Autor: Arved Alcántara

  • Misión Imposible: Protocolo Fantasma

    Misión Imposible: Protocolo Fantasma

    Si hay una saga en cine que película tras película intenta derrochar escenas de acción y subir tu adrenalina al máximo, ésa es Misión Imposible. Cada nueva entrega tiene más disparos y persecuciones que la anterior y Misión Imposible: Protocolo Fantasma prometía superar a las precuelas. Y ahora también en Blu-ray.

    Misión Imposible: Protocolo Fantasma | Crítica

    Tom Cruise vuelve a interpretar a Ethan Hunt, el protagonista de la saga Misión Imposible. Si tu primera pregunta es algo como “¿Tom Cruise aún puede interpretar este tipo de papeles cargados de derroche físico y explosiones?”, respìra tranquilo, parece que con cada nueva entrega, Ethan Hunt lleva sus capacidades a nuevos límites y Misión Imposible: Protocolo Fantasma no es la excepción.

    La primera secuencia muestra al agente Hanaway de la IMF intentando escapar con unos documentos de un grupo de empistolados perseguidores; varios disparos y maromas después, el agente es muerto por una rubia asesina, quien huye con el maletín, empezando así la maraña de intrigas y espionaje.

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    Para Protocolo Fantasma, Ethan Hunt será acompañado de la agente Jane Carter (Paula Patton) y el agente Benji Dunn (Simon Peggs), quienes antes deben “reclutarlo” de una cárcel a donde fue confinado por una razón sin definir. Ethan dirige a este equipo para identificar al posible comprador del maletín que le fue arrebatado al agente Hanaway y para ello se infiltrarán al mismísimo Kremlin, en Rusia, para obtener los archivos del principal sospechoso.

    Para su mala fortuna, durante su misión el Kremlin es bombardeado, Rusia culpa a los agentes de la IMF y lo asume como una provocación de guerra por parte de Estados Unidos de América. El presidente norteamericano no tiene otra opción que desbandar a la IMF, por lo que activa el Protocolo Fantasma, mediante el cual el equipo es disuelto y los agentes quedan sin apoyo de su gobierno.

    Reseña de Misión Imposible: Protocolo Fantasma, cine y Blu-ray
    Los agentes Jane Carter y Ethan Hunt

    Ethan Hunt y el Protocolo Fantasma

    Tu misión, si decides aceptarla, es seguir durante 133 minutos las peripecias del agente Ethan Hunt y el grupo de agentes renegados en su búsqueda por esclarecer el caso, limpiar sus nombres y capturar a los verdaderos culpables. Una misión que, puedo adelantar, vale totalmente la pena para los amantes del cine de acción y las secuencias policiacas. Y es que desde el primer minuto de la película sabes que su director, Brad Bird, no se va a andar por las ramas. Si tú entraste a la sala de cine para ver acción, acción es lo que verás en uno de cada tres minutos de la cuarta entrega de Misión Imposible.

    Creéme, la palabra “Imposible” no está de adorno en el nombre de esta película. Protocolo Fantasma ofrece al espectador varias de las escenas de acción más trepidantes que hayas visto en la pantalla grande (o en la de tu casa), con persecuciones en medio de una tormenta de arena, infiltraciones imposibles, carros que vuelan en pedazos, tecnología de quien sabe qué futuro y las increíbles escenas cuando Ethan Hunt tiene que escalar el Burj Khalifa, el edificio más alto del mundo.

    La producción en este aspecto está increíblemente realizada, al grado de que la secuencia de la torre realmente te llena incluso de una sensación de vértigo y ansiedad. Esta escena seguro se volverá la nueva secuencia icónica de la franquicia, superando a aquella donde Ethan Hunt se quedaba suspendido a pocos centímetros del suelo en la primera película de Misión Imposible (1996).

    Reseña de Misión Imposible: Protocolo Fantasma, cine y Blu-ray
    Tom Cruise realiza todas sus escenas de acción

    La clásica película de acción

    Aquí se nota la gran influencia de Brad Bird, pues es un experimentado director de filmes de animación, como Los Increíbles y Ratatouille, y se nota su atinado manejo del espacio visual, las bromas y los momentos clave. Es cierto, algunas secuencias y gadgets te sacarán la expresión de “no mames” porque realmente se ven fuera de toda proporción medianamente realista, pero nunca deja de ser una película entretenida y con una producción cuidada hasta el último detalle.

    Lo que no encaja en la misma proporción es la historia, que suele ser accesoria en esta clase de cintas, pero que en Misión Imposible: Protocolo Fantasma avanza a un paso tan fragmentado que la narrativa prácticamente avanza a cuentagotas.

    Esto puede tener un lado bueno y uno malo. El bueno es que la historia en realidad no es tan atractiva y hasta se podría decir que es una copia de otras chorromil películas, así que el espectador concentra toda su atención en cómo se resuelve el problema que está viendo en ese momento y no piensa a futuro o en cómo terminará la película.

    Reseña de Misión Imposible: Protocolo Fantasma, cine y Blu-ray
    Hecho: la historia de Protocolo Fantasma es lo menos interesante de la película

    El lado malo es que si eres muy exigente con la trama pues… te adelanto que no es muy original, no es muy buena y parece como tipo videojuego viejito: cada nivel te enteras un pedacito de la historia y que no altera gran cosa el rumbo de Protocolo Fantasma. Cada 30 minutos es un nuevo nivel, con una forma de resolverse y que apenas te encamina hacia otra parte de la historia… y agárrate, porque la trama tiene que ver con misiles nucleares y un intento por que se enfrenten Rusia contra Estados Unidos.

    Otro punto bajo es que la mayoría de problemas que enfrentan los agentes son más bien consecuencia de la poca ayuda que reciben, que por un villano inteligente, meticuloso y preparado. La sensación de que falta un antagonista más fino queda flotando durante gran parte de la película… es un mafioso bastante simplón y sin chiste, a decir verdad.

    Pese a la historia plana, los personajes están muy bien interpretados y llegan a caerte bien… menos la agente Carter que si yo fuera el jefe de la IMF la hubiera despedido a los cinco minutos de haber comenzado el filme. Su papel es muy sin chiste, muestra pocas emociones para ser el personaje que más debiera mostrarlas y al final te vale un pepino si la matan o sólo la hacen pedacitos los malos.

    Reseña de Misión Imposible: Protocolo Fantasma, cine y Blu-ray
    Los villanos son bastante mediocres

    El resto de los actores realiza una labor entre buena y muy destacada, aderezada con algunas bromas en los momentos justos, que bajan un poco la tensión y te hacen ver que a pesar de que andan colgando a 130 pisos de altura, los agentes son personas que igual ríen, sufren y patalean cuando no les salen las cosas. Una mención honorífica para Tom Cruise, quien no sólo realiza al mejor Ethan Hunt de la saga, sino al más intrépido, al ser él mismo quien pone su vida en riesgo en las escenas del Burj Khalifa: cero dobles, puro profesionalismo.

    Para cerrar la crítica de Misión Imposible: Protocolo Fantasma, hay que decir lo justo: ésta es la mejor película en su género del año… y de muchos años. Cierto que la historia no es original ni tan interesante, pero lo que guía cada minuto de este filme son sus increíbles secuencias de acción,  un espectáculo como pocos en el cine. Misión Imposible: Protocolo Fantasma es la mejor entrega en la saga de Misión Imposible: una cinta 100 por ciento palomera, pero también 100 por ciento entretenida.

  • El Secreto de la Sirenita | Crítica

    El Secreto de la Sirenita | Crítica

    El 19 de julio de 2008 se estrenó en todo Japón Gake no ue no Ponyo (Ponyo on the Cliff by the Sea), y tras sólo un día de estarse exhibiendo causó el llamado “efecto Ponyo” en aquel país: todo mundo tarareaba la canción de los créditos y citaba frases de la novena película animada de Hayao Miyazaki. En México llegaría tiempo después bajo el rebuscado nombre de El Secreto de la Sirenita.

    El Secreto de la Sirenita

    Lo más llamativo de Ponyo on the Cliff by the Sea es quizá que todo el trabajo de ilustración fue hecho a mano, es decir, no se usaron CG para nada, y es muy notable durante toda la película. Además, siendo una obra original de Hayao Miyazaki, tenía el éxito asegurado aún antes de que comenzara a ser exhibida al público en general, en un país que tiene el anime casi como cultura representativa y en el afamado director a uno de sus mejores exponentes.

    Ponyo es una especie de pez dorado creado por el hechicero de los mares Fujimoto. Usando extraños elíxires de colores, Fujimoto crea distintos peces peculiares con ayuda de su poder, esperando regresar la gloria de las especies marinas a la faz de la Tierra. Sobra decir que Fujimoto odia a los humanos por toda la contaminación que producen y tiran al mar, aunque él mismo reconoce que fue uno de ellos hace mucho tiempo.

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    El caso es que Ponyo se escapa de la casa submarina del mago montada en una medusa, y por azares del destino (un barco que recoge basura) termina en la orilla de un peñasco con medio cuerpo atrapado en una botella de vidrio. Ponyo es salvada por Sousuke (Soske en las versiones doblada y subtitulada al español latino), un niño de cinco años que vive en la casa en la parte más alta del peñasco.

    Soske decide adoptarla, la mete en una cubeta, la lleva a la guardería a donde asiste y ahí comienza la aventura: Fujimoto quiere recuperar a Ponyo para evitar un “desastre”, mientras que Soske promete cuidarla y protegerla… Lo que nadie tomó en cuenta es que cuando Ponyo fue rescatada por Soske, él se cortó un dedo, y Ponyo lamió su herida y probó de su sangre. Esto causará un cambio en Ponyo, uno que Fujimoto no tenía planeado y que parece complicar (para él) todo.

    Reseña de El Secreto de la Sirenita, película de anime
    “¡Ponyo, Ponyo es un pequeño pez…!”

    Ponyo on the Cliff by the Sea

    En cuanto a la historia, Ponyo on the Cliff by the Sea puede ser remotamente comparada con el cuento de La Sirenita de Hans Christian Andersen, pero sólo en la idea principal de la trama: Un pez dorado que se quiere hacer humano después de conocer a un humano. Sin embargo, la historia de Ponyo es diferente, menos complicada y mucho más alegre. En pocas palabras, es una película de anime simple, directa y entretenida.

    Si hay algo que criticar es quizá la explicación un tanto superficial que dan sobre lo que ocurrirá en el mundo si no se decide el futuro de Ponyo, ya que nunca sabes muy bien qué va a pasar y sientes que finalmente es lo que deseaba el mago y, en lo personal, lo poco que mencionan sobre el pasado del mismo Fujimoto.

    Crítica de El Secreto de la Sirenita, película de anime
    Fujimoto encierra a Ponyo en una burbuja para que no ande de caraja

    En cuanto a la producción de El Secreto de la Sirenita, se nota un aumento de la calidad en la animación, especialmente si la comparamos con la obra anterior de Ghibli: Ged Senki, la adaptación de los libros de Terramar que hizo el hijo de Hayao, Goro Miyazaki.

    Con todo, a Hayao Miyazaki le costó mucho trabajo idear y conceptualizar a Ponyo: él mismo explica que ya está viejo y que las ideas no le fluyen como antes. Muchos rumoran que ésta puede ser su última película y de momento no ha anunciado nuevas cintas animadas.

    De lo más llamativo de El Secreto de la Sirenita es sin duda el diseño de fondos y personajes, si bien los personajes se mantienen en ese estilo de animación tan peculiar de Ghibli, los fondos tienen un trabajo especial, como dibujados con crayolas y lápices de colores que asemejan en ocasiones a un libro de iluminar para niños. Sólo los objetos con los que interactúan los personajes tienen un color que resalta, y aunque en teoría puede sonar como una mezcla muy chocante, uno se sorprende de lo natural que se ve y el increíble efecto que logra en la narrativa de Ponyo on the Cliff by the Sea.

    Reseña de El Secreto de la Sirenita, película de anime
    La animación está realizada totalmente a mano

    Por si fuera poco, todo en esta película parece cobrar vida por sí mismo y tiene montones de detalles que cuesta trabajo creer que se hayan realizado en un anime hecho 100 por ciento con trazos a mano. Los personajes de soporte también son increíblemente divertidos y detallados, todos parecen entrar, hablar e interactuar en el momento justo, no sólo para hacer crecer el mundo de Ponyo, sino porque realmente aportan algo al largometraje.

    Sobra decir que Hayao Miyazaki es un genio en trasladar la personalidad y los gestos de niños pequeños a una película animada. Soske y Ponyo tienen magia por sí mismos más allá de la historia que presentan y es imposible no sonreír con sólo verlos. Eso sí, recomendable verla con su doblaje original pues el doblaje al español, aunque bueno, no alcanza lo bien realizado de las voces en japonés.

    Reseña de El Secreto de la Sirenita, película de anime
    Ponyo es una de las mejores películas de Studio Ghibli

    En el apartado musicial, el tema principal de la Ponyo on the Cliff by the Sea es tan, pero tan pegajoso, que era realmente poca la gente que no lo conoció y cantó en Japón, desde niños hasta ancianos. Entre los intérpretes de la canción está Nozomi Oohashi, una niña de ocho años, y no es tanto de sorprenderse, ya que los actores de voz de Ponyo y de Soske tienen también la misma edad. En español la canción también es muy pegajosa y aparece en los créditos finales, que por cierto, son los créditos más cortos que he visto en mi vida.

    El resto de composiciones no desmerece, con la interpretación musical del tema principal sirviendo como fondo en varias partes de El Secreto de la Sirenita, acompañada de melodías que encierran cierta nostalgia tanto de la infancia, como de otras películas de Ghibli. Otro aspecto en el que la cinta animada es casi perfecta.

    Reseña de El Secreto de la Sirenita, película de anime
    Nunca falta el elemento mágico en las animaciones de Hayao Miyazaki

    En conclusión: Ponyo on the Cliff bye the Sea es una película de anime muy bien lograda, en un ambiente colorido que resalta a primera vista. La trama es alegre e interesante, aunque creo que pudieron haber ahondado un poco más en el final. Va que vuela para ser un clásico, especialmente porque es creación original de Hayao Miyazaki y por su increíble manejo de animación tradicional. Junto con Mi Vecino Totoro, me parece que El Secreto de la Sirenita es el filme de corte más infantil de Miyazaki, pero no desmerece nunca y es un respiro encontrar material tan fresco en el saturado mercado de animación “familiar” y caricaturas para niños. Si bien el Blu-Ray no incluye extra alguno, la película por sí misma vale la pena la compra.

  • Sony confirma el precio del PS Vita en México

    Sony confirma el precio del PS Vita en México

    Sony confirmó el precio del esperado PS Vita en México. A través del  Blog de PlayStation se dio a conocer que a partir del próximo 22 de febrero el PS Vita estará disponible en nuestro país en un bundle especial que incluye:

    • Consola PlayStation Vita Wi-Fi.
    • El videojuego Modnation Racers: Roadtrip (en español latinoamericano)
    • Una tarjeta de memoria de 4 GB
    • Estuche rígido para tu PS Vita (disponible sólo en este paquete)

    El precio de este paquete será de $5,999. A partir del primero de abril también podras comprar el PS Vita en su paquete individual sin extras, por un precio de $5,499.

    ¿Precio elevado? La verdad que sí, esperábamos que la rebaja del precio del Nintendo 3DS repercutiera en un mejor precio para el consumidor en México, tomando el costo del PS Vita en Estados Unidos (250 dólares). Sin embargo, entra aún dentro de lo “normal” para las consolas y lanzamientos de videojuego a últimas fechas.

    El PS Vita contará con 22 títulos para la fecha de lanzamiento, destacando algunos como Uncharted: Golden Abyss, Rayman Origins, Ultimate Marvel vs Capcom 3, BlazBlue: Continuum Shitf Extend y Virtua Tennis 4: World Tour Edition.

  • Checa el tráiler de Blancanieves y el Cazador

    Checa el tráiler de Blancanieves y el Cazador

    Ya tiene rato que apareció el tráiler de Blancanieves y el Cazador, pero si no lo has visto es un buen momento para hacerlo pues pinta como una de las mejores películas de fantasía para este 2012 y uno de los estrenos más esperados en general, que bien pudiera volverse una trilogía en palabras de sus productores.

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    La historia es una reinterpretación del cuento Blancanieves de los Hermanos Grimm asentando de la historia en una especie de reino de la Edad Media. Kristen Stewart, a quien muchos ya aburrió con su personaje en Crepúsculo, interpretará a la heroína de Blancanieves y el Cazador, donde su madrastra, la reina Ravenna (Charlize Theron), la manda matar cuando se entera que ella la superará en belleza y leyenda. Blancanieves se ve obligada a huir y es Ravenna contrata a un experimentado cazador (Chris Hemsworth) para buscarla y matarla. Sin embargo, el cazador no sólo le perdona la vida a Blancanieves, sino que la toma bajo su tutela para enseñarle el arte de la guerra, adiestrarle en el combate y organizar una rebelión contra la malvada reina en donde le ayudarán ocho enanos (ocho, no siete) y el famoso príncipe del cuento.

    Blancanieves y el Cazador es dirigida por Rupert Sanders y se estrenará en Estados Unidos en junio de este año.

  • The King of Fighters: NeoWave

    The King of Fighters: NeoWave

    The King of Fighters: NeoWave pasó sin pena ni gloria por las arcades, y es hasta ahora el título menos conocido (y probablemente jugado) de la saga. Sus versiones caseras para PlayStation 2 y Xbox trasladaron el título a los hogares en un intento por darle algo de la fama que no obtuvo en las maquinitas. El juego viene a ser la versión del 2004 de KoF.

    The King of Fighters: NeoWave | Reseña

    El primer título de The King of Fighters que SNK Playmore hizo para la placa Atomiswave fue precisamente KoF NeoWave y marca la bien merecida muerte de la placa Neo Geo. El atractivo arte del juego, y que es distintivo con cada nueva entrega de King of Fighters, está vez estuvo en manos de Tomokazu Nanako, el mismo de la saga Power Instinct.

    The King of Fighters: NeoWave es un dream match con una selección de peleadores muy parecida a la de KoF 2002 (en la versión de PS2 es prácticamente la misma cambiando a K9999 por Saisyu Kusanagi y los retornos de King y Shingo Yabuki), tres estilos de pelea disponibles, una barra de guardia y la introducción de un quinto botón que sirve para activar el Heat Mode.

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    El quinto botón y su respectivo Heat Mode es la mayor novedad en The King of Fighters: NeoWave, al ejecutarlo tu personaje comenzará a brillar subiendo su poder de ataque considerablemente a costa de drenar tu sangre poco a poco. Para detener el Heat Mode simplemente vuelves a presionar el quinto botón. Si tu oponente te golpea también se desctivará. El Heat Mode no puede ser usado cuando tu sangre está roja (niveles críticos).

    The King of Fighters: NeoWave mantiene el estilo tres contra tres de KoF 2002, sin el uso de strikers, ni tag system, ni nada que se parezca a Marvel vs Capcom. También podrás escoger entre uno de los tres sistemas de pelea que incluye el juego, muy similar a KoF 97 y KoF 98.

    Reseña de The King of Fighters: NeoWave, videjuego para Xbox, PS2 y Arcade
    Los escenarios de The King of Fighters: NeoWave se ven algo desangelados

    Tres modos de jugar KoF: Neowave

    El primer estilo de pelea en The King of Fighters: NeoWave es el Super Cancel, que mantiene un esquema similar al de KoF 2002. Puedes almacenar hasta tres stocks de súpers, usando uno para los Super Special Moves y dos para los MAX Super Special Moves. Puedes usar un stock para cancelar golpes que normalmente no se pueden encadenar a poderes o a súpers, e incluso cancelar poderes en súpers o súpers en otros súpers. También puedes gastar un stock en movimientos defensivos como el counter con C+D y la evasión de escape u ofensiva con A+B. Al principio de la pelea los tres stocks están disponibles y se rellenan atacando o ejecutando poderes.

    El siguiente modo es el Guard Break (o MAX1) y consiste en dos barras con las que se pueden realizar Super Special y MAX Super Special Moves similar al modo Super Cancel. Se puede utilizar también el Just Defended de Garou: Mark of the Wolves (poner guardia justo antes de que te conecte el ataque) pero aquí no te sube la energía, simplemente sirve para destantear al enemigo y tener un pequeño momento para contra atacar. También se puede esquivar y hacer evasiones defensivas u ofensivas (A+B). Por último está el movimiento Guard Break, que es un ataque inbloqueable que, si conecta, rebota al enemigo en la pared y los deja a tu merced (similar al Wire Whip de KoF 2001), se marca haciendo un cuarto de círculo hacia delante con C+D.

    Reseña de The King of Fighters: NeoWave, videjuego para Xbox, PS2 y Arcade
    The King of Fighters: NeoWave incluye tres modos de cargar tu barra de súper

    El tercer estilo es el MAX2, aquí solamente se cuenta con una barra de poder que se llena automáticamente, cuentas con Super Special y Max Super Special Moves, ambos te cuestan un stock aunque el movimiento MAX sólo puedes ejecutarlo cuando tienes 25 por ciento de sangre o menos. También tienes a tu disposición movimiento escondido por personaje llamado MAX2, el cual es básicamente la versión NeoWave de los HSDM (súpers escondidos y mamertos) de KoF 2002, éstos necesitan un stock e igual, que te quede un cuarto de tu energía o menos. En este modo desgraciadamente no se puede esquivar y solamente se pueden usar los counters con C+D.

    ¿No tan NeoWave?

    Para las versiones caseras hay algunas novedades: los personajes secretos de la versión arcade, Ramon, Vanessa y Kim Kaphwan, están disponibles, al igual que las versiones Orochi de Yashiro, Shermie y Chris. A la selección de personajes se le suman Kusanagi (el mismo de KoF 2002), Geese Howard versión Art of Fighting 2 (el jefe final, aunque es bastante malo si no es usado por el CPU), Seth, Angel, May Lee y Omega Rugal (también le bajaron el poder respecto a su última aparición en The King of Fighters). Todos estos personajes los obtienes venciéndolos en el modo Survival.

    Reseña de The King of Fighters: NeoWave, videjuego para Xbox, PS2 y Arcade
    KoF NeoWave fue el primer título de SNK Playmore para Atomiswave

    Un detalle curioso fue que para la fecha de lanzamiento de la versión de Xbox existieron problemas de licencias con Eolith por lo que May Lee y Angel fueron removidos, aunque tiene la ventaja de soporte para partidas online en todo el mundo y que fue la única versión casera que llegó oficialmente a América.

    KoF NeoWave cuenta con un auto combo por personaje el cual está disponible en un botón, que aunque es bastante simple, en ocasiones varía seleccionando diferentes modos de pelea. Un extra bastante bueno es el modo Color Edit donde se puede cambiar la paleta de colores de todos los personajes, pero sacrificando uno de los colores base (o sea que sólo se pueden terner cuatro colores por personaje); de todas maneras hay algunos por default bastante feos.

    Reseña de The King of Fighters: NeoWave, videjuego para Xbox, PS2 y Arcade
    Las versiones de consola incluían juego online

    Por último, el cambio más notable: todos los fondos ahora son totalmente 3D y se ven excelentes, aunque persiste esa sensación de soledad que arrastraban desde su versión en maquinitas. Algunos otros detalles también se extrañan como introducciones de peleas personalizadas entre rivales y compañeros, al igual que poses de victoria.

    The King of Fighters: NeoWave recibió en general malos comentarios de la crítica, más que nada porque llegó en un momento de transición difícil, con la prensa especializada pidiendo más polígonos en pantalla o gráficos dibujados en alta resolución… y ya nos sabemos la historia, SNK Playmore cambiaba muy poco o realmente nada de sus sprites desde hace varios años. KoF NeoWave aparte era quizá demasiado similar a KoF 2002 y en parte a la KoF 98, así que aún con la adición del Heat Mode se sentía que el juego no ofrecía suficientes novedades en gameplay, y así es. Pero lo importante de The King of Fighters siempre ha sido el factor jugabilidad, y The King of Fighters: NeoWave es tan divertido y jugable como cualquiera de la saga (bueno, de la 97 en adelante), los poderes y combinaciones son precisos pero no son difíciles de ejecutar, y a su favor también tiene que hay un mayor número de personajes, más modos de juego, y lo más importante: un rebalanceo general de los personajes, dejando de lado el marcado desbalance de la KoF 2002; aún con los tres modos de juego las retas son más parejas y el sistema es el más equilibrado hasta ahora, sí, incluso más equilibrado que las versiones que salieron recientemente.

    Reseña de The King of Fighters: NeoWave, videojuego para Xbox, PS2 y Arcade
    Los gráficos de personajes son los mismos de siempre

    Un dream match mas de KoF que aunque no desmerece no presenta nada nuevo, los nuevos sistema de batalla son interesantes y es algo entretenido sacar nuevos combos en el modo Super Cancel. Geese Howard está dificilísimo pero simplemente por ser un personaje mal programado, y si logras derrotarlo no obtienes recompensa ya que… ¡no hay final! Pero siendo un dream match tiene cierta justificación. El fuerte del juego son las retas, nada de lo que deba preocuparse cualquier fanático de KoF, diversión asegurada a pesar de las críticas absurdas de algunas revistas que calificaron el juego de aburrido e inefectivo, de hecho The King of Fighters: NeoWave no desmerece tanto al compararlo con KoF 98, y su balance es superior a KoF 2002.

  • Bison y Xiaoyu, a Street Fighter X Tekken

    Bison y Xiaoyu, a Street Fighter X Tekken

    Una imagen del Xbox Live Market Place reveló a dos contendientes que se suman al videojuego Street Fighter X Tekken: M. Bison, por parte de Capcom, y Xiaoyu; del lado de los peleadores de Namco.

    Esta vez el anuncio de los nuevos peleadores se dio sin video promocional y sin tanto bombo y platillo, siendo prácticamente un descuido al colgar una imagen dond, si bien no salen peleando, se alcanza a ver el nombre de ambos en las barras de vida de Bison y Xiaoyu,

    Con ésto ya sumarían 30 personajes, quince por Street Fighter y quince por Tekken, aunque aún se esperan algunos personajes por confirmar como Cody, Guy y Marshall Law. Street Fighter X Tekken estará disponible el 6 de marzo para PlayStation 3, Xbox 360 y PC.

  • Akumajo Dracula X: Chi no Rondo

    Akumajo Dracula X: Chi no Rondo

    Para muchos puristas de Castlevania, Akumajo Dracula X: Chi no Rondo (Castlevania Dracula X: Rondo of Blood, para los cuates) es el mejor de la serie, sobrepasando incluso al increíble Castlevania: Symphony of the Night, al mantener la tradición de varios de los primeros títulos y no llevar tintes RPG. El que no hubiera salido versión alguna del original fuera de Japón sólo lo hace más deseable; no confundir con el Castlevania: Dracula X para el SNES, que aunque similar en ciertos puntos (diseño de personajes y gráficas sobre todo) es un juego en su mayoría diferente.

    Akumajo Dracula X: Chi no Rondo | Reseña

    Cronológicamente situado antes de los eventos en Simphony of the Night (SotN), en la entrada de Akumajo Dracula X: Chi no Rondo (narrada en alemán con subtítulos en japonés) observamos como una mujer es sacrificada para que Drácula sea nuevamente vuelto a la vida por su sirviente Shaft, éste envía a sus compinches a atacar la villa cercana, raptando en el evento a cuatro muchachonas, incluyendo a Annete, la prometida de nuestro héroe y personaje a controlar, Richter Belmont, quien látigo en mano emprende su aventura.

    Desde el nivel 0, y ese primer encuentro a carreta con La Muerte, vemos cómo el PC Engine fue llevado a su límite. El juego puede terminarse dándole mate a todos y al grano, siguiendo la ya tradición de los Castlevania anteriores, pero Konami agregó un pequeño elemento de exploración para mantenernos pegados al control por más tiempo: puedes rescatar a las chicas secuestradas… si las encuentras. Además, los niveles cuentan con más de una salida (y jefe al final), abriendo distintas caminos por los escenarios de Akumajo Dracula X: Chi no Rondo, lo que demuestra a la vez un maravilloso diseño de los mismos. Se cuentan ocho niveles, pero al hallarse otros nuevos descubriendo las salidas opcionales, se vuelven alrededor de quince en total.

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    Ya rescatada, una de las chicas se vuelve un personaje a controlar si es elegido en vez de Richter: Maria Renard, una niña de doce años (en el Simphony of the Night aparecería ya más… adulta) que ataca invocando animales y cantando. También cuenta con un poderoso ataque donde proyecta una imagen de sí misma en versión ninja (¿WTF?).

    La animación de Akumajo Dracula X es estupenda gracias al espacio proporcionado por el CD. La mayoría de los jefes, de los más detallados en un juego 2D, tienen una presentación y un último ataque bella e imaginativamente animados. La muerte de La Muerte (¡doh!) es algo que tiene que ser visto y disfrutarse. Los sprites de este juego eran tan buenos que muchos de ellos fueron reutilizados tal cual para el Castlevania: Simphony of the Night casi cuatro años después y en una consola superior… y siguen siendo reusados a la fecha para juegos como Harmony of Despair.

    Reseña de Akumajo Dracula X: Chi no Rondo, videojuego retro para PC Engine CD y Turbografx CD
    Richter Belmont a carreta contra La Muerte

    Castlevania Dracula X: Rondo of Blood

    El control de Rondo of Blood es muy bueno, nada difícil controlar los saltos ni las armas secundarias y el personaje no se siente tan tieso como en ocasiones en el Castlevania IV de SNES, y ni qué decir los anteriores de NES; el usar el pad del PC Engine que consta de sólo dos botones hace de alguna manera más fácil e intuitivo el correr, brincar, atacar y usar las armas secundarias.Hablando de armas secundarias, en Castlevania Dracula X: Rondo of Blood se introdujo el famoso Item Crash, aquella explosión de dichas armas secundarias usando más corazones que un ataque normal y haciendo también mayor daño al enemigo.

    En sonido, Akumajo Dracula X: Chi no Rondo es nada menos que increíble. Actores doblando las escenas animadas, toda clase de efectos que te pondrán chinita la piel (el grito de Medusa al morir y el sonido que emite el cuadro en el galeón te harán cacarear) y el soundtrack, razón suficiente para poseer este juego. Muchas de las pistas son clásicos temas de la serie recreados con calidad CD. “Vampire Killer”, “Cross a Fear “y nuevos como “Opus 13” provocarán que desees escuchar el disco en tu reproductor personal.

    Reseña de Akumajo Dracula X: Chi no Rondo, videojuego retro para PC Engine CD y Turbografx CD
    Rondo of Blood incluía un opening de animación

    Dato curioso: si en verdad tratan de escuchar el soundtrack del juego al introducir el disco en cualquier sistema de audio podrán deleitarse con la mayoría de las pistas, junto con un mensaje advirtiéndoles del posible daño a su aparato al usar el disco de esa manera… o sea, no lo intenten, este disco es para jugarse exclusivamente.

    No es un Castlevania perfecto… pero casi

    ¿Peros? sí, hay algunos: el juego es facilón. Veteranos en Castlevania lo terminarán en un dos por tres. Maria es exageradamente poderosa, lo que hace una de por sí fácil aventura, un paseo por el parque. Si a eso agregamos el devastador ataque donde proyecta su imagen, que quita en los jefes poco más de un tercio de su vida de un guamazo, pues…

    Reseña de Akumajo Dracula X: Chi no Rondo, videojuego retro para PC Engine CD y Turbografx CD
    Había más de un jefe por nivel en Akumajo Dracula X

    Otro problema con el juego original es su costo. Akumajo Dracula X: Chi no Rondo se ha convertido en un objeto casi exclusivo de coleccionistas al alcanzar los 150 dólares. Afortunadamente no es necesario contar con un DUO o un Turbografx CD con una System Card 3.0 para jugarlo; en la computadora se puede correr con ayuda de un emulador, además no es difícil de conseguir. Como otro dato curioso, si corres el juego en un Turbografx CD/Pc Engine CD sin la ayuda de una System Card 3.0 (o en un DUO), lo único que verás y podrás jugar es el extraño Stage X: un nivel con diseños súper deformados y caricaturescos.

    La reciente salida de Rondo of Blood el 15 de marzo de 2010 en la Consola Virtual de Wii lo convierten en una buena compra y la primera vez que este videojuego “pisa” oficialmente tierras americanas, aunque el título original se podía jugar como parte de los extras desbloqueables incluidos en Castlevania: The Dracula X Chronicles, un remake en 2.5D de Rondo of Blood para el PlayStation Portable.

    Reseña de Akumajo Dracula X: Chi no Rondo, videojuego retro para PC Engine CD y Turbografx CD
    Maria Renard era un personaje muy poderoso aún para Drácula

    Si tienen la oportunidad de adquirir Rondo of Blood, y mucho mejor si es a un buen precio, no se arrepentirán. Akumajo Dracula X: Chi no Rondo bien puede ser considerado una obra maestra y la corona en tu colección de juegos. Aún con su relativamente reciente remake para el Sony PSP y su salida en Consola Virtual, la versión original de Akumajo Dracula X sigue teniendo mucha magia por sí misma.

  • Superman: Red Son

    Superman: Red Son

    La Guerra Fría estaba en su apogeo pero la carrera nuclear y espacial pierde todo sentido cuando la Unión Soviética encuentra en un solo hombre el poder de expandir el comunismo sin que nación o fuerza alguna se le oponga: Superman. En Superman: Red Son se plantea el qué hubiera pasado si la nave del kriptoniano hubiera aterrizado en Ucrania y no en Kansas.

    Superman: Red Son | Reseña

    Los cómics de Elseworlds siempre han sido una carta muy fuerte de DC Comics. El trasladar a los personajes tradicionales a escenarios aún más ficticios que nunca llevó a la editorial a publicar varias de las mejores novelas gráficas de la industria, y Superman: Red Son es un claro ejemplo del potencial de los Elseworlds. Su autor, Mark Millar (Kick-Ass y Civil War), había planeado esta historia por muchos años, lo que se nota en su excelente narrativa, la intrincada historia y el increíble manejo de los personajes icónicos de DC Comics.

    “A mediados del siglo XX, los teléfonos empezaron a sonar por todo Estados Unidos, los rumores de mi existencia habían comenzado a circular”. Así comienza Superman: Red Son, una miniserie de tres números cuyo narrador es exactamente su protagonista, lo que le proporciona una tónica atractiva al conocer la historia del Superman soviético desde el punto de vista del mismo Superman.

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    El presidente de Estados Unidos, Dwight D. Eisenhower, da una conferencia de prensa a gran escala para su país. Aparece en la radio y televisión anunciando que Estados Unidos tiene evidencia que demuestra que enfrentan una grave crisis cuando se enteran de que la Unión Soviética cuenta con un arma secreta: un súper hombre capaz de volar, con súper oído, visión telescópica y que atraviesa las paredes, tiene fuerza descomunal, y es fiel a la doctrina comunista y las ideas de Stalin.

    La noticia inicia una especie de paranoia en la sociedad norteamericana, ya que todo mundo juraba tener avistamientos de aquel súper hombre… tenían miedo que con su increíble oído escuchara todas sus conversaciones o que ni siquiera en el baño podrían estar lejos del alcance de su vista. Comenzaba la leyenda del Superman comunista, el campeón de los obreros que lucha sin cuartel a favor de Stalin, el socialismo soviético y la expansión internacional del Pacto de Varsovia.

    Reseña de Superman: Red Son, cómic de DC Comics
    Superman ya está aquí, camarada

    Supermán: Hijo rojo, campeón soviético

    Eisenhower le encarga la misión de derrotar a Superman al hombre más inteligente del mundo: Lex Luthor, un investigador de los Laboratorios S.T.A.R. quien es contactado por el agente de la CIA Jimmy Olsen para trabajar en un plan que acabe con la amenaza soviética y recupere la supremacía para los Estados Unidos. La misión no es nada fácil y Lex Luthor desarrollará una fijación extrema por llevarla a cabo, por vencer con sus conocimientos e inteligencia al “hombre de acero”, convirtiéndolo en el principal antagonista de la miniserie.

    A mi gusto, Superman: Red Son nos presenta a la mejor encarnación que existe de Luthor, un hombre no precisamente cruel y despiadado, sino con un pasión eterna por simplemente vencer a Superman cueste lo que cueste en beneficio de su nación y el modo capitalista de ver el mundo. Para vencer a Superman, Luthor (con permiso del presidente) idea derribar el satélite ruso Sputnik y hacerlo caer en pleno Metropolis.

    Reseña de Superman: Red Son, cómic de DC Comics
    Superman: Red Son plantea que Superman crezca con ideales comunistas

    “Me llamaban soldado, pero esa no era la verdad. Nunca fui un soldado. Un soldado siempre sigue órdenes. Un soldado conoce y odia a su enemigo. Un soldado sólo pelea y muere por su propia gente. Yo simplemente luché por lo que era correcto”. Superman escucha desde Moscú el sonido del satélite viniéndose encima de la urbe norteamericana. La gente es presa del pánico al ver el armatoste a punto de impactarse contra ellos. “No son mi gente. Pero nunca rehúso una súplica de ayuda. Todas las mentiras que esparcieron sobre mí, la propaganda que ingeniaron para la Guerra Fría. Nada de eso importó en aquella brillante tarde. Por un momento… se dieron cuenta que estaba ahí para salvarlos”.

    Superman desvía la amenaza y a su partida, Lex ordena que recuperen el satélite de la bahía para intentar encontrar respuestas a la ecuación, respuesta que tomaría su primera forma en Superman-Two (Bizarro), un clon malhecho de Superman al cual derrotaría sin grandes problemas pero que sería recurrente. Era sólo el comienzo de la larga batalla que toma lugar durante los tres tomos de Superman: Red Son.

    Reseña de Superman: Red Son, cómic de DC Comics
    "No son mi gente, pero nunca rehuyo una súplica de ayuda"

    Poco después son introducidos más personajes, incluyendo al mismísimo Stalin; al jefe de la KGB e hijo ilegítimo de Stalin, Pyotr Roslov (Pete Ross); la Mujer Maravilla, embajadora de Nuevo Paraíso en el mundo de los humanos, quien ve con muy buenos ojos a Superman y a la doctrina socialista; y a un niño huérfano cuyos padres disidentes habían sido muertos a manos de Roslov, un niño que crecería con odio hacia el sistema socialista.

    Superman vs Batman

    La muerte de Stalin da la entrada al segundo arco de la historia, que nos muestra también el resentimiento de Pyotr hacia Superman, no sólo por robarle la admiración de su padre, sino porque según él, la existencia del kriptoniano es una ironía y contradicción para el comunismo, pues demuestra que no todos los hombres son iguales. A la muerte del mandatario soviético y viendo la necesidad de su pueblo, Superman decide que hará caso al clamor popular de la gente que lo quiere ver como el nuevo presidente de la Unión Soviética.

    Reseña de Superman: Red Son, cómic de DC Comics | Batman
    El sistema comunista también creó a un viejo conocido de DC Comics

    Al llegar al poder, Superman poco a poco empieza a “convencer” a los demás países de unirse a la Unión Soviética, bajo su eterna vigilancia prácticamente están seguros y su modelo de gobierno trae una prosperidad inaudita en todos los campos, llegando un momento en el que sólo Chile y Estados Unidos persisten como naciones capitalistas. Pero en esta parte también es cuando regresa aquel niño resentido con el comunismo… un niño que creció y decidió tomar la anarquía como bandera, el derecho a ser libres como eslogan y el sobrenombre de Batman para luchar por sus ideales, al creer que la omnipotencia y omnipresencia de Superman les quitan lugar a los humanos normales para decidir y equivocarse.

    No vale la pena echar a perder más la historia en la reseña, sólo indicar que obviamente Batman lucha contra ese sistema, Lex Luthor busca la presidencia de Estados Unidos y tiene una nueva arma para combatir a Superman cuando encuentra una batería verde de poder, algunos antiguos aliados de Superman empiezan a dudar de sus métodos y una conclusión que te hará volver a leer esta historia decenas de veces, donde el arma más peligrosa contra el “hombre de acero” no es la kriptonita sino el pensamiento humano y el derecho a la libertad.

    Reseña de Superman: Red Son, cómic de DC Comics | Batman
    Un puñetazo a Superman dice más que mil palabras

    Obra maestra de Mark Millar

    El arte en el cómic es muy bueno, con trazos que te transportan a donde el guionista lo desea, pero destaca la gama de colores usada por Paul Mounts para ilustrarlo. Los diálogos son certeros y les dan vida a todos los que interactúan en la narrativa. El uso de otros personajes conocidos de DC Comics para apoyar la historia está muy bien trabajado, y el sentimiento de gusto/rechazo por la labor de Superman siempre está latente, no puedes sentir empatía completamente por él, pero a su vez tampoco por Luthor… la lucha persiste y tal vez al cerrar el cómic no quieras ver a ninguno triunfante.

    Quizá de lo mejor de Superman: Red Son es el manejo de Mark Millar de los personajes involucrados en el cómic, dónde todos están ubicados en una zona gris donde nadie es absolutamente bueno, ni siquiera Superman, y nadie es totalmente malo, ni siquiera Lex Luthor. Y es increíble que en esta zona gris se geste una de las mejores batallas del cómic entre lo que está bien y lo que está mal. Una historia cuyo final no termina en el desenlace mismo de la batalla sino en un increíble epílogo que nos transporta miles de años en el futuro y que te sorprenderá al pasar la última página.

    Reseña de Superman: Red Son, cómic de DC Comics | Batman
    Heroína invitada: La Mujer Maravilla

    Seas fanático o no de Superman, o de las historias de superhéroes, Superman: Red Son es una lectura obligada. No sólo encierra una interesante lucha de ideales satirizados en la batalla personal Luthor contra Superman, sino que, por cursi que parezca, por momentos te hace pensar en el potencial de la raza humana, en los errores cometidos históricamente por las grandes naciones y cómo una novela gráfica te puede adentrar tanto en sí misma que cuando terminas de leer sigues pidiendo más. El éxito de Superman: Red Son le ha valido varias reimpresiones, una serie de figuras de acción (2008), además de estar dentro de la línea de motion comics (cómics con movimiento) de DC Comics. Sólo queda dar gracias a Mark Millar y su equipo de creativos por darle vida a este excelente cómic, que por cierto estuvo nominado al premio Eisner de 2004 como mejor miniserie.

  • Primer crossover de DC y The New 52: ¿O.M.A.C. vs Frankenstein?

    Primer crossover de DC y The New 52: ¿O.M.A.C. vs Frankenstein?

    El nuevo crossover de DComics, y el primer crossover de The New 52 -que significa el relanzamiento de todos los cómics de la compañía-, no incluye a Batman, ni a Superman ni a ningún miembro de la Liga de la Justicia, sino a O.M.A.C. y a Frankensteint: Agent of S.H.A.D.E.

    DanDidio explicó que el concepto de los crossovers en los nuevos cómics del Universo DC es que tienen que tener sentido realmente, y no sólo esperar a que en algún tomo aparezca Batman o Superman. Y para DC Comics lo que tiene más sentido es que dos de sus “nuevos” monstruos peleen uno contra el otro. El primer número del crossover será  O.M.A.C. #5, escrito por DiDio y con Keith Giffen como artista. Luego terminará en Frankenstein: Agent of S.H.A.D.E. #5, por el escritor Jeff Lemire y los trazos de Alberto Ponticelli.

    Si alguien se pregunta, ¿de dónde salieron estos personajes? Bueno, aunque parezcan nuevos en realidad tienen una larga historia en los cómics. Esta versión de Frankenstein apareció por primera vez en Detective Comics en 1948 enfrentando a Batman, más tarde se uniría a las fuerzas de Dracula y combatiría constantemente contra Superman, Batman y Phantom Stranger. En 2005 lo veríamos como parte de los Seven Soldiers of Victory, versión en la que mas o menos está basada la actual.

    O.M.A.C. nació de la mente de Jack Kirby en 1974, quien lo visionaba como una especie de Capitán América del futuro, siendo reusado en una miniserie en 1991 y cambiado totalmente a lo que algunos vieron en Countdown to Infinite Crisis, un cyborg diseñado para contrarrestar a los meahumanos…. el actual O.M.A.C. es una mezcla de todo.

    No suena como lo más llamativo, pero si  te gustó Seven Soldiers of Victory, probablemente te agrade este crossover. La “ventaja” es que no tendrás que comprar ambos números para conocer la historia, sino que cada uno narra los mismos eventos vistos desde la óptica de cada personaje.

  • Fallece Pedro Armendáriz Jr.

    Fallece Pedro Armendáriz Jr.

    El actor mexicano Pedro Armendáriz Jr. falleció hoy en un hospital de Nueva York, a los 71 años de edad, víctima de cáncer. En un comunicado, en el que no se dan más detalles, la familia del artista que intervino en más de 140 películas nacionales e internacionales, anunció este lunes 26 el fallecimiento de Pedro Armendáriz Jr., y solicitó a los medios respeto a su privacidad en estos momentos de duelo. También hizo un llamado a la solidaridad de su público a través de oraciones. Desde la semana pasada se había difundido que Pedro Armendáriz Jr. padecía cáncer en un ojo y que por ello se internó en un hospital de Nueva York.

    Silvia Pinal, secretaria general de la Asociación Nacional de Actores (ANDA), afirmó que el organismo se encuentra en la mejor disposición de ayudar a la familia del actor Pedro Armendáriz Jr., quien fue recordado por la actriz “un hombre amante de la vida”. Silvia Pinal lamentó de manera profunda el deceso del actor, al señalar que por el momento la asociación se encuentra de vacaciones, sin embargo, están en la disposición de ayudar. “No sabemos mucho, él está en Nueva York y no hemos tenido información al respecto, yo sólo conozco a Carmen, su hermana, y ella no se ha comunicado, ni ninguna otra persona familiar de él”, explicó. “El fue un socio de la ANDA, querido, admirado y respetado”, mencionó la actriz, que elogió el trabajo del fallecido actor, en su calidad de compañera.

    Pinal reconoció que la noticia la tomó por sorpresa, “nunca pensé que estuviera tan enfermo, pensé que había viajado para ver a un doctor, pero nunca, porque su enfermedad estuviera tan avanzada. Lo siento muchísimo, me gustaba su trabajo, él tenía un gran nombre que heredó de su padre, un gran actor, y supo llevar esto en alto”, dijo Silvia Pinal, al recordar que nunca tuvieron la oportunidad de trabajar juntos. “Nunca se dio esta oportunidad, hicimos La soldadera juntos, pero nunca coincidieron nuestras escenas”, dijo la también productora de televisión y teatro.

    En tanto, la presidenta del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), Consuelo Sáizar, escribió en twitter: “A la comunidad cinematográfica, mi más sentido pésame por el fallecimiento de Pedro Armendáriz”.

    Recordamos a Pedro Armendáriz Jr. con la clásica escena de Óscar Cabos y el cocinero chino en la película Matando Cabos.

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    Pedro Armendáriz Jr.

    Pedro Armendáriz Jr. nació en la Ciudad de México el 6 de abril de 1940, su padre fue el popular actor de la época de oro del cine mexicano, Pedro Armendáriz. Estuvo casado con Lucía Gómez de Parada, quien fue modelo de Televisa y tuvieron varios hijos. Después se casó con Ofelia Medina, de quien también se divorció. En 2006 se le otorgó el Mayahuel de Plata en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara. En 2010 fue homenajeado en el Festival Internacional de Cine de Monterrey.

    Entre las películas en las que participó destacan El Crimen del Padre Amaro, de Luis Estrada; Matando Cabos, de Alejandro Lozano; La Ley de Herodes, de Luis Estrada; La Máscara del Zorro, de Martin Campbell; Mariana, Mariana, de Alberto Isaac; y Navidad SA, de Fernando Rovzar. Actualmente, dos películas donde actúa se encuentran en postproducción: Mamitas y Casa del Padre.

    Pedro Armendáriz Jr. también trabajó en telenovelas, su última participación fue en La Fuerza del Destino. Además hizo doblajes para películas animadas, como en Atlantis: El Imperio Perdido; Cars y Kung Fu Panda. Del documental Océanos, Armendáriz Jr. fue narrador.

  • Danny Trejo es Bad Ass, checa el tráiler

    Danny Trejo es Bad Ass, checa el tráiler

    Danny Trejo, el mexicano más rudo del cine regresa con una nueva película: Bad Ass, donde interpreta a un veterano de Vietnam llamado Frank Vega, quien regresa a Estados Unidos pero no encuentra trabajo y es en general rechazado por la sociedad… hasta que se convierte en una suerte de héroe local.

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    Tras poner en su lugar y darles una paliza a los dos pandilleros se convierte en un fenómeno de Internet cuando suben su video a Youtube, todo mundo lo ama y lo admira. Pero cuando muere su mejor amigo y la policía no hace nada, Frank Vega toma la justicia por sus manos y se vuelve en una especie de vigilante de la ciudad.

    La película está dirigida por Craig Moss y también cuenta con las actuaciones de Ron Perlman y Charles Dutton. Bad Ass se estrenará en junio de 2012 y podría llegar directamente a México y América Latina en formato DVD y Blu-Ray.

    Y sí… seguramente a muchas personas que vieron el tráiler de la película Bad Ass les lleve a la memoria el meme en video de “Epic Beard Man”, el hombre de 67 años y gran barba que le partió la nariz a un negro cuando éste lo molestó en el autobús en que viajaba. Bad Ass está basada en los hechos de aquel video subido a Youtube y la vida de Thomas Brusso, el anciano rudo original. Aquí está el video por si alguien no lo vió o quiere checar el parecido.

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  • Sale supuesta lista con personajes de Super Smash Bros. Universe

    Sale supuesta lista con personajes de Super Smash Bros. Universe

    Un nuevo rumor desde 4Chan, donde hicieron repost de una supuesta lista de personajes que aparecerán en el videojuego Super Smash. Bros Universe para Wii U y que alguien publicó en un imageboard japonés. La persona que “filtró” el documento asegura que la información es real y son los personajes confirmados por el momento.

    • King K Rool (Donkey Kong)
    • Zoroark (Pokemon)
    • Ghirahim (Zelda)
    • Little Mac (Punch Out)
    • Saki Amamiya (Sin and Punishment)
    • King Hippo (Punch Out)
    • Ridley (Metroid)
    • Prince Sable (Kaeru no Tame ni Kane wa Naru)
    • Palutena (Kid Icarus)
    • Professor Layton (Professor Layton)
    • Mega Man (Mega Man)
    • Crystal (Star Fox)
    • Slime (Dragon Quest)
    • Shulk (Xenoblade)
    • Sonic (Sonic)

    La mayoría de personajes son totalmente nuevos para la franquicia e incluyeny lista nombra a personajes de otras compañias como Mega Man de Capcom y Slime de Square-Enix, e incluso personajes de videojuegos que no han salido (o nunca saliero) en América, como Shulk de Xenoblade y Prince Sable del semi desconocido Kaeru no Tame ni Kane wa Naru, un exelente título action RPG para el Game Boy.

    Se lee interesante la lista pero habrá que esperar a que Nintendo de manera confirme a éstos u otros personajes para el más reciente título de peleas de Smash Bros., que aparecería para Wii U y una versión portátil para el Nintendo 3D. Parece un rumor…. chisme y nada más, toda vez que ni siquiera el nombre de Super Smash Bros. Universe está confirmado… el tiempo dirá.

  • Uncharted 3: Drake’s Deception | Reseña

    Uncharted 3: Drake’s Deception | Reseña

    Videojuego del año en 2009 y el tope de gráficos en consolas de actual generación ubicaban a Uncharted 3: Drake’s Deception como uno de los títulos más esperados de 2011, el juego insignia de la temporada para PlayStation 3 y el reto más importante de Naughty Dog al tener la obligación de superar todos los estándares de calidad establecidos por la franquicia. ¿Sería posible que Nathan Drake tuviera una aventura más épica que en el Himalaya?

    Uncharted 3: Drake’s Deception

    Si no viviste debajo de una piedra durante el último año, seguramente viste alguno de los tráileres promocionales de Uncharted 3; se veía chingón, ¿no? Naughty Dog no dejó nada a la suposición e inmediatamente bombardeó con imágenes y videos que mostraba el altísimo nivel de detalles visuales que estaban logrando con el juego, y con ellos como estudio programador sabes que lo que prometen, lo entregan. Pero las aventuras de nuestro caza tesoros en ambientes tan increíblemente detallados no tienen sentido sin una buena historia de soporte.

    Nathan Drake y Víctor Sullivan regresan. Ambos acuerdan vender el anillo de Sir Francis Drake (famosísimo por la leyenda “sic parvis magna”) a una misteriosa compradora llamada Katherine Marlow, quien resulta ser una antigua compañera de travesuras del viejo Sullivan. Inmediatamente la escena te lleva de un negocio mal realizado a una típica pelea de cantina con gente volando por las ventanas y resbalando por la barra del bar tender. Todo coreografiado a la perfección y en el momento que menos lo esperas te das cuenta que no es un cinema y te están rompiendo la cara, así que es hora de tomar el control.

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    Katherine y su achichincle Talbot (a quien conociste rompiéndole la cara en el bar) buscan el anillo porque es la llave para un tesoro increíble, un tesoro que en su momento Sir Francis Drake y hasta Lawrence de Arabia, buscaron por órdenes de la corona inglesa, pero ocultaron toda evidencia de sus travesías. Adelantar más sería arruinar demasiadas sorpresas.

    Parecerá simple la trama, pero los escritores de Uncharted siempre se las arreglan para que un pequeño enredo lleve a otro más grande y si viste los tráileres sabrás que Uncharted 3: Drake’s Deception aprovecha esta trama para llevarte a través de un enorme desierto, un trasatlántico que se hunde, castillos, cuevas y toda clase de lugares estrafalarios mientras Drake intenta encontrar la llamada Atlántida de las Arenas, la ciudad perdida de Iram de los Pilares en la inmensidad del desierto de Rub’ al Khali.

    El ritmo de la historia va subiendo en intensidad y una vez que adelantas un par de misiones es difícil soltar el videojuego pues te picas por saber en qué termina la aventura. Para algunos la trama no está a la altura de lo logrado en Uncharted 2, pero en lo personal la narrativa me atrapó y lo último que pasaba por mi cabeza era si la historia de hace dos años estaba más interesante: lo que tenía enfrente era de la calidad suficiente para mantenerme pegado al joystick.

    Reseña de Uncharted 3, videojuego para PlayStation 3
    Elena, Nathan Drake y Sullivan regresan para Uncharted 3

    Nuevos movimientos de Nathan Drake

    Para esta aventura Drake regresa con nuevos movimientos. Los programadores pusieron especial énfasis en el modo de combate sin armas y agregaron más mecánicas. Ahora tienes un botón de agarre y otro de counter, así que hay que estar atento a cuando van a lanzar los golpes tus enemigos para contra atacar.

    De la misma forma, los malos pueden agarrarte y contra atacar tus golpes. También es normal que de repente Drake use algo que esté en el escenario para atacar a sus enemigos, como estrellarlos contra la barra del bar, agarrar una cacerola para dar el golpe final o usar un pescado enorme en un mercado. Todo de manera natural sin que tengas que usar un botón extra, simplemente fluye como parte de la espectacular coregrafía visual de Uncharted 3.

    Aparte de los enemigos “normales”, en Uncharted 3 hay un nuevo tipo de enemigo “gigante” que así como dice el nombre es básicamente un grandulón. Estos enemigos son más fuertes, más mañosos para el combate sin armas, aguantan varios balazos y la mayoría de las veces te ves obligado a pelear a golpes contra ellos.

    Reseña de Uncharted 3, videojuego para PlayStation 3
    El combate cuerpo a cuerpo es más importante en Uncharted 3

    Mucho de la mecánica de juego aquí es balancear precisamente lo mejor posible estas nuevas opciones en combate con los tradicionales balazos y el sistema de cobertura; generalmente funciona a la perfección y cada enfrentamiento con grupos grandes de enemigos es de lo más entretenido, aunque tuve un problema con el control en algunas partes, ya que el botón de círculo es usado para un par de acciones muy distintas: pegarte a la cobertura y agarrar a tu enemigo, así que el videojuego no siempre discierne bien lo qué quieres hacer y por ejemplo, intentas pegarte a un bloque para evitar las balas, pero un enemigo pasa cerca y justo en lugar de agacharte y cubrirte, agarras al enemigo mientras te rafaguean por no haberte escondido; o por el contrario, quieres agarrar a un enemigo para empujarlo hacia un costado y tu personaje termina cubriéndose en la esquina más cercana.

    Afortunadamente Uncharted 3 no es tan difícil ni siquiera en la máxima dificultad, así que no se siente como un problema tan serio porque el juego no te castiga tanto cuando pasa dicha situación y generalmente sobrevives a tu error o comienzas muy cerca de donde perdiste.

    Otra de las mecánicas sobre la que se hizo mucho hincapié fue en el sigilo. Uncharted 3 no es un videojuego de espionaje táctico como Splinter Cell o Metal Gear Solid, y nunca intenta serlo, pero los programadores recurrieron mucho al pasar desapercibido en esta ocasión. Hay varias partes en tu aventura donde si haces correctamente los asesinatos silenciosos podrás ahorrarte mil o dos mil kilos de enemigos que te saldrían si te detectan, así que en muchos escenarios puedes decidir cómo superarlos.

    Reseña de Uncharted 3, videojuego para PlayStation 3
    Regresan Nathan y sus escenarios imposibles

    A pesar de las novedades, Uncharted 3: Drake’s Deception mantiene exactamente la misma tónica de juego: La clásica mezcla de disparos, exploración y acertijos se mantiene prácticamente intacta, aunque notarás que Naughty Dog puso menos acertijos en este título, como para no quebrar tanto el ritmo de juego, aunque a cambio les incrementó la dificultad y sí hay un par de rompecabezas que te harán pensar varios minutos en lo que descifras la respuesta… eso o sacas tu libretita y pides que te den la solución al puzle… una opción que no incomoda y habrá quien la vea como algo bueno, aunque el juego no te penaliza por “hacer trampa”.

    Algo que también cambió fueron las recompensas al terminarlo o lograr ciertos objetivos. Quitaron todas esas opciones de jugar la campaña con Drake gordo, con el skin de Victor Sullivan, con la ropa de cierta misión, poner los escenarios en modo espejo, balas infinitas, equiparte el arma que quieras cuando quieras… en fin, toda esa parte divertida para la segunda o tercera vuelta ya no está aquí. A cambio, pusieron la mayoría de recompensas desbloqueables en el modo multijugador.

    Uncharted nunca se vio mejor

    ¿Y cómo luce el desierto de Rub’ al Khali y toda la gama de escenarios que visitaremos junto a Nathan Drake? Impresionantes. En el aspecto gráfico Uncharted 3 mejoró notablemente. El brinco visual no es el mismo del primer al segundo videojuego, pero incluye una serie de detalles en ropa, cabello, construcciones, efectos con arena, agua, sudor que simplemente no se pueden ver en ningún otro título. Cada ladrillo tiene su propia textura, cada prenda representa muy bien la tela de la que está hecha, cada gesto de los personajes está increíblemente detallado, cada escenario tiene su propia vida con los elementos que te ponen en pantalla.

    Uncharted 3: Drake’s Deception | Reseña
    Los gráficos lucen increíbles y casi insuperables en esta generación

    Naughty Dog no escatimó esfuerzos en sacarle todo el poder a tu PlayStation 3. Con los resultados obtenidos en los anteriores títulos, los desarrolladores se dieron a la tarea de nuevamente sorprender a los gamers con los gráficos de Uncharted 3. Para hacerlo pusieron especial empeño en lo que podemos llamar “escenarios dinámicos” o “escenarios en movimiento”.

    ¿Recuerdan esa secuencia tan fregona de Nathan Drake brincando de vagón en vagón en un tren movimiento mientras enemigos te disparan y un helicóptero sobrevuela intentando matarte en Uncharted 2? Pues es la base en toda la tercera parte de la saga: escenarios donde no sólo tú y tus enemigos se mueven, sino que el escenario mismo cambia, interactúa y se convierte en un enemigo más para tu personaje. Escenas dignas de la mejor película de acción y aventura y que aquí se suceden una tras otra… no acabas de sorprenderte con una impresionante secuencia de acción cuando en la siguiente misión ya estás participando en otra. Uncharted 3 es el videojuego que mejor luce en consolas y punto.

    Pese a ello, el juego tiene algunos errores en el apartado gráfico Me pasó que un par de veces mi personaje se “salió del mapa” y andaba navegando en la nada sin poder regresar por donde “me salí”. Otros problemas son algunas animaciones toscas en los enemigos, que de repente bajaban las escaleras muy apurados y prácticamente “flotaban” sobre ellas. Igual con algunos cuerpos abatidos que quedan en posiciones raras y “flotan” automáticamente como para acomodarse bien.

    Reseña de Uncharted 3, videojuego para PlayStation 3
    Hay menos puzzles en Uncharted 3, pero son más difíciles

    La música sigue siendo prácticamente perfecta. Desde que ves la pantalla de título y escuchas la clásica melodía de Uncharted se te pone la carne de gallina deseoso de empezar la campaña. Cada pieza musical está en el mismo tenor, la música no sólo acompaña sino que encaja a la perfección y le da aún más vida a tu aventura.

    El doblaje, como era de esperarse, está de “nopinchesmames”. Es algo en lo que sabíamos que Uncharted 3 no iba a fallar, pero nunca deja de ser impresionante el trabajo que realizan los actores que le dan vida a Drake, Sullivan, Chloe, Cutter, Katherine, Talbot y el resto de la pandilla. Es increíble el efecto que tiene un excelente doblaje en un videojuego de este tipo, al grado de familiarizarte con cada voz, entender sus tics, sus muletillas, sus expresiones y sus bromas. A esto le agregas la excelente captura de movimiento y una sincronización perfecta con el movimiento de los labios para tener un trabajo de diez en este departamento. Al igual que los gráficos, podemos decir que el trabajo de voces de Uncharted 3 es el mejor realizado de la industria.

    Como los anteriores títulos de la saga, Uncharted 3 cuenta con opción de voces y subtítulos en varios idiomas, entre ellos el español, que en esta ocasión es español latino. El trabajo de voces en nuestro idioma es bueno, aunque algunos papeles se sienten sobreactuados (como el de Cutter) y les falta pasión y garra en muchos diálogos. Algunos preferirán el antiguo doblaje español castellano pero ya no está incluido. De cualquier forma, la mayoría se inclinará por jugarlo con las voces originales en inglés.

    Uncharted 3: Drake’s Deception | Reseña
    Cutter es una excelente adición al roster de personajes

    El apartado online era otro de los puntos en los que Naughty Dog prometió trabajar y hay que reconocer que quedó muy bien. Puedes jugar ya sea cooperativo o competitivo, cada uno con diferentes modos de juego. En cooperativo está el ya obligatorio modo de sobrevivir oleadas de enemigos, uno más de héroes y villanos donde cada equipo toma una fracción y el de Aventura, donde junto a dos compañeros deberás cumplir diferentes objetivos en un mismo mapa.

    El competitivo incluye los clásicos modos de Deathmatch, captura el tesoro (captura la bandera en cualquier otro lado), un modo deatmatch para tres equipos y el todos contra todos. La mayoría de modos son viejos conocidos de los títulos de disparos aunque adaptados a la temática de Uncharted 3. Algunos de los mapas y modos incluyen pequeñas secuencias cinemáticas que le suben varias rayitas a la acción y, tal como en la campaña, chocarás contra grupos rivales en aviones, trenes en movimiento y distintos escenarios dinámicos.

    Así que una vez terminada la historia tienes muchas horas qué perder (o invertir) en el componente online. Algo que me gustó es que así juegues muy mal, el videojuego te recompensa con medallas por pequeños objetivos logrado. Al subir de nivel también podrás mejorar tu armamento y equiparte un par de perks como obtener más dinero, cargar más granadas, aparecer en la escena más rápido tras morir, etc. A su vez, si logras algunos objetivos dentro de la partida, como matar a cinco rivales en fila o a tres con una misma granada, te darán kickbacks, que son como mejoras temporales como balas infinitas o equiparte cierto tipo de arma.

    Uncharted 3: Drake’s Deception | Reseña
    El componente online tiene muchísimas novedades

    En fin, para cerrar la reseña de Uncharted 3 sólo queda recalcar que este es un título que raya en la perfección. Cuando los videojuegos se popularizaron a mediados de los 80, la línea que muchas compañías usaban era intentar hacer juegos que parecieran películas, era el sueño de todo desarrollador. Ahora, varios años después, la saga Uncharted y específicamente Uncharted 3 lo han logrado: un videojuego que captura todo el sentimiento de una película, poniendo al jugador en el rol del protagonista del filme y viviendo una aventura como no se puede en ningún otro medio de entretenimiento.

  • Inmortales | Crítica

    Inmortales | Crítica

    Al espectador siempre le han maravillado las historias fantásticas con batallas antagónicas entre el bien y el mal. Algunas veces en tierras medievales con dragones de por medio, bestias futuristas en planetas distantes, con anillos que controlan reinos enteros y, últimamente, usando a la mitología griega para alimentar sus historias. Inmortales es otra de esas cintas que recurren a los dioses del Olimpo para contar una historia, esta vez con el mito de Teseo y el Minotauro. ¿Una aventura en cine que vale la pena seguir o es sólo otra tonta película de Esparta?

    Inmortales

    Los primeros promocionales de Inmortales nos hacían imaginar que la película dirigida por Tarsem Singh sería una especie de secuela espiritual de 300, y aunque varios elementos de Inmortales nos traerán a la mente la Batalla de las Termópilas, la cinta también tiene mucho parecido a la más reciente Furia de Titanes al contar la historia de un semidiós que debe proteger a la humanidad de problemas míticos sin la intervención directa de los dioses del Olimpo.

    La película comienza con un breve prólogo que nos narra la batalla entre los seres divinos de existencia eterna, por lo que eran llamados Inmortales, quienes se dieron cuenta que la única forma de morir era asesinándose unos a otros. Ésto llevó a una guerra que se decidió en gran parte por un arma de inmenso poder creada por Ares: el Arco Epiro. El grupo ganador se autonombró dioses y ascendió al Olimpo, mientras que los perdedores fueron llamados titanes y encerrados en el Monte Tártaro.

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    Hiperión, Teseo y el Minotauro

    Hiperión, interpretado por el actorazo Mickey Rourke, declara la guerra a los dioses del Olimpo cuando éstos no atienden la súplica del rey de Creta de salvar a su familia, así que planea a capturar a la pitonisa Faedra para que lo guíe a donde se encuentra el Arco Epiro y usarlo para liberar a los titanes… por obviedad, los titanes le darían en la madre a toda la fauna mitológica de los griegos y colaborarían en el nuevo reinado de terror de Hiperión. Ir contra los dioses por ende es ir contra la humanidad.

    Teseo (Henry Cavill) es el protagonista de Inmortales, un joven guerrero que vive junto a su madre y ha sido entrenado para proteger su aldea. Teseo pronto conocerá a las huestes invasoras de Hiperión cuando ataquen su pueblo y sea apresado y mandado a las minas de sal por los soldados deformes del villano.

    Reseña y crítica de la película Inmortales, cine y Blu-ray
    Teseo y su escuadrón

    En las minas, Teseo conocerá a Faedra (Freida Pinto) y al resto de aliados que lo seguirán durante buena parte de la película, en una misión donde explícitamente Zeus le prohíbe a cualquier dios intervenir en el destino de la batalla ayudando a un bando u otro. Inmortales de aquí en adelante quizá se vuelva sencilla de predecir, con la aparición del famoso Minotauro de la mitología griega, varios dioses rompemadres del Olimpo y batallas que uno ve venir a kilómetros de distancia pero no por eso dejan de ser disfrutables.

    Las actuaciones cumplen pero, como en casi cualquier película de este tipo, pasan entre desapercibidas y con poco interés. Uno espera más bien la siguiente secuencia de acción y no el próximo diálogo inspirador. De cualquier modo, Mickey Rourke logra representar a un excelente antagonista: despiadado, gacho, cabrón y que realmente impone. El resto de actores están ahí para qué él se luzca.

    Reseña y crítica de la película Inmortales, cine y Blu-ray
    Mickey Rourke se roba Inmortales en su papel como Hiperión

    Olimpo cinematográfico

    El apartado visual de Inmortales es ciertamente destacado. Desde la impresionante filmación para quienes la vean en 3D, hasta los efectos especiales de las peleas son un deleite para el espectador. La producción está sumamente cuidada y gran parte del atractivo de Inmortales está más en cómo se ve y escucha que en la historia que tiene de fondo. No se abusa de la cámara lenta, pero cuando es utilizada es porque el recurso queda perfecto; la sangre brota por borbotones pero nunca al grado de que sea más sangrienta que entretenida; y las coreografías de pelea son cortas pero brutales… como tipo God of War… aunque uno esperaría ver más de ellas cuando quedaron tan bien.

    Eso sí, tenía la impresión de que la antigua Grecia era un poco más verde porque la mayoría de paisajes que se muestran son entre desiertos, acantilados y zonas devastadas por no sé qué cosa que pasó antes por ahí y acabó con cualquier rastro de vegetación. Sólo verás arena, agua con petróleo y montones de piedras.

    Reseña y crítica de la película Inmortales, cine y Blu-ray
    Algunas secuencias de peleas están la verdad muy chingonas

    Si quieres ir al cine a pasar un buen rato y no te molesta que mezclen el mito de Teseo y el Minotauro con el de la Titanomaquia y toda la libre adaptación que metieron en una licuadora aquí, Inmortales te parecerá una excelente opción. Una película palomera recomendable, con una producción destacada e historia fácil de seguir como para simplemente gozar de la magia del cine actual. Si quieres poner a trabajar las neuronas, busca en otra sala… y si eres fanático de God of War, apaga la computadora y corre a verla al cine: no es ni la mitad de épica que el videojuego, pero un fan siempre encuentra guiños entretenidos en este tipo de películas.

  • La Máquina de Bailar

    La Máquina de Bailar

    Es cada vez más común ver películas basadas en videojuegos famosos en la pantalla grande, pero ¿una película basada en Dance Dance Revolution? ¿Una cinta española cuya trama gira en torno a la maquinita de baile de Konami? Sí, éso es La Máquina de Bailar. Agárrense del barandal de protección porque esta es una película como ninguna otra.

    La Máquina de Bailar | Reseña

    Una película barata. “Sí, es filosofía barata de película barata. Pero las películas baratas ayudan a la gente, porque la gente como nosotros vive vidas baratas”. La Máquina de Bailar, como primer adjetivo, es una película simple, pero atrevida, tal vez demasiado atrevida por varias razones: está basada en un videojuego, un videojuego de baile para ser exactos y es una producción española… sí, tiene, todos los ingredientes perfectos para ser un churro… y no nos queda mal.

    Antes de continuar tengo que mencionar que el cine español no me gusta del todo: el acento por momentos me parece insoportable, no por el acento en sí, sino porque se me hace difícil encajar las voces en sus personajes, y a su vez encajar a los personajes en el contexto que nos quieren presentar… yo en el cine español escucho que todos tienen exactamente el mismo tono de voz. Por si fuera poco, pareciera que hay dos cosas que no pueden faltar: afeminados y chistes malos, y no sólo no faltan, sino que abusan de ambos a tal grado que vemos chistes malos con gays… así que no es raro que las películas españolas de miedo me den risa y las de risa me den miedo.

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    ¿Y La Máquina de Bailar encaja en ese esquema del cine español? De sobra, repleta de bromas malas y con demasiados afeminados en la pantalla: uno de cada tres personajes importantes es gay y los otros dos lo parecen. Sin embargo, una película española con chistes malos y montones de gays es normal, ¿pero basada en un videojuego? ¿En Dance Dance Revolution? Vaya apuesta más atrevida, y la verdad es que el resultado no es malo: es pésimo… pero muy entretenido.

    Dance Dance Revolution: la película

    Dani (Jordi Vilches) es un joven que trabaja en un supermercado y aficionado a los videojuegos, especialmente a la vieja conocida de todos: la Dance Dance Revolution. Junto a sus amigos Josemi (Óskar Salcedo) y Óscar (Eduardo García) suelen reunirse en el New Park, un gran local de maquinitas de arcade, donde gastan cada centavo ganado para farolear en la popular máquina de baile.

    Reseña de la película La Máquina de Bailar
    Presentando a los Tigres del New Park

    Un día, el gerente del supermercado donde trabaja Dani decide irse de vacaciones y deja encargada su mascota al joven empleado: una rarísima boa albina domesticada a la cual tiene que alimentar diariamente con un hámster y leerle algunas páginas de la filosofía de Nietzche para desestresarla. Si la situación ya de por sí es absurda, toma un giro más extraño cuando por hacer una fiestecita en la casa de su jefe, la boa literalmente explota en pedazos. Ahora tendrán que conseguir el dinero necesario para comprar una mascota que supla a la anterior sin que su dueño note el cambio.

    De aquí en adelante la trama es un cheque al portador. Todos sabemos qué sigue, todos intuimos los giros que dará la historia y anticipamos el final con precisión matemática. ¿Cómo conseguirán el dinero nuestros intrépidos héroes? ¡Claro! ¡Jugando a que bailan! Un concurso nacional de Dance Dance Revolution se llevará a cabo en el famoso Salón del Manga (advertencia, la película está atascada de referencias frikis) y repartirá diez mil euros al equipo ganador, extrañamente la cantidad justa y necesaria para recuperar al reptil inmolado.

    Reseña de la película La Máquina de Bailar
    Tendrán que bailar para comprar una nueva boa

    Entran en escena el resto de personajes que le darán vida a esta especie de comedia y sátira: Johnny (Santiago Segura), quien atiende el New Park y era un gran bailarín; Salva (Chema Rodríguez), un afeminado nerd; y Lara (¿Croft?), interpretada por Bárbara Muñoz, que se volverá en algo así como la niña deseada y la manzana de la discordia. Con la guía y supervisión de Johnny, los cinco tendrán que aprender a bailar y coordinar sus movimientos para el gran concurso organizado por Konami.

    Obviamente tenemos que tener un antagonista que en el caso de La Máquina de Bailar recae en Fernando, quien odia a Johnny por alguna extraña razón y desea frustrar todos sus sueños, ganar el concurso de DDR incluido. Hay que reconocer que después de un rato los personajes al menos terminan cayendo bien y uno siente cierta empatía con cada uno de ellos.

    Reseña de la película La Máquina de Bailar
    Johnny los llevará a que aprendan a bailar de verdad

    Referencias frikis a la vista

    Afortunadamente tanto absurdo y ridículo llega a ser muy entretenido. La Máquina de Bailar tiene todos los elementos para ser catalogada como una película mala, incluyendo unas actuaciones irregulares (salvo la de Santiago Segura que hace un personaje increíble), pero a su favor tiene una dirección atinada que en varios momentos logra rescatar risas e insertar magistralmente elementos y parodias de películas ochenteras como Karate Kid, Rambo y Rocky, así como referencias a varios videojuegos más.

    Por si fuera poco, retrata de maravilla el submundo friki que rodea a eventos como las convenciones de anime: es realmente de risa ver a los gorditos con sus bandas de Naruto apoyando con lujuria a Lara durante su rutina, o la bola de disfrazados nerdos aplaudiendo -como nerdos que son- cada pasito de la coreografía… es verídico, existe, y esta película lo retrata cual si fuera documental de la vida real. Imposible no sonreir.

    Reseña de la película La Máquina de Bailar
    Una película española basada en Dance Dance Revolution… increíble

    La banda sonora de La Máquina de Bailar obviamente incluye canciones y música de Benimani, clásicos como “What a Feeling”, “Dam Dariram”, “Buttefly” y “Breakdown” le dan algunos puntos extras. El resto de apartados técnicos son apenas regulares, no despunta en ningún rubro, y en cambio es una cinta con demasiados, exageradamente demasiados, errores de coherencia. No es raro ver que los concursantes bailan en el tapete derecho mientras que los pasos realmente están en el tapete izquierdo, igualmente, parece que las flechas se pisan solas pues los bailarines están incluso a veces fuera del mueble cuando las pisadas se están marcando adecuadamente en la pantalla. Monjes shaolin japoneses, fulanos que se saben de memoria las canciones sin haber pasado nunca antes ni la mitad y concursos realizados en modos de dificultad baja le restan algunos puntos freaks al valor de producción.

    Personajes seleccionables de La Máquina de Bailar

    DANI: uno de los personajes más aburridos de La Máquina de Bailar, y desgraciadamente el protagonista. Un poco miedoso, un poco tarado, pero amante de la Dance Dance Revolution, tiene todos los récords del juego… en algo así como la dificultad súper facilísima. Su pinta de friki se complementa con un lindo aretito de flor en la oreja que lo hace ver como el líder que es de Los Tigres del New Park. Como era de esperarse, tiene sentimientos nobles y tiernos por Lara.

    Reseña de la película La Máquina de Bailar
    Dani es el mero perrón para jugar Dance Dance Revolution

    JOSEMI: el más aburrido del roster, poco menos maleta que Dani para jugar DDR (me refiero a lo que aparenta en la vida real) y el clásico personaje que se siente galán de telenovela. Juega un papel importante entre protagonista/antagonista y como también era de esperarse, tiene sentimientos sucios y cochinotes para con Lara.

    ÓSCAR: el clásico chavo gordito, bonachón y mal hablado que nunca pueda faltar en un local de maquinitas. Lo usan de chiste y compra perfumes de feromonas para ligar a alguna despistada en el arcade. Tiene un problema de lateralidad por lo que el pobre mocoso no distingue izquierda de derecha ni arriba de abajo. De esperarse, también como que se quiere tirar a Lara.

    SALVA: reclutado de rebote para completar el equipo, este afeminado con lentes y cabellera ñoña se convierte en un personaje más divertido que los mismos protagonistas. Le encanta la ropa ajustada y aunque dice que hace como 40 mil puntos la verdad es que juega terrible. Parece tener sentimientos nobles por Dani. =)

    LARA: una niña popis quien entra de último momento para completar el equipo. Se puede abrir de piernas, tiene la “Play” en casa con tapete metálico y antes era una gorda traga Sabritas que bajó de peso gracias al modo fitness de la Dance Dance Revolution. Ahora todo mundo quiere con ella… menos el maricón de Salva, claro. Colecciona tarjetas tiernecitas y las entrega en toda ocasión para expresar sus ridículos sentimientos.

    Reseña de la película La Máquina de Bailar | Lara
    Lara es la manzana de la discordia

    JOHNNY: atiende el New Park y es una especie de ídolo local. Gran bailarín de los años 70, llegó a la final juvenil. Practicó kung fu con el maestro de Bruce Lee, trabajó para la NASA, realizó misiones de infiltración en Cuba y Vietnam, trabajó con el Servicio Secreto entre muchas otras cosas. Todos lo admiran por sus historias y es el alma del equipo, un accidente lo dejó medio cojo pero no le impide enseñarles a bailar. Tiene la afición de sacar el anillo de Fernando del inodoro cada que se le cae. La verdad que este personaje se roba la película: excelentemente interpretado.

    FERNANDO: el villanazo de la historia, odia a Johnny pese a que son aparentemente amigos desde muy jóvenes, acostumbra tirar su anillo al retrete y tomar notas mentales con una grabadora. Es inmensamente rico, socio de una secta de encapuchados, dueño del New Park y quien le da trabajo al mismo Johnny, pero hará hasta lo imposible por hacer que pierdan.

    Reseña de la película La Máquina de Bailar | Buscador Moogle
    Moogle, el buscador de La Máquina de Bailar

    Con todo, ¿vale la pena verla? Definitivamente sí.. bueno sí eres fanático de los videojuegos. La Máquina de Bailar es una propuesta interesante, aunque tiene incontables fallas nunca deja de ser entretenida y las referencias al cine ochentero, el anime, convenciones, los gordos disfrazados de Naruto, el buscador Moogle y referencias a otros videojuegos son un plus que aunque pudieron quedar mucho mejor logradas, se agradece el intento de ponerlas todas juntas. Junto a los amigos y una bolsota de chicharrones, La Máquina de Bailar puede arrancarnos algunas carcajadas y pasar volando 109 minutos. Muy recomendable, es una especie de placer culposo. Si este no es tu mundo… aléjate, te parecerá la peor cochinada del cine.

  • El Duelo (Fearless)

    El Duelo (Fearless)

    Basada en la vida y obra del gran maestro Huo Yuanjia, fundador de la Federación Deportiva Jing Wu, que entre sus propósitos tenía el fomentar las virtudes y conceptos del Wushu entre su gente, llega esta cinta de Jet Li con una buena producción y presupuesto invertido. El esfuerzo deja buen sabor de boca. Jet Li hace mancuerna con los conocidos y exitosos Ronny Yu (The Bride with White Hair, Freddy vs Jason) y el maestrazo coreógrafo Yuen Wo Ping (Kung Fu Hustle, Matrix, Kill Bill).

    El Duelo (Fearless) | Reseña

    La película El Duelo muestra tanto realidad como ficción. Vemos un joven Huo Yuanjia deseoso de aprender artes marciales de su padre, a lo cual el ruco se niega, en parte porque el jovenzuelo padece asma; ésto lo lleva a entrenar por cuenta propia a escondidas de su familia, además de la decepción de ver que su padre al pelear en público no puede dar ese “golpe final” para terminar a su adversario. Después de recibir una tunda por parte de otro monito, el muchacho jura no volver a perder jamás.

    A lado de su buen amigo Nong Jinsun (su voz de la razón, interpretado por Dong Yong), Huo Yuanjia crece sin comprender el verdadero significado del Wushu, sin perder combate alguno y con una sola idea en mente, el convertirse en el “campeón de Tianjin” más que nada por gloria y fama. El deportivismo y humildad no existen para él.

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    Falsos discípulos, chupe, despilfarre, arrogancia y un juego de venganzas, llevan a la pérdida de todo lo que más quiere. Lleno de tristeza y vergüenza, huye de Tianjin, encontrándose después en una pequeña aldea a kilómetros de distancia. La abuela Sun y su nieta Moon, (interpretada por Betty Sun) con su generosidad, amabilidad, humildad y simples consejos y enseñanzas llenos de fuerza y contenido lo encaminarán a rehacer su vida y comprender sus errores.

    Huo regresa años después a un Tianjin muy cambiado ocupado por extranjeros ya que es el periodo de invasión europea y japonesa. Siempre apoyado por su incondicional amigo, y con una nueva mentalidad, comprendiendo la conexión entre el cuerpo, mente y alma, y en donde el futuro de las artes marciales reside en el deportivismo y no en la brutalidad, ahora pelea no por andar de gallito ni por satisfacción propia, sino para demostrar el orgullo e identidades del pueblo chino.

    Reseña de la película El Duelo, cine y Blu-ray
    Las secuencias de artes marciales y peleas son increíbles

    Cine de artes marciales

    En una pelea muy promocionada, Huo enfrenta a un gigantesco luchador americano, Hercules O’Brien (encarnado por Nathan Jones), quien se refiere a los chinos como “los hombres enfermos de Asia”. La pelea pone a Huo en el ojo de representantes de las naciones extranjeras en China, quienes creen que su victoria ante el inmenso luchador pueda despertar un sentimiento anti occidental. Esto los lleva a organizar un evento en donde el maestro Huo Yuanjia se enfrentará a cuatro representantes de las mayores fuerzas extranjeras en el país: un boxeador británico, un prusiano maestro de la lanza y un esgrimista español, además del excepcional combatiente japonés Anno Tanaka (encarnado por el increíble Shidō Nakamura II), a quien Huo conoce en una escena anterior intercambiando filosofías y demostrándose verdadero respeto.

    De esperarse, y en la tradición de Yuen Wo Ping, las peleas son estupendamente coreografiadas. No se exagera en el uso de cables como en otras películas de Jet Li (¿Fong Sai-Yuk?) y se recurre en ocasiones a la ayuda de imágenes generadas por computadora. Todo en alas de mostrar de una manera más vistosa las fantásticas habilidades de Li y los otros combatientes.

    Reseña de El Duelo (Fearless), cine y Blu-ray
    Huo Yuanjia enfrenta a un enorme luchador americano

    Mucho se ha dicho que la razón para que Jet Li deseara hacer El Duelo fue debido a la reciente ola de suicidios entre la juventud china. De alguna manera se busca inspirar a éstos jóvenes a vivir con un espíritu más fuerte y apreciar más sus vidas, tal y como el maestro Huo Yuanjia lograra en su tiempo. Algunas otras películas relacionadas (ficción incluida) y que tratan eventos después de la muerte del maestro y donde los protagonistas hacen el papel de un presunto alumno son Chen Zhen/Zheng Sheng: Fist of Fury (1972, Bruce Lee), New Fist of Fury (1976, Jackie Chan) y Fist of Legend (1994, sí, con Jet Li).

    La versión del director de Fearless

    Como dato final, las versiones de El Duelo llevadas al cine fueron recortadas a tan sólo 102-106 minutos. A principios de 2007 se liberó en Hong Kong la tan esperada Director´s Cut de Fearless que incluye aproximadamente 40 minutos de metraje no exhibidos anteriormente. ¿De qué constan esos momentos extras antes mochados? Básicamente una pequeña trama completa: Michelle Yeoh (Crouching Tiger Hidden Dragon, Wing Chun, Memorias de una Geisha) hace el papel de una artista marcial buscando lograr que el Wushu sea incluido en los Juegos Olímpicos de Verano como un evento, aunque su participación es más bla bla bla que nada.

    Reseña de El Duelo (Fearless), cine y Blu-ray
    Kung Fu vs esgrima, hay de todo en la película El Duelo

    Se rumora que al conocer que la parte en donde Michelle Yeoh aparecía sería suprimida, Jet Li viajó exclusivamente desde Los Ángeles hasta Hong Kong para disculparse personalmente. Claro que Michelle, con su conocida amabilidad, dijo entender las razones del estudio.

    Otras escenas también eliminadas de Fearless presentan una larga y genial pelea entre Jet Li y un boxeador thai (Bei Cha, interpretado por el campeón de la especialidad, Somluck Kamsing) cuando se encuentran en la aldea de Moon y Sun, así como otros pasajes sobre la juventud de Huo Yuanjia. Verdaderos fanáticos seguramente buscarán esta versión más completa.

    Reseña de la película El Duelo (Fearless), cine y Blu-ray
    Jet-Li contra Shidō Nakamura II

    Aunque no fue la última cinta épica y de artes marciales de Jet Li, si su intención era despedirse, ¡vaya manera de hacerlo! El Duelo es una película redonda, muy entretenida, del corte que los fanáticos siempre gustamos entre nuestras favoritas de Kung Fu y fácilmente una de las mejores del género. Una película con excelentes coreografías de batalla, una trama que te atrapa y las actuaciones adecuadas para mantenerte pegado al asiento viendo la inspiradora historia del maestro Huo Yuanjia.

  • Temporada de Brujas

    Temporada de Brujas

    Lo único seguro cuando uno se dispone a ver una película con Nicolas Cage es la incertidumbre, ya que el actor se presta para hacer cine y personajes de todo tipo. En Temporada de Brujas, Nicolas Cage vuelve a tomar un papel de acción, en este caso interpretando al héroe de esta historia ubicada en la Edad Media, en donde se toma de trasfondo el conflicto de la Iglesia contra los herejes y la cacería de brujas de la época. ¿Vale la pena ver esta película?

    Temporada de Brujas | Reseña

    El año es mil 300 y pico. El escenario histórico, las Cruzadas. Es en esta época donde la Iglesia busca acabar con todo aquel que no profese la religión católica y en su campaña no sólo declaró la guerra a otros pueblos y religiones, sino que frecuentemente acusaba de brujería a todo el que los mirara feo… para terminar colgándolos, claro. Nicolas Cage interpreta a Behmen de Bleiruck, un caballero cruzado que junto con su compañero Felson (Ron Perlman) deciden retirarse de las órdenes de la Iglesia después de como diez minutos de película en los que matan según eso a muchos inocentes, muchas mujeres y montones de niños.

    Siendo desertores vagan más o menos otros diez minutos de la película hasta que llegan a un pueblo infectado por la peste. Ahí son encarcelados cuando se dan cuenta que se rebelaron del mando de la Iglesia, pero puestos en libertad poco después cuando Behmen y Felson aceptan llevar a un monasterio lejano a una muchachona acusada de brujería y de ser quien llevó la peste a la región. Behmen, como buen desertor de la Iglesia que es, acepta en parte por tratar de rescatar a aquella joven y buscar que se le haga un juicio justo pues por experiencia no confía en los métodos de los cruzados. La idea es que entreguen a la bruja a los monjes quienes la enjuiciarían y podrían diseñar un conjuro o algo parecido para detener la plaga.

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    Para el viaje en Temporada de Brujas se unen algunos personajes más, especialmente un monje llamado Debelzaq (Stephen Campbell Moore) quien les advierte de lo peligrosa que es la bruja a pesar de su tierna apariencia de niña bonitay maltratada. Pero para Felson y Behmen la Iglesia culpaba a cualquiera y una cara linda no era la excepción, aunque siempre queda de manifiesto un halo de misterio (y fuerza sobrehumana) respecto a la chica. Total que la trepan a una especie de carreta-jaula y la tropa se dispone a llevarla al monasterio.

    Como cualquiera puede imaginar, el fuerte de la película Temporada de Brujas es precisamente el viaje que harán nuestros aventureros y el desenlace final con la chica acusada de brujería, en un viajecito que incorpora un poco de acción, aventura y hasta algo de suspenso y sustitos.

    Reseña de la película Temporada de Brujas, cine y Blu-ray
    Lo que le faltaba a Nicolas Cage, escoltar a una bruja

    Efectos especiales de Nintendo 64

    Desgraciadamente, ante una premisa tan simple pareciera que el director, Dominic Sena, nunca quiso hacer una película que fuera más allá de eso: simple. Temporada de Brujas peca de incompleta y chafa en casi cualquier aspecto que uno pudiera recordar. Salvo los vestuarios y la fotografía, la verdad es que todo lo demás destaca por ser de verdad muy malo: secuencias de acción poco trabajadas, combates medio sosos, actuaciones más bien sin chiste (quitando quizá a la bruja, interpretada por Claire Foy) y los peores efectos especiales de los últimos cinco años… películas de los 90 lucen mucho mejor que este bodrio, donde vemos monstruos con texturas terribles, extras creados por computadora, persecuciones que dan flojera y escenarios del Medio Oriente que parecen creados en un Nintendo 64.

    Sí eres como yo, de los que piensan que una cinta puede salvarse con unos buenos efectos especiales, aléjate de Temporada de Brujas porque los efectos especiales están más guangos que la trama.

    Reseña de la película Temporada de Brujas, cine y Blu-ray
    Los personajes principales de Temporada de Brujas son bastante olvidables

    Las escenas de acción incluyen puentes que se caen, peleas contra lobos endemoniados, franciscanos sangrientos y hasta una especie de boss battle final. Ninguna muy bien lograda, aunque más o menos funcionan en conjunto para mantenerte interesado en la historia. Tengo que reconocerlo, más allá de que cada minuto que pasaba podía apreciar más el tamaño de churro que estaba viendo, la verdad es que la narrativa, aunque simple, funciona bien y te mantiene lo suficientemente interesado como para saber en qué termina la historia y qué pasará con la bruja… a pesar de ser muy mala, Temporada de Brujas tiene lo necesario para no dormirte y que medio te entretengas.

    El Blu-ray tiene un menú vistoso y bien presentado, y contiene bastante material adicional incluyendo los tradicionales comentarios del director, algunas escenas eliminadas, entrevistas con los actores, un pequeño documental sobre la idea original detrás de Temporada de Brujas y otro que te muestra a los culpables de hacer los (pésimos) efectos especiales. Si lo analizas bien, quizá hasta el material adicional del Blu-ray es más bueno que la película en sí.

    Reseña de la película Temporada de Brujas, cine y blu-ray
    La fotografía deja que desear en Temporada de Brujas

    ¿Recomendable de ver Temporada de Brujas? No mucho, a menos que no tengas otra cosa que hacer o nada más en qué perder el tiempo. La historia te puede mantener interesado a pesar de ser simple, pero los diálogos tontos y esa atmósfera de película chafa y efectos baratos alejan hasta al más clavado de la fantasía y los cuentos de brujas. De lo peor en lo que ha participado Nicolas Cage… para verla bajo tu propio riesgo.

  • Punch Lady

    Punch Lady

    El novel director Kang Hyo-Jin escribe y dirige su segunda cinta después de My Wife is a Gangster. Punch Lady cuenta la historia de una mujer que reta a su esposo a subir al ring tras años de abusos, una crítica a la violencia física de la que son víctimas mujeres en todo el mundo y a la cultura machista en Corea del Sur… eso y algo de comedia y absurdos.

    Punch Lady | Reseña

    Cuando era niña vi a mi padre pelear contra un ladrón. Aunque han pasado varios años, esa imagen dejó una profunda impresión en mí. Viendo ensangrentado el enorme puño de mi papá pensé: “¿qué pasaría si ese puño me pegara a mi?”. Ha-eun no ha podido olvidar esa terrible imagen que la impactó de niña, y ahora, varios años después, sufre en carne propia los golpes de un hombre: su esposo.

    En Punch Lady, Ha-eun, interpretada magistralmente por la talentosa Do Ji-won, es una mujer de 36 años casada con un animal, un famoso peleador de K2 quien aprovecha cualquier pretexto para sobajarla, escupirle, golpearla, zarandearla y agarrarla de piñata… y no es exageración. Durante los primeros minutos somos testigos de una cruel escena donde Joo-chang (Park Sang-uk) arremete con una furia inaudita contra Ha-eun, a quien golpea con puños, pies y todo lo que tenga a la mano y pueda cargar o lanzar contra ella. La escena de entrada está increíblemente bien lograda, difícilmente podremos ver en cine una interpretación tan realista y dramática de la violencia intrafamiliar como esta de Punch Lady.

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    Los golpes terminan y Joo-chang deja inconsciente a su mujer. Algunas horas más tarde intenta reconciliarse con ella durante la comida, pero nuevamente, un platillo que no es de su agrado es motivo suficiente para que Ha-eun sea atacada, esta vez para su desgracia, aparece en escena la hija del matrimonio, Chun-shim (interpretada por Choi Seol-ri), quien cansada de los abusos para con su madre increpa a ambos. Joo-chang arremete también contra la niña a quien descalabra lanzándole un cenicero para luego atacarla con un bastón de golf…. justo a tiempo su madre logra aturdir al enfurecido padre golpeándolo con una sartén.

    Ha-eun es demandada y encarcelada por lesiones contra Joo-chang (¿les suena familiar la historia?). Trece años de abusos en el matrimonio llegan a una pausa cuando su hermana paga la fianza y le aconseja abandonar a su esposo y mudarse con ella. Así comienza una nueva vida, pero a los pocos días se encuentra con un ex novio, quien curiosa y misteriosamente resulta ser también un luchador profesional de K2 (a los coreanos les encantan las extrañas coincidencias) quien dentro de algunos días peleará contra su marido y le pide que vaya a verlo, como intentando de alguna manera vengar los abusos sufridos hacia la mujer.

    Reseña de la película Punch Lady, cine y blu-ray
    Ha-eun amedrentada por su esposo

     K2, el escenario de de Punch Lady

    Más dramática (y predecible) no podría tornarse la historia en Punch Lady. Con golpes ilegales, Joo-chang no sólo derrota al antiguo novio, sino que lo mata en combate. Ha-eun atestigua todo en la arena y en un ataque de rabia, locura y algo de valor lanza un reto a su esposo durante la rueda de prensa: lo derrotará en el ring de K2 dentro de tres meses, le hará pagar los abusos de una vez y por todas en el lugar en que más orgulloso se siente. Aparentemente, es la primera vez que la miedosa mujer tiene un gesto de decisión o coraje en su vida. El reto se convierte en una bomba en Corea; Ha-eun es asediada por reporteros y se convierte en una figura mediática. Por ridículo que pudiera parecer, el reto es aceptado y el evento especial del K2 será el encuentro hombre contra mujer, donde Joo-chang subirá al ring con un brazo atado a la espalda para equilibrar un poco el hándicap existente.

    Desde este punto la historia en Punch Lady gira en mil direcciones distintas. La primera media hora de drama de repente se ven apagada por una clásica dosis de comedia al más puro estilo coreano. Y es que a este tipo de cine le encanta meter algunos chistes para aligerar la tensión aún en las situaciones más absurdas, dramáticas y terroríficas. Así que tenemos que los chistes coreanos nunca faltan en películas coreanas, por muy seria que sea la temática que manejen.

    Crítica de la película Punch Lady, cine y blu-ray
    Comedia, acción, drama y hasta artes marciales en Punch Lady

    Ha-eun decide afrontar con seriedad su reto y busca un gimnasio donde entrenar. Desgraciadamente es rechazada en todos lados, hasta que llega a un antiguo gimnasio de boxeo tailandés próximo a convertirse en guardería. El actual dueño, quien es profesor de matemáticas de su hija, no conoce ni un ápice de artes marciales pero es tentado por una jugosa oferta de dinero que le realiza la mujer en caso de que venza en el combate, por lo que fingirá ser un experimentado entrenador (como si fuera lo más problable que ganara). El sentimiento de la responsabilidad le invade pronto al profesor Soo-hyeon (Son Hyun-joo) y decide aprender artes marciales por su cuenta para intentar ayudar a su discípula.

    Remix de géneros

    Ha-eun crecerá como mujer, como madre, como persona y como peleadora obviamente. No deja de sonar ridículo que pueda aspirar a vencer a un campeón profesional con tan sólo tres meses de entrenamiento, y menos cuando tomamos en cuenta que su maestro en realidad es un entrenador patito que sabe igual o menos que ella sobre kick boxing. Pero ¡heey! Es una película coreana, aquí todo se vale.

    Crítica de la película Punch Lady, cine y blu-ray
    "Cine coreano, ¡WTF!"

    Punch Lady es una amalgama de comedia, sátira, artes marciales escenas dramáticas y satinado con un poco de romance inocentón. En un momento, el villano en turno, Joo-chang, nos hace fruncir el ceño cuando amedrenta a su mujer, al poco rato nos enteramos de la cruda realidad de los recuerdos del padre de la protagonista y unos minutos más tarde sonreímos por las inverosímiles secuencias de entrenamiento que realiza Ha-eun. ¿Crees que la película tendría algo de Rocky? En efecto, las clásicas secuencias de acondicionamiento están incluidas con todo y música de gimnasio. El apartado musical es de hecho sobresaliente, aunque se nota la influencia del cine gringo en cada melodía de fondo.

    Por extraña que parezca la mezcla y el salto tan disímbolo entre la violencia familiar y la comedia ligera, la verdad es que Punch Lady nunca deja de ser entretenida. Los personajes actúan e interactúan tan bien entre ellos que terminas creyendo cada absurdo, cada ridículo y cada inverosímil que se muestra en pantalla. Te convences de lo que ves, lo aterrizas como creíble y disfrutas una película que durante 120 minutos te absorbe para terminar apoyando la causa feminista.

    Reseña de la película Punch Lady, cine y blu-ray
    Campeón de K2 y golpeador de mujeres

    El resultado final en Punch Lady es lo de menos, pese a las claras dificultades para representar un combate equilibrado, me parece que el producto final es muy bueno. Aunque está lejos de ser Million Dollar Baby, la película termina por atraparte completamente pese a ese sentimiento de brincar entre géneros y situaciones.

  • Crítica de Cinco Días Para Vengarse (Oldboy)

    Crítica de Cinco Días Para Vengarse (Oldboy)

    Ganadora de 17 premios internacionales, entre ellos el Grand Prix del Festival de Cannes, Oldboy (comercializada en México como Cinco Días Para Vengarse) es considerada no sólo una de las mejores cintas asiáticas de todos los tiempos, sino una de las mejores películas del cine moderno. ¿Realmente es una obra maestra?

    Cinco Días para Vengarse (Oldboy)

    Dirigida por Park Chan-wook, Cinco Días Para Vengarse es quizá una de las películas asiáticas más sonadas y aduladas por los fans del cine oriental y las cintas alternativas, un largometraje que algunos comparan con aquellos filmes en la tradición de Tarantino: violencia, acción, excelentes tomas y una trama sencilla y digerible pero bien elaborada, sin embargo tiene en realidad muy pocas similitudes con el cine del oriundo de Tennessee.

    Oh Dae-su (interpretado con maestría por Choi Min-sik), una persona común y corriente, se preparaba a celebrar el cumpleaños de su hija cuando de repente es secuestrado frente a una caseta telefónica sin dejar rastro y sin motivo real aparente. Durante su encierro, su esposa es asesinada y Oh Dae-su se convierte en el primer sospechoso al encontrar su sangre en la escena del crimen y pruebas que lo ligaban con el asesinato de su mujer, pero éste sería sólo uno de los muchos sucesos que viviría atrapado en un cuarto de hotel durante quince años… Hasta que repentinamente es liberado.

    Es aquí donde comienza lo “bueno”, y lo pongo entre comillas porque uno no termina de entender durante gran parte del tiempo lo que está sucediendo en pantalla y se queda esperando lo “bueno” casi todo el rato.

    Continuando, Oh Dae-su sale hecho todo un terminator de su encierro, pues como buen rehén se dedicó a entrenar durante quince años haciendo lagartijas y pegándole a las paredes de su cuarto como desquiciado; y no sólo eso, se convierte también en todo un hombre de caché, un erudito que aprendió los modos del mundo moderno, criminología, avanzadas técnicas de investigación, espionaje y toda clase de conocimientos inútiles observando durante días enteros el Discovery Channel y el MTV coreano.

    Uno no puede más que maravillarse de lo absurdo que resulta esto, pero al final de cuentas es una película, así que tratamos de dar el beneficio de la duda y continuar con el filme porque aparentemente ya viene “lo mero bueno” en Cinco Días Para Vengarse.

    Cinco Días para Vengarse (Oldboy)
    Sin ser de acción, la violencia transpira en cada escena

    Peleas chafas con escenas de acción clásicas casi como del cine mexicano ochentero nos demuestran el vasto dominio de las artes marciales que nuestro protagonista adquiere en su encierro, en una historia que nos comienza a querer mostrar el por qué de su secuestro, el por qué de su liberación, el por qué continuamos viendo esta película y la búsqueda de venganza de Oh Dae-su a base de cachetadas guajoloteras a cualquiera que se le atraviese en el camino.

    A pesar de que la crítica ha acomodado a Oldboy muchas veces dentro del género acción, la película contiene poca y las secuencias al respecto son casi siempre pobres. Por fortuna el fuerte del filme no está en las patadas y los karatazos, sino en el desenvolvimiento de la trama, habiendo de reconocer que pese a ser una historia que insípida durante poco más de una hora, termina siendo interesante y uno no puede más que preguntarse qué pasará después, ya saben, giros en la trama y ese típico suspenso de los buenos thrillers, contado al estilo coreano.

    Ríe y el mundo ríe contigo; llora y llorarás sólo

    Cierto, Cinco Días Para Vengarse tiene muchos baches y escenas que simplemente desvían la atención de la trama principal sin ofrecer algo bueno a cambio, escenas que para bien pudieron haberse recortado, especialmente, y aunque suene muy repetitivo, algunas de acción; sin embargo el resultado en general es bueno y Oldboy es una película que a menos de que la veas con mucho sueño promete tenerte pegado a la pantalla si intentas seguir adecuadamente la trama e indagar en el pasado de los personajes.

    Cinco Días para Vengarse (Oldboy)
    El protagonista sale de su encierro hecho una furia y un greñero.

    La historia nos va sumergiendo en el significado de la venganza, lo dulce que pudiera ser y la necesidad real de desquitarse con quien te la debe, sobre todo cuando la primera explicación de Oh Dae-su es que su encierro obedeció también a una venganza contra su persona.

    Oldboy nos presenta después a Mi-do (Kang Hye-jeong), una muchacha quien extrañamente cae enamorada del finísimo Oh Dae-Su y le ayudará a obtener su venganza y aclarar su oscuro pasado. La trama en esta parte  alcanza su punto más fuerte, con nuestro protagonista intentando encontrar no sólo respuestas, sino al culpable de sus penas, en una búsqueda que lo enfrentará con la mafia local, pandilleros de poca monta y un villano que no termina de convencer en una carrera contra reloj para lograr su cometido en tan sólo cinco días.

    Mido es una buena adición al embrollo, tiene carisma y su actuación es mucho mejor que la de cualquier otro personaje de reparto en el filme, aunque no toma real importancia su rol sino hasta el final. El villano en turno no goza de la misma suerte, y mientras a veces luce muy, muy malote, otras ocasiones luce bastante cursi; los papeles de soporte son buenos a medias, la mayoría lucen sobre actuados y exageradamente irreales… Bueno, los actores de soporte y extras en realidad son muy malos.

    Cinco Días para Vengarse (Oldboy)
    ¡Ay wey, con que esto es un elevador!

    Del manga a la pantalla grande

    Como punto a su favor, Cinco Días Para Vengarse tiene un buen manejo de cámara que es acompañado de escenas fuertes, tampoco nada fuera del otro mundo ni tan gore, pero no deja de sorprender y hacer fruncir el ceño. Estas secuencias sí lucen muy bien, se ve que las trabajaron mucho y el efecto logrado es muy bueno, realmente te hacen fruncir la cara.

    Desgraciadamente los subtítulos al español latino no ayudan mucho, contienen varios errores y brincos, pero no son obstáculo para entender la cinta que ya hacia al final toma tintes densos en un argumento que promete mucho, se desarrolla más o menos bien y cuyo final, tras conocer el porqué del encierro de nuestro protagonista, te deja ese sabor de que quizá pudiste hacer algo más entretenido en esas dos horas de tu vida. No me malentiendan, el final es bueno pero la explicación final nunca me convenció… habrá a quien si lo haga.

    Cinco Días Para Vengarse está basada ligeramente en el manga Old Boy, de Garon Tsuchiya, se mantienen los aspectos del misterioso encierro y la liberación del protagonista, pero las causas de las venganzas, pasajes de la historia, el final y hasta los protagonistas son diferentes a los del filme.

    Cinco Días Para Vengarse (Oldboy)
    Este fotograma es parte de la mítica escena de acción grabada en una sola toma, patrimonio culturla del cine moderno. A mí me pareció muy “X”.

    En conclusión, Cinco Días Para Vengarse es una película interesante en su narrativa, pero con un desenlace inesperadamente absurdo que resulta. Y si no estés dispuesto a poner a trabajar tanto el cerebro, es probable termines con sueño y aburrido. Eso sí, no la veas con tu novia(o) ni con tus amigos, Oldboy es de esas películas que por muy buenas críticas que haya tenido, a la mitad de la gente le parecerá muy aburrida.

  • Reseña de Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2

    Reseña de Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2

    Desde hace varios años los videojuegos basados en licencias de anime y manga se han estacando en un bache que parece no tener salida, títulos que terminan navegando casi siempre en el aburrimiento. Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2 lucía como la carta fuerte del año tanto en PlayStation 3 como Xbox 360… ¿Un juego que le hace justicia a los fanáticos de la serie o es mejor esperar la llegada del siguiente ninja?

    Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2

    Éste es básicamente un juego de peleas. Tienes a tu disposición a la mayoría del casting Naruto Shippuden y compites en un escenario en 3D que puedes recorrer mientras te acercas o pones distancia de tu enemigo para atacar. Escoges a un personaje central para pelear y a dos más que puedes invocar para que te ayuden durante el transcurso de la pelea.

    ¿Se lee sencillo? Lo es, Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2 maneja un esquema de control muy simple, donde tienes un botón para ataque, uno para lanzar shurikens (o algún otro artefacto ninja), uno para brincar/evadir/acercarte, uno para cargar tu chakra, lo cual combinado con los otros botones te permite realizar técnicas más poderosas, combinaciones especiales y evasiones instantáneas, mientras que con los gatillos pones defensa, realizas agarres y llamas a alguno de tus ayudantes a que salgan a hacerte el paro. La cruz te sirve para usar uno de los cuatro accesorios que puedes equiparte antes de la pelea y que pueden ser objetos que arrojas al rival, o bien, subir tus atributos durante algunos momentos.

    Si alguna vez jugaste el primer Ninja Storm te darás cuenta que en esencia hay pocos cambios en el motor de batalla. La dinámica es muy similar pero las peleas recibieron algunos ajustes que las vuelven más dinámicas y entretenidas. Para comenzar, se redujo el tiempo de duración de las técnicas especiales (Ultimate Jutsus), que a veces parecían summon de Final Fantasy.

    Otro cambio está en tus ayudantes, que suelen ser más útiles que en el primer título y gracias a que pueden ser de ataque, defensa o de soporte las combinaciones para usarlos se amplía radicalmente, entran mejor en combos, te cubren en situaciones peligrosas y pueden darte tiempo para cargar tu chakra o poner pies de por medio.

    Los personajes de apoyo también incrementan su grado de participación en Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2, si los llamas en varias ocasiones habrá situaciones donde de manera automática entrarán a la batalla para alargar tu cadena o resguardarte de tu enemigo. Si continúas con este estilo de juego podrás llenar tu barra de soporte y acceder a combinaciones en equipo: los tres personajes le hacen bolita al rival con una técnica triple masiva.

    Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2
    Jiraiya contra Tsunade, dos de los favoritos del anime.

    Los personajes seleccionables también recibieron retoques para diferenciar más a aquellos que son peleadores de corta, mediana y lejana distancia, existiendo algunos que pueden usar varios estilos. Todo parece optimizado para un mejor desempeño en versus y darle vida al más o menos robusto sistema de batallas online que incluye.

    Una nueva aventura de Naruto

    Pero más allá de pelear con los personajes del anime, Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2 ofrece varios modos de juegos. Peleas en línea, versus local, las clásicas opciones y el modo Ultimate Adventure, el otro punto medular del juego y donde CyberConnect2 invirtió más tiempo para intentar recrear con fidelidad las épicas batallas mientras tú las juegas.

    El videojuego nos lleva a revivir exclusivamente los sucesos de Shippuden, comenzando con el regreso de Naruto a Konoha después de que se retiró a entrenar con su maestro Jiraiya por casi tres años, y terminan justo después de la pelea contra Pain. ¿No te suena la historia? Porque seguramente no conoces el anime o el manga, así que puede ser que mucha de la magia que esconde este título no sea de interés para ti.

    Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2
    Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2 incluye un pequeño modo RPG.

    En el modo Ultimate Adventure tomas el control de Naruto (o algún otro personaje en ciertos momentos) a través ocho capítulos más algunas sidequests, para ello recorrerás Konoha, la Villa de la Arena y los alrededores del mundo ninja en una especie de RPG que visualmente me recuerda mucho a los títulos de Final Fantasy en el primer PlayStation, con personajes poligonales explorando mapas a manera fondos prerrendereados que lucen como pinturas. Ciertamente da la impresión que todo el mundo de Naruto queda unas tres o cuadras a la redonda de la Aldea de la Hoja, pero el cambio en general es bueno y me parece más atractivo de jugar que el modo de historia de la primera entrega.

    Batallas al más puro estilo anime

    Conforme recorres los escenarios puedes recolectar algunos ítems para sintetizar armas, medicinas, comida y otras cosas que te ayudarán en tu misión. También puedes encontrar personajes a los cuales ayudas, realizar misiones ninja y en sí gastar algo de tiempo explorando mientras llegas a tu próxima batalla.

    Los enfrentamientos siguen mas o menos de manera fiel al anime, aún las secundarias, así que, por ejemplo, reviviremos la pelea del equipo de Lee y Neji contra los clones de Kisame e Itachi. Pero las que definitivamente no tienen madre son las batallas especiales contra los jefes. Cada capítulo tiene una o dos peleas contra los meros jefes de nivel. Son secuencias impresionantes de acción que incluyen un enfrentamiento donde en determinados momentos manejan secuencias cinematográficas animadas, las cuales controlas mediante QTE (Quick Time Events) al estilo de God of War.

    Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2
    Las batallas contra los jefes de capítulo son alucintantes.

    No sólo eso, los combates suelen manejar minijuegos que no ves en ninguna otra parte de Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2. Por ejemplo, en la batalla Gaara contra Deidara llegará un momento en que Deidara montará en un pájaro gigante de plastilina y se marcha volando, para lo cual tú vas a perseguirlo con tu nube voladora de arena mientras le lanzas disparos (de arena también) en un intento por detenerlo, todo mas o menos con un esquema de shooter tradicional. Pero no sólo es llamativo jugarlas, sino que realmente es impresionante verlas: si eres fanático de Naruto, tan sólo estas batallas harán justificable tu compra.

    Sí. en la entrega anterior había algunas batallas con jefes, pero no están cerca de la calidad gráfica y de coreografía visual que CyberConnect2 logró en esta ocasión. Lo mejor de todo es que se dieron la libertad de crear algunas secuencias distintas a la caricatura, como para darle frescura y sorprender un poco a quienes ya nos sabemos cómo termina todo.

    Y aunque las batallas con los jefes se llevan las palmas, el trabajo gráfico y la presentación de Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2 es muy buena en lo general, desde los menús bellamente animados hasta los atractivos e impresionantes poderes ultra ninjísimas que nos presenta el modo de historia. Desgraciadamente, el estilo cel-shaded muestra algunos fallos fuera de las peleas, ya que en el mapa normal las figuras poligonales lucen con muchos jaggies y se ve como si los personajes de repente no correspondieran con el fondo. También hay algunas fallas en la sincronización entre voz y labios.

    Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2
    El apartado visual es una delicia, Naruto nunca se había visto tan bien en videojuego.

    Hablando de voces, el juego incluye doblaje en inglés y japonés, e independientemente de que el lenguaje japonés es la obvia selección, las dos opciones están bien logradas ybien actuadas. La música es buena, apacible, calmada y disfrutable, como apenas acompasando lo que sucede en pantalla, pero te recordará a los temas de muchos RPG, y no es para menos pues es compuesta por Chikayo Fukuda, a quien quizá hayas escuchado en los juegos de .Hack//G.U. para PlayStation 2.

    Un jutsu con algunas fallas

    ¿Algunos otros puntos bajos de Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2? Claro que tiene. Los más fanáticos extrañarán algunas peleas o que se les diera más importancia a otras, y aunque la selección de 45 personajes (incluyendo a Lars, de Tekken 6) es más que extensa, se extrañan a viejos conocidos.

    También, el sistema pareciera estar diseñado para los spammers, aquellos personajes que pueden lanzar más objetos y técnicas de largo alcance en masa… No es que sea imposible derrotarlos, pero es bastante complicado y rompe el equilibrio del juego. Otro punto bajo es la censura ya común en series de anime para nuestro continente. Le bajaron a la sangre, a las bubis, a las groserías y al romance. Todo para que según fuera apto para adolescentes.

    Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2
    Puedes desbloquear a Lars (Tekken 6) como personaje especial.

    Sin embargo, la peor  falla son los tiempos de cargas, los cuales si están de “hazme el chingado favor”. Carga para pasar de una sección a otra, para entrar a un menú, para salir del menú, para entrar una tienda, para salir de la misma, para acceder a una pelea y para regresar al mapa… Carajo, hay secciones de la historia que tarda hasta 20 segundos en cargar para que sólo salga un personaje diciendo “mmm” y volvamos a ver otra pantalla de carga. ¡Es insufrible! Si a eso le añadimos que en la versión de PlayStation 3 el juego tiene el récord de instalación más lenta de la historia -tardando hasta 25 minutos- uno piensa que lo único que hizo el disco fue hacerse tonto.

    ¿Vale la pena la compra? Sí eres fan de la serie, lo vale y por mucho. Si no lo eres, aunque el juego presenta mecánicas interesantes, Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2 está hecho prácticamente para los aficionados; la historia, aunque mas o menos bien contada y bellamente ilustrada, pasará sin tanto sentido para quien no la conozca de antemano, pues CyberConnect2 obvió muchos aspectos. Desgraciadamente, aún para los otakus de hueso japonés, los tiempos de carga y el desbalance en las batallas online le quitan algunos puntos. Aún así, estamos ante uno de los videojuegos que mejor han retratado una licencia de anime y manga, y eso ya es de agradecerse.