Basada en la vida y obra del gran maestro Huo Yuanjia, fundador de la Federación Deportiva Jing Wu, que entre sus propósitos tenía el fomentar las virtudes y conceptos del Wushu entre su gente, llega esta cinta de Jet Li con una buena producción y presupuesto invertido. El esfuerzo deja buen sabor de boca. Jet Li hace mancuerna con los conocidos y exitosos Ronny Yu (The Bride with White Hair, Freddy vs Jason) y el maestrazo coreógrafo Yuen Wo Ping (Kung Fu Hustle, Matrix, Kill Bill).
El Duelo (Fearless) | Reseña
La película El Duelo muestra tanto realidad como ficción. Vemos un joven Huo Yuanjia deseoso de aprender artes marciales de su padre, a lo cual el ruco se niega, en parte porque el jovenzuelo padece asma; ésto lo lleva a entrenar por cuenta propia a escondidas de su familia, además de la decepción de ver que su padre al pelear en público no puede dar ese “golpe final” para terminar a su adversario. Después de recibir una tunda por parte de otro monito, el muchacho jura no volver a perder jamás.
A lado de su buen amigo Nong Jinsun (su voz de la razón, interpretado por Dong Yong), Huo Yuanjia crece sin comprender el verdadero significado del Wushu, sin perder combate alguno y con una sola idea en mente, el convertirse en el “campeón de Tianjin” más que nada por gloria y fama. El deportivismo y humildad no existen para él.
Falsos discípulos, chupe, despilfarre, arrogancia y un juego de venganzas, llevan a la pérdida de todo lo que más quiere. Lleno de tristeza y vergüenza, huye de Tianjin, encontrándose después en una pequeña aldea a kilómetros de distancia. La abuela Sun y su nieta Moon, (interpretada por Betty Sun) con su generosidad, amabilidad, humildad y simples consejos y enseñanzas llenos de fuerza y contenido lo encaminarán a rehacer su vida y comprender sus errores.
Huo regresa años después a un Tianjin muy cambiado ocupado por extranjeros ya que es el periodo de invasión europea y japonesa. Siempre apoyado por su incondicional amigo, y con una nueva mentalidad, comprendiendo la conexión entre el cuerpo, mente y alma, y en donde el futuro de las artes marciales reside en el deportivismo y no en la brutalidad, ahora pelea no por andar de gallito ni por satisfacción propia, sino para demostrar el orgullo e identidades del pueblo chino.
Las secuencias de artes marciales y peleas son increíbles
Cine de artes marciales
En una pelea muy promocionada, Huo enfrenta a un gigantesco luchador americano, Hercules O’Brien (encarnado por Nathan Jones), quien se refiere a los chinos como “los hombres enfermos de Asia”. La pelea pone a Huo en el ojo de representantes de las naciones extranjeras en China, quienes creen que su victoria ante el inmenso luchador pueda despertar un sentimiento anti occidental. Esto los lleva a organizar un evento en donde el maestro Huo Yuanjia se enfrentará a cuatro representantes de las mayores fuerzas extranjeras en el país: un boxeador británico, un prusiano maestro de la lanza y un esgrimista español, además del excepcional combatiente japonés Anno Tanaka (encarnado por el increíble Shidō Nakamura II), a quien Huo conoce en una escena anterior intercambiando filosofías y demostrándose verdadero respeto.
De esperarse, y en la tradición de Yuen Wo Ping, las peleas son estupendamente coreografiadas. No se exagera en el uso de cables como en otras películas de Jet Li (¿Fong Sai-Yuk?) y se recurre en ocasiones a la ayuda de imágenes generadas por computadora. Todo en alas de mostrar de una manera más vistosa las fantásticas habilidades de Li y los otros combatientes.
Huo Yuanjia enfrenta a un enorme luchador americano
Mucho se ha dicho que la razón para que Jet Li deseara hacer El Duelo fue debido a la reciente ola de suicidios entre la juventud china. De alguna manera se busca inspirar a éstos jóvenes a vivir con un espíritu más fuerte y apreciar más sus vidas, tal y como el maestro Huo Yuanjia lograra en su tiempo. Algunas otras películas relacionadas (ficción incluida) y que tratan eventos después de la muerte del maestro y donde los protagonistas hacen el papel de un presunto alumno son Chen Zhen/Zheng Sheng: Fist of Fury (1972, Bruce Lee), New Fist of Fury (1976, Jackie Chan) y Fist of Legend (1994, sí, con Jet Li).
La versión del director de Fearless
Como dato final, las versiones de El Duelo llevadas al cine fueron recortadas a tan sólo 102-106 minutos. A principios de 2007 se liberó en Hong Kong la tan esperada Director´s Cut de Fearless que incluye aproximadamente 40 minutos de metraje no exhibidos anteriormente. ¿De qué constan esos momentos extras antes mochados? Básicamente una pequeña trama completa: Michelle Yeoh (Crouching Tiger Hidden Dragon, Wing Chun, Memorias de una Geisha) hace el papel de una artista marcial buscando lograr que el Wushu sea incluido en los Juegos Olímpicos de Verano como un evento, aunque su participación es más bla bla bla que nada.
Kung Fu vs esgrima, hay de todo en la película El Duelo
Se rumora que al conocer que la parte en donde Michelle Yeoh aparecía sería suprimida, Jet Li viajó exclusivamente desde Los Ángeles hasta Hong Kong para disculparse personalmente. Claro que Michelle, con su conocida amabilidad, dijo entender las razones del estudio.
Otras escenas también eliminadas de Fearless presentan una larga y genial pelea entre Jet Li y un boxeador thai (Bei Cha, interpretado por el campeón de la especialidad, Somluck Kamsing) cuando se encuentran en la aldea de Moon y Sun, así como otros pasajes sobre la juventud de Huo Yuanjia. Verdaderos fanáticos seguramente buscarán esta versión más completa.
Jet-Li contra Shidō Nakamura II
Aunque no fue la última cinta épica y de artes marciales de Jet Li, si su intención era despedirse, ¡vaya manera de hacerlo! El Duelo es una película redonda, muy entretenida, del corte que los fanáticos siempre gustamos entre nuestras favoritas de Kung Fu y fácilmente una de las mejores del género. Una película con excelentes coreografías de batalla, una trama que te atrapa y las actuaciones adecuadas para mantenerte pegado al asiento viendo la inspiradora historia del maestro Huo Yuanjia.
La película Kick-Ass: Un Superhéroe sin Súper Poderes, basada en el comic más violento y original de los últimos tiempos, fue debidamente pasteurizada y procesada para el consumo del público en general, pero mantiene muchos elementos que hicieron de la historia original un éxito entre los aficionados al noveno arte.
Kick-Ass: Un Superhéroe sin Súper Poderes
Uno puede suponer que ésta película tiene su nicho natural de admiradores sólo en aquellos que hayan leído el cómic de Mark Millar y John Romita, a juzgar por la poca publicidad en nuestro país es difícil creer que a alguien más le pueda interesar mucho… Sin embargo, para todos aquellos que no leyeron Kick-Ass y le interesa el filme, ahí va.
Kick-Ass (interpretado en la película por Aaron Johnson) es un héroe callejero, un adolescente prototípico, medio nerd y fanático de las historietas cuyo nombre real es Dave Lizewski, que un buen día decide lanzarse a las calles a hacer justicia con dos palos de escoba y un traje de buzo. Después se le unen otros héroes al parecer inspirados por él, pero cada uno con propio trasfondo, todo ésto aderezado con muchos kilos de moronga y filetes de mafioso. Bueno, en la película no hay tanta sangre.
La magia de este “súper héroe” sobre otros es que Kick-Ass no vive en el mundo de DC Comics o Marvel, donde en algún momento podrían aparecer Superman o Spider-Man a salvar el día; en el mundo de Kick-Ass, hasta antes de su salida, los personajes súper poderosos están en el mismo lugar que en el nuestro, en las viñetas y páginas de cómics.
Kick Ass: The Movie
Es de suponer que salir a vigilar las calles de la ciudad sin mayor inspiración y entrenamiento que las últimas aventuras de los X-Men es algo que se torna curioso cuando vemos que nuestro superhéroe es de carne y hueso, y la mayoría de las veces le va más mal que bien. Sin embargo su decisión lo hace trascender las barreras de la fama, pronto sus videos de peleas contra pandilleros son subidos a YouTube, se vuelve un personaje popular que incluso inspira a otros a salir en pijama a pelear por la justicia.
En algún momento de la historia, y sin proponérselo, Kick-Ass se ve dentro de un gran embrollo que incluye a un par de vengadores en disfraz (Hit Girl y Big Daddy), a un extraño aliado (Red Mist) y a la mafia local que se ve amenazada con este repentino destape de súper héroes. Sus días de fama no parecen ser nada cuando se entrente a los malos de a verdad.
¿Dulce o truco?
La historia de Hit-Girl (Chloe Moretz) y su papá (Big Daddy, interpretado por Nicolas Cage) es uno de los elementos que más se respetan del material original. Big Daddy es un ex policía, que por alguna razón ha entrenado a su hija desde pequeña para ser el arma letal perfecta. La relación entre ellos y cómo “rehabilitan” a los maleantes eran algunos de los puntos fuertes de la historia y me alegra que se haya transmitido tal cual en el cine. El director, Matthew Vaughn, hizo bien en respetar casi en su totalidad a este dúo.
Otro punto a favor en la adaptación es que se piense que el interés amoroso de Kick-Ass es gay, uno de los momentos más hilarantes de todo el filme. Pero el Kick-Ass de la película no es ni una décima parte de lo rudo que es el del cómic, y sin embargo aquí sí se queda con la chica …pffff… supongo que es el gancho para que todos los pubertos que vayan a ver el largometraje crean que esa chica popular y guapa de la escuela algún día les hará caso. Ánimo chavos.
Pero la estrella de todo este show es sin duda Hit-Girl , con sus lindas frases, su gama de movimientos a la Matrix y sus disfraces que serán la sensación entre todos los loli fans que se encuentren en el público. Big Daddy también reparte buenas dosis de plomazos en la pantalla pero nadie se le acerca a la niñita en el conteo de cadáveres.
Hit-Girl es como la noviecita que toda tu vida quisiste.
Del lado de los villanos, los malosos de Kick-Ass: Un Superhéroe sin Súper Poderes son bastante creíbles, hasta para el estándar de película de superhéroes. Mark Strong, quien interpreta al jefe mafioso Frank D’Amico, hace un papel más que convincente y logra imprimirle esa importancia que debe tener el antagonista en todas las historias de acción.
El elemento sorpresa al final me pareció exagerado, pero es hasta cierto punto necesario en una adaptación de Hollywood para diferenciarlo del c+omic original, incluso sirve para vender figuras de acción. Los trajes de los personajes son diferentes y a veces cuesta un poco de esfuerzo relacionarlos con su contraparte impresa, como Big Daddy que parece ahora una especie de Batman.
Al final la cinta me dejó satisfecho y como ya me gustaba mucho Kick-Ass en papel yo sí le pongo un nueve bien freak, sólo por los pequeños detalles que ya mencioné que no me convencieron. Al compararla con el nivel de las últimas súper producciones de héroes queda bien parada, sin llegar a ser tan notable. Incluso si no conoces el material original pero eres fanático de la acción, Kick-Ass: Un Superhéroe sin Súper Poderes se mantiene como una película muy entretenida.
Lo único seguro cuando uno se dispone a ver una película con Nicolas Cage es la incertidumbre, ya que el actor se presta para hacer cine y personajes de todo tipo. En Temporada de Brujas, Nicolas Cage vuelve a tomar un papel de acción, en este caso interpretando al héroe de esta historia ubicada en la Edad Media, en donde se toma de trasfondo el conflicto de la Iglesia contra los herejes y la cacería de brujas de la época. ¿Vale la pena ver esta película?
Temporada de Brujas | Reseña
El año es mil 300 y pico. El escenario histórico, las Cruzadas. Es en esta época donde la Iglesia busca acabar con todo aquel que no profese la religión católica y en su campaña no sólo declaró la guerra a otros pueblos y religiones, sino que frecuentemente acusaba de brujería a todo el que los mirara feo… para terminar colgándolos, claro. Nicolas Cage interpreta a Behmen de Bleiruck, un caballero cruzado que junto con su compañero Felson (Ron Perlman) deciden retirarse de las órdenes de la Iglesia después de como diez minutos de película en los que matan según eso a muchos inocentes, muchas mujeres y montones de niños.
Siendo desertores vagan más o menos otros diez minutos de la película hasta que llegan a un pueblo infectado por la peste. Ahí son encarcelados cuando se dan cuenta que se rebelaron del mando de la Iglesia, pero puestos en libertad poco después cuando Behmen y Felson aceptan llevar a un monasterio lejano a una muchachona acusada de brujería y de ser quien llevó la peste a la región. Behmen, como buen desertor de la Iglesia que es, acepta en parte por tratar de rescatar a aquella joven y buscar que se le haga un juicio justo pues por experiencia no confía en los métodos de los cruzados. La idea es que entreguen a la bruja a los monjes quienes la enjuiciarían y podrían diseñar un conjuro o algo parecido para detener la plaga.
Para el viaje en Temporada de Brujas se unen algunos personajes más, especialmente un monje llamado Debelzaq (Stephen Campbell Moore) quien les advierte de lo peligrosa que es la bruja a pesar de su tierna apariencia de niña bonitay maltratada. Pero para Felson y Behmen la Iglesia culpaba a cualquiera y una cara linda no era la excepción, aunque siempre queda de manifiesto un halo de misterio (y fuerza sobrehumana) respecto a la chica. Total que la trepan a una especie de carreta-jaula y la tropa se dispone a llevarla al monasterio.
Como cualquiera puede imaginar, el fuerte de la película Temporada de Brujas es precisamente el viaje que harán nuestros aventureros y el desenlace final con la chica acusada de brujería, en un viajecito que incorpora un poco de acción, aventura y hasta algo de suspenso y sustitos.
Lo que le faltaba a Nicolas Cage, escoltar a una bruja
Efectos especiales de Nintendo 64
Desgraciadamente, ante una premisa tan simple pareciera que el director, Dominic Sena, nunca quiso hacer una película que fuera más allá de eso: simple. Temporada de Brujas peca de incompleta y chafa en casi cualquier aspecto que uno pudiera recordar. Salvo los vestuarios y la fotografía, la verdad es que todo lo demás destaca por ser de verdad muy malo: secuencias de acción poco trabajadas, combates medio sosos, actuaciones más bien sin chiste (quitando quizá a la bruja, interpretada por Claire Foy) y los peores efectos especiales de los últimos cinco años… películas de los 90 lucen mucho mejor que este bodrio, donde vemos monstruos con texturas terribles, extras creados por computadora, persecuciones que dan flojera y escenarios del Medio Oriente que parecen creados en un Nintendo 64.
Sí eres como yo, de los que piensan que una cinta puede salvarse con unos buenos efectos especiales, aléjate de Temporada de Brujas porque los efectos especiales están más guangos que la trama.
Los personajes principales de Temporada de Brujas son bastante olvidables
Las escenas de acción incluyen puentes que se caen, peleas contra lobos endemoniados, franciscanos sangrientos y hasta una especie de boss battle final. Ninguna muy bien lograda, aunque más o menos funcionan en conjunto para mantenerte interesado en la historia. Tengo que reconocerlo, más allá de que cada minuto que pasaba podía apreciar más el tamaño de churro que estaba viendo, la verdad es que la narrativa, aunque simple, funciona bien y te mantiene lo suficientemente interesado como para saber en qué termina la historia y qué pasará con la bruja… a pesar de ser muy mala, Temporada de Brujas tiene lo necesario para no dormirte y que medio te entretengas.
El Blu-ray tiene un menú vistoso y bien presentado, y contiene bastante material adicional incluyendo los tradicionales comentarios del director, algunas escenas eliminadas, entrevistas con los actores, un pequeño documental sobre la idea original detrás de Temporada de Brujas y otro que te muestra a los culpables de hacer los (pésimos) efectos especiales. Si lo analizas bien, quizá hasta el material adicional del Blu-ray es más bueno que la película en sí.
La fotografía deja que desear en Temporada de Brujas
¿Recomendable de ver Temporada de Brujas? No mucho, a menos que no tengas otra cosa que hacer o nada más en qué perder el tiempo. La historia te puede mantener interesado a pesar de ser simple, pero los diálogos tontos y esa atmósfera de película chafa y efectos baratos alejan hasta al más clavado de la fantasía y los cuentos de brujas. De lo peor en lo que ha participado Nicolas Cage… para verla bajo tu propio riesgo.
El novel director Kang Hyo-Jin escribe y dirige su segunda cinta después de My Wife is a Gangster. Punch Lady cuenta la historia de una mujer que reta a su esposo a subir al ring tras años de abusos, una crítica a la violencia física de la que son víctimas mujeres en todo el mundo y a la cultura machista en Corea del Sur… eso y algo de comedia y absurdos.
Punch Lady | Reseña
Cuando era niña vi a mi padre pelear contra un ladrón. Aunque han pasado varios años, esa imagen dejó una profunda impresión en mí. Viendo ensangrentado el enorme puño de mi papá pensé: “¿qué pasaría si ese puño me pegara a mi?”. Ha-eun no ha podido olvidar esa terrible imagen que la impactó de niña, y ahora, varios años después, sufre en carne propia los golpes de un hombre: su esposo.
En Punch Lady, Ha-eun, interpretada magistralmente por la talentosa Do Ji-won, es una mujer de 36 años casada con un animal, un famoso peleador de K2 quien aprovecha cualquier pretexto para sobajarla, escupirle, golpearla, zarandearla y agarrarla de piñata… y no es exageración. Durante los primeros minutos somos testigos de una cruel escena donde Joo-chang (Park Sang-uk) arremete con una furia inaudita contra Ha-eun, a quien golpea con puños, pies y todo lo que tenga a la mano y pueda cargar o lanzar contra ella. La escena de entrada está increíblemente bien lograda, difícilmente podremos ver en cine una interpretación tan realista y dramática de la violencia intrafamiliar como esta de Punch Lady.
Los golpes terminan y Joo-chang deja inconsciente a su mujer. Algunas horas más tarde intenta reconciliarse con ella durante la comida, pero nuevamente, un platillo que no es de su agrado es motivo suficiente para que Ha-eun sea atacada, esta vez para su desgracia, aparece en escena la hija del matrimonio, Chun-shim (interpretada por Choi Seol-ri), quien cansada de los abusos para con su madre increpa a ambos. Joo-chang arremete también contra la niña a quien descalabra lanzándole un cenicero para luego atacarla con un bastón de golf…. justo a tiempo su madre logra aturdir al enfurecido padre golpeándolo con una sartén.
Ha-eun es demandada y encarcelada por lesiones contra Joo-chang (¿les suena familiar la historia?). Trece años de abusos en el matrimonio llegan a una pausa cuando su hermana paga la fianza y le aconseja abandonar a su esposo y mudarse con ella. Así comienza una nueva vida, pero a los pocos días se encuentra con un ex novio, quien curiosa y misteriosamente resulta ser también un luchador profesional de K2 (a los coreanos les encantan las extrañas coincidencias) quien dentro de algunos días peleará contra su marido y le pide que vaya a verlo, como intentando de alguna manera vengar los abusos sufridos hacia la mujer.
Ha-eun amedrentada por su esposo
K2, el escenario de de Punch Lady
Más dramática (y predecible) no podría tornarse la historia en Punch Lady. Con golpes ilegales, Joo-chang no sólo derrota al antiguo novio, sino que lo mata en combate. Ha-eun atestigua todo en la arena y en un ataque de rabia, locura y algo de valor lanza un reto a su esposo durante la rueda de prensa: lo derrotará en el ring de K2 dentro de tres meses, le hará pagar los abusos de una vez y por todas en el lugar en que más orgulloso se siente. Aparentemente, es la primera vez que la miedosa mujer tiene un gesto de decisión o coraje en su vida. El reto se convierte en una bomba en Corea; Ha-eun es asediada por reporteros y se convierte en una figura mediática. Por ridículo que pudiera parecer, el reto es aceptado y el evento especial del K2 será el encuentro hombre contra mujer, donde Joo-chang subirá al ring con un brazo atado a la espalda para equilibrar un poco el hándicap existente.
Desde este punto la historia en Punch Lady gira en mil direcciones distintas. La primera media hora de drama de repente se ven apagada por una clásica dosis de comedia al más puro estilo coreano. Y es que a este tipo de cine le encanta meter algunos chistes para aligerar la tensión aún en las situaciones más absurdas, dramáticas y terroríficas. Así que tenemos que los chistes coreanos nunca faltan en películas coreanas, por muy seria que sea la temática que manejen.
Comedia, acción, drama y hasta artes marciales en Punch Lady
Ha-eun decide afrontar con seriedad su reto y busca un gimnasio donde entrenar. Desgraciadamente es rechazada en todos lados, hasta que llega a un antiguo gimnasio de boxeo tailandés próximo a convertirse en guardería. El actual dueño, quien es profesor de matemáticas de su hija, no conoce ni un ápice de artes marciales pero es tentado por una jugosa oferta de dinero que le realiza la mujer en caso de que venza en el combate, por lo que fingirá ser un experimentado entrenador (como si fuera lo más problable que ganara). El sentimiento de la responsabilidad le invade pronto al profesor Soo-hyeon (Son Hyun-joo) y decide aprender artes marciales por su cuenta para intentar ayudar a su discípula.
Remix de géneros
Ha-eun crecerá como mujer, como madre, como persona y como peleadora obviamente. No deja de sonar ridículo que pueda aspirar a vencer a un campeón profesional con tan sólo tres meses de entrenamiento, y menos cuando tomamos en cuenta que su maestro en realidad es un entrenador patito que sabe igual o menos que ella sobre kick boxing. Pero ¡heey! Es una película coreana, aquí todo se vale.
"Cine coreano, ¡WTF!"
Punch Lady es una amalgama de comedia, sátira, artes marciales escenas dramáticas y satinado con un poco de romance inocentón. En un momento, el villano en turno, Joo-chang, nos hace fruncir el ceño cuando amedrenta a su mujer, al poco rato nos enteramos de la cruda realidad de los recuerdos del padre de la protagonista y unos minutos más tarde sonreímos por las inverosímiles secuencias de entrenamiento que realiza Ha-eun. ¿Crees que la película tendría algo de Rocky? En efecto, las clásicas secuencias de acondicionamiento están incluidas con todo y música de gimnasio. El apartado musical es de hecho sobresaliente, aunque se nota la influencia del cine gringo en cada melodía de fondo.
Por extraña que parezca la mezcla y el salto tan disímbolo entre la violencia familiar y la comedia ligera, la verdad es que Punch Lady nunca deja de ser entretenida. Los personajes actúan e interactúan tan bien entre ellos que terminas creyendo cada absurdo, cada ridículo y cada inverosímil que se muestra en pantalla. Te convences de lo que ves, lo aterrizas como creíble y disfrutas una película que durante 120 minutos te absorbe para terminar apoyando la causa feminista.
Campeón de K2 y golpeador de mujeres
El resultado final en Punch Lady es lo de menos, pese a las claras dificultades para representar un combate equilibrado, me parece que el producto final es muy bueno. Aunque está lejos de ser Million Dollar Baby, la película termina por atraparte completamente pese a ese sentimiento de brincar entre géneros y situaciones.
Ganadora de 17 premios internacionales, entre ellos el Grand Prix del Festival de Cannes, Oldboy (comercializada en México como Cinco Días Para Vengarse) es considerada no sólo una de las mejores cintas asiáticas de todos los tiempos, sino una de las mejores películas del cine moderno. ¿Realmente es una obra maestra?
Cinco Días para Vengarse (Oldboy)
Dirigida por Park Chan-wook, Cinco Días Para Vengarse es quizá una de las películas asiáticas más sonadas y aduladas por los fans del cine oriental y las cintas alternativas, un largometraje que algunos comparan con aquellos filmes en la tradición de Tarantino: violencia, acción, excelentes tomas y una trama sencilla y digerible pero bien elaborada, sin embargo tiene en realidad muy pocas similitudes con el cine del oriundo de Tennessee.
Oh Dae-su (interpretado con maestría por Choi Min-sik), una persona común y corriente, se preparaba a celebrar el cumpleaños de su hija cuando de repente es secuestrado frente a una caseta telefónica sin dejar rastro y sin motivo real aparente. Durante su encierro, su esposa es asesinada y Oh Dae-su se convierte en el primer sospechoso al encontrar su sangre en la escena del crimen y pruebas que lo ligaban con el asesinato de su mujer, pero éste sería sólo uno de los muchos sucesos que viviría atrapado en un cuarto de hotel durante quince años… Hasta que repentinamente es liberado.
Es aquí donde comienza lo “bueno”, y lo pongo entre comillas porque uno no termina de entender durante gran parte del tiempo lo que está sucediendo en pantalla y se queda esperando lo “bueno” casi todo el rato.
Continuando, Oh Dae-su sale hecho todo un terminator de su encierro, pues como buen rehén se dedicó a entrenar durante quince años haciendo lagartijas y pegándole a las paredes de su cuarto como desquiciado; y no sólo eso, se convierte también en todo un hombre de caché, un erudito que aprendió los modos del mundo moderno, criminología, avanzadas técnicas de investigación, espionaje y toda clase de conocimientos inútiles observando durante días enteros el Discovery Channel y el MTV coreano.
Uno no puede más que maravillarse de lo absurdo que resulta esto, pero al final de cuentas es una película, así que tratamos de dar el beneficio de la duda y continuar con el filme porque aparentemente ya viene “lo mero bueno” en Cinco Días Para Vengarse.
Sin ser de acción, la violencia transpira en cada escena
Peleas chafas con escenas de acción clásicas casi como del cine mexicano ochentero nos demuestran el vasto dominio de las artes marciales que nuestro protagonista adquiere en su encierro, en una historia que nos comienza a querer mostrar el por qué de su secuestro, el por qué de su liberación, el por qué continuamos viendo esta película y la búsqueda de venganza de Oh Dae-su a base de cachetadas guajoloteras a cualquiera que se le atraviese en el camino.
A pesar de que la crítica ha acomodado a Oldboymuchas veces dentro del género acción, la película contiene poca y las secuencias al respecto son casi siempre pobres. Por fortuna el fuerte del filme no está en las patadas y los karatazos, sino en el desenvolvimiento de la trama, habiendo de reconocer que pese a ser una historia que insípida durante poco más de una hora, termina siendo interesante y uno no puede más que preguntarse qué pasará después, ya saben, giros en la trama y ese típico suspenso de los buenos thrillers, contado al estilo coreano.
Ríe y el mundo ríe contigo; llora y llorarás sólo
Cierto, Cinco Días Para Vengarsetiene muchos baches y escenas que simplemente desvían la atención de la trama principal sin ofrecer algo bueno a cambio, escenas que para bien pudieron haberse recortado, especialmente, y aunque suene muy repetitivo, algunas de acción; sin embargo el resultado en general es bueno y Oldboyes una película que a menos de que la veas con mucho sueño promete tenerte pegado a la pantalla si intentas seguir adecuadamente la trama e indagar en el pasado de los personajes.
El protagonista sale de su encierro hecho una furia y un greñero.
La historia nos va sumergiendo en el significado de la venganza, lo dulce que pudiera ser y la necesidad real de desquitarse con quien te la debe, sobre todo cuando la primera explicación de Oh Dae-su es que su encierro obedeció también a una venganza contra su persona.
Oldboynos presenta después a Mi-do (Kang Hye-jeong), una muchacha quien extrañamente cae enamorada del finísimo Oh Dae-Su y le ayudará a obtener su venganza y aclarar su oscuro pasado. La trama en esta parte alcanza su punto más fuerte, con nuestro protagonista intentando encontrar no sólo respuestas, sino al culpable de sus penas, en una búsqueda que lo enfrentará con la mafia local, pandilleros de poca monta y un villano que no termina de convencer en una carrera contra reloj para lograr su cometido en tan sólo cinco días.
Mido es una buena adición al embrollo, tiene carisma y su actuación es mucho mejor que la de cualquier otro personaje de reparto en el filme, aunque no toma real importancia su rol sino hasta el final. El villano en turno no goza de la misma suerte, y mientras a veces luce muy, muy malote, otras ocasiones luce bastante cursi; los papeles de soporte son buenos a medias, la mayoría lucen sobre actuados y exageradamente irreales… Bueno, los actores de soporte y extras en realidad son muy malos.
¡Ay wey, con que esto es un elevador!
Del manga a la pantalla grande
Como punto a su favor, Cinco Días Para Vengarse tiene un buen manejo de cámara que es acompañado de escenas fuertes, tampoco nada fuera del otro mundo ni tan gore, pero no deja de sorprender y hacer fruncir el ceño. Estas secuencias sí lucen muy bien, se ve que las trabajaron mucho y el efecto logrado es muy bueno, realmente te hacen fruncir la cara.
Desgraciadamente los subtítulos al español latino no ayudan mucho, contienen varios errores y brincos, pero no son obstáculo para entender la cinta que ya hacia al final toma tintes densos en un argumento que promete mucho, se desarrolla más o menos bien y cuyo final, tras conocer el porqué del encierro de nuestro protagonista, te deja ese sabor de que quizá pudiste hacer algo más entretenido en esas dos horas de tu vida. No me malentiendan, el final es bueno pero la explicación final nunca me convenció… habrá a quien si lo haga.
Cinco Días Para Vengarse está basada ligeramente en el mangaOld Boy, de Garon Tsuchiya, se mantienen los aspectos del misterioso encierro y la liberación del protagonista, pero las causas de las venganzas, pasajes de la historia, el final y hasta los protagonistas son diferentes a los del filme.
Este fotograma es parte de la mítica escena de acción grabada en una sola toma, patrimonio culturla del cine moderno. A mí me pareció muy “X”.
En conclusión, Cinco Días Para Vengarse es una película interesante en su narrativa, pero con un desenlace inesperadamente absurdo que resulta. Y si no estés dispuesto a poner a trabajar tanto el cerebro, es probable termines con sueño y aburrido. Eso sí, no la veas con tu novia(o) ni con tus amigos, Oldboy es de esas películas que por muy buenas críticas que haya tenido, a la mitad de la gente le parecerá muy aburrida.
Publicada por el sello Vertigo, de DC Comics, en 2004, We3, de Grant Morrison y Frank Quitely, mostró desde un lado más oscuro la violencia contra los animales, en un cómic que generó halagos de prensa especializada y de asociaciones y protectores de los derechos de los animales. Hoy por fin tenemos la oportunidad de disfrutarlo en México gracias a Editorial Televisa.
We3
We3 es una muy entretenida historia sin mucho texto, o casi nada de él, pero con dibujos magníficos y paneles muy detallados. La trama se desarrolla en base a un equipo élite de protectores de la ley, mercenarios o algo parecido, los cuales cuentan con mejoras cibernéticas y mecánicas, armas hasta por los dientes, una inteligencia súper desarrollada y años de entrenamiento. El grupo lo conforman tres agentes especiales: un perro, un gato y un conejo llamados Bandit, Tinker y Pirate, conocidos también por su clave numérica: 1, 2 y 3, respectivamente.
Después de una de sus primeras misiones exitosas, sus creadores y el gobierno deciden “ponerlos a dormir”, pero estos animales se escapan del laboratorio donde los mantienen controlados por lo que la milicia empieza a cazarlos; es aquí donde empieza la aventura en We3 y la búsqueda de un lugar al cual puedan llamar hogar.
El perro, Bandit, vendría siendo la conciencia de los tres, el noble, el que quiere ayudar a las personas pese a lo que le hayan hecho, capaz de generar sentimiento más humanos que los otros dos; el conejo, Pirate, siempre lo sigue y apoya sus decisiones; Tinker, el gato, vendría a ser el rebelde, el vengativo, el que no alberga esperanza de regresar a ese hogar prometido. Los tres integrantes del equipo tienen una limitada habilidad para el habla gracias a unos implantes en sus cráneos y se comunican entre ellos y con los demás de esta manera.
Los animales tienen algunos cortos diálogos entre sí y se refieren a ellos mismos como “We3” (“nosotros tres”), y aunque son muy pocos textos, éstos son tan conmovedores y llenos de mensaje que hasta ganas dan de ponerte a hablar con tu mascota.
La historia en el cómic para esta altura gira en torno al uso que algunos científicos les dan a los animales como armas vivientes para salvaguardar la integridad física de los humanos, es decir, una constante muestra de la crueldad de los humanos para con ellos (en el mundo real también experimentan con ellos hasta para probrar shampús), y como estos obtienen su revancha de una forma por demás gráfica.
Siempre hay tiempo para divertirse con los conejos.
Los sucesos que dan lugar a la trama durante los tres tomos de We3 muestran un interesante choque entre la venganza de las criaturas fugitivas y sus verdaderos sentimientos, no tanto sentimientos humanos impuestos cibernéticamente, sino los suyos propios como mascotas.
We3: cómic con estilo y mensaje
El estilo de dibujo es buenísimo. Frank Quitely es amante de atascar las páginas con imágenes pequeñas imágenes rodeando a la ilustración central y en We3 su arte luce impresionante, con colores a la misma altura de los trazos. El guion corrió a cargo del conocido Grant Morrison quien en el 2006 incluso escribió lo bien pudiera ser el guion cinematográfico para llevar el cómic a la pantalla grande. De llegar a convertirse el proyecto de We3 al cine, Bandit, Tinker y Pirate así como el resto de animales que interactúan en la historia serían generados en animación por computadora.
DC Comics publicó un tomo recopilatorio de We3, que se ha convertido sin duda en una de las miniseries mejor logradas de Vertigo. Hacia el final, la historia de We3cierra con la misma fuerza con la que comienza, y a pesar de la violencia gráfica y la sangre chorreada hojas atrás es un cómic con un gran mensaje cuando uno da la vuelta a la última página.
El arte de Frank Quitley es impresionante en los paneles dobles.
We3 sería el equivalente en papel de una película de acción ochentera, pero con bastante gore y mensaje. Hay muchos animales y personas destripadas cada tercer página, y la historia nunca baja el ritmo de acción frenética mas que cuando de verdad es necesario un respiro. La narrativa te atrapa y el arte es imposible que no destaque, sobre todo con algunas páginas dobles, que son verdaderas obras de arte. We3 son tres números llenos de acción sin texto y sin desperdicio: todo un agasajo para los amantes de animales, la acción, la ciencia ficción y los litros de sangre.
Este sera un año largo, pero la espera tendrá sus frutos: la primera parte de El Hobbit en cine, titulada El Hobbit: Un Viaje Inesperado, que nos hará volver a la Tierra Media la próxima Navidad y aquí tenemos el primer tráiler en forma de esta súper producción.
Bilbo Baggins es convencido por Gandalf de embacarse en una aventura junto con trece enanos para reclamar el Reino de Erebor de las garras de Smaug el dragón. Una trama aparentemente simple pero que desenlaza en una gran aventura que sirve como precuela de El Señor de los Anillos… y sí, esta película también será dirigida por Peter Jackson.
El Hobbit: Un Viaje Inesperado será la película del 2012, aplastando sin piedad a la competencia y dejando de lado a cagadillas de murciélagos y titanes pedorros.
Desde hace varios años los videojuegos basados en licencias de anime y manga se han estacando en un bache que parece no tener salida, títulos que terminan navegando casi siempre en el aburrimiento. Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2 lucía como la carta fuerte del año tanto en PlayStation 3 como Xbox 360… ¿Un juego que le hace justicia a los fanáticos de la serie o es mejor esperar la llegada del siguiente ninja?
Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2
Éste es básicamente un juego de peleas. Tienes a tu disposición a la mayoría del casting Naruto Shippuden y compites en un escenario en 3D que puedes recorrer mientras te acercas o pones distancia de tu enemigo para atacar. Escoges a un personaje central para pelear y a dos más que puedes invocar para que te ayuden durante el transcurso de la pelea.
¿Se lee sencillo? Lo es, Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2 maneja un esquema de control muy simple, donde tienes un botón para ataque, uno para lanzar shurikens (o algún otro artefacto ninja), uno para brincar/evadir/acercarte, uno para cargar tu chakra, lo cual combinado con los otros botones te permite realizar técnicas más poderosas, combinaciones especiales y evasiones instantáneas, mientras que con los gatillos pones defensa, realizas agarres y llamas a alguno de tus ayudantes a que salgan a hacerte el paro. La cruz te sirve para usar uno de los cuatro accesorios que puedes equiparte antes de la pelea y que pueden ser objetos que arrojas al rival, o bien, subir tus atributos durante algunos momentos.
Si alguna vez jugaste el primer Ninja Storm te darás cuenta que en esencia hay pocos cambios en el motor de batalla. La dinámica es muy similar pero las peleas recibieron algunos ajustes que las vuelven más dinámicas y entretenidas. Para comenzar, se redujo el tiempo de duración de las técnicas especiales (Ultimate Jutsus), que a veces parecían summon de Final Fantasy.
Otro cambio está en tus ayudantes, que suelen ser más útiles que en el primer título y gracias a que pueden ser de ataque, defensa o de soporte las combinaciones para usarlos se amplía radicalmente, entran mejor en combos, te cubren en situaciones peligrosas y pueden darte tiempo para cargar tu chakra o poner pies de por medio.
Los personajes de apoyo también incrementan su grado de participación en Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2, si los llamas en varias ocasiones habrá situaciones donde de manera automática entrarán a la batalla para alargar tu cadena o resguardarte de tu enemigo. Si continúas con este estilo de juego podrás llenar tu barra de soporte y acceder a combinaciones en equipo: los tres personajes le hacen bolita al rival con una técnica triple masiva.
Jiraiya contra Tsunade, dos de los favoritos del anime.
Los personajes seleccionables también recibieron retoques para diferenciar más a aquellos que son peleadores de corta, mediana y lejana distancia, existiendo algunos que pueden usar varios estilos. Todo parece optimizado para un mejor desempeño en versus y darle vida al más o menos robusto sistema de batallas online que incluye.
Una nueva aventura de Naruto
Pero más allá de pelear con los personajes del anime, Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2 ofrece varios modos de juegos. Peleas en línea, versus local, las clásicas opciones y el modo Ultimate Adventure, el otro punto medular del juego y donde CyberConnect2 invirtió más tiempo para intentar recrear con fidelidad las épicas batallas mientras tú las juegas.
El videojuego nos lleva a revivir exclusivamente los sucesos de Shippuden, comenzando con el regreso de Naruto a Konoha después de que se retiró a entrenar con su maestro Jiraiya por casi tres años, y terminan justo después de la pelea contra Pain. ¿No te suena la historia? Porque seguramente no conoces el anime o el manga, así que puede ser que mucha de la magia que esconde este título no sea de interés para ti.
Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2 incluye un pequeño modo RPG.
En el modo Ultimate Adventure tomas el control de Naruto (o algún otro personaje en ciertos momentos) a través ocho capítulos más algunas sidequests, para ello recorrerás Konoha, la Villa de la Arena y los alrededores del mundo ninja en una especie de RPG que visualmente me recuerda mucho a los títulos de Final Fantasy en el primer PlayStation, con personajes poligonales explorando mapas a manera fondos prerrendereados que lucen como pinturas. Ciertamente da la impresión que todo el mundo de Naruto queda unas tres o cuadras a la redonda de la Aldea de la Hoja, pero el cambio en general es bueno y me parece más atractivo de jugar que el modo de historia de la primera entrega.
Batallas al más puro estilo anime
Conforme recorres los escenarios puedes recolectar algunos ítems para sintetizar armas, medicinas, comida y otras cosas que te ayudarán en tu misión. También puedes encontrar personajes a los cuales ayudas, realizar misiones ninja y en sí gastar algo de tiempo explorando mientras llegas a tu próxima batalla.
Los enfrentamientos siguen mas o menos de manera fiel al anime, aún las secundarias, así que, por ejemplo, reviviremos la pelea del equipo de Lee y Neji contra los clones de Kisame e Itachi. Pero las que definitivamente no tienen madre son las batallas especiales contra los jefes. Cada capítulo tiene una o dos peleas contra los meros jefes de nivel. Son secuencias impresionantes de acción que incluyen un enfrentamiento donde en determinados momentos manejan secuencias cinematográficas animadas, las cuales controlas mediante QTE (Quick Time Events) al estilo de God of War.
Las batallas contra los jefes de capítulo son alucintantes.
No sólo eso, los combates suelen manejar minijuegos que no ves en ninguna otra parte de Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2. Por ejemplo, en la batalla Gaara contra Deidara llegará un momento en que Deidara montará en un pájaro gigante de plastilina y se marcha volando, para lo cual tú vas a perseguirlo con tu nube voladora de arena mientras le lanzas disparos (de arena también) en un intento por detenerlo, todo mas o menos con un esquema de shooter tradicional. Pero no sólo es llamativo jugarlas, sino que realmente es impresionante verlas: si eres fanático de Naruto, tan sólo estas batallas harán justificable tu compra.
Sí. en la entrega anterior había algunas batallas con jefes, pero no están cerca de la calidad gráfica y de coreografía visual que CyberConnect2 logró en esta ocasión. Lo mejor de todo es que se dieron la libertad de crear algunas secuencias distintas a la caricatura, como para darle frescura y sorprender un poco a quienes ya nos sabemos cómo termina todo.
Y aunque las batallas con los jefes se llevan las palmas, el trabajo gráfico y la presentación de Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2 es muy buena en lo general, desde los menús bellamente animados hasta los atractivos e impresionantes poderes ultra ninjísimas que nos presenta el modo de historia. Desgraciadamente, el estilo cel-shaded muestra algunos fallos fuera de las peleas, ya que en el mapa normal las figuras poligonales lucen con muchos jaggies y se ve como si los personajes de repente no correspondieran con el fondo. También hay algunas fallas en la sincronización entre voz y labios.
El apartado visual es una delicia, Naruto nunca se había visto tan bien en videojuego.
Hablando de voces, el juego incluye doblaje en inglés y japonés, e independientemente de que el lenguaje japonés es la obvia selección, las dos opciones están bien logradas ybien actuadas. La música es buena, apacible, calmada y disfrutable, como apenas acompasando lo que sucede en pantalla, pero te recordará a los temas de muchos RPG, y no es para menos pues es compuesta por Chikayo Fukuda, a quien quizá hayas escuchado en los juegos de .Hack//G.U. para PlayStation 2.
Un jutsu con algunas fallas
¿Algunos otros puntos bajos de Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2? Claro que tiene. Los más fanáticos extrañarán algunas peleas o que se les diera más importancia a otras, y aunque la selección de 45 personajes (incluyendo a Lars, de Tekken 6) es más que extensa, se extrañan a viejos conocidos.
También, el sistema pareciera estar diseñado para los spammers, aquellos personajes que pueden lanzar más objetos y técnicas de largo alcance en masa… No es que sea imposible derrotarlos, pero es bastante complicado y rompe el equilibrio del juego. Otro punto bajo es la censura ya común en series de anime para nuestro continente. Le bajaron a la sangre, a las bubis, a las groserías y al romance. Todo para que según fuera apto para adolescentes.
Puedes desbloquear a Lars (Tekken 6) como personaje especial.
Sin embargo, la peor falla son los tiempos de cargas, los cuales si están de “hazme el chingado favor”. Carga para pasar de una sección a otra, para entrar a un menú, para salir del menú, para entrar una tienda, para salir de la misma, para acceder a una pelea y para regresar al mapa… Carajo, hay secciones de la historia que tarda hasta 20 segundos en cargar para que sólo salga un personaje diciendo “mmm” y volvamos a ver otra pantalla de carga. ¡Es insufrible! Si a eso le añadimos que en la versión de PlayStation 3 el juego tiene el récord de instalación más lenta de la historia -tardando hasta 25 minutos- uno piensa que lo único que hizo el disco fue hacerse tonto.
¿Vale la pena la compra? Sí eres fan de la serie, lo vale y por mucho. Si no lo eres, aunque el juego presenta mecánicas interesantes, Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2 está hecho prácticamente para los aficionados; la historia, aunque mas o menos bien contada y bellamente ilustrada, pasará sin tanto sentido para quien no la conozca de antemano, pues CyberConnect2 obvió muchos aspectos. Desgraciadamente, aún para los otakus de hueso japonés, los tiempos de carga y el desbalance en las batallas online le quitan algunos puntos. Aún así, estamos ante uno de los videojuegos que mejor han retratado una licencia de anime y manga, y eso ya es de agradecerse.
Existe una regla no escrita que dicta que los videojuegos basados en cómics y películas son de mediocres para abajo. Wanted: Weapons of Fate para Xbox 360, PlayStation 3 y PC, aunque no está basada directamente ni en uno ni en otra, retoma la historia de la película de Wantedpara hacerle una secuela en formato de videojuego y de paso intentar romper el maleficio que tienen estas licencias.
Wanted: Weapons of Fate
Wanted: Weapons of Fate sigue la historia de Wesley Gibson justo donde terminó el filme, quien tiene un sueño recurrente en donde ve a su madre, Alyse, asesinada por un misterioso personaje; momentos después, y pistola en mano, tomamos el papel de nuestro héroe (¿o antihéroe?) cuando un escuadrón SWAT irrumpe en su apartamento buscando algo que perteneció precisamente a Alyse.
La trama más adelante involucra a Pekwarsky (el viejito que hacía las balas en la película), quien le explica que la Fraternidad de Asesinos de Francia está sobre su cabeza, justo como años antes estuvieron sobre su padre (Cross) cuando intentaba defender a su esposa y a un Wesley recién nacido de el Inmortal, el antagonista y mero maloso de Wanted: Weapons of Fate.
https://www.youtube.com/watch?v=awbBDIzWsKo
Iremos jugando un capítulo con Wesley y otro con Cross sucesivamente, narrando uno los eventos actuales cuando Wesley persigue a la Fraternidad, mientras que con su padre jugaremos escenarios a manera de flashbacks, que cuentan su choque con el Inmortal y cómo defendió a su hijo para evitar que lo asesinaran.
¡Ay no mames, balas en curva!
Wanted: Weapons of Fate es un clásico juego de disparos en tercera persona con sistema de cobertura: caminas, te rafaguean y tienes que buscar un lugar seguro para protegerte y atacar, eliminas a los enemigos de la zona y sigues avanzando, nada nuevo por aquí, aunque gracias a los elementos únicos de la película Wanted incluyeron un par de mecánicas interesantes y novedosas.
La primera es obviamente la capacidad de disparar balas en curva. La segunda, podemos salir de nuestra cobertura y alentar tantito el tiempo mientras disparamos a todo lo que esté en nuestra mira, pero no es tan, tan útil más que para un par de jefes de nivel.
Esa sensación de salir de las situaciones más comprometidas con un balazo curvo.
Las balas en curva en cambio es lo que le vida a Wanted: Weapons of Fate; debido a que el juego abusa de las coberturas, la mayoría del tiempo tú y tus rivales estarán detrás de alguna protección impenetrable y dada la ráfaga de balas es imposible salir, por lo que sólo te queda disparar balas en curva, habiendo de dos sabores: balazo sencillo y una especie de combinación explosiva con dos pistolas (gasta cuatro municiones) la cual puede derribar a dos o más enemigos.
Se siente bastante bien cuando ves como tus proyectiles hacen esa curva milagrosa y timan al enemigo más escondido, algunas veces incluso verás una secuencia cinemática al despachar al último maleante en pantalla con una bala con chanfle; se ve muy bien y aumenta esa sensación de logro.
Fuera de eso, Wanted: Weapons of Fate es muy lineal, quizá demasiado. Aunque hay algunos coleccionables como portadas de comics, fotos y videos repartidos por los escenarios, no es más allá de cuestión de voltear y ver bien, ya que no hay desviaciones ni caminos alternos. Nunca cambias de arma, y sólo cuentas con tu pistola sencilla con Wesley y las dos pistolas automáticas cuando juegas con Cross. En los últimos niveles puedes seleccionar entre alguna de las dos, pero es todo el repertorio de armas que vas a ver… Bueno, y el ataque con cuchillo que sirve cuando estás cerca de tus enemigos y es una muerte segura para él, sea soldadito normal o jefe.
¡Qué cara tan seria! Ten, te presento a un amiguito.
El sistema de juego es sencillo y directo, a lo que va, tienes pistolas y un cuchillo para matar a todo lo que se atraviese a tu paso, y tu mayor habilidad es disparar balas en curva… Créeme no necesitas más y se vuelve muy entretenido durante las nueve escenas que dura Wanted: Weapons of Fate. Existen algunas variantes como un par de niveles donde tomas una metralleta de cañón y otra donde usas un rifle sniper, pero es mínimo y la verdad hasta se siente que estorba al flujo normal del juego. También tenemos escenas en cámara lenta donde podremos disparar tanto a enemigos como a sus balas, estas secuencias se sienten mejor acomodadas y es parte del sello distintivo de la saga.
El apartado técnico tiene sus altibajos, mientras que las voces (algunas de la película) y la música (de UNKLE) son muy buenas, los gráficos no comparten la misma calidad. Se nota un buen trabajo en la captura de movimiento pero hay pocas expresiones faciales (o ninguna, cuando mueren ponen cara de “bueno, ya qué”), las texturas son muy pobres, poca variedad de enemigos, explosiones apagadas y los niveles sin mayor detalle.
Como extras, Wanted: Weapons of Fate incluye los coleccionables que mencionaba, además de algunos modos adicionales de juego desbloqueables mediante códigos que venían en la edición especial de la película de Wanted -Melee, Headshot y un contra reloj-. Nada que realmente te haga pensar en volver a jugarlo más de dos veces, pero se agradece dado que el título te dura muy pocas horas aún en la dificultad más alta… Que en realidad no lo es tanto.
Los enemigos son muy, muy genéricos.
Poco por qué rejugar
También puedes desbloquear skins para el protagonista, para jugar como diferentes personajes tanto del videojuego como del filme en el que está basado, incluyendo a Janice, la gorda come donas. Por cierto, el juego tiene dos finales: en versión consola termina con un balazo en la cara del último jefe, mientras que en PC cambias la bala por una buena orinada.
A pesar del presupuesto limitado, los suecos del estudio Grin hicieron un muy buen trabajo. Dejando a un lado sus carencias técnicas, Wanted: Weapons of Fate es un título muy entretenido para el jugador clavado y el casual. No deja de ser un videojuego corto y con poco replay value, pero mínimo te asegura un recorrido de siete horas con balas curvas, explosiones y una historia medianamente atractiva.
Los hermanos Wachowski regresan al cine, esta vez como productores para traer una nueva película de acción con corografías de peleas, artes marciales y mucha sangre en Asesino Ninja, del director James McTeigue, la cual pasó casi desapercibida por las salas de cines en México.
Asesino Ninja
El héroe de Asesino Ninja se llama Raizo (Jung Rain Ji-hoon), un huérfano que fue criado desde niño por el clan Ozunu para convertirse en una asesino y su arma preferida es muy parecida a la que usa Kratos (del videojuego God of War), y al parecer tiene el mismo efecto sangriento y morboso en pantalla: es una cadena con una especie de gancho que hace de todo, desde derribar hasta destripar. Con ella ajusticia a centenares de ninjas que lo acompañaron desde su entrenamiento de niño y contra los que combate en varios momentos del filme.
La Europol es la agencia a la cual pertenece la dama en peligro de éste filme, Mika (Naomie Harries), ella hace su triunfal aparición porque anda tras la pista de unos clanes ninja muy antiguos que aún trabajan como mercenarios y cometen asesinatos alrededor del mundo, pero éste aspecto de la trama es solamente un agregado que a nadie le interesa en la profundísima historia del shinobi que se rebela contra su propio dojo y maestro por un chafa enamoramiento con otra ninja que ni escalar paredes sabía. Las coincidencias en Asesino Ninja están bastante forzadas pero son divertidas (las dos chicas tienen “un corazón especial”).
Del lado de los villanos está el mero, mero maestro ninja Ozunu (interpretado por Sho Kosugi), y se parece mucho al comandante de las armaduras de Sión al final de Matrix Revolutions, además de que ha realizado un montón de películas de artes marciales lo que lo convierte automáticamente en un viejito rudísimo y difícil de vencer. Todos los elementos para una gran batalla de artes marciales.
Shurikens y sangre
Los ninjas aquí son medio contradictorios, por un lado pueden desaparecer en las sombras y por otro, casi cualquier tipo los puede atropellar o matar con una bazuca y medianamente buen tino. Y aunque sólo verás desfilar tres de las armas clásicas de ninja que todos conocemos: espadas, shuriken y el arma de Raizo, con esas tres les basta para teñir la pantalla de rojo. Asesino Ninja debió ser patrocinada por Heinz o Del Monte, ya que la cátsup nunca para de correr en esta cinta y en algunos momentos llega a tintes casi gore con desmembramientos y ejecuciones explícitas.
Algo que me gustó de la película es que, aunque todos sabemos que el protagonista es el mero chingón y el que va a ganar al final, durante toda la función le recetan muy buenos espadazos, patadas, le pican el ombligo varias veces, mordidas, jalones de greñas, ya saben, lo que se acostumbra , pero de verdad pareciera que en algún momento no va a ganar.
La acción y el drama ninja nunca fallan.
Producto Wachowski
Asesino Ninja nació de la mente de los hermanos Wachowski, quienes se inspiraron en el clásico de anime Ninja Scroll así como en el serial japonés Samurai Champloo. Para el papel de Raizo llamaron a Jeong Rain, con quien ya habían trabajado en Speed Racer. El tercer productor es Joel Silver, quien ya lleva una larga trayectoria en películas de acción con cintas como Arma Mortal, Comando, Duro de Matar y Matrix, así que estamos hablando de varios kilos de experiencia en acción. El largometraje costó alrededor de 40 millones de dólares de presupuesto y tuvo un éxito moderado para ser una película con poca publicidad en el mercado.
En fin, esta violentísima coreografía de hora y cuarenta minutos está mil o dos mil veces más recomendable que la chafez de película que se llama solamente Ninja, en donde el protagonista ni siquiera es japonés. La acción es rápida y la trama accesoria, pero sin duda se pueden rescatar varios elementos de esta “obra de arte”.Aunque los hermanos Wachowski son productores, no se abusa tanto del efecto Matrix y las peleas están bien logradas; los shurikens, piernas y brazos vuelan en todas direcciones. Asesino Ninja dejará satisfechos a los fanáticos de los ninjas, el cine de acción y las espadas con sangre.
Marvel mostró un nuevo tráiler internacional (alemán) para su película más esperada de 2012: Los Vengadores. Este nuevo avancecontiene material inédito y da un poco de luz sobre la historia de la película bajo la frase “no somos un equipo, somos una bomba de tiempo”
Los Vengadores incorporará a varios de los superhéroes más icónicos de Marvel que han aparecido en cine durante los últimos años: Iron Man, Capitán América, Hulk, Hawkeye, Viuda Negra y Thor, quienes tendrán que hacer equipo bajo las órdenes de Nick Fury para luchar contra una amenaza desconocida que atenta contra el planeta entero. También se alcanza a ver que este próximo estreno en cine incluirá buenos golpes entre los miembros del equipo.
Los Vengadores, dirigida por Joss Whedon, tiene fecha de estreno en cines programada para el 4 de mayo de 2012 y cuenta con las actuaciones de Robert Downey Jr., Chris Hemsworth, Mark Ruffalo, Chris Evans, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Samuel L. Jackson, Tom Hiddleston, Clark Gregg, Cobie Smulders y Stellan Skarsgård.
Rocksteady regala desde hoy (y parece ser que hasta mañana) un nuevo y exclusivo batitraje para todos los que tengan Batman: Arkham City en PlayStation 3 y Xbox 360. El skin es el que usa el encapotado en los cómics de Batman Inc. y estará disponible totalmente gratis, tanto en la tienda de la PSN como en el Xbox Live Market Place
Además, sabedores de que a veces uno quiere patear traseros en diferentes pieles sin tener que terminarse el videojuego antes, Rocksteady compartió un código que libera la opción para usar los diferentes batitrajes en cualquier momento de la campaña, sólo necesitas ir al menú principal de Batman: Arkham City, escoger el espacio donde se guardará tu archivo y aprentar: Izquierda, Izquierda, Abajo, Abajo, Izquierda, Izquierda, Derecha, Arriba, Arriba y Abajo. Escucharás un sonido que indica que tu código fue ingresado correctamente… Sí, como en los tiempos de 8 y 16 bits. Ahora puedes continuar tu partida y te saldrá un pantalla para la selección de traje.
De esta manera, Rocksteady agradece el apoyo de todos los fans a Batman:Arkham City que lo convirtieron no sólo en uno de los videojuegos mejor vendidos en el año, sino en uno de los más aclamados por los usuarios y la crítica en general. Ojalá más compañías ofrezcan contenido adicional gratuito y regalitos durante la época navideña.
También hay nuevos paquetes a la venta, como el Arkham Bundle, que incluye los DLC de Robin, Nightwing y los skins del juego por 14.99 dólares. Rocksteady también puso en oferta (2.99 dólares) un bundle llamado Challenge Map Pack con los mapas de retos que venían en las preventas y uno nuevo de la Baticueva.
Basada en las obra de Arturo Pérez-Reverte, Alatristees una súper producción española que retoma y nos cuenta varios de los sucesos acontecidos durante las cinco novelas del Capitán Alatriste. ¿Está a la altura de los clásicos filmes épicos del cine de Hollywood y de la obra en la que está basada?
Alatriste
Ambientada en la España imperialista del Siglo XVII, Alatriste narra las aventuras Diego Alatriste (Viggo Mortensen), antiguo capitán de las fuerzas armadas en la guerra contra las holandeses, quien tras una estrepitosa derrota en Flandes le promete a uno de sus compañeros caídos cuidar de su hijo y alejarlo del camino del soldado. Íñigo Balboa (interpretado por Unax Ugalde) es el vástago de aquel soldado fallecido, ahora bajo la tutela de Diego Alatriste en la ciudad de Madrid, que después de la batalla de Flandes se dedica a medio sobrevivir rentando sus habilidades como espadachín al mejor postor.
En aquella época, el rey Felipe IV mantenía un imperio en decadencia, una nación partida socialmente y un territorio blanco de constantes revueltas civiles y ataques enemigos, por lo que los servicios de mercenarios como Alatriste eran bastante apreciados, aunque peligrosos.
https://www.youtube.com/watch?v=BoXmoIMhbcc
Es en uno de esos “encargos” se le ordena al ex capitán Alatriste asesinar a dos supuestos herejes y enemigos del Catolicismo y la Corona Española, haciendo equipo con otro fino espadachín, Gualterio Malatesta (Enrico Lo Verso), para llevar a cabo tal misión.
En una extraña secuencia vemos a ambos caza recompensas batirse a duelo con los dos sujetos en cuestión, y de la forma más inverosímil, Alatriste presiente que algo anda mal por lo que decide perdonarles la vida y detiene la espada de Gualterio antes de que soltase la estocada final a uno de los ofendidos. Malatesta desde entonces le jura una absurda y desabrida venganza que se volverá motor en varios lapsos de la cinta, convirtiéndose también en el principal antagonista.
Al fallar con su misión, Diego Alatriste se entera de que en verdad aquellos hombres a los que atacó eran dos importantes nobles europeos, el Príncipe de Gales y el Duque de Buckingham, quienes habían llegado a España en calidad de incógnitos. “Sin querer queriendo” había sido partícipe de una gran conspiración que se ocultaba aún detrás del mismo poder de la monarquía española.
El capitán Diego Alatriste.
Tras esta introducción tan cuadrada que toma casi 45 minutos en pantalla, totalmente sosos, aburridos y con actuaciones que dan flojera, uno sabe que todo la película está condenado a sufrir la misma suerte. ¿Cómo es posible que Diego Alatriste, un mercenario dedicado a vender sus servicios para matar sin remordimientos, se detenga a última hora en esta específica ocasión? La respuesta nos la da el mismo Alatriste unos minutos después: fue una suposición. Una suposición que desencadena en una serie de aventuras y sucesos desencajados, sin hilo argumental firme y que parece estar pegados con resistol uno detrás del otro.
Capitán sin pies ni cabeza
La película nos lleva de regreso a Flandes y de vuelta a España, en guerras y misiones de un sólo hombre que no sólo son agrias sino que la gran mayorías están muy mal logradas. Es cierto, Alatriste no es una cinta con efectos y coreografías hermosas de batalla, pero las escenas de acción son infumables: poco estudiadas, poco creíbles, con espadazos al aire, muertos que se mueven a media escena y gritos de niña de primaria. Por si fuera poco, la narrativa es un caos, dejando huecos en todos lados y haciendo difícil para el espectador entender la relación entre cada uno de los eventos.
Alatristees también la historia de Íñigo Balboa (que como dato curioso, era un papel originalmente pensado para el mexicano Gael García), quien va creciendo bajo la tutela de Diego, volviéndose un fino poeta y un más refinado espadachín. Íñigo desde niño cae enamorado de Angélica de Alquézar (Elena Anaya), una integrante de la nobleza española quien ve con muy buenos ojos al joven, pero que tiene en un pésimo concepto al capitán Alatriste.
Íñigo Balbao es de los personajes salvables de esta película.
El amor de Íñigo por Elena y el respeto a su tutor se verán encontrados en algunos puntos de la película donde intentan crear un mundo lleno de conspiraciones y traiciones, que sin embargo no logramos comprender y saborear del todo (aún no entiendo porqué Elena odia tanto al protagonista).
Ambas historias se van enlazando y desarrollando, con los pormenores de Balboa y Alatriste, aventuras que envuelven a uno o a los dos personajes pero que parecen encadenadas por la fuerza. De repente están asaltando un barco del rey, y para la siguiente escena está apuntándole con la pistola a su acérrimo rival Gualterio Malatesta, sin que haya de por medio una narrativa aceptable que nos haga digerible lo que intentaron contar. Eso sí, el final es al más puro estilo de Mel Gibson y Breaveheart, y cualquier similitud es prácticamente adrede.
Con un gasto de 24 millones de euros, Alatriste es uno de los filmes españoles más caros de la historia (detrás de Ágora); una cinta de época que incluye aventuras de guerra medieval, algo de piratas y duelos de espadachines, pero que desgraciadamente naufraga en la apatía, con diálogos aburridos, actuaciones de flojera y secuencias malhechas.
Algunas escenas son muy al estilo de Corazón Valiente.
Es cierto, tiene momentos rescatables y un excelente trabajo de vestuario y ambientación (esta es la España de las pinturas de Velázquez, los poemas de Quevedo y Góngora y la comedia de Lope de Vega), pero difícilmente podría recomendarla como una cinta entretenida; quizá su mayor fallo haya sido querer meter en tan sólo dos horas las cinco novelas del capitán español… Alatriste es una película sin pies ni cabeza.
Después del gran éxito de Rock Band 2, Harmonix y Traveller’s Tales (Lego) idearon un proyecto combinado, mezclando las mecánicas del popular videojuego con la estética de los famosos muñequitos amarillos; pretendían acercar el simulador de banda a un público más familiar sin olvidar a los grandes fanáticos de Rock Band. ¿Vale la pena Lego Rock Band o mejor construimos otra cosa con los bloques Lego?
Lego Rock Band
Lego Rock Band tuvo una salida masiva multiconsola en noviembre de 2009, con versiones tanto para el PlayStation 3, Xbox 360 y Wii como para la portátil de NDS, aunque esta última versión es muy limitada en comparación con sus hermanas mayores, teniendo sólo 25 canciones de las 45 disponibles en otros formatos (que de por sí se sienten como pocas) y sin la posibilidad de descargar contenido adicional.
El juego es compatible con la mayoría de periféricos diseñados para videojuegos musicales incluyendo los de Guitar Hero, también tiene un amplio catálogo de temas descargables ya que varias de las canciones de las anteriores versiones son compatibles, aunque no todas, sólo aquellas clasificadas “para todas las edades” por su letra.
https://www.youtube.com/watch?v=C94uPWpqrdc
Construye una banda, rockea el universo
La mecánica de Lego Rock Band es idéntica a la de Rock Band 2, un simulador de banda musical que te permite jugar en el rol del guitarrista, bajista, baterista o el vocal, con la adición de un dificultad Súper Fácil y del Modo Corto, que recorta las entradas y salidas largas de algunas canciones en el Modo Carrera, lo cual es de mucha ayuda cuando te das cuenta que tu repertorio musical es reducido y las tendrás que tocar en infinidad de ocasiones para terminar el videojuego.
En el Modo Carrera tienes control de una banda que empieza desde cero y tu objetivo es cubrir y manejar sus pasos hasta llevarla al éxito interestelar, para esto tendrás que tocar en diversas presentaciones en las que, dependiendo de lo bien que interpretes las canciones, recibirá fans y ladrillos de Lego que posteriormente podrás canjear por nueva ropa, instrumentos, decoraciones para tu Guarida, empleados que multiplicarán las bonificaciones y/o vehículos adicionales que te permitirán completar tus giras y llegar a nuevos eventos en diversas locaciones.
Conforme se completan determinadas presentaciones el jugador participará en Desafíos del Rock, los cuales deberás cumplir satisfactoriamente para poder continuar, estos desafíos especiales muestran a los miembros de la banda en situaciones graciosas ayudando a otros Lego que se encuentran en problemas. La Guarida es la base de la banda en Lego Rock Band, donde podrás practicar las canciones disponibles, repetir los Desafíos del Rock para mejorar tu puntuación, ver los videos del Modo de Carrera, jugar cualquier canción en Modo Libre, comprar accesorios, continuar la gira y entrar a la Oficina.
La mecánica central de juego es la misma que ya conoces.
Estrella plástica busca seguidores
La Oficina de Lego Rock Band es un elemento importante, ya que aquí se pueden revisar las estadísticas del juego, editar los álbumes de la banda y contratar empleados para bonos extras como multiplicaciones de fanáticos o de ladrillos. Cada empleado es totalmente personalizable y a lo largo de la historia te agregarán presentaciones adicionales e incluso tendrás la oportunidad de grabar hasta seis discos. A menudo estos eventos te harán volver a escenarios anteriores y repetir las mismas canciones una y otra vez, lo que vuelve al juego tedioso.
Tras superar un chingo de presentaciones estarán disponibles nuevos instrumentos que se podrán comprar en la Tienda de Rock, algunos de estos instrumentos son diseños reales y otros basados en la temática de las presentaciones, cómo un micrófono dinamita o una batería eléctrica de hielo.
En general, el diseño de Lego Rock Band va dirigido a un público familiar, con canciones alegres y clásicas como “Kung fu fighting”, “Ghostbusters”, “Crash”, “Two princess” y “We will rock you”. Las graciosas apariciones David Bowie e Iggy Pop, así como de los miembros de Queen y Blur dan un plus muy agradable a los seguidores de estos artistas.
Hay varias opciones de personalización para tu banda y sus instrumentos.
Los gráficos de Lego Rock Band están a la misma altura de lo demás juegos de la saga, o sea, bien a secas, cumplen su cometido y quizá destacan un poco en esta versión por la temática de ladrillos que logra escenarios y situaciones que llegan a distraer de lo que tienes que tocar con tal de observar lo que está pasando en el escenario. El sonido como siempre, impecable.
Lego Rock Band es un acercamiento más libre y menos competitivo del popular Rock Band, un título familiar que además agradará a los fanáticos de los juegos musicales ya que la lista de canciones, aunque corta, es bastante original y entretenida, con estilos musicales que no encuentras en los otros juegos de franquicia. Harmonix logró una atmósfera muy agradable en esta curiosa mezcla, capturando el sentimiento de la estrella de rock con la nostalgia de armar tus bloquecitos.
Killzone y Guerrilla Games vuelven a la carga con todo el armamento pesado y los enemigos de visión roja que, si bien no han revolucionado el género, le han dado una personalidad propia y un merecido lugar entre los mejores FPS. Ahora es el turno de Killzone 3, la segunda entrega para PlayStation 3, que promete una historia más intrincada, mejor multijugador y una experiencia de guerra futurista como nunca antes.
Killzone 3
Lo primero que vas a notar de Killzone 3 es que las misiones son muy variadas y te llevan a ambientes novedosos y elementos futuristas que un FPS sin contexto histórico se puede dar el lujo de presentar y, en este caso, de explotar al máximo. El paquete vacacional en este planeta incluye basureros, montañas nevadas, otro basurero, uno como desierto, bases espaciales, bases enemigas y lo que sea que entiendan por pantano estos malvados Helghast, con todo y fauna incluida.
Las armas nuevas son pocas pero interesantes y sencillas de manejar; por un lado tenemos un jetpack con dos metralletas montadas y por otro, la mera perrona, el moco destructivo, que te dan hasta el final para que no vayas a abusar, el videojuego perdería toda la dificultad con éste armatoste en tus manos desde el inicio.
De hecho la dificultad es muy gradual. Me explico: Al principio de Killzone 3sientes que de cualquier cosa te matan y nunca vas a llegar ni al primer cinema, pero en cuanto le agarras la onda, vas avanzando más y más rápido, hasta hacerte un experto fácilmente porque la curva de aprendizaje es muy sencilla. A pesar de esto, es normal que en escenarios avanzados te sorprendan por varios flancos y ni vas a saber a qué hora “mamaste”, porque esa es la manera Helgast: dejarte sentir seguro permitiéndote matar a medio ejército en diversas locaciones y de repente correr hacía ti cuchillo en mano.
Para complementar las clásicas misiones de disparos en primera persona manejas una buena variedad de vehículos en tu aventura, y por lo general estos mini rail-shooters son las partes más divertidas de tu campaña, porque cuentas con las armas del más alto calibre y grupos de enemigos en despoblado para que te atasques. Entre los enemigos nuevos tenemos a los “corredores”, una suerte de depredadores con cuchillas en ambos brazos que resisten bastantes balazos y prefieren matar de forma más personal. Otra de las novedades es que Killzone 3 es compatible con PS Move, pero no muchos se animarán a intentarlo.
FPS cooperativo local
Al jugar en modo cooperativo de Killzone 3 la campaña suma muchos puntos. Es bueno ver que este modo de pantalla dividida sigue vivo en algunos videojuegos y en este caso lo implementaron de una forma bastante entretenida: cuando te hieren de muerte tienes un lapso en el cual te pueden ayudar, ya sea tu acompañante o el otro soldado que siempre anda detrás de ustedes: Coronel McBabas, el “I can’t reach you”. Este modo cooperativo puede bajar un poco la dificultad, que aún así ya estaba pasteurizada si la comparamos con Killzone 2.
El modo multiplayer de Killzone 3 es robusto y adictivo.
En lo que respecta a la historia, es sencilla y lineal, pero el final es completamente anti climático, y eso es bastante extraño porque si lo detallara en la reseña sonaría como lo más épico de la galaxia desde que hicieron la película live action de Los Pitufos, pero desgraciadamente no es así. Tal vez tenga que ver con la baja dificultad de los últimos niveles o con el hecho de que el subjefe te la hizo un poquito más cardiaca, o tal vez sea porque el cinema del final es de lo mas pedorro y corto que existe, aparte de que ya te lo esperabas desde que compraste el juego y te enteraste que la acción era en el planeta Helghast.
El obtener los trofeos de Killzone 3 también es bastante divertido, porque aparte de los clásicos “mata 100 y no mires a quién” hay logros específicos en las misiones, como destruir todas las naves en el vehículo de nieve o hacer tiempos récord en determinado escenario. Los cinemas, así como la historia, son completamente olvidables, y la actitud ruda de uno de los personajes (Rico) es como si cada vez que alguien hablara con él le jalaran el hilo que tiene en la espalda y respondiera con una de tres frases que creo recordar son “bull”, “shit” y “bullshit”.
Si aún así te preguntas “¿de qué va la trama?”, simplemente es una continuación algo rebuscada de Killzone 2, donde aún sin su líder Visari, los Helghast capturan a algunos de tus soldados y los rescatas de nuevo con Sevchenko, hay una nueva tecnología del moco verde y tras bambalinas una supuesta súper conspiración que amenaza a todos, pero en realidad sólo quieres picarle start y darte de balazos como los meros machines.
La bella y letal Jammer… Debería acompañarte más seguido en lugar de Rico.
¡Papas, Sevchenko!
Los gráficos están a la altura de la élite del género, mejoran bastante sobre Killzone 2 y la variedad de escenarios es de resaltarse, además de soporte para 3D que vale totalmente la pena. Desgraciadamente no se puede decir lo mismo del sonido. Si bien la música y las explosiones son de alto nivel, las voces de los personajes pueden ser cansadas aun en inglés.
Si tienes el atrevimiento de ponerle el doblaje en español prepárate para regresarle a la opción al inglés inmediatamente, porque Sevchenko y compañía hablan como niñas exploradoras: sin sentimiento…Más parece que están platicando por teléfono que en medio de una guerra chingona; eso y que tiene una enorme desincronización entre la voz y el movimiento de los labios. Se agradece el doblaje a español latino pero échenle muchas más ganas.
El componente online de Killzone 3 también mejoró sobre su secuela. Mientras mates y acumules puntos puedes subir de nivel y personalizas a tu soldado para equiparle nuevas armas, mejoras y cambiar de clases según las configuraciones que más te agraden. Están desde los clásicos soldados armados hasta los dientes para salir en la primera fila de combate, hasta asesinos silenciosos con camuflaje invisible para sorprender a la perrada.
Estos tipos se avientan como locos a matarte de cerca.
Cuenta con tres modos de juego: Guerrilla Warfare, que es la clásica batalla por equipos hasta para 16 jugadores; Warzone, que son batallas por equipos pero con objetivos específicos que se turnan como capturar la bandera, asesinar a cierto jugador o desactivar bombas, y soporta hasta 24 jugadores; y Operations, donde los ISA atacan a los Helghast para dominar ciertos objetivos y te muestran a los jugadores más buenazos de la partida. Todo lo necesario para mantenerte jugando por semanas e ir haciendo tu camino a lo alto de los tableros.
Los ocho mapas y los rivales humanos te obligan a jugar bien, pero no necesariamente a ser tan despiadado para ir sumando puntos y subir de nivel, por lo que siempre tienes la sensación de que avanzas y te haces más bueno aunque mates poquitos. Entre las novedades también tenemos que puedes controlar los distintos vehículos del juego en estas modalidades y que también cuenta con modo de campaña online cooperativa por si no tienes amigos en tu colonia.
Como un “pero”, siento a Killzone 3 un poco, o mucho, como copia de Gears of War en primera persona, principalmente por el ataque cuerpo a cuerpo, las misiones de vehículos, la mejora en los ataques a cubierta, la gama de colores secos y otros tantos elementos que, aunque ya se habían presentado en otros videojuegos, se sienten muy familiares en los escenarios donde transcurre este título de Guerrilla Games, no es precisamente malo ni bueno, sólo muy notable.
El multijugador de Killzone 3 le pido poco a otros juegos del género.
El jugar en modo campaña de forma cooperativa es el principal aliciente de este título, pero los gráficos y el sonido de balazos y explosiones son de igual manera impresionantes, algo que no podía fallar si consideramos la competencia en el género. Killzone 3 es una muy buena opción para tu PlayStation 3 aunque no esperes al papá de los videojuegos de disparos en primera persona.
Batman: El Caballero de la Noche Asciende (The Dark Knight Rises) es una de las películas más esperadas de 2012 por lo que Warner Bros. acaba de mostrar un nuevo tráiler promocional, el cual nos da más pistas sobre la trama y lo que acontecerá en la conclusión de la trilogía del encapotado.
En una Ciudad Gótica que ha vivido varios años de bonanza y ha dejado atrás la ola de criminalidad Batman parece es ya una leyenda de un pasado violento. Claro, hasta que aparecen Bane y Catwoman en escena. Es precisamente el alter ego de Catwoman quien advierte a Bruce Wayne de que algo terrible está por suceder.
Igual a muchos aún no les convence del todo la imagen de Bane en Batman: El Caballero de la Noche Asciende, ni el “batitanque” y toda la “batiartillería” que llevará Christopher Nolan en esta tercera cinta, pero es su visión de Batman y al menos en las dos anteriores no le falló a los fanáticos del personaje ni del cine en general..
Batman: El Caballero de la Noche Asciende cuenta con las actuaciones de Chrstian Bale, como Batman; Tom Hardy, dando vida al villano Bane; Anne Hathaway, interpretando a la ladrona Gatúbela (Catwoman); Gary Oldman, como el comisionado Gordon; Morgan Freeman, que repite como el ingeniero Lucius Fox; Cillian Murphy, que vuelve como Jonathan Crane, alias El Espantapájaros, y Michael Caine como el fiel Alfred Pennyworth.
Además el filme cuenta con las actuaciones de Joseph Gordon-Levitt y Marion Cotillard como dos nuevos personajes en la saga: el sargento John Blake y la administradora de WayneCorp Miranda Tate, respectivamente.
Batman: El Caballero de la Noche Asciende, el esperado filme de Warner Bos. y DC Comics se estrenará en las salas de cine nuestro país el 20 de julio del año entrante.
Marvel vs Capcom 3 se convirtió desde su anuncio en uno de los videojuegos de peleas más esperados de todos los tiempos, si no es el que más. ¿Qué tanto cambió en una década? ¿Es el crossover que todos esperaban? ¿Un título obligado en PlayStation 3 y Xbox 360?
Marvel vs Capcom 3
La historia nunca ha sido el fuerte de la saga Marvel vs Capcom, por lo que en Marvel vs Capcom 3sigue siendo casi igual de accesoria que antes, aunque en esta ocasión cada personaje incluye un epílogo cuando terminas el modo de un jugador, el cual es más bien como un chistesito aprovechando la colisión de ambas compañías.
El pretexto de porqué 38 personajes van a romperse la cara en esta ocasión es que el Doctor Doom y Albert Wesker unen sus fuerzas para conquistar los dos universos. Doom reúne a varios de los villanos de Marvel para realizar su plan, que consiste en usar la energía de Galactus a su favor… Claro que quienes conocen a Galactus saben que esta tarea es prácticamente imposible por lo que pronto héroes y villanos de ambos universos pelearán tanto por salvar sus pellejos como por diferentes fines personales.
Here comes a new challenger
Marvel vs Capcom 2 es recordado por muchos como uno de los mejores videojuegos de peleas en 2D, un título que marcó a una generación y que aún ahora se juega con frecuencia de manera competitiva. Actualizarlo para muchos lucía muy difícil, hacerlo mejor, prácticamente imposible. Así que, desgraciadamente, el éxito o fracaso de Marvel vs Capcom 3 tendrá que ser en gran parte comparándolo con su antecesor.
De entrada la cantidad de personajes es menor, sin embargo Capcom se olvidó un poco (o un mucho) de reusar a los personajes que hemos visto en decenas de juegos de peleas para darle cabida a algunos integrantes olvidados de la familia Capcom. Por ejemplo, adiós a Zangief y bienvenido de vuelta Haggar, que aunque con sus claras diferencias mantienen cierto estilo similar de combate. Lo mismo pasó del lado de Marvel, dejando afuera las copias de Wolverine (con garras metálicas o de hueso) y trayendo mejor a un auténtico clon directito de los cómics: X-23.
Si bien la cantidad de guerreros disponibles en Marvel vs Capcom 3 no es tan impresionante como en el capítulo anterior (56), el número de peleadores y su variedad de estilos aseguran que encuentres un equipo a tu gusto e inviertas varias horas en tratar de dominar el videojuego. Adicionalmente, si compraste la edición limitada o los adquieres como contenido descargable, puedes jugar con Shuma Gorath y Jill Valentine.
Deadpool quiere salir en el próximo Street Fighter
Para casuales y hardcore por igual
¿Y el sistema de juego? Marvel vs Capcom 3 sigue la tradición del crossover, con combos largos que tienen casi siempre como finalidad levantar al oponente para seguirle tundiendo en el aire y más tarde rematarlo cuando caiga en el suelo. Escoges tu equipo de tres integrantes, pudiendo alternar entre ellos en el transcurso de la batalla o llamarlos para que entren y le peguen un par de cachetadas al enemigo y alargar tu cadena o poner distancia de por medio.
El esquema de control de se mantiene en cuatro botones de golpe, aunque más simplificado, habiendo tres botones de ataque regular (débil, medio y fuerte) y un cuarto botón que sirve como launcher (el golpe que levanta a tus enemigos) o como una especie de ataque más macizo cuando lo aplicas en el aire o en otras situaciones.
Este cambio pareció un acierto, y aunque ha sido objeto de polémica, la verdad es que simplifica un sistema de juego que necesitaba ser más amistoso: Mavel vs Capcom 2 era un juego de seis botones atrapado en un control de cuatro botones, y para la secuela optaron por hacer que cada botón representara específicamente un nivel de golpe, idéntico a lo que hicieron en Tatsunoko vs Capcom y clásico en las sagas Guilty Gear y BlazBlue.
El esquema de botones fue simplificado, pero el sistema de juego es muy profundo.
El control puede frustrar a quienes esperaban mayor complejidad en la tercera parte, pero la idea de Marvel vs Capcom 3 era también atraer a nuevos jugadores a la franquicia dotando al título de un sistema con la misma profundidad de sus precuelas pero más amigable del lado de quien toma el mando… Y a mi gusto lo lograron, pues a pesar de su superficial sencillez, los más clavados del género encontraran muchas, pero muchísimas maniobras por dominar.
Además de los botones de ataque regular, tienes un botón adicional para cada uno de tus compañeros, apretándolo lo llamas y dejándolo presionado cambias de personaje. El botón de launcher también sirve para alargar tus combos aéreos, y si es apretado junto con alguna dirección de la cruz, lanzarás a tu enemigo hacia ese lado y entrará uno de tus compañeros a seguirle dando de golpes, ésto lo puedes encadenar hasta tres veces. Si eres el que está recibiendo la madrina aérea, lo que puedes hacer es apretar el dichoso botón de launcher más alguna dirección, intentando anticipar hacia dónde te lanzarán, sí lo haces correctamete rompes la jugada y te evitas varios hits y sangre perdida.
Otra de las novedades en Marvel vs Capcom 3 es el X-Factor, un movimiento que te permite durante algunos segundos aumentar dramáticamente la fuerza, velocidad y defensa de tu personaje, además de recuperar energía de manera constante. El poder y duración del X-Factor aumentan conforme menos personajes te queden y para activarlo tienes que apretar los cuatro botones de ataque al mismo tiempo. Este es otro de los apartados “polémicos” del juego, y con justa razón.
Los escenarios son lugares conocidos de los fans de Marvel y Capcom.
A Capcom le ha dado mucho por ponerse del lado de los débiles. En Street Fighter IV presentó el Ultra Combo, un súper poder cuya barra se iba llenando conforme recibías golpes, así que generalmente el que iba perdiendo la llenaba primero y podía darle la vuelta a la tortilla conectándolo. En Marvel vs Capcom 3 introduce el X-Factor, que es aún más manchado, pues con algunos personajes como Hulk y Sentinel el daño que causas es una mentada de madre, pudiendo aniquilar al contrario de un combo sencillo (4-5 hits)… si es tu último personaje tienes quince segundos completos para reventarle la cara a tu rival y no es nada extraño que las peleas se decidan por el que iba perdiendo y usó el X-Factor con un personaje medio mañosón.
Una de las ventajas/desventajas del X-Factor es que debido a que incrementas tu velocidad te da acceso a combinaciones nuevas, algunos del tipo semi infinitas y bastante molestas (para quien los recibe) que se basan en repetir el mismo poder en una esquina, como con X-23. Otro de los usos del X-Factor es que sirve para cancelar cualquier movimiento, pudiendo encadenar hasta dos súper poderes. También sirve defensivamente porque al activarlo tienes un pequeño espacio de tiempo para contraatacar, generalmente con algún poder o súper que tenga cierta propiedad de invencibilidad.
Otros de los movimientos de Marvel vs Capcom 3 son la guardia avanzada, counter con asistente y los clásicos Crossover Hyper Combo donde encadenas los súper poderes de tus personajes uno tras otro. El jefe final del modo Arcade es una cosota enorme que abarca toda la pantalla (Galactus) y contra quien las reglas normales de pelea no se aplican y se reduce en atascarle con todo lo que tengas… Sí, todo muy Marvel vs Capcom.
Algunos villanos regresan, otros hacen su debut en la serie.
Como viñeta de cómic
En gráficos vemos un cambio radical. Era impensable que Capcom usara los gráficos 2D que se dedicó a reciclar durante años, por lo que para Marvel vs Capcom 3 opta, como en Street Fighter IV, por gráficos en 3D pero manteniendo el sistema de juego en dos dimensiones, logrando unos visuales llamativos sin estar al nivel de otros juegos del género. Los personajes tiene animaciones detalladas y curiosas, con algunos trazos tipo cómic aunque con un efecto de textura plástica que resulta muy atractivo en algunos personajes aunque algo raro en otros. Todo esto con tomas dramáticas, decenas de fuentes de luz, explosiones y efectos especiales para realzar los súper poderes lo vuelven un título atractivo no sólo de jugar, sino de ver.
Los personajes también cuentan con trajes alternativos que intentan imitar lo de sus diferentes versiones, por ejemplo Spider-Man tiene el traje de Civil War y el del simbionte. La dirección de arte sí chafea un poco, y para muestra basta ver los retratos de los personajes en la pantalla de selección: quedaron muy feos. Los escenarios no son muchos, pero los que hay tienen algunos cameos y representan fielmente locaciones conocidas tanto de los cómics Marvel como de otros videojuegos de Capcom.
El sonido de Marvel vs Capcom 3 es prácticamente inmejorable. La música presenta temas clásicos y remixes, así como nuevas melodías muy adecuadas para jugar. Las voces podemos elegirlas en inglés y japonés, así como darle más participación al narrador o ahorrarnos sus comentarios de pelea. Todo funciona muy bien en conjunto y hasta se enchina la piel escuchando las voces de viejos conocidos que teníamos rato sin escuchar como Wolverine, Spider-Man o Tron Bonne.
Marvel vs Capcom 3 es una fiesta de destellos, explosiones y efectos especiales.
Las opciones nos presentan lo clásico del género, con modo de historia, entrenamiento, versus, misiones y peleas online, ya sean rankeadas o amistosas. El sistema de juego en línea no es el mejor y presenta algunas fallas en conexión pero mínimas, y si estás en una sala con varios jugadores no puedes ver las batallas de los demás. Lo que sí puede ser cansado es la cantidad de datos que lee el juego cada que sales de una batalla rankeada y regresas al menú principal; tarda varios minutos en actualizarse y buscar no sé qué cosa, lo cual entorpece considerablemente el flujo de juego. Es frustrante porque a veces tarda más en hacer esto que lo que duró tu pelea.
Los extras que incluye Marvel vs Capcom 3 también son los normales, con galerías de imágenes y sonidos, títulos e iconos para tu perfil, cuatro personajes desbloqueables y videos alternativos de introducción (bastante buenos la verdad, aunque los hayamos visto mil veces en los promos de Capcom). Si quieres sacarlo todo pasarás un muy buen rato peleando.
Marvel vs Capcom 2, una década después
Si todo luce muy en la vena de Marvel vs Capcom, ¿entonces por qué ha recibido tantas críticas de varios usuarios Marvel vs Capcom 3? Como mencioné antes, la principal queja ha sido el sistema de juego simplificado. Pareciera que a muchos fans de hueso colorado no les agradó la idea de que su videojuego favorito se volviera más “amistoso” y lo etiquetan de “demasiado casual”. La idea de Capcom era en parte hacerlo atractivo para quienes no juegan tanto, pero no sólo eso, sino que aquellos no familiarizados con la saga o el género de peleas encuentren un sistema de juego accesible para dar batalla. Y creo que ese es el disgusto real.
Creéme, Spencer será de tus personajes favoritos.
Marvel vs Capcom 2 era un juego con decenas de bugs, errores y combos infinitos… No arruinaban la diversión, pero la mayoría de ellos sólo era explotables para quienes de verdad dominaban el título. Sacar uno de esos aburridos y repetitivos combos de 99 golpes que drenaban toda tu sangre podía tomarte meses en dominar… ¿y ahora? Ahora cualquiera puede marcar un buen combo y dominar el sistema de juego. La competencia aumenta y es fácil engancharse con el título aunque no tengas mucha experiencia con los anteriores.
Esto no quiere decir que Marvel vs Capcom 3 tenga un sistema de juego de botonazo como muchos argumentan. Realizar las mejores jugadas con cada uno de los peleadores sí toma mucha práctica y marca la diferencia entre los verdaderos dedicados y los casuales. Aquellos que le ponga más horas de práctica se encontrarán con un sistema de juego muy profundo que permite combinaciones rebotando a tu enemigo en el suelo, las paredes, cambiando de personaje, encadenando súper poderes y exprimiendo hasta la última gota los movimientos.
Es cierto, tiene detalles y errores, algunos combos infinitos y un desequilibrio palpable en el roster de personajes, pero es algo que existía desde Marvel vs Capcom 2 y que, aunque sigue presente, se mejoró muchísimo… al menos hay parches para ir corrigiendo estas fallas.
A algunos personajes les sienta muy bien el estilo gráfico.
Otro de los pretextos usados para menospreciarlo ha sido la cantidad de personajes. Todos sabemos que es menor, pero también sabíamos que era imposible que fuera tan amplia. Capcom ya no podía usar personajes reciclados y tenía que crear todo cero. La cantidad (38) es amplia y hay personajes para todos los gustos, algunos muy sencillos de usar, variados y rápidos como Dante, y otros que requieren más tiempo para ser dominados pero que ofrecen algunas ventajas como rematar a tu rival en el suelo varias veces, como She-Hulk y Spencer. El número de personajes puede ser menor pero los estilos de batalla son más variados y menos repetitivos.
Marvel vs Capcom 3 mejora cada renglón y aspecto de sus precuelas. El esquema de control no minimiza la profundidad del gameplay, y con tantos personajes a escoger tenemos un peleador para muy buen rato. Si bien hay errores que deben corregir, ninguno de ellos es grave; tampoco es que esperábamos el videojuego con el equilibrio perfecto, porque de ser así, le estábamos rezando al santo equivocado. Marvel vs Capcom 3 es lo que ha siempre ha sido la franquicia: peleas frenéticas, poderes lucidos, montones de personajes, brincos de dos pantallas, efectos especiales, combos manchados y diversión.
¿Tienes ganas de una “road movie” con mensaje positivo? Midnight Nation es lo que buscas, sin embargo la serie de doce tomos puede parecerte poco interesante durante los primeros dos números. Al principio pinta para ser una trama común de asesinatos y detectives, nada nuevo, pero en cuanto agarra velocidad la historia te picas y ya no puedes dejar de leer un cómic que involucra acción, temas ocultos, piernas largas y la búsqueda de un sujeto por su alma.
Midnight Nation
De Top Cow e Image, el escritor Joseph Michael Straczynski y el dibujante Gary Frank transforman una trama aparentemente insulsa en una trama que raya en la exageración de todos sus elementos. En Midnight Nation el detective David Gray busca a un homicida de indigentes y pequeños distribuidores de droga en Los Ángeles, pero cuando por fin cree dar con el culpable se encuentra con un grupo de asesinos muy poco comunes. Una especie de humanos con marcas negras al estilo de tatuajes en la cara y el cuerpo, pelones y un color de piel verde que no parece muy sano.
Con un último esfuerzo logra matar a la persona que dirige a esta bola de calvos caníbales que por momentos incluso lucen como transparentes e intangibles, pero ellos a su vez logran matarlo… O algo parecido. Cuando nuestro protagonista despierta tiempo después en el hospital se da cuenta que se encuentra vivo, pero todas las personas a su alrededor parecen ignorarlo, como si no notaran su presencia, de hecho se ven tan intangibles como él veía a sus atacantes unos días atrás.
Una sexy chica (el punto fuerte de los dibujos de Gary Frank, a mi parecer) llamada Laurel aparece en escena. Laurel puede ver a David y el detective a su vez la visualiza sin esa extraña sensación de transparencia. Laurel es la única que comprende lo que sucede y decide guiarlo por el nuevo mundo al que ya pertenece, el de “los olvidados”: todos aquellos que por alguna razón se pierden en la soledad y empiezan a ser ignorados hasta el punto de volverse invisibles para el resto. Un mundo para los indigentes, los vagabundos, los niños abandonados, aquellos que nunca tienen un espacio en la sociedad y cuyo lugar se encuentran justo en el estrecho que existe entre nuestra realidad y la de los muertos.
La jovencita le explica que fue atacado por el grupo conocido como The Men, o sea, los pelones caníbales. El líder del grupo le robó su alma y ahora le queda un año para recuperarla o convertirse en otro pelón caníbal más. Para ello tendrá que emprender un largo camino desde Los Ángeles hasta Nueva York por su propio pie, debido a que en este mundo de “los olvidados” existen reglas muy especiales y una de ellas es que no pueden usar nada del mundo normal, nada que funcione, nada que sea nuevo, los únicos objetos con lo que pueden interactuar son aquellos que también han sido olvidados o desechados.
Es un peregrinaje que Laurel no guía por primera vez, pero del que hasta a la fecha nadie ha sido capaz de salir triunfante, una premisa que de inmediato llama la atención en Midnight Nation y que se volverá el principal motivo por el que te encontrarás pasando página tras página.
David Gray y Laurel.
Un viaje con referencias conocidas
Durante su viaje, David Gray se da cuenta que sólo puede ver e interactuar con “los olvidados”, nadie más lo percibe y nadie más lo escucha. Entre ellos se encuentra a un viejo loco llamado Lázaro, “Laz” para los cuates. Nadie sabe mucho de él excepto que le encanta beber, comer y fumar. Su relato lo ubica como el primer “olvidado” de la historia cuando su familia lo da por muerto y milagrosamente alguien le devuelve a la vida. Familiares y amigos estuvieron encantados con su retorno, pero no todos, algunos buscaban matar a “Laz”, pero él siempre contó (y cuenta) con una protección especial.
Sorprendido por su nueva vida, Lázaro no sabía qué hacer con ella así que fue con su milagroso benefactor a preguntarle qué procedía. Él respondió que aguardara su regreso… Parecía adecuado, “¿qué tanto podía tardar”, se preguntó Lázaro, “al final de cuentas sólo iba a una cena con sus allegados”.
La espera se volvió una noche, la noche una semana, la semana un año y el año un tiempo incontable. Ahora Lázaro cada día se asoma hacia el horizonte en busca de algo, que muchos intuyen es la muerte. Él se vuelve otro acompañante de David Gray en Midnight Nation y le ayuda en varios momentos durante el cómic.
“Laz” es uno de los personajes más entrañables de Midnight Nation.
Laurel, como parte del protocolo del viaje en Midnight Nation, le pregunta a David si desea que lo mate mientras aún está consciente de sus decisiones y no se ha transformado en un pelón más. Pero no es la única que contacta a David. También, como parte del ritual, el líder de The Men tiene su oportunidad dos veces de hablar con el detective y explicarle su punto de vista, un hombre que parece sincero y que le dice que ha sido engañado desde el comienzo, como toda la humanidad fue timada desde el principio de los tiempos.
Como algunos seguramente ya intuyeron, de Midnight Nation está plagado de referencias religiosas, pero éstas nunca se mencionan explícitamente, lo cual es una muy buena decisión, ya que le da cierto aire de misterio, suspenso y a la vez de libertad de interpretación.
Joseph Michael Straczynski (conocidopor escribir los episodios de Babylon-5 para televisión) hace un acercamiento muy original a los dogmas religiosos no hablando de la muerte y planos etéreos, sino del rechazo de los humanos para con sus similares. El cómic intercala muy bien los textos y la acción, y en general están muy bien equilibrados. En cada número se le presenta al lector una nueva encrucijada que te deja con esa sensación de “continuará” tipo telenovela y eso te invita a leerlos todos en una sentada.
Las connotaciones religiosas empiezan a brincar hacia la segunda mitad del cómic.
Por su parte, Gary Frank realiza un excelente trabajo con los trazos, muy al estilo de Jim Lee, figuras bien definidas y mujeres sensuales de piernas largas y tangas que se salen. Las expresiones de los personajes son muy detalladas y contribuyen a afirmar la atmósfera de que algo muy cabrón está sucediendo en el mundo de Midnight Nation.
Los doce tomos del cómic han sido recopilados en una novela gráfica estilo trade paper back y otra versión de tapa dura, ésta última publicada también en español por Editorial Norma. Midnight Nation cuenta también con un pequeño one-shot patrocinado por la revista Wizard llamado Precious Objects (#½).
La historia se ubica en algún momento durante la primera mitad del viaje de David Gray, mientras nuestros personajes llegan a la casa de un viejito bonachón con pinta de Santa Claus que defiende todas las ideas que el mundo no alcanzó a concebir. Poemas, ecuaciones, novelas y hasta canciones de John Lennon que no vieron la luz del día están ahí. Su misión es protegerlas de un feroz ataque de The Men.
Con un detective como protagonista no podían faltar los sombrerazos.
Midnight Nation es un viaje que se vuelve más extraña conforme avanza y a la vez más conocido. La trama del cómic sorprende con cada nuevo número y aunque quizá para algunos el final no cierre con la fuerza esperada, no deja de ser bueno. El dibujo es atractivo y los rollazos al final del trayecto te recordarán mucho a la película de El Abogado del Diablo, pero sin duda son interesantes y mantendrán tu atención si te gustan las tramas complejas con bastantes alusiones religiosas. La espada de fuego, lo mejor sin duda.
El parkour es una práctica que se ha popularizado en los últimos años, correr por ahí evitando obstáculos suena bien para ejercitar el cuerpo pero, ¿llevarlo a un videojuego en primera persona, añadiéndole armas y una historia? ¿Mirror’s Edge podría aterrizar la idea de manera convincente en un mercado tan competitivo en PlayStation 3, Xbox 360 y PC?
DICE, el estudio de Elecronic Arts responsable de importantes franquicias como Battlefield, se arriesgó bastante en esta ocasión mezclando elementos poco usuales en un género sobre explotado como los FPS y el resultado fue la creación de Mirror’s Edge, un videojuego en primera persona donde se toma el papel de una chica llamada Faith, cuyo principal objetivo es cruzar un nivel lleno de obstáculos y enemigos en una vista que ya todos conocemos en los títulos en primera persona pero que nunca había recibido un acercamiento con este estilo.
Mirror’s Edge
Ya sea brincando de edificio a edificio, caminando por paredes, saltando bardas, deslizándote por andamios y escaleras, andando por tubos o arrastrándote por ductos de ventilación entre otras trabas y combinaciones de las mismas, tu misión en Mirror’s Edge es finalmente siempre ir de punto “A” a punto “B”.
Aparte de los obstáculos del escenario, también tendrás que cuidarte de algunos guardias que vigilan la zona o bien evitar que te vean para no ser descubierto. Puedes escoger entre enfrentar o no a los enemigos que aparecen, quitarles sus armas o simplemente huir. Los niveles son supuestamente como un sandbox (ve a donde quieras) pero la realidad es que una vez encarrilado en la misión te das cuenta que el mundo libre es más bien bastante limitado.
Faith Connors, no hay vuelta atrás
Faith Connors es la protagonista de Mirror’s Edge, tiene 24 años y vive en una ciudad sin especificar, donde un régimen totalitario se ha apoderado de la región desde hace 18 años en una serie de eventos conocidos como Alborotos de Noviembre. Hay una excesiva vigilancia de la Policía y las fuerzas de seguridad del gobierno, quienes rastrean y supervisan todas las formas de comunicación electrónica. ¿Cuál es tu misión? Recuperar la ciudad a toda costa y devolver el gobierno al pueblo oprimido, para ello la comunicación es vital.
Es aquí donde entra la mecánica de juego: ya que las vías de comunicación están vigiladas y los envíos de mercancía controlados, tu labor consiste en llevar mensajes y paquetes personalmente. Para ello Faith se vale de sus habilidades de parkour y forma parte de una red de comunicadores llamados “runners” (corredores).
La mayoría del tiempo preferirás evadir el combate…
La joven tendrá que completar diferentes objetivos junto a un equipo de rebeldes que le va ofreciendo su apoyo paso a paso. Entre sus colegas más destacados está Mercury, quien le brinda información por radio, y Celeste, quien le ayuda a reponer condición y salud después de una lesión. Pero no son los únicos, Faith interactuará con más mensajeros y personajes de las distintas facciones, incluyendo a Kate, la hermana gemela de la protagonista de Mirror’s Edge.
El videojuego cuenta con un modo de historia dividido en ocho capítulos, además de un prólogo donde se explica la historia y un tutorial en el que se muestra al jugador los controles necesarios para poder avanzar. Es interesante el poder utilizar la función Sixaxis del mando del PlayStation 3 para realizar algunos movimientos básicos como desarmar a los enemigos o mantener el equilibrio al caminar por tubos angostos, aunque si resulta difícil para ti (que resultará, creéme), bien puedes deshabilitar la función y usar un esquema tradicional de control justo como la versión de Xbox 360 y PC. Otro modo es una opción contrarreloj donde se pueden mejorar tiempos y subir tus récords a Internet.
¿Innovación sobre tedio?
Las gráficas no son tan impactantes como uno pudiera pensar por las imágenes del arte, pero la gama de colores y el estilo visual son por demás atractivos, destacando los efectos de profundidad y la sensación de vértigo que están muy bien logrados y le dan un buen plus a un título que se vuelve muy repetitivo en pocos horas sumado a su historia demasiado acartonada. Realmente cuesta trabajo engancharse.
El vértigo y el estilo de arte, lo mejor del videojuego.
Los controles más que precisos, pecan de torpes.
Los escenarios no son tan grandes como aparentan.
Los encuentros con los enemigos son generalmente aburridos, evitarlos se volverá algo bastante común ya que DICE parece que invirtió más tiempo en idear mecánicas para pasar desapercibido y no tanto en crear un sistema de batalla sólido y efectivo. La inclusión del Tiempo de Reacción (nada más que un bullet time pero con otro nombre), que se puede utilizar en cualquier momento sin restricciones, rompe con la monotonía de Mirror’s Edge y facilita acciones complicadas como el desarme y algunos saltos, pero no contribuye a esa sensación de logro que parece que nunca llega cuando completas tus objetivos.
El sonido y las voces están en lo acostumbrado por Electronic Arts, o sea, de buen nivel aunque el doblaje tiene algunas actuaciones no tan convincentes. La música es buena e incluye temas vocales, por lo que EA también usó el soundtrack del juego (titulado Still Alive: The Remixes) como método promocional. Además se publicó un cómic en asociación con Wildstorm y DC Comics.
El 19 de febrero de 2009 se puso en línea un paquete adicional con niveles extra para el modo contrarreloj. En septiembre de 2010, EA lanzó finalmente la adaptación de Mirror’s Edge para iPhone, iPod Touch y iPad, aunque siendo honestos no son muy divertidos que digamos y es mejor no profundizar en ellos. Si los de consolas y PC son tediosos, las versiones para móviles son infumables.
No hay mucha libertad de qué hacer o hacia donde ir, siempre alguien te lo dice.
Sólo si lo hallas en el botadero
Mirror’s Edge falla totalmente al intentar impactar en el mercado y luce como un videojuego pretencioso pero poco efectivo. Aunque su estilo visual y el concepto son atractivos, la historia es aburrida y el sistema de juego limitado. Un gameplay interesante con un conjunto de ideas mal desarrolladas, siempre te queda la sensación de que esperabas algo más. Sin embargo, su accesible precio lo puede convertir en una buena compra si no buscas un juego largo y sólido, sino una experiencia innovadora más allá del resultado final. Pero cuidado, la experiencia del parkour virtual sólo es gratificante los primeros minutos, no es como que terminando de jugar quieras salir a brincar lo que se te ponga enfrente.
Después de una chafienta pelea callejera en la quinta entrega de la saga, Sylvester Stallone regresa como actor estelar y director con Rocky Balboa a intentar emular la dinámica de la cuarta cinta junto con el drama y la narrativa que llevaron a ganar tres premios Oscar al boxeador favorito de Hollywood en su primera aparición, en una película que sirve como despedida de esta popular saga.
Primer round. Rocky Balboa no es una película de boxeo y nada más, sino que regresa a las raíces de lo que fue originalmente Rocky: una historia de fuerza de voluntad, valor y determinación. Es cierto, hay ambiente de boxeo de por medio y la clásica pelea al final, pero eso es todo el box que vas a encontrar aquí, la cinta más bien usa una fuerte carga sentimental y nostálgica, donde nuevamente la adversidad se presenta en la vida del “Italian Stallion” y tendrá que salir adelante gracias a su tesón, espíritu ganador y la ayuda de sus amigos. 🙂
Rocky Balboa
La historia en Rocky Balboa comienza haciendo referencia a la muerte de Adrian, la esposa de Rocky, y nos sitúa algunos años después de dicho suceso. El ex boxeador parece que ha sabido manejarse un poco mejor económicamente a como lo vimos en Rocky V y ahora es dueño y anfitrión de un restaurante de medio lujo al cual bautizó con el nombre de su esposa y lo decora con recuerdos y anécdotas de sus viejos éxitos.
https://www.youtube.com/watch?v=yUYTO23TGMI
Es en este ambiente ambiguo de nostalgia y satisfacción que Rocky descubre que parte su vida pasada ha muerto junto con Adrian, pero igualmente está deseoso de recuperar un poco de aquello que lo llenó de gloria durante varios años: subirse al cuadrilátero, nada grande en realidad, peleas locales y menores, más para mantener el espíritu que el cuerpo en forma.
Moses “The Line” Dixon
Segundo round: En la otra esquina tenemos a Moses “The Line” Dixon (interpretado por el boxeador y ex campeón mundial en la vida real, Antonio Tarver), un súper peleador que nunca ha enfrentado mayor problema en el encordado: noquea rápido y fácil a todo lo que tenga enfrente. Dotado de una gran fuerza, velocidad y técnica, podría ser considerado una versión opuesta al ponchador Rocky, pero igualmente 100 por ciento efectivo; actual campeón, indiscutido, invencible e inmaculado.
Los caminos del nuevo y el antiguo campeón comienzan a cruzarse cuando un panel de expertos deportivos debate sobre un enfrentamiento ficticio entre ambos púgiles, con opiniones divididas aunque con el cariño por Rocky Balboa por delante, ante un Dixon de técnica depurada pero con poco carisma. Todo se decide con combate virutal recreado por computadora.
Rocky y Stallone han madurado, y eso se nota en esta película.
La pelea generada por computadora es usada como pretexto para que los managers de Dixon intenten acomodar un choque de exhibición contra Rocky Balboa ahora que el ex campeón mundial desea regresar al ring; dicha recreación había despertado cierta curiosidad en la fanaticada y ellos le pondrían punto final y real.
Pero la historia no llega tan fácilmente a su desenlace; antes de subir al ring, Rocky tendrá que subir a los estrados para pedir que renueven su licencia de boxeador, tarea nada fácil para un hombre de su edad. También tenemos a Robert Balboa, (Milo Ventimiglia), quien parece no decidirse entre admirar a su padre o tenerle cierto grado de lástima. Rocky es atacado por la prensa y parece que su hijo tampoco está de acuerdo cuando este guerrero del cuadrilátero intenta recuperar algo de su ayer.
Todo campeón tiene un último round
¿Y la pelea final? Todos queríamos ver esta sexta entrega por los últimos minutos, son los que deben valer la pena… Aunque la historia de Rocky Balboa es interesante por sí misma, no tendría ningún sentido sin una batalla épica hacia el final de la función, y el combate no decepciona. Ciertamente no es la batalla con ritmo musical como en Rocky IV, ni la crudeza de Rocky II. Rocky Balboa nos presenta un estilo más realista, que se nota no sólo en la coreografía sino en las presentaciones como en la televisión por parte de HBO, con Joe Cortez como réferi y Michael Buffer como presentador. A los fanáticos del puglismo se les pondrá el cuero de gallina.
No podía faltar la secuencia musicalizada de entrenamiento.
¿Stallone puede boxear y dramatizar las escenas con 60 años encima? Sorprendentemente sí, aunque veremos recursos bastante vistosos como stop shots, tomas en grises, cámara lenta y otros que aparte de dramatizar el combate ayudan a maquillar lo que de otra forma hubiera sido imposible.
Pero todo encaja perfectamente, la magia del cine nos hará fruncir la cara con el excelente sonido logrado que incluye las voces de aliento, el cacareo del público, los zumbidos tras recibir un golpe en la cabeza y el crujir de huesos, músculos y guantes; la vista se nubla, la sangre recorre las mejillas y cada boxeador escudriña a su rival mientras está sentado en su esquina en el descanso entre round y round, imágenes que te ayudan a adentrarte en la pelea de una manera distinta a lo que Rocky nos había mostrado, hasta cierto punto, más íntimo.
La música, como en cualquier película de Rocky, es emotiva y para recordarse, aunque su compositor Bill Conti no fue tan aventurado y básicamente reusó y volvió a mezclar antiguos temas de la saga, como de “Going the distance” y “Conquest”, temas de los enfrentamientos finales de Rocky y Rocky II, respectivamente. Y claro, éste no sólo es el adiós de la leyenda, también el adiós (y regreso) de algunos de sus fieles colaboradores como su cuñado Paulie (Burt Young) y el entrenador de Apollo Creed, Duke (Tony Burton).
La pelea final es una coreografía más íntima y realista.
Digna despedida a la leyenda del box de autocinema
Tercer round: Hay que decirlo, Rocky Balboa no es un nocaut en la industria del cine, pero es una muy buena secuela y un digno final para la leyenda del box de cinema. Una película poco pretenciosa, con una trama simple y directa, actuaciones acordes pese a algunos personajes que sobran, con lo que tal vez sea la mejor dramatización de una pelea de box en la pantalla grande y con un gran, gran mensaje que perdura hoy en redes sociales como un eterno discurso motivacional. Un filme que pide a golpes un lugar privilegiado en tu colección.
