayor motivación en la justicia… Y de cierta forma en la venganza.
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Al final, todos lograban en el Credo no sólo saciar su sed de revancha, sino convertirse en idealistas movidos por sentimientos más nobles como el balance, la igualdad y búsqueda del bien común. Bueno, Edward Kenway no es así, el protagonista de Assassin’s Creed IV: Black Flag, al igual que yo de niño, sólo quiere ser el pirata más rudo, temido y adinerado de los siete mares, y éste, damas y caballeros, no es una simple aventura de matar y explorar, es un campo de juego hecho realidad para todos lo que alguna vez deseamos tener un parche en el ojo y una pata de palo.
Bueno, Edward no está tuerto ni tiene extremidades de madera, pero falta no le hace. Olvídate de los ideales de justicia y un mundo mejor, nuestro protagonista va tras lo que todo marinero de agua salada desea: fama, fortuna y mujeres, y Ubisoft Monstreal nos muestra por fin alguien con quien podemos identificarnos, un personaje más humano y menos utópico que deambula entre Templarios, Asesinos y sus propias motivaciones para darle sentido a su vida. Ciertamente, como cualquier persona normal tiene vicios, errores y virtudes, y nosotros tomaremos el control en todas esas facetas.
¿Queremos saquear una base real? Perfecto, podemos hacerlo. ¿Qué tal ir a emborracharnos con el fruto de nuestras pillerías? Adelante, está permitido. ¿Nos metemos en una trifulca para proteger a una damisela en desgracia? Claro, aunque después un montón de guardias se nos echen encima, usemos nuestras habilidades para dar cuenta de todos y le demos una lección al fanfarrón líder de este grupo de payasos. ¡Genial!
Edward Kenway es un personaje mucho más humano.
Destino: Mar Caribe
Assassin’s Creed IV: Black Flag combina el gameplay que ya conocemos la franquicia con una experiencia inmersiva como ninguno de sus anteriores capítulos. La historia no conviene echarla a perder, basta con decir que viviremos la Era Dorada de los Piratas en el Mar Caribe donde nos toparemos con personajes históricos y ficticios por igual.
Movido por la traición, pero también por los sueños de grandeza, Edward Kenway (abuelo de Connor Kenway, el protagonista de Assassin’s Creed III) abandona el Viejo Continente en busca de riqueza en el Nuevo Mundo. Al lado de personajes como Barbanegra y Charles Vane tendremos que hacernos de un nombre y una reputación, pero sabemos que todo cambia cuando nos cruzamos en el camino de Templarios y Asesinos, un conflicto que usaremos para nuestro propio beneficio.
Algo que me gustó aquí es la sensación casi natural que tienen todos y cada uno de los elementos que tenemos a nuestra disposición. Desde el mundo abierto, pasando por las misiones de la campaña regular y hasta los objetivos adicionales, todo está conectado de manera orgánica. Como cualquiera, considero siempre muy tediosas la búsqueda de coleccionables, aunque en esta oportunidad supieron integrar esto y volverlo no sólo algo complementario, sino importante. El centro de tu progreso es el Jackdaw, tu barco, por lo que la mayoría de misiones secundarias te ayudan no sólo a reventar tus arcas de dinero para cosas banales, sino a actualizar tu navío con planos de mejoras, materiales más resistentes o hasta nuevos miembros para tu tripulación.
La mejor parte de ser pirata: el abordaje.
La búsqueda de tesoros, encontrar locaciones exóticas, explorar sitios de naufragio, todo también se siente como parte de tu entorno principal en Assassin’s Creed IV: Black Flag. Digo, ¿qué más puede hacer un pirata? Aaah, claro surcar el océano y entonar algún canto de marinos.. Y eso también sucede aquí. La carne literalmente se me puso de gallina la primera vez que me hice a la mar y vi una inmensa ballena saltar a un costado de mi nave para luego escuchar cantar a mi tripulación melodías de leyendas, vino y riqueza (puedes hacer que canten otros temas encontrando las partituras).
En lo que respecta al gameplay, sigue en su mayoría intacto a lo que vimos en el tercer episodio. Las mecánicas de sigilo, avanzar por la parte alta y las jugadas de ataque y contra ataque regresan sin mayores cambios. Quizá la principal novedad son algunos accesorios y un sistema de inventario más robusto, donde tenemos que cazar y obtener diversos objetos para crear nuevos ítems muy al estilo de Far Cry 3 (también de Ubisoft).
La exploración sigue siendo un elemento central. Como dije antes, Assassin’s Creed IV: Black Flag es a veces casi un simulador de vida pirata con centenares de actividades por hacer en un enorme mapa que incluye ciudades, pequeños poblados, islas, cuevas, ruinas antiguas, mar y hasta locaciones submarinas. Es inevitable no sentirse atraído a recorrer este mundo y ver qué tanto podemos hacer y deshacer; el grado de posibilidades incluso podría decir que es superior al de Grand Theft Auto V y más divertido a la vez.
El sigilo sigue siendo tu mejor aliado.
Y una botella de ron…
Eso sí, casi la mitad de tu tiempo te la pasarás tras el timón de tu barco, ya sea para llegar a otro lugar, atacar a un fuerte, iniciar misiones de arponeo o para destruir embarcaciones enemigas, pero nunca se torna aburrido. Dependiendo del tipo de navío que tengas en contra será tu acercamiento para la batalla y el momento en el que lo hagas, ya sea a cañonazos, dejar barriles explosivos en su camino o de plano lanzarse a lo bragado y abordar espada en mano. Las batallas requieren una buena dosis de estrategia y pueden durar varios minutos. Cando te topas con alguna fragata acorazada hasta los dientes realmente se siente el pulso nervioso en los dedos.
También al estilo Far Cry 3, en donde tenías que atacar bases y adueñarte de las torres de comunicación para tener visibles puntos cercanos en el mapa, en Assassin’s Creed IV: Black Flag tendremos que atacar fuertes localizados a manera de puertos. Generalmente estas emboscadas inician en barco y a cañonazo limpio, para más tarde desembarcar y acabar con lo que quede de la resistencia usando el combate cuerpo a cuerpo.
El argumento, tengo que admitirlo, pierde algo del peso oscuro al que estamos acostumbrados y hace uso una narrativa más ligera, pero igual, más entretenida, una que se siente fresca y que va muy ad hoc al entorno que Ubisoft nos ofrece. En lo que se refiere al presente, ahora hacemos las veces de un empleado de Abstergo en lo que es su división de Entretenimiento. Tendremos algunas misiones de hackear, leer correos y cosas más o menos triviales de oficinista que no adquieren mayor sentido sino hasta casi el final, pero la mayoría son opcionales y funcionan como buenos descansos a nuestras correrías en el siglo XVIII.
El componente multijugador sufrió pocos cambios.
El multijugador también hizo su retorno. Como ya es costumbre, está centrado en matar a tus rivales y pasar desapercibido haciendo creer a los demás que eres un simple personaje controlado por la computadora. Las novedades en este aspecto son mínimas, algo que no es necesariamente malo porque ha demostrado ser funcional y tiene su base de fans, pero que al menos a mí no me motivó mucho a intentar con el multiplayer más allá de un par de horas. Lo que más me llamó la atención es un módulo para crear tu propia partida con una serie de reglas y requerimientos personalizables, desde el mapa hasta los objetivos. Si no te gusta lo que el juego ofrece por default, puedes intentar crearlo.
Los detalles de siempre
¿Y por qué no le puse diez a una travesía que luce tan sólida? Bueno, a pesar de que Assassin’s Creed IV: Black Flag es una gran experiencia no se salva de algunos errores recurrentes, no de este juego, sino de la franquicia. Las cansadas misiones de escolta o de seguir a un monito durante media hora antes de poder asesinarlo siguen aquí para hacernos perder nuestro tiempo.
Otro punto que no me gusta porque se vuelve cansado son algunos cortes cinemáticos que vemos una y otra, y otra y otra vez, como cuando reparan el Jackdaw. Además, se extraña más variedad en el combate, que no ha sufrido mayor cambio prácticamente desde la segunda entrega. La parte de bucear es una alternativa interesante, pero cuando te ataque un tiburón o tengas algo de prisas maldecirás lo torpe que se torna el control debajo del agua.
¿Por qué siempre los controles bajo el agua fallan?
Las fallas en cajas de colisión al trepar o bajar, y los brincos mal dados cuando se supone que es una acción automática permanecen desde los tiempos de Altair; si intentas tirar a alguien por la borda el cuerpo flotará en el aire y con la paciencia y el tino puedes armar una linda pila de muertos en medio de la nada. También, al menos en PlayStation 3 y Xbox 360, de repente baja de manera el frame rate en las batallas navales y algunas texturas no cargan inmediatamente cuando llegas a una isla.
A pesar de estos detalles técnicos que menciono, la presentación de Assassin’s Creed IV: Black Flag es lo que le sigue de impresionante, con gráficos que se miran imponentes lejos en el horizonte, excelentes detalles en la arquitectura y diseño de cada escenario, desde aldeas con ruidosos mercados, selvas vírgenes, construcciones milenarias y el agua más realista que puedes ver en tu televisor. Quiero suponer que en PlayStation 4 y Xbox One éste será un título que uno debe probar aunque sea sólo para admirar las impresionantes gráficas.
El sonido también es bueno, con la calidad que ya conocemos de Ubisoft y de la serie en cuanto a diálogos y actuaciones de voz: Los personajes principales suenan estupendo, el resto un poco desguanzados. En lo que respecta a la banda sonora, tiene más tonos épicos que nunca y siempre está a la misma altura de la epopeya que vivimos.
¿A poco no se ve increíble?
Si quieres vivir aventuras de piratas como Barbanegra manda, no hay que pensarlo dos veces; la manera orgánica de combinar la historia central con las sidequests, los apoteósicos combates navales, más de 40 horas de gameplay y el inmenso mundo por recorrer hacen de Assassin’s Creed IV: Black Flag no sólo el mejor exponente de la franquicia, sino la aventura más completa de mundo abierto que vas a encontrar para la actual y nueva generación de consolas en un buen tiempo. ¡Leven anclas marineros, llegó la hora de perdernos en el Caribe!
Si eres fanático de juegos como MotorStorm, FlatOut y Twisted Metal, entonces deberías darle una revisada a Gas Guzzlers Extreme, un título no tan conocido pero que brinca como una interesante exclusiva para los PC gamers ávidos de batallas motorizadas.
Gas Guzzlers Extreme
En lo personal, si hay un género al que siempre le he huido es al de combate con carros. No me malentiendan, amo los juegos de automovilismo tal cual e incluso los agresivos títulos tipo kart, pero nunca me han gustado esos juegos donde me encierro en un “bodegón” a estar dando vueltas como mosca intentando destruir a mis contrincantes. Gas Guzzlers Extreme es ese tipo de juego, pero afortunadamente tiene mucho más bajo las cuatro llantas.
La más reciente creación de Icerberg Interactive retoma lo mejor de su predecesor, lo combina con interesantes mecánicas y armas de otros representantes del género, y lo pule para presentarnos un producto adictivo, con una curva de aprendizaje mínima, un control preciso y la suficiente variedad de objetivos y modos de juego para siempre pisar el acelerador una vez más.
La misión principal aquí es competir contra otros en carreras donde no necesariamente la única forma de ganar es llegar primero a la meta, sino aniquilar a la competencia. Para ello contamos con ítems especiales como minas, cortinas de humo y aceite, pero principalmente con metralletas torretas y hasta lanza misiles montados en nuestro cochecito para una especie de experiencia de shooter más carreritas: Si vuelas en pedazos a un rival aquí es para siempre, no lo volverás a ver sino hasta el siguiente evento.
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Para los lobos solitarios que gustan de dominar el volante antes de competir contra otros seres humanos, Gas Guzzlers Extreme cuenta con una profunda campaña de unas doce-quince horas de duración que incluye siete escenarios con 40 trazados distintos, casi una veintena de vehículos, varias opciones de personalización y tres modos principales de competencia: carrera clásica, carrera con armas y la eliminación por vuelta. Conforme ganamos eventos nuevos patrocinadores se interesarán en nosotros, desbloquearemos nuevos circuitos, más armas, coches más potentes y más opciones para mejorarlos.
Pistas tipo mundo abierto
Sin embargo, más allá de todo lo que uno puede hacer en el modo de campaña, lo que me atrapó de inmediato fue el sencillo control. Ciertamente no es nada que no hayas probado antes en cuanto a la disposición de botones (y aún con teclado se juega rete bien), pero la facilidad tipo arcade con que se controlan los vehículos, lo fácil que es embestir y atacar a otras unidades y las pistas de cierta manera permisivas, son un gancho enorme para los que no estamos tan acostumbrados a este tipo de competencias.
Ocupé sólo un par de vueltas entender a la perfección cómo tomar lo mejor posible las curvas, cómo apuntar mi arma y disparar y cómo sacar provecho de todo lo que me ofrecen las pistas para llegar primero o estampar al rival. Otro detalle que me agradó de sobremanera es que precisamente los circuitos no son tu clásica pista lineal de punto “A” a punto “B”, sino que cada una contiene una plétora de atajos, caminos alternos y zonas de tierra donde con un buen nitro puedes sacar provecho de la situación y aventajar varios lugares, a esto le sumas un sistema de nitro que se rellena conforme impactas contra objetos así que tu estilo de conducción siempre tiene que ser visceralmente agresivo.
La sensación de velocidad está muy bien lograda.
Explorar cada posible camino y ventaja te tomará muchos, pero muchos intentos y siempre tendrás la sensación de que puedes mejorar tus tiempos. Esto también diversifica la forma de jugar en Gas Guzzlers Extreme, pues habrá personas que se sientan más cómodas por tal o cuál camino, y no hay una forma única de llegar más rápido a la línea final.
Si no obtienes el primer lugar tampoco son malas noticias. Gas Guzzlers Extreme se las arregla para siempre mantenernos con la sensación de que estamos avanzando gracias a una gran cantidad de logros (90 en total) y una inteligencia artificial que siente competente, más nunca tramposa (aunque los bots en línea son rudísimos). Pero cruzar en primero tampoco lo es todo, pues cada competencia cuenta con tres misiones alternativas que de cumplirlas te otorgarán más dinero para comprar nuevos autos y mejoras, así como puntos para escalar en el ranking. Estos objetivos van desde terminar con 90 por ciento de barra de salud, atropellar siete pollos o no dejar que algún piloto termine la carrera.
Alista los neumáticos, conquista el mundo
Cuando quieras finalmente probar tus habilidades, Gas Guzzlers Extreme cuenta con un robusto sistema en línea donde además de las clásicas carreras con o sin armas y el modo que elimina al competidor que va en último lugar en cada vuelta, encontramos modos de juego más propios de los carros de combate, con grandes arenas donde jugaremos con mecánicas tipo captura la bandera, a ver quién destruye primero a diez rivales en menos de diez minutos y hasta pelea por equipos.
El modo de Captura la Bandera es muy divertido con ocho jugadores.
Las carreras en línea son increíbles, más cuando logras juntar a los ochos jugadores que se pueden como máximo (aunque a decir verdad están algo sólo los servidores por el momento). El nivel de adrenalina, atacar, defender y la variedad de caminos que cada usuario toman hacen de cada competencia un evento que te pone los pelos de punta y donde difícilmente el que toma cierta ventaja puede respirar tranquilo.
Desafortunadamente no puedo decir lo mismo de los eventos en las arenas de batalla y no ofrece innovación alguna sobre otros representantes del género, tal vez incluso quedándose corto en este apartado, pues los trazados se prestan mucho para huir y recuperase del daño rápidamente, volviendo algo tediosas estas partidas pues las armas no son precisamente poderosas, sino que tienes que estar encima de tu rival un buen rato.
Conforme compites en Internet y, sobre todo, ganando carreras también recibirás puntos para subir de categoría, pero parece ser que esto es más que nada un indicativo que le dice a tus rivales qué tan bueno o experimentado eres en Gas Guzzlers Extremey no algo que te de mejoras sobre tus competidores. Este punto me parece bueno pues no hay ventaja de unos contra otros, pero al menos se deberían desbloquear algunas opciones para modificar tu vehículo pues el sistema generalmente los selecciona de tal manera que la carrera sea lo más pareja posible hasta en los colores.
La clave no siempre es llegar primero, sino que los demás no lleguen.
Autos, moda y rock ‘n roll
El apartado técnico, por su parte, es sorprendente. Los vehículos, las pistas, la sensación de velocidad, las partículas de polvo, tierra y agua, así como efectos de reflejos, humedad y humo lucen muy bien y no es necesario tener un monstruo para correr Gas Guzzlers Extreme. Una tarjeta Nvidia 8800 para arriba debe cumplir el trabajo, y una GTX de gama baja/media te corre el juego a la máxima resolución y sin alentamientos en pantalla.
El único problema gráfico viene con las sombras, ya que a veces, sin importar la iluminación o el ángulo, lucen demasiado oscuras, al grado de parecer manchas negras que simulan túneles por los cuales puedes pasar… Al menos cinco o seis veces choqué de frente contra una gran roca por una sombra mal puesta.
El control, como ya había mencionado, extremadamente preciso y sencillo, con el único “pero” de que a veces los carros no resienten mucho el tipo de terreno sobre el que avanzan y logran la misma velocidad máxima en casi cualquier superficie. La música es una mezcla de temas rock y punk estridente que suenan bien, pero se escuchan muy repetitivos a la larga. Las voces del anunciador y nuestro personaje son muy malas, pero me parece que es el efecto que quisieron darles.
Las opciones de personalización no son tantas, pero hay de todo.
Gas Guzzlers Extremese convierte en la mejor opción para el género de carros de combate en PC. Su control, la amistosa curva de aprendizaje, la variedad de trazados y lo adictivo de su gameplay te harán repetir varias veces las carreras hasta dominarlas. Ojalá la base de usuarios aumente para poder explotar los modos de juego en línea y que más gente conozca a esta exclusiva que hace frenar en seco a los competidores en consolas caseras.
Thor: Un Mundo Oscuro es la nueva película de Marvel, continuación de las aventuras del vikingo asgardiano que se estrenó en 2010 y que nos entregó también a uno de los antagonistas más queridos por la fanaticada en los últimos años, Loki. ¿Podrá el regreso de los dioses nórdicos superar a las otras películas de superhéroes lanzadas durante el año?
Thor: Un Mundo Oscuro
Atrás queda la amenaza de la invasión chitauri a la Tierra (en Los Vengadores), pero la labor de Thor como principal guardián asgardiano no cede. En esta continuación, la amenaza es un evento cósmico llamado “La Convergencia” durante el cual los nueve mundos del Yggdrassil que gobierna Odín se alinean de manera tal que las barreras entre uno y otro se desvanecen.
El problema es que este evento crea algunos increíbles portales que viajan entre los nueves reinos y que resultan peligrosos, pues pueden transportar a los terrícolas a mundos oscuros y recónditos donde hay armas escondidas, y eso es lo que la pasa a la metiche de Jane Foster en Thor: Un Mundo Oscuro.
Debido a ese accidente, el antiguo gobernante de los Elfos Oscuros, Malekith, despierta y busca un arma secreta que le fue arrebatada hace miles de años para destruir con ella los Nueve Mundos, sumirlos en la oscuridad y regresar al universo a su forma original, cuando su raza era la única que existía. Desde luego, Thor y su pandilla tendrán que ponerse en acción para detenerlo, pero no podrán lograrlo sin la ayuda de Loki, quien ha permanecido encarcelado después de su intento por conquistar Midgard (la Tierra).
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¡Queremos a Loki!
Así entre aventuras, invasiones y unas cuantas tragedias, se desenvuelve Thor: Un Mundo Oscuro. La película logra mejorar algunas cosas de la primera parte, por ejemplo mostrar algo más de Asgard y su rica mitología. Sif y los Warriors Three, fieles aliados de Thor, también tienen un poco más de participación y desarrollo (pero sólo un poco).
Sin embargo, el resto de la epopeya, que se desarrolla en el mundo de los humanos a través de los personajes de Darcy, el doctor Erik Selvig y un nuevo interno de nombre Ian (cada cual más ridículo) podría ser un poco en detrimento de la épica trama que se cierne en el fondo, aunque a fin de cuentas es fundamental para la victoria de Thor.
Para esta segunda entrega, el personaje de Thor se nota visiblemente más maduro en comparación con el que vimos en el primer filme, convirtiéndose en un protector más competente y al mismo tiempo humilde. Chris Hemsworth va mejorando en cada participación y logra una buena interpretación del personaje, quien a pesar de su simplicidad, resulta beneficiado al demostrar una astucia propia de Conan. En cuanto a Loki, su desarrollo es interesante -e impactante- así que se los dejaremos a su imaginación, pero los fans del villano de Tom Hiddleston pueden descansar seguros de que hicieron un buen manejo del personaje.
El equipo entre Loki y Thor cumple con lo esperado.
Al estilo Marvel
En cuanto a la producción, Thor: Un Mundo Oscuro está al nivel de lo que Marvel nos tiene acostumbrado, y todo transcurre bien, aunque nada fuera de lo común. Los diseños y efectos especiales incluyen mucha más ciencia ficción, incluyendo varias escenas que parecen sacadas de La Guerra de las Galaxias. Aunque hay que admitir, en ocasiones pueden quedar hasta sobre trabajadas estas secuencias (la escena de funeral, por ejemplo).
Regresando al guion, la historia de Thor: Un Mundo Oscuro cuenta con algunas debilidades, especialmente en la batalla final, la cual debió ser aún más grandiosa. Puede que tenga que ver con que la película padece algo de “mumbo-jumbo”, es decir, tecnicismos fumados de ciencia ficción que bien a bien pueden ser casi un “deus ex-machina” y podrían pecar de inconsistentes, aunque se entiende su función en la película. No obstante, las cosas se ponen peor si consideramos la escena tras pasar la primera parte de los créditos, que te dejará muchas dudas y lugar a especulaciones (sin duda generará debates -y rasgamientos de vestiduras de parte de los comiqueros), pero que al contrario de la de Iron Man 3, sí tiene que ver en sí con la historia de la franquicia, con uno de los villanos esperados de la saga y con otro filme de Marvel que veremos el próximo año.
Kurse y Malekith, los enemigos en el filme.
¿Thor: Un Mundo Oscuro mejor que la primera parte? Yo no estaría tan seguro. El argumento (un mal antiguo sepultado hace mucho tiempo, que ahora despierta por una confluencia cósmica para destruir al universo) es genérico y completamente sacado de la manga. Definitivamente no iguala el drama de la primera cinta, pero la acción, el desarrollo de los personajes, algunos momentos trágicos, la esperada reaparición de Loki y hasta la dosis de comedia son lo bastante disfrutables para ir a palomear al cine.
Vuelve uno de los juguetes más famosos del cine; no, no estamos hablando de otra aventura de Toy Story (aunque allí también hay un Andy), sino de la ya casi legendaria creación del director Don Mancini ,quien retoma las raíces que hicieron tan famoso a Chucky, entregando en La Maldición de Chucky una cinta con elementos clásicos de esta saga: menos humor y más salpicadera de sangre.
La Maldición de Chucky
Para quien no lo conoce (si existe alguien), este muñeco diabólico es en realidad el caparazón de un asesino en serie o, al menos de su alma, dándole así vida a Chucky, un pequeño pelirrojo de pecas juguetonas y sonrisa maquiavélica sin baterías incluidas, un personaje que de forma instantánea quedó plasmado en el cine de horror como uno de los iconos del género a finales de la década de los 80.
Su primera cinta fue Chucky, el Muñeco Diabólico, estrenada en 1988 (en inglés Child’s Play), dirigida por Tom Holland y escrita por Don Mancini, presentó como el terror podía llegar a través de un muñeco de plástico, como también se mostró en sus primeras secuelas, Chucky, el Muñeco Diabólico 2 y 3, pero que fue desapareciendo de una u otra forma con las siguientes entregas, como Bride of Chucky y Seed of Chucky, donde la franquicia comenzó a tener tintes de comedia involuntaria.
Sin embargo, y luego de varios años de sequía, llega esta “revisión” demostrando que la magia aún existe (por decirlo de alguna manera), y retoma el sentimiento de la vieja escuela recurriendo incluso a un solo escenario para el total desarrollo de la historia, de esta forma resaltando la presencia de Chucky a través del suspenso y más tarde el horror, sin olvidar no dejar cabos sueltos de acuerdo a las otras películas.
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¿Chucky es un princeso?
Algo que inmediatamente hizo reacción entre los fanáticos y no tan fanáticos del muñeco diabólico fue sin duda aquella carita bien dibujada con cejas delineadas que habían diseñado para Chucky, un detalle que se esparció por Internet de forma viral ya que la burla comenzó armándose del calificativo “princeso”, que tan de moda se puso últimamente.
Las primeras imágenes del filme hicieron que rápidamente esta nueva cinta cayera en el mar de dudas y burlas, pero algo de provechó sacó la productora de todo esto, y es que tanta publicidad de boca en boca y por medio de la multitud de memes en las redes social hicieron que La Maldición de Chucky estuviera en todas partes… A propósito o no, una buena jugada que sirvió pues de pronto todos queríamos ver qué tanto había cambiado o regresado a ser como era el muñeco diabólico.
Y para suerte de todos, llegado el momento descubrimos que no, Chucky no es un princeso, incluso este nuevo look tierno tiene una explicación en la narrativa y una bastante buena por cierto y en lo personal una de las mejores de escenas del filme cuando uno se percata, así como los protagonistas, que esa carita delicada en realidad esconde la maldad de un asesino en serie.
Chucky guardando silencio… Como siempre.
Recordando el pasado
En el reparto de La Maldición de Chucky encontramos a Chantal Quesnel, Foina Durf, Jordan Davis, Danielle Bisutti, Adolfo Larrue Martínez, Maitland McConnell, Brennan Elliot, Summer Howell y la carismática voz que de siempre ha personificado al poseído juguete, el actor Brad Dourif, un excelente detalle que sirve para plasmar todo lo que uno recuerda de Chucky.
Hablando de la historia, todo inicia con la llegada de un extraño paquete a la casa de Nica (Fiona Douriff) y Sarah (Chantal Quesnel), suceso que cambiará sus vidas para siempre, pues dentro de él se encuentra el aparentemente inocente Chucky, que luego de ser visto por Sarah, madre de Nica, es abandonado en la basura… Una grave equivocación pues horas más tarde la sangre ha comenzado a correr, con la única pista de encontrar siempre a Chucky sentado inerte como un simple juguete.
Así es como se desata una sucesión de muertes sobre cada uno de los personajes, al principio con escenas de simple sospecha para pasar después a la violencia explícita. Pero no todo es sangre y gore en La Maldición de Chucky, pues Don Mancini, director y escritor de esta nueva entrega, se encargó de unir cabos sueltos para dar seguimiento y explicación a los eventos; de hecho algunas sorpresas esperan a los fanáticos de esta saga con momentos en el pasado, algún llamativo cameo y, por si fuera poco, luego de los créditos hay algo más. Sin embargo aún luego de tanta explicación en lo personal siento que existen elementos que no encajan del todo, de hecho estoy seguro que a muchos aficionados les gustará hablar sobre suposiciones en la cronología por medio de las pistas que se dan aquí.
Nop, no es un “princeso”.
Tras la conclusión del filme, hay que destacar que existen fuertes rumores de una séptima película en producción, por el momento titulada como Chucky 7; esperemos mantenga el mismo espíritu que vimos con esta nueva cinta: Entretenida, con una dosis muy sutil humor, comenzando con suspenso y pasando por un clásico baño de sangre.
La Maldición de Chucky es finalmente el regreso del muñeco diabólico que conocimos en las primeras partes. Los efectos visuales mezclando imágenes en CGI con elementos más “artesanales” dan el tono adecuado, dejando ver secuencias bien logradas y funcionales en todo momento; por su parte, la historia no se atora con muchos enredos y sólo sirve como el motor que acompaña la masacre. Sin duda una película para los fanáticos del horror y el suspenso, y para todos aquellos que deseábamos el regreso de Chucky, aunque en esta ocasión sea directamente al mercado casero.
Batman regresa a Xbox 360, PlayStation 3, Wii U y PC con la tercera parte de su serie Arkham en videojuegos. Pero Batman: Arkhan Originsno es una continuación en forma, sino que, como su nombre lo indica, se trata de los sucesos que dieron origen a la apertura del tétrico asilo en una historia que sucede cuando Bruce Wayne lleva sólo un par de años con el manto del Murciélago y no ha tenido mayores retos en su carrera como vigilante (aunque para efectos de gameplay, esto no parece así).
Batman: Arkham Origins
La idea central seguramente muchos ya la conocen con el pasar de los tráileres y adelantos. Black Mask, harto de las interferencias de Batman, decide realizar un asalto a la prisión Blackgate y al mismo tiempo ponerle precio a la cabeza del superhéroe: 50 millones de dólares para quien lo mate, algo que llama la atención de al menos ocho de los mejores asesinos del mundo, entre los que destacan Copperhead, Bane, Deathstroke y Firefly.
Nuevamente tenemos que controlar el destino del Caballero de la Noche contra un gran número de villanos, pero en esta ocasión no lo haremos en algún penal de máxima seguridad o en una zona apartada de la ciudad usada como cárcel masiva, sino que visitaremos el mismísimo corazón de Ciudad Gótica, en donde la mayoría de los sucesos ocurren… O al menos eso quisieron hacernos creer.
Bienvenidos a Gotham, pueblo fantasma
¿Qué es lo que diferencia a la Arkham City de la entrega anterior con la Gotham que vemos en Batman: Arkham Origins? Salvo algunas torres de vigilancia, nada. Lo primero que pasó por mi cabeza cuando recorrí las calles fue que este parte ya la jugué hace dos años, poco o nada tiene de diferente esta supuestamente súper urbanizada metrópoli con los barrios devastados que vimos en 2011. Cero gente en la calle, cero vehículos transitando, más allá de un par de anuncios parece que nadie celebra la Navidad, agentes de la Policía que te atacan y rufianes dominando banquetas y tejados de las casas cada dos cuadras.
La Gotham que experimentamos es sólo pueblo fantasma dominado por grupos de maleantes, un lugar con puentes destruidos, secciones bloqueadas con gigantescas puertas metálicas y toda la facha de que en un pasado reciente hubiera sobrevivido a una guerra. Sí, idéntico que en Batman: Arkham City. El pretexto que la historia nos presenta es que una fuerte nevada se avecina, por lo que nadie sale de sus casas y curiosamente todos hacen caso porque nunca vas a ver un sólo civil, niño, perro o familia en tus rondines.
Esto mata cualquier efecto de la necesidad de “rescatar tu ciudad”. Al no haber gente en la calle las aventuras de Batman se vuelven muy -tal vez demasiado- similares a lo que vivimos en el título anterior, en donde básicamente visitamos alguna sección controlada por un importante villano al que tenemos que derrotar para seguir avanzando. La narrativa nos ofrece algunos giros de tuerca por aquí y por allá, haciendo que cambiemos de rumbo o peleemos contra alguien en especial, pero nada que sorprenda a quiénes leen regularmente los cómics.
Es la noche previa a Navidad y ni un alma compra regalos o pasea por las calles.
Si la diferencia entre los escenarios del anterior capítulo y este es nula, la movilidad y el sistema de juego se mantienen en el mismo tenor. Es cierto, hay un dicho que reza “si no está roto, no hace falta arreglarlo”, pero en este específico caso se hubiera agradecido que los desarrolladores tomaran más riesgos, ya que no sólo la jugabilidad se mantiene idéntica, sino que algunas misiones se sienten recicladas. ¿Recuerdas la parte en Arkham City donde vas a la guarida del Pingüino y hay un enrejado donde te sueltan como cien monitos juntos? Bueno, en Arkham Origins sucede lo mismo.
De gráficos y batimaniobras
Hay que mencionar que aunque el control se mantiene idéntico con el uso de combos fluidos en las peleas, el Modo Depredador para sorprender a tus oponentes sin ser visto y el de Detective para usar el visor y buscar pistas, sí se nota inmediatamente que este juego ya no fue realizado por Rocksteady sino por otro estudio. WB Games Montreal no pudo depurar varios bugs que incluso te pueden hacer reiniciar un checkpoint, como enemigos que se quedan trabados en la nada, Batman atravesando las paredes, bajas atemorizantes de frame rate, fallas en el tiempo de los combos y congelamientos que duran hasta seis o siete segundos.
Este no es un problema específico de alguna plataforma, la única versión que no probé fue la de Xbox 360, y al menos en PlayStation 3 y en PC me tocó atorar a golpes a un enemigo contra la decoración y alentamientos hasta cuando no hay enemigos en pantalla (como cuando vuelas o caminas). Las texturas también me parecen un poco menos detalladas que las de los juegos anteriores, a excepción de los personajes y maleantes, que sí lucen con una manita de gato.
El control y las tundas se mantienen similares a Arkham City.
Entre las pocas innovaciones en Batman: Arkham Origins están obviamente algunos movimientos, especialmente en formas de aturdir enemigos con tus gadgets y el entorno, aunque lo que más llama la atención es una mejorada Vista de Detective que te permite recrear virtualmente escenas de crimen para analizar el entorno en busca de pistas, tipo algunos capítulos de la serie CSI. El problema es que no usamos esta opción más de cuatro o cinco veces, ya que el juego favorece en demasía el combate y la exploración sobre el sigilo y resolver acertijos.
¿Combate? Entonces tenemos que hablar sobre las batallas contra los jefes, de las cuales tengo una noticia buena y una mala. La buena es que hay más jefes en Batman: Arkham Origins, la mala es que al menos la mitad son opcionales; puedes terminar el juego sin ver siquiera a Anarquía, Lady Shiva, Deadshot y otro par por ahí. Estos encuentros son generalmente variaciones del sistema de combate regular contra personajes que duran más o tienen alguna habilidad en específico, aunque también hay un par de enfrentamientos con dinámicas sorpresivas y bien estructuradas como Deathstroke, Firefly y el jefe final, que deben ser las mejores boss battles de la saga a la fecha.
Además de buscar y derrotar a los jefes opcionales hay varias actividades alternativas a la campaña central. Enigma (Acertijo) está presente ahora con paquetes de datos, cámaras de vigilancia y torres de comunicaciones que tienes que hallar y destruir. Anarquía también puso algunos grafitis escondidos por la ciudad, están los retos de vuelo y unas misiones de pelea donde te dicen que hay un crimen en proceso y hay que intervenir, o sea, ir a patearle el trasero a un grupo de bravucones.
La pelea contra Deathstroke es de las mejores de la saga por mucho.
Cada que completes un objetivo, por pequeño que sea, se te otorgarán puntos de experiencia que al juntar determinado número se convertirán en un punto de habilidad, el cual puedes usar para mejorar tus opciones de combate, la utilidad de algún ítem o la resistencia de Batman. El árbol de habilidades te puede llevar un rato en completar, yo terminé la campaña en modo difícil con casi todas las sidequests y aun así me faltaron algunas.
Sorpresivo multijugador
Otra manera de conseguir puntos de experiencia es con los tradicionales mapas de retos, los cuales regresan a Batman: Arkham Origins en los sabores y colores ya conocidos: de combate, depredador y personalizables, con la novedad de que el juego incluye un código para descargar a Deathstroke y poder usarlo en sus propios retos. Salvo el ritmo en algunos golpes, notarás que las diferencias entre Slade y Bruce Wayne son mínimas, ya que incluso los gadgets del llamado “mejor asesino” son casi idénticos a los del encapotado.
¿Todavía hay más? WB Games Montreal decidió experimentar para esta entrega con un modo multijugador, y déjenme decirles que a pesar de lo que uno pudiera pensar de entrada, la opción está bien diseñada y ofrece varias horas extras de juego. Este modo es para ocho personas y se divide en tres bandos: un de compinches del Joker con tres jugadores, otros tres usuarios de matones de Bane y dos jugadores más haciendo las veces de Batman y Robin.
En multijugador, uno de los equipos es dirigido por el Joker.
Tres matones resguardan a los villanos en los modos en línea por equipos.
Si sólo se redujera a los bandos de los villanos, sería un juego de disparos en tercera persona algo irregular. El objetivo es acabar con los refuerzos del bando rival, apoderarse de posiciones, resurtir municiones y acabar con las “vidas” del equipo oponente. Nada fuera de lo normal. Pero le metieron un modo asimétrico de gameplay al incorporar a dos usuarios más (Batman y Robin) que estarán cazando por igual a ambos bandos, con más o menos el mismo set de movimientos que en la campaña.
El único problema con el multiplayer es que vaya que cuesta trabajo encontrar una partida. Otro detalle algo raro es que los controles para ciertas funciones cambian si usas a los maleantes, y de repente tienes que apretar un botón distinto al que usas para la misma acción con Batman, lo cual es innecesariamente confuso.
Si sidequests y multijugador no sacian tus horas de juego, Batman: Arkham Origins también cuenta con la ya clásica de opción de New Game+, para poder reiniciar la historia con todos tus avances en una dificultad más alta, pudiendo cambiar de traje, usar todo tu repertorio de batiaccesorios desde el comienzo, probar nuevas formas de pasar las misiones y todo eso. De hecho, hay una dificultad adicional apta sólo para batiexpertos, ya que cualquier muerte es game over directo y vuelves a comenzar desde el principio.
Los guantes eléctricos son útiles contra todo tipo de enemigos.
El Joker debe morir
Finalmente, sólo queda hablar de algo que se volvió parte intrínseca de la franquicia por sus excelentes resultados: Las actuaciones de voz. Kenvin Conroy y Mark Hammill, veteranos en los roles de Batman y Joker respectivamente desde su trabajo en la serie animada, fueron sustituidos por voces “más jóvenes”. Roger Craig, la voz de Chris Redfield y Ezio Auditore, da vida a un Batman más joven; su interpretación es aceptable aunque me parece que a veces le pidieron que sobreactuara demasiado para dar un tono similar al de Christian Bale en la más reciente trilogía de películas.
Por su parte, Troy Baker, a quien conocemos por Snow Villiers (Final Fantasy XIII) y Booker DeWitt (BioShock Infinite), hace un impresionante trabajo como Joker, superando lo que vimos en las entregas anteriores y ofreciéndonos una interpretación sicótica y vivaz que representa algo de lo mejor de Batman: Arkham Origins. Otra destacable actuación es la de J.B. Blanc prestándole su voz a Bane. El juego cuenta con un doblaje latino muy bien ejecutado, lejos todavía de la calidad y el sentimiento del doblaje original en inglés, pero mucho mejor que el trabajado promedio que encontramos en este medio.
Desgraciadamente las actuaciones de voz no salvan lo que parece obvio. WB Games no supo qué hacer con Joker tras los sucesos de Arkham City y pareciera que se niega a lanzar un juego sin que este villano aparezca en un rol estelar. Teniendo Batman una galería de antagonistas tan grande como interesante, me parece injusto que varios de ellos simplemente sean usados como cartuchos quemados con el único fin de repetir el mismo patrón: Lanzarle una bola de enemigos importantes y al Joker como eje motor de la trama.
Hay más maleantes que ciudadanos normales en Gotham.
La mecánica central de juego sigue sin novedades.
Aprender a usar tus gadgets dentro y fuera de batalla es la clave.
Tip: Juega la versión de iOS para desbloquear el traje de Tierra Dos.
La falta de ideas y la poca intención de tomar riesgos se notan también en los escritores, que se aferran a repetir el ciclo narrativo juego tras juego. Cierto, esta vez abordamos temas como la soledad de Batman, la dualidad con su máximo rival, la importancia de los seres queridos y la aceptación de la sociedad, pero en una ciudad tan triste y vacía todos estos elementos caen sin el peso necesario.
El no dejar descansar al Joker, la falta de innovación sobre los títulos anteriores, varios bugs y un diseño de niveles cíclico merman un poco la experiencia pero no lo suficiente como para no acudir al llamado de la batiseñal. El problema de aquellas obras con un pedigrí tan excelso como el de Batman: Arkham Origins es que alcanzar un estándar de calidad más alto parece a veces casi imposible, y esta aventura, más que una nueva, se siente como una expansión de tus andanzas anteriores. La ventaja es que a pesar de ser menos bueno que los anteriores, sigue siendo un videojuego muy recomendable, especialmente por sus boss battles y las mejoras en el Modo Detective.
Usando el recurso de un humano atrapado en una isla llena de monstruos, aparece How to Survive en Steam, Xbox 360, PlayStation 3 y Wii U, un juego de acción que nos pone en los botines de tres sobrevivientes en un lugar donde la tasa de población humana es infinitamente inferior a la de zombis. La premisa puede no parecer muy original, pero la forma de llevarla a cabo en una propuesta más amistosa y a la vez “realista” puede interesar a bastantes.
How to Survive
“Aún no sé cómo terminé aquí… Ya llevo dos semanas en este horrible lugar. He encontrado muchas personas, muchas ya son parte de esas cosas. Kovac lo toma todo como si fuera lo más natural, ¡esas malditas cosas son para él simplemente un objeto de estudio! He visto a esas personas que pensé que serían mis amigos convertidos en animales hambrientos. Me da asco de ver como sólo se acercan corriendo para comerme, esas malditas cosas que explotan y las malditas arañas. Aun no sé cómo sigo con vida. Pero algo es seguro… No podría ser peor.”
Cuando vi por primera vez How to Survive pensé que sería una de las experiencias que me encantarían. El simple hecho de ser un superviviente en una isla repleta de zombis donde no sólo importa el arsenal, sino que todo lo que tengas a tú alrededor -el hambre, el sueño e incluso la sed- juega un papel importante me pareció bastante divertido… Hasta que pasé un buen rato con el…
No quiero que con esto se entienda como algo malo hacia el título. Para nada. ¡Es un buen juego! Pero tiene muchos detalles que podrían haber sido pulidos con un poco más de atención al detalle. El modo para un jugador se resume a una palabra: Tutorial. Es todo lo que nos ofrece la historia. Estarás más de dos horas haciendo encargos de los persona que te encontrarás en la isla. Ve al punto “A”, sobrevive a los zombis y las demás criaturas que te encuentres en tu camino, encuentra un objeto o quizá interactúa con algunos de los elementos del mapa y regresa de nuevo a cobrar tus puntos de experiencia.
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El juego es básicamente una combinación de simulador de sobrevivencia con un shooter en vista superior/isométrica, tendremos armas de corto, mediano y largo alcance para despachar a los no muertos, pero también para cazar animales y poder comer en una isla donde parece que los únicos que tienen seguro su bocado son los zombis. Habrá que detenerse a tomar, dormir, recolectar todo lo que pueda ser útil para curarnos e iniciar un nuevo día.
Eres tú contra el mundo
Seamos sinceros. El aroma de Zombieland, The Walking Dead y muchas referencias zombi-pop hacia obras de este género se hacen presentes en el título y su campaña en solitario, y ese es el principal problema, How To Survive no se atreve a tomar un bando definido, se balancea inconsistentemente entre un mundo apocalíptico y un humor que intenta insertar sin éxito alguno… Hasta que llegamos a las partidas personalizadas.
La principal atracción de How to Survive son sin duda las partidas personalizadas y el multiplayer. Estos dos modos son los que le inyectan una vida increíble a la experiencia, algo que “su humor” no pudo aportar. Aquí estarás solo, no tendrás armas poderosas desde un principio, no contarás con todas las grandes ventajas del modo en solitario, no habrá forma de subir más rápido de nivel. Serás tú, tu personaje (en el estado en el que lo tengas) y el mundo que te toque vivir. Sin duda alguna esta es la mejor parte del título.
El multijugador y las partidas personalizadas son lo mejor… ausentes en Wii U.
El modo multijugador se siente como algo que los programadores tenían en mente desde el principio y no fue insertado para rellenar el juego. El estar con tú compañero procurándose mutuamente, compartiendo lo que se estén encontrando en el camino, comiendo juntos, evitando el fuego amigo y evolucionando le aporta un carisma y un amor a How to Survive que por otras razones no se merecería.
… Y de repente aprendí a cocinar
Al matar zombis, terminar ciertos objetivos tendremos mayor experiencia y subiremos de nivel. Esto nos dará acceso a nuevas opciones para mejorar nuestro inventario. Podremos tener habilidades para las armas y usarlas eficientemente, aprender remedios curativos con las plantas, frutas y lo que estemos encontrando en el camino, o simplemente mejorar nuestras habilidades básicas y tener mucho más resistencia.
Y aunque todo esto suena bien, el poder reiniciar el árbol de habilidades abiertamente y sin ningún tipo de consecuencia le quita el factor de la elección personal. No hay un aprendizaje real si podemos borrar tan fácilmente nuestros errores, reiniciar nuestros “conocimientos” y seguir como si eso tuviera algún sentido. En un mundo tan caótico hubiera sido bien apreciado disfrutar o sufrir un rato con las consecuencias de nuestros actos.
Sobrevivir implica otras acciones aparte de matar.
How to Survive es un título que si bien tiene varios problemas, también tienen puntos a su favor muy fuertes. El multiplayer es una experiencia que no te puedes perder, los enemigos son imaginativos y algunos necesitarán de una estrategia concreta para ser derrotados. Pero algunas de las complacencias de sus mecánicas de juego no permiten que nos involucremos de lleno en este mundo y creamos que realmente estamos sobreviviendo y no es simplemente un “The Sims: Survival Edition”.
Luego de trece años, Vin Diesel regresa al fantástico universo futurista de Richard B. Riddick y lo presenta al estilo que Pitch Black lo hizo en su tiempo, evocando a un ya clásico de la ciencia ficción y con un personaje de cierta forma más vulnerable.
Riddick: El Amo de la Oscuridad
Riddick: El Amo de la Oscuridad (como se llamó en América Latina) llega a la pantalla grande, no para cerrar una trilogía, sino para mostrar más sobre los horrores y criaturas de este universo creado a partir de la primera película de la franquicia estrenada en el año 2000; de esta manera el director y escritor David Twohy, quien ha trabajado en cada una de las entregas, se aleja de los tonos épicos de Las Crónicas de Riddick para mostrar un acercamiento personal sobre este mortífero furiano quien, como se mira en la historia, ha llegado a un punto donde deberá regresar a sus raíces para poder sobrevivir en un planeta donde absolutamente todo es un peligro.
Algo que se nota de inmediato en este largometraje es que se aleja de lo que han sido las anteriores entregas. Lejos quedaron las épicas batallas con naves espaciales, los encuentros entre imperios y ejércitos, y todo aquel drama que finalizó con Riddick en el trono de los Necromancers como si se tratase de Conan el Bárbaro (1982 protagonizada por Arnold Schwarzenegger).
Una buena noticia es que la narrativa toma su tiempo para contar cómo de Crónicas de Riddick se ha llegado a El amo de la Oscuridad, para luego seguir con un drama más personal, donde veremos un furiano que quizá por vez primera se muestra vulnerable ante los peligros de un planeta desconocido
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Pero obviamente Riddick no quiere quedarse en la cloaca de este sistema solar, por lo que tendrá que abrirse camino para intentar regresar a casa gracias a la intervención de un grupo de caza recompensas a los que usará para llamar la atención, emboscarlos y usar su nave como escape ¿Quién será verdaderamente el cazador y quién la presa? Tal vez ninguno de los dos bandos.
Este nuevo paraje es una pesadilla, un lugar totalmente desértico lleno de formas rocosas hasta la lejanía, colores cálidos, viejas ruinas de alguna civilización ya desaparecida y lo peor, una fauna mortal compuesta por criaturas que atacan en manada y una especie de escorpión que abunda en las zonas con líquidos y puede acabar sin problemas con cualquier ser humano o animal, por si fuera poco está armado con tenazas, cola con aguijón y pueden llegar a ser bastante rápidos. Esta criatura será clave en esta nueva historia.
Diseño a lo Riddick
Algo que ha caracterizado a estas películas producidas por el también actor, escritor y director Vin Diesel (por su estudio One Race Films) es el buen diseño de todo lo que rodea al universo de Riddick, ya sean lugares desolados, fríos o con el sol hasta la arena, con multitud de habitantes, naves espaciales, vestuario, animales, monstruos y un largo etcétera, todo está logrado con un look que hace de cada entrega una idea original, y en esta nueva cinta el panorama pinta realmente bien
¿Quien diría que esta lleno de monstruos? Bonito planeta…
Riddick: El Amo de la Oscuridad presenta vastos escenarios secos y solitarios que componen gran parte de la película con detalles que se pueden apreciar hasta el horizonte; las naves espaciales que se muestran son vistosas y mantienen el estilo que ha caracterizado a este ficticio universo, las criaturas, como he dicho antes, son originales y logran dar esa sensación de peligro (más con los extraños escorpiones). En términos generales, esta cinta es un viaje visual lejos de Las Crónicas y más cercano a Pitch Black, pero a final de cuentas, un viaje digno de ser apreciado y que nos deja con ganas de conocer más de esta obra y no cerrarla con una trilogía.
En esta ocasión el reparto está encabezado por Jordi Molla, Matt Nable, Dave Bautista, Karl Urban, Katee Sackhoff y obviamente Vin Diesel, actores que dan vida a una serie de personajes, en su mayoría mercenarios y caza recompensas, que tendrán que lidiar con la innata habilidad de Riddick para matar, claro. también está la gran amenaza que el planeta prepara sobre todos ellos, una que llegado el momento hace cambiar el ritmo de la narrativa en una persecución de vida o muerte, dejando una serie de momentos realmente intensos. Uno de mis favoritos es casi al finalizar la película y tiene que ver con un risco y muchos monstruos.
Los efectos especiales están a la orden del día como es normal en este tipo de cintas, con grandes bestias, un extraño planeta y algunas secuencias increíbles, pero lo que más llama la atención es la lograda caracterización del protagonista; el personaje está tan bien construido que se logra mantenerlo en la mente del espectador aún cuando no salga a cuadro cada cinco minutos, pero siempre sabiendo que es el forajido más temido de la galaxia.
¿Quien será el primero en morir?
¿Al final queremos más?
Sin duda Vin Diesel y Riddick lo han hecho bien en su retorno al cine, ahora falta ver si luego de esta cinta nos sorprende con un nuevo videojuego, recordemos lo prácticamente gloriosos que fueron The Chronicles of Riddick: Assault on Dark Athena y Escape from Butcher Bay (este último dando salto al Xbox 360 y PS3 en forma de remake).
A los fanáticos de la acción, la ciencia ficción y sobre todo de Riddick, esta nuevo episodio cumple en muchos aspectos. Lo mejor de todo es que Riddick: El Amo de la Oscuridad sigue construyendo y explorando el mundo de este personaje, no se ha estancado y esta vez nos muestran de forma fresca a un anti-héroe más humano, que aprende de los errores para levantarse y que nuevamente está acompañado de una gran producción de fondo.
Desarrollado por el estudio mexicano Digital Whim y publicado por Bubblegum Pot, quienes próximamente asistirán al Electronic Game Show 2013, Olinkitrata de una épica aventura de magia, en la que deberás impedir a toda costa que un malvado sacerdote llamado Miquiztli se apodere del fuego sagrado de Quetzalcoatl para dominar Tenochtitlán.
Olinki
En los últimos años el género runner, o mejor conocido “a ver cuánto tipo aguantas corriendo hacia adelante”, ha cobrado relevancia dada la sencilla y rápida inmersión del jugador; una serie de partidas rápidas en las que básicamente se trata de llegar lo más lejos posible y, por supuesto, consiguiendo el mayor número de puntos.
Olinkiprecisamente está enfocado en esto, sin embargo va un poco más allá y entrega una sólida historia en la fórmula con bases en la cultura mesoamericana, tomando mención de dioses como Mictlantecuhtli y Quetzalcoatl. Además, es un juego compuesto por un atractivo diseño artístico, donde el color toma una relevancia única pues Olinki se mueve con mucha velocidad y es verdaderamente necesario un buen contraste entre nuestro personaje, los fondos y cada uno de los obstáculos que estaremos atravesando.
No solamente las bonitas tonalidades alegran la vista como un “eye candy”, sino que sirven de manera intrínsenca para que el jugador pueda ver correctamente todo lo que sucede en pantalla, más cuando es pequeña, como la de un móvil son Windows Phone, plataforma en la que actualmente corre el juego, aunque no se descarta una próxima versión para otros sistemas.
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¡Mira rápido porque pierdes!
La jugabilidad de Olinki, como cualquier runner , involucra estar muy atento a lo que sucede en pantalla, sólo que en esta ocasión el personaje es quien se mueve de forma automática, corriendo y dando brincos a lo largo de la pantalla, somos nosotros los que pondremos bases o pisos para que nuestro carismático compañero no caiga en las garras del terror (por decirlo de una forma), de esta manera librando pilares de espinas, peces carnívoros, y toda clase de adversidades… Oh sí, Olinki no sabe nadar, así que el agua también es un peligro.
Lo bueno de este título es que aún en los peores momentos puede llegar a ser bastante intenso; en este sentido hablar de la precisión de los controles es importante, los cuales son rápidos y exactos en todo momento y, mejor aún, si las cosas se ponen más difíciles, bueno, a nuestro auxilio llegan los útiles power-ups, un detalle que convierte aquel instante de perdición en algo sumamente divertido cuando vemos que Olinki llegará a lugares donde creíamos era imposible llegar, o sea capaz de derribar muros y enemigos a su paso como si estuviese en el famoso Modo Dios.
Pero llega un instante en el que todo jugador se hace experto y logra terminar la historia de vuelta y revés y, para esos momentos de soledad el juego de Digital Whim y Bubblegum Pot tiene preparado para ti el modo Survival, donde el único límite será tu habilidad para llegar lejos, un modo que brinda la opción de subir tus estadísticas a Facebook para retar a tus amigos y demostrar lo bueno o buena que eres. Por cierto, se me olvidó avisarles que en Olinkiel récord mejora si colocan menos pisos en el escenario. ¿Qué creían? ¿Que simplemente llenarían la pantalla de bloques para esquivar los problemas? No, no es tan fácil.
El camino es más difícil con esos peces volando por ahí!
Al final Olinki(disponible en Windows Store por 25 pesos siguiendo este link) es otra buena sorpresa en sistemas móviles y desarrollado por un estudio mexicano. Personalmente, lo mejor de todo es que es muy diferente de Office Madness (otro título de estos creativos), en su diseño, temática y jugabilidad; Olinki tiene su propio espíritu lo cual es bastante bueno, también es de agradecer el esmero de sus artistas por mantener un estándar de calidad en sus productos. ¿Qué otras sorpresas nos esperan? Bueno, al menos yo sé un poco, pero no se los diré hasta llegado el momento, solo puedo mencionar que es emocionante.
Publicado por Bubblegum Pot y desarrollado por el estudio Happy Spike, Office Madness se trata de un videojuego mexicano ya disponible para dispositivos móvoiles, específicamente Windows Phone e iOS, ésta última plataforma que a partir de hoy ya lo lista en su catálogo de estrenos por sólo 26 pesos para descargarlo.
Office Madness
Office Madness nos pone en el papel de Mad Rodríguez, un empleado que por su mortal y muy monótona rutina de trabajo pierde la cordura, dejándolo en un extraño mundo que parece combinar sueños, pesadillas y la realidad… Creo que ni él lo sabe con exactitud. Un mundo donde las impresoras son peligrosos enemigos, los señores de limpieza se convierten en una grave amenaza y qué decir de otras adversidades que encontrará a lo largo de su camino en los intrincados pisos del lugar donde trabaja.
El juego cuenta con un amplio catálogo de obstáculos, peligros y retos, desde jefes de nivel formados por escobas y cubetas, pasando por las clásicos picos en el suelo, abismos hacia la nada y hasta lo más peligroso: Una rápida muerte por un simple golpe. No, ésta no es una aventura y primaveral, sino un viaje amenazante pero bastante divertido y absorbente.
Cómo se sobrevive en la oficina
El videojuego desarrollado por Happy Spike destaca en su sencillez y la amistosa curva de aprendiza. Sólo ocupamos los botones para desplazamiento de personaje y otros dos para cosas sencillas, uno para saltar y otro para ataque y acciones.
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¿El resultado? Office Madness es un título que, como he mencionado, es muy sencillo y logra que cualquier clase de jugador, ya sea casual o hardcore, se adentre en los laberintos del “papeleo”, dejando paso lo verdaderamente importante, la dificultad que te acompaña en cada uno de los 24 niveles. ¿La clave? Recolectar ítems que en algún momento determinado serán de utilidad o incluso esenciales para superar el juego.
El gameplay es básicamente una aventura de plataforma en la oficina conformada con algunos acertijos y trampas, donde tendrás que elegir un camino rápido a la salida o, por el contrario, descubrir los rincones ocultos para conseguir cada uno de los power-ups escondidos, como la soda, una poderosa arma que luego de ser agitada con fuerza te recompensará con una explosión capaz de destruir enemigos y abrir nuevos caminos.
Una oficina con recompensas
Sin duda uno de los “inventos” más destacados de esta generación de consolas son los trofeos/logros, sin ellos muchas veces un juego se convierte en algo que rápidamente se hace viejo, y el superar retos y presumir de ellos es algo que a los gamers les importa, logros que continuamente alargan la vida de nuestra compra y que elevan la importancia de terminarlos varias veces e ir superando las maniobras más complicadas.
Todos los días lo mismo
Office Madness no se queda atrás y de buena forma nos deja una apetecible lista de treinta y tres logros que podremos compartir en redes sociales; cabe destacar que muchos de estos logros incluso son parte de actualizaciones programadas por sección, es decir, tenemos los del área de departamento de Entrenamiento, donde tendremos que encarar al peligroso, pero muy carismático Mr. Dummy; otro, el Departamento Legal y departamento de Sistemas, zonas conformadas por una docena de subniveles donde será guardado tu progreso gracias a los checkpoints que podemos ir encontrando.
El look, simple pero funcional
Office Madness en general es juego vistoso, más tomando en cuenta que se trata de un juego para móviles. El carisma entra por los ojos al ver a los creativo enemigos como fotocopiadoras autómatas, ovejas, personal de limpieza, robots hechos de utilería y algún cerdito volador. La paleta de colores es acorde, sin embargo si hubiera algo para criticar es que dentro del diseño de escenarios vemos demasiados bloques de mismo color, en este sentido hubiese sido mejor un acabado artístico más detallado en lo que hay dentro de un edificio de oficinas.
Para terminar, es más que claro que Bubblegum Pot ha llegado para quedarse, así como Happy Spike, el centro de un grupo de artistas, diseñadores y programadores mexicanos con todas las ganas de seguir construyendo experiencias bien definidas y de calidad; estoy seguro que todos estaremos muy pronto escuchando más de ellos, pues Office Madness no es su único juego.
¿Eres tu Mr. Dummy? Ups, no, eres un cerdito. ¿Qué puede salir mal?
Tuve la oportunidad de ir a sus instalaciones y descubrí la grata sorpresa de que hay más juegos en camino, algunos cerca de ser lanzados y otros en desarrollo, todos de una calidad que realmente valen nuestro dinero, sobre todo por decir que se trata de un producto bien hecho, que aún basándose en fórmulas existentes, logran destacar por su diseño y controles sencillos. Cuando uno se queda jugando hasta que la batería del celular se agota, es que vamos por buen camino y Office Madness amenaza con hacerlo seguido.
