El 19 de julio de 2008 se estrenó en todo Japón Gake no ue no Ponyo (Ponyo on the Cliff by the Sea), y tras sólo un día de estarse exhibiendo causó el llamado “efecto Ponyo” en aquel país: todo mundo tarareaba la canción de los créditos y citaba frases de la novena película animada de Hayao Miyazaki. En México llegaría tiempo después bajo el rebuscado nombre de El Secreto de la Sirenita.
El Secreto de la Sirenita
Lo más llamativo de Ponyo on the Cliff by the Sea es quizá que todo el trabajo de ilustración fue hecho a mano, es decir, no se usaron CG para nada, y es muy notable durante toda la película. Además, siendo una obra original de Hayao Miyazaki, tenía el éxito asegurado aún antes de que comenzara a ser exhibida al público en general, en un país que tiene el anime casi como cultura representativa y en el afamado director a uno de sus mejores exponentes.
Ponyo es una especie de pez dorado creado por el hechicero de los mares Fujimoto. Usando extraños elíxires de colores, Fujimoto crea distintos peces peculiares con ayuda de su poder, esperando regresar la gloria de las especies marinas a la faz de la Tierra. Sobra decir que Fujimoto odia a los humanos por toda la contaminación que producen y tiran al mar, aunque él mismo reconoce que fue uno de ellos hace mucho tiempo.
El caso es que Ponyo se escapa de la casa submarina del mago montada en una medusa, y por azares del destino (un barco que recoge basura) termina en la orilla de un peñasco con medio cuerpo atrapado en una botella de vidrio. Ponyo es salvada por Sousuke (Soske en las versiones doblada y subtitulada al español latino), un niño de cinco años que vive en la casa en la parte más alta del peñasco.
Soske decide adoptarla, la mete en una cubeta, la lleva a la guardería a donde asiste y ahí comienza la aventura: Fujimoto quiere recuperar a Ponyo para evitar un “desastre”, mientras que Soske promete cuidarla y protegerla… Lo que nadie tomó en cuenta es que cuando Ponyo fue rescatada por Soske, él se cortó un dedo, y Ponyo lamió su herida y probó de su sangre. Esto causará un cambio en Ponyo, uno que Fujimoto no tenía planeado y que parece complicar (para él) todo.
“¡Ponyo, Ponyo es un pequeño pez…!”
Ponyo on the Cliff by the Sea
En cuanto a la historia, Ponyo on the Cliff by the Sea puede ser remotamente comparada con el cuento de La Sirenita de Hans Christian Andersen, pero sólo en la idea principal de la trama: Un pez dorado que se quiere hacer humano después de conocer a un humano. Sin embargo, la historia de Ponyo es diferente, menos complicada y mucho más alegre. En pocas palabras, es una película de anime simple, directa y entretenida.
Si hay algo que criticar es quizá la explicación un tanto superficial que dan sobre lo que ocurrirá en el mundo si no se decide el futuro de Ponyo, ya que nunca sabes muy bien qué va a pasar y sientes que finalmente es lo que deseaba el mago y, en lo personal, lo poco que mencionan sobre el pasado del mismo Fujimoto.
Fujimoto encierra a Ponyo en una burbuja para que no ande de caraja
En cuanto a la producción de El Secreto de la Sirenita, se nota un aumento de la calidad en la animación, especialmente si la comparamos con la obra anterior de Ghibli: Ged Senki, la adaptación de los libros de Terramar que hizo el hijo de Hayao, Goro Miyazaki.
Con todo, a Hayao Miyazaki le costó mucho trabajo idear y conceptualizar a Ponyo: él mismo explica que ya está viejo y que las ideas no le fluyen como antes. Muchos rumoran que ésta puede ser su última película y de momento no ha anunciado nuevas cintas animadas.
De lo más llamativo de El Secreto de la Sirenita es sin duda el diseño de fondos y personajes, si bien los personajes se mantienen en ese estilo de animación tan peculiar de Ghibli, los fondos tienen un trabajo especial, como dibujados con crayolas y lápices de colores que asemejan en ocasiones a un libro de iluminar para niños. Sólo los objetos con los que interactúan los personajes tienen un color que resalta, y aunque en teoría puede sonar como una mezcla muy chocante, uno se sorprende de lo natural que se ve y el increíble efecto que logra en la narrativa de Ponyo on the Cliff by the Sea.
La animación está realizada totalmente a mano
Por si fuera poco, todo en esta película parece cobrar vida por sí mismo y tiene montones de detalles que cuesta trabajo creer que se hayan realizado en un anime hecho 100 por ciento con trazos a mano. Los personajes de soporte también son increíblemente divertidos y detallados, todos parecen entrar, hablar e interactuar en el momento justo, no sólo para hacer crecer el mundo de Ponyo, sino porque realmente aportan algo al largometraje.
Sobra decir que Hayao Miyazaki es un genio en trasladar la personalidad y los gestos de niños pequeños a una película animada. Soske y Ponyo tienen magia por sí mismos más allá de la historia que presentan y es imposible no sonreír con sólo verlos. Eso sí, recomendable verla con su doblaje original pues el doblaje al español, aunque bueno, no alcanza lo bien realizado de las voces en japonés.
Ponyo es una de las mejores películas de Studio Ghibli
En el apartado musicial, el tema principal de la Ponyo on the Cliff by the Sea es tan, pero tan pegajoso, que era realmente poca la gente que no lo conoció y cantó en Japón, desde niños hasta ancianos. Entre los intérpretes de la canción está Nozomi Oohashi, una niña de ocho años, y no es tanto de sorprenderse, ya que los actores de voz de Ponyo y de Soske tienen también la misma edad. En español la canción también es muy pegajosa y aparece en los créditos finales, que por cierto, son los créditos más cortos que he visto en mi vida.
El resto de composiciones no desmerece, con la interpretación musical del tema principal sirviendo como fondo en varias partes de El Secreto de la Sirenita, acompañada de melodías que encierran cierta nostalgia tanto de la infancia, como de otras películas de Ghibli. Otro aspecto en el que la cinta animada es casi perfecta.
Nunca falta el elemento mágico en las animaciones de Hayao Miyazaki
En conclusión: Ponyo on the Cliff bye the Sea es una película de anime muy bien lograda, en un ambiente colorido que resalta a primera vista. La trama es alegre e interesante, aunque creo que pudieron haber ahondado un poco más en el final. Va que vuela para ser un clásico, especialmente porque es creación original de Hayao Miyazaki y por su increíble manejo de animación tradicional. Junto con Mi Vecino Totoro, me parece que El Secreto de la Sirenita es el filme de corte más infantil de Miyazaki, pero no desmerece nunca y es un respiro encontrar material tan fresco en el saturado mercado de animación “familiar” y caricaturas para niños. Si bien el Blu-Ray no incluye extra alguno, la película por sí misma vale la pena la compra.
Final Fantasy Tactics es un título que para muchos pasó desapercibido, pero aquellos que tuvieron la paciencia de jugarlo descubrieron uno de los mejores videojuegos de todos los tiempos. Final Fantasy Tactics: The War of the Lions es la reedición de este clásico de PlayStation ahora para la pórtátil PSP.
Final Fantasy Tactics: The War of the Lions
Si bien el género de RPG táctico no era completamente nuevo, la incursión de Squaresoft en el mismo fue decisiva y magistralmente llevada a cabo: una historia bien trabajada, un sistema de batalla con pocos errores y una variedad de enemigos, jobs (oficios), armamento y demás para darle gusto a cualquiera. Square Enix relanza The War of the Lions para PSP con algunas novedades que veremos a continuación, siendo la principal sin duda la capacidad multiplayer.
El juego original tuvo muy pocos cambios, si acaso la corrección de algunos bugs y un balanceo en las batallas y enemigos, como algunas armaduras que ya no puedes robar. Un extra bastante llamativo se puede apreciar desde el inicio de Final Fantasy Tactics: The War of the Lions con los nuevos cinemas que explican la historia y que son bastante característicos de Square Enix e igual de memorables, en esta ocasión realizados con la técnica cell shading. Además de los cinemas, existen algunas nuevas misiones que complementan la historia y en las mismas llegamos a controlar personajes que en el videojuego original no se podía.
La corrección de errores del original Final Fantasy Tactics también incluyó ajustes en la traducción, especialmente nombres de personajes, así que Orlandu pasa a ser Orlandeau, Teta ahora es Tietra, Olan se vuelve Orran y Zalbag se ajusta a Zalbaag. Aparte de los personajes conocidos, tenemos un par de invitados para controlar: Balthier, el pirata de Final Fantasy XII, se une a tu equipo en la búsqueda de un tesoro, y Luso, un cazador de Final Fantasy Tactics A2, que es rescatado por Ramza (el personaje principal, para quien aún no lo conoce) y decide unirse a tu causa.
El oficio de Balthier es Sky Pirate y es un monito bastante poderoso, aunque no lo suficiente como para romper el juego (como Orlandeau). Su oficio combina las habilidades de Engineer (el oficio de Mustadio) y Thief, por lo que puedes hacer ataques como leg aim para evitar que tu rival se mueva o arm aim para que no ataque. Además tiene todas las habilidades para robar y un ataque único llamado X-Fight, el cual le pega al enemigo cuatro veces y le baja bastante HP.
Cloud, Luso y Balthier
Luso es similar al oficio Squire de Ramza, en su caso se llama Mob Hunter y sus habilidades son básicamente de soporte y para aumentar tus stats y habilidades durante la batalla, además de que también puede ejecutar el hechizo Ultima; desgraciadamente no tiene sus habilidades del Final Fantasy Tactics A2.
También hay un par de nuevos oficios disponibles: el Onion Knight, que es una porquería de personaje al comienzo pero con paciencia lo puedes volver muy poderoso; y el Dark Knight, que al igual que Gafgarion, se vuelve bastante útil, sobre todo por poder absorber el HP de los enemigos, lo malo que para lograrlo hay que masterizar toda una serie de oficios anteriormente. Con esta adición, el oficio de Gafgarion se renombra a Fell Knight, y sigue siendo un oficio disponible sólo para este personaje. El problema con los nuevos oficios es que se puede decir que no traen habilidades o poderes nuevos y se limitaron a reusar ataques y habilidades de otros oficios.
Ramza aprende el oficio de Dark Knight, uno de los nuevos jobs
El modo multiplayer permite a dos jugadores pelear entre sí o completar misiones en modo cooperativo, obteniendo items que de otra forma no se podría. Fuera de esto, Final Fantasy Tactics: The War of the Lions es el mismo, como ya se había mencionado, por lo que los extras originales del juego, como reclutar a Cloud, Biblos, Reis y otros personajes escondidos siguen intactos.
Luz y sombra en Ivalice
Ahora a los puntos malos de Final Fantasy Tactics: The War of the Lions. El replay value es mínimo, ya que una vez que terminas el juego el hacer experiencia no te lleva a obtener ninguna recompensa y por lo general los enemigos que te salen al azar ya no te hacen ni cosquillas. En cuanto te topas con Orlandeau la misión se simplifica, pues el personaje te lleva directo a terminar el juego debido a sus habilidades y pocas veces encuentras de nuevo dificultad en las peleas.
Final Fantasy Tactics: The War of the Lions se mantiene fiel al original
Hay que tener mucho cuidado de no guardar en medio de una serie de batallas dentro de un castillo porque podrías quedar atrapado sin poder regresar a hacer experiencia si escogiste mal a tus personajes, como cuando necesitas alguien que ataque a grandes alturas y no tienes a nadie así en tu equipo. Otro defecto es que en ésta versión de PSP es notorio el lag que sufren la mayoría de las magias o poderes especiales al ejecutarse (el juego se alenta un poco).
Los gráficos se mantienen igual, que si bien se nota ya el paso de los años, el título sigue siendo visualmente bueno y los diseños de Akihiko Yoshida llamarán la atención a más de uno; las magias usan destellos, luces y algunas rotaciones del mapa: simplemente bien cuidado y punto. La música sigue siendo excelente, con las piezas clásicas de Masaharu Iwata y Hitoshi Sakimoto que vienen desde el Final Fantasy Tactics original, los sonidos incluyen algunos ruidos y gruñidos nuevos, pero nada que destaque.
Cinemas animados en cell shading es la principal novedad en PSP
La historia mantiene las intrigas y conspiraciones a lo largo del todo el juego, y nos narra la historia de dos hombres, Ramza y Delita, cada uno intentando salvar a Ivalice de las fuerzas del mal y establecer orden y paz en el reino, ambos amigos en el pasado y confrontados en el presente por la manera como cada uno decide afrontar su misión y lo que es más importante para ellos. Ramza y Delita son movidos por la justicia, pero en el caso de Delita deseando también la venganza mientras que Ramza olvida los ajustes personales por el bien común. La historia enfrentará a nuestra partida a facciones de distintos reinos, órdenes de caballeros, traidores, bestias, monstruos invocados, a la Iglesia de Galdados (algo así como el Vaticano de Final Fantasy Tactis) y a los dos amigos en cuestión.
Final Fantasy Tactics: The War of the Lions es muy recomendable para los fanáticos de los RPG (sobre todo tácticos), y para los que no lo son, pero sugiero darle una checada antes de comprarlo porque a muchos les puede parecer de lento desarrollo. Eso sí, la historia -de lo mejor que tienen para ofrecer los videojuegos- vale la compra por sí sola. Si te gustan los RPG este es uno de los mejores en el mercado y la edición de PSP mantiene toda la magia del original, varios agregados para quienes buscan un pretexto para volver a jugarlo y cinemas mejorados para narrar la historia. Final Fantasy Tactics: The War of the Lions fue lanzado el 4 de agosto de 2011 para Iphone, una versión idéntica al PSP menos las opciones multiplayer.
The King of Fighters: NeoWave pasó sin pena ni gloria por las arcades, y es hasta ahora el título menos conocido (y probablemente jugado) de la saga. Sus versiones caseras para PlayStation 2 y Xbox trasladaron el título a los hogares en un intento por darle algo de la fama que no obtuvo en las maquinitas. El juego viene a ser la versión del 2004 de KoF.
The King of Fighters: NeoWave | Reseña
El primer título de The King of Fighters que SNK Playmore hizo para la placa Atomiswave fue precisamente KoF NeoWave y marca la bien merecida muerte de la placa Neo Geo. El atractivo arte del juego, y que es distintivo con cada nueva entrega de King of Fighters, está vez estuvo en manos de Tomokazu Nanako, el mismo de la saga Power Instinct.
The King of Fighters: NeoWave es un dream match con una selección de peleadores muy parecida a la de KoF 2002 (en la versión de PS2 es prácticamente la misma cambiando a K9999 por Saisyu Kusanagi y los retornos de King y Shingo Yabuki), tres estilos de pelea disponibles, una barra de guardia y la introducción de un quinto botón que sirve para activar el Heat Mode.
El quinto botón y su respectivo Heat Mode es la mayor novedad en The King of Fighters: NeoWave, al ejecutarlo tu personaje comenzará a brillar subiendo su poder de ataque considerablemente a costa de drenar tu sangre poco a poco. Para detener el Heat Mode simplemente vuelves a presionar el quinto botón. Si tu oponente te golpea también se desctivará. El Heat Mode no puede ser usado cuando tu sangre está roja (niveles críticos).
The King of Fighters: NeoWave mantiene el estilo tres contra tres de KoF 2002, sin el uso de strikers, ni tag system, ni nada que se parezca a Marvel vs Capcom. También podrás escoger entre uno de los tres sistemas de pelea que incluye el juego, muy similar a KoF 97 y KoF 98.
Los escenarios de The King of Fighters: NeoWave se ven algo desangelados
Tres modos de jugar KoF: Neowave
El primer estilo de pelea en The King of Fighters: NeoWave es el Super Cancel, que mantiene un esquema similar al de KoF 2002. Puedes almacenar hasta tres stocks de súpers, usando uno para los Super Special Moves y dos para los MAX Super Special Moves. Puedes usar un stock para cancelar golpes que normalmente no se pueden encadenar a poderes o a súpers, e incluso cancelar poderes en súpers o súpers en otros súpers. También puedes gastar un stock en movimientos defensivos como el counter con C+D y la evasión de escape u ofensiva con A+B. Al principio de la pelea los tres stocks están disponibles y se rellenan atacando o ejecutando poderes.
El siguiente modo es el Guard Break (o MAX1) y consiste en dos barras con las que se pueden realizar Super Special y MAX Super Special Moves similar al modo Super Cancel. Se puede utilizar también el Just Defended de Garou: Mark of the Wolves (poner guardia justo antes de que te conecte el ataque) pero aquí no te sube la energía, simplemente sirve para destantear al enemigo y tener un pequeño momento para contra atacar. También se puede esquivar y hacer evasiones defensivas u ofensivas (A+B). Por último está el movimiento Guard Break, que es un ataque inbloqueable que, si conecta, rebota al enemigo en la pared y los deja a tu merced (similar al Wire Whip de KoF 2001), se marca haciendo un cuarto de círculo hacia delante con C+D.
The King of Fighters: NeoWave incluye tres modos de cargar tu barra de súper
El tercer estilo es el MAX2, aquí solamente se cuenta con una barra de poder que se llena automáticamente, cuentas con Super Special y Max Super Special Moves, ambos te cuestan un stock aunque el movimiento MAX sólo puedes ejecutarlo cuando tienes 25 por ciento de sangre o menos. También tienes a tu disposición movimiento escondido por personaje llamado MAX2, el cual es básicamente la versión NeoWave de los HSDM (súpers escondidos y mamertos) de KoF 2002, éstos necesitan un stock e igual, que te quede un cuarto de tu energía o menos. En este modo desgraciadamente no se puede esquivar y solamente se pueden usar los counters con C+D.
¿No tan NeoWave?
Para las versiones caseras hay algunas novedades: los personajes secretos de la versión arcade, Ramon, Vanessa y Kim Kaphwan, están disponibles, al igual que las versiones Orochi de Yashiro, Shermie y Chris. A la selección de personajes se le suman Kusanagi (el mismo de KoF 2002), Geese Howard versión Art of Fighting 2 (el jefe final, aunque es bastante malo si no es usado por el CPU), Seth, Angel, May Lee y Omega Rugal (también le bajaron el poder respecto a su última aparición en The King of Fighters). Todos estos personajes los obtienes venciéndolos en el modo Survival.
KoF NeoWave fue el primer título de SNK Playmore para Atomiswave
Un detalle curioso fue que para la fecha de lanzamiento de la versión de Xbox existieron problemas de licencias con Eolith por lo que May Lee y Angel fueron removidos, aunque tiene la ventaja de soporte para partidas online en todo el mundo y que fue la única versión casera que llegó oficialmente a América.
KoF NeoWave cuenta con un auto combo por personaje el cual está disponible en un botón, que aunque es bastante simple, en ocasiones varía seleccionando diferentes modos de pelea. Un extra bastante bueno es el modo Color Edit donde se puede cambiar la paleta de colores de todos los personajes, pero sacrificando uno de los colores base (o sea que sólo se pueden terner cuatro colores por personaje); de todas maneras hay algunos por default bastante feos.
Las versiones de consola incluían juego online
Por último, el cambio más notable: todos los fondos ahora son totalmente 3D y se ven excelentes, aunque persiste esa sensación de soledad que arrastraban desde su versión en maquinitas. Algunos otros detalles también se extrañan como introducciones de peleas personalizadas entre rivales y compañeros, al igual que poses de victoria.
The King of Fighters: NeoWave recibió en general malos comentarios de la crítica, más que nada porque llegó en un momento de transición difícil, con la prensa especializada pidiendo más polígonos en pantalla o gráficos dibujados en alta resolución… y ya nos sabemos la historia, SNK Playmore cambiaba muy poco o realmente nada de sus sprites desde hace varios años. KoF NeoWave aparte era quizá demasiado similar a KoF 2002 y en parte a la KoF 98, así que aún con la adición del Heat Mode se sentía que el juego no ofrecía suficientes novedades en gameplay, y así es. Pero lo importante de The King of Fighters siempre ha sido el factor jugabilidad, y The King of Fighters: NeoWave es tan divertido y jugable como cualquiera de la saga (bueno, de la 97 en adelante), los poderes y combinaciones son precisos pero no son difíciles de ejecutar, y a su favor también tiene que hay un mayor número de personajes, más modos de juego, y lo más importante: un rebalanceo general de los personajes, dejando de lado el marcado desbalance de la KoF 2002; aún con los tres modos de juego las retas son más parejas y el sistema es el más equilibrado hasta ahora, sí, incluso más equilibrado que las versiones que salieron recientemente.
Los gráficos de personajes son los mismos de siempre
Un dream match mas de KoF que aunque no desmerece no presenta nada nuevo, los nuevos sistema de batalla son interesantes y es algo entretenido sacar nuevos combos en el modo Super Cancel. Geese Howard está dificilísimo pero simplemente por ser un personaje mal programado, y si logras derrotarlo no obtienes recompensa ya que… ¡no hay final! Pero siendo un dream match tiene cierta justificación. El fuerte del juego son las retas, nada de lo que deba preocuparse cualquier fanático de KoF, diversión asegurada a pesar de las críticas absurdas de algunas revistas que calificaron el juego de aburrido e inefectivo, de hecho The King of Fighters: NeoWave no desmerece tanto al compararlo con KoF 98, y su balance es superior a KoF 2002.
Tienes el poder de transformar el agua en vino, multiplicar los panes y sanar al enfermo… la gente del pueblo se te acerca para ser uno de más tus milagros, te ven con respeto y con esperanza, y tú tan sólo tienes doce años. El cómic American Jesus: Chosen es un enfoque moderno y atrevido al mito de Jesucristo a través de los ojos de un niño de un pueblo norteamericano.
American Jesus: Chosen | Reseña
Chosen es una obra que destaca por ser distinta al elegirla de entre varios cómics; al ser leída parece una historia ya conocida, pero este es una novela gráfica donde se nos plantea la popular imagen del mesías desde una perspectiva moderna, innovadora e incluso retorcida. American Jesus: Chosen es una lectura interesante de un tema tabú.
La miniserie de tres números que nos presenta Dark Horse tiene el guion a cargo de Mark Millar (famoso por Civil War, Kick-Ass y Superman: Red Son) y es dibujada por Peter Gross. La historia está contada en forma de retrospectiva: el narrador recuerda su vida y va hilando sucesos y anécdotas que lo marcaron de chico, todo de forma muy común en un recurso como éste. Es un niño cualquiera de un pueblo gringo que hace lo que todos los chiquillos de su edad, pero a partir de un accidente donde sobrevive por algo más que suerte, se da cuenta que él es algo diferente y su comunidad poco a poco empieza a notarlo. Su nombre es Jodie Christianson.
Después de sobrevivir milagrosamente tras ser aplastado por un tráiler, Jodie comienza a mostrar habilidades increíbles, rayando en lo divino. Al principio se da cuenta de que sabe todo lo que pudieran enseñarle en clases y mucho más; de niño problema de la escuela pasa a ser un genio en todas y cada una de las asignaturas, para más tarde complementar su carrera haciendo algunos otros milagros. Su teoría para tratar de comprender todos estos sucesos es hilarante, pero comprensible en cualquier aficionado de los cómics, ya que lo primero que pasa por la cabeza de Jodie es que tiene poderes mutantes, cual si fuera un X-Men.
Chosen
El narrador de American Jesus: Chosen es muy condescendiente para con todos los sucesos y personas de las que habla, aunque luego uno descubre el porqué… de hecho, al releer el cómic, muchos de los diálogos de este personaje tendrán otro sentido o se van a captar con otro enfoque… Esto también aplica para los comentarios de las personas a su alrededor, aquellas que dicen estar de su lado y que saben su secreto.
Jodie Christianson sobrevive a un tráiler encima de él
En el segundo tomo de American Jesus: Chosen, Jodie Christianson pone en práctica todos sus poderes y empieza a ser idolatrado en su pueblo al realizar diversas y fantásticas faenas, que van desde pequeños trucos como transformar agua en vino hasta sanar enfermos incurables e incluso llega a revivir un animal algunas páginas después, intentando emular de cierta manera a Jesucristo, con quien él mismo y algunas otras personas del pueblo intentan relacionarlo. Adelantar un poco más de la historia en este punto sería arruinar por completo la lectura.
El arte puede no convencer a todos, Peter Gross presenta la historia con trazos que asemejan libros de cuentos infantiles, sin tanta seriedad ni tantos detalles, pero con los elementos suficientes para adentrarte en la historia. Algo que sí tiene a su favor es la personalidad que logra poner en cada uno de los personajes, expresan mucho con pocos trazos y gestos sencillos.
Las ilustraciones de portada de Chosen son bastante creativas
Pero el fuerte aquí es la narrativa tan bien llevada. Mark Millar tiene varias de las obras más reconocidas de la industria de los cómics, y aunque ésta no es de las más populares, tiene todo el sello del autor con una historia intrincada y un final inesperado. Sí, American Jesus: Chosen es uno de esos cómics con cierto replay value y que gracias al clásico final con vuelta de tuerca dan ganas de leerlo de nuevo y uno encuentra detalles que no percibió en la primera ocasión.
La versión en castellano de American Jesus: Chosen fue publicada por la editorial ítalo-española Planeta DeAgostini bajo el nombre de El Elegido. Dark Horse ya sacó un tomo recopilatorio con el título American Jesus, Book I: Chosen, por lo que se deja entrever una posible secuela de este interesante cómic. Recientemente, en una entrevista, Mark Millar declaró que ya existen avances en guion y pláticas para llevar la historia de Chosen al cine precisamente bajo el nombre de American Jesus.
Los poderes de un dios en American Jesus: Chosen
American Jesus: Chosen puede parecerte un poco aburrido al principio y con mucho texto inútil durante las primeras páginas, pero créeme que se le debe dar la oportunidad y echarse todo el rollo porque el final sabe recompensar a los pacientes; el último número vale la pena cada minuto si es que te aburriste un poco leyendo los dos primeros tomos ya que sirve para cerrar, como pocos cómics, una historia que sólo se disfruta completamente cuando se da la vuelta a la última hoja. Un cómic tan bueno como American Jesus: Chosen sería un pecado no tenerlo en tu colección.
Para muchos puristas de Castlevania, Akumajo Dracula X: Chi no Rondo (Castlevania Dracula X: Rondo of Blood, para los cuates) es el mejor de la serie, sobrepasando incluso al increíble Castlevania: Symphony of the Night, al mantener la tradición de varios de los primeros títulos y no llevar tintes RPG. El que no hubiera salido versión alguna del original fuera de Japón sólo lo hace más deseable; no confundir con el Castlevania: Dracula X para el SNES, que aunque similar en ciertos puntos (diseño de personajes y gráficas sobre todo) es un juego en su mayoría diferente.
Akumajo Dracula X: Chi no Rondo | Reseña
Cronológicamente situado antes de los eventos en Simphony of the Night (SotN), en la entrada de Akumajo Dracula X: Chi no Rondo (narrada en alemán con subtítulos en japonés) observamos como una mujer es sacrificada para que Drácula sea nuevamente vuelto a la vida por su sirviente Shaft, éste envía a sus compinches a atacar la villa cercana, raptando en el evento a cuatro muchachonas, incluyendo a Annete, la prometida de nuestro héroe y personaje a controlar, Richter Belmont, quien látigo en mano emprende su aventura.
Desde el nivel 0, y ese primer encuentro a carreta con La Muerte, vemos cómo el PC Engine fue llevado a su límite. El juego puede terminarse dándole mate a todos y al grano, siguiendo la ya tradición de los Castlevania anteriores, pero Konami agregó un pequeño elemento de exploración para mantenernos pegados al control por más tiempo: puedes rescatar a las chicas secuestradas… si las encuentras. Además, los niveles cuentan con más de una salida (y jefe al final), abriendo distintas caminos por los escenarios de Akumajo Dracula X: Chi no Rondo, lo que demuestra a la vez un maravilloso diseño de los mismos. Se cuentan ocho niveles, pero al hallarse otros nuevos descubriendo las salidas opcionales, se vuelven alrededor de quince en total.
Ya rescatada, una de las chicas se vuelve un personaje a controlar si es elegido en vez de Richter: Maria Renard, una niña de doce años (en el Simphony of the Night aparecería ya más… adulta) que ataca invocando animales y cantando. También cuenta con un poderoso ataque donde proyecta una imagen de sí misma en versión ninja (¿WTF?).
La animación de Akumajo Dracula X es estupenda gracias al espacio proporcionado por el CD. La mayoría de los jefes, de los más detallados en un juego 2D, tienen una presentación y un último ataque bella e imaginativamente animados. La muerte de La Muerte (¡doh!) es algo que tiene que ser visto y disfrutarse. Los sprites de este juego eran tan buenos que muchos de ellos fueron reutilizados tal cual para el Castlevania: Simphony of the Night casi cuatro años después y en una consola superior… y siguen siendo reusados a la fecha para juegos como Harmony of Despair.
Richter Belmont a carreta contra La Muerte
Castlevania Dracula X: Rondo of Blood
El control de Rondo of Blood es muy bueno, nada difícil controlar los saltos ni las armas secundarias y el personaje no se siente tan tieso como en ocasiones en el Castlevania IV de SNES, y ni qué decir los anteriores de NES; el usar el pad del PC Engine que consta de sólo dos botones hace de alguna manera más fácil e intuitivo el correr, brincar, atacar y usar las armas secundarias.Hablando de armas secundarias, en Castlevania Dracula X: Rondo of Blood se introdujo el famoso Item Crash, aquella explosión de dichas armas secundarias usando más corazones que un ataque normal y haciendo también mayor daño al enemigo.
En sonido, Akumajo Dracula X: Chi no Rondo es nada menos que increíble. Actores doblando las escenas animadas, toda clase de efectos que te pondrán chinita la piel (el grito de Medusa al morir y el sonido que emite el cuadro en el galeón te harán cacarear) y el soundtrack, razón suficiente para poseer este juego. Muchas de las pistas son clásicos temas de la serie recreados con calidad CD. “Vampire Killer”, “Cross a Fear “y nuevos como “Opus 13” provocarán que desees escuchar el disco en tu reproductor personal.
Rondo of Blood incluía un opening de animación
Dato curioso: si en verdad tratan de escuchar el soundtrack del juego al introducir el disco en cualquier sistema de audio podrán deleitarse con la mayoría de las pistas, junto con un mensaje advirtiéndoles del posible daño a su aparato al usar el disco de esa manera… o sea, no lo intenten, este disco es para jugarse exclusivamente.
No es un Castlevania perfecto… pero casi
¿Peros? sí, hay algunos: el juego es facilón. Veteranos en Castlevania lo terminarán en un dos por tres. Maria es exageradamente poderosa, lo que hace una de por sí fácil aventura, un paseo por el parque. Si a eso agregamos el devastador ataque donde proyecta su imagen, que quita en los jefes poco más de un tercio de su vida de un guamazo, pues…
Había más de un jefe por nivel en Akumajo Dracula X
Otro problema con el juego original es su costo. Akumajo Dracula X: Chi no Rondo se ha convertido en un objeto casi exclusivo de coleccionistas al alcanzar los 150 dólares. Afortunadamente no es necesario contar con un DUO o un Turbografx CD con una System Card 3.0 para jugarlo; en la computadora se puede correr con ayuda de un emulador, además no es difícil de conseguir. Como otro dato curioso, si corres el juego en un Turbografx CD/Pc Engine CD sin la ayuda de una System Card 3.0 (o en un DUO), lo único que verás y podrás jugar es el extraño Stage X: un nivel con diseños súper deformados y caricaturescos.
La reciente salida de Rondo of Blood el 15 de marzo de 2010 en la Consola Virtual de Wii lo convierten en una buena compra y la primera vez que este videojuego “pisa” oficialmente tierras americanas, aunque el título original se podía jugar como parte de los extras desbloqueables incluidos en Castlevania: The Dracula X Chronicles, un remake en 2.5D de Rondo of Blood para el PlayStation Portable.
Maria Renard era un personaje muy poderoso aún para Drácula
Si tienen la oportunidad de adquirir Rondo of Blood, y mucho mejor si es a un buen precio, no se arrepentirán. Akumajo Dracula X: Chi no Rondo bien puede ser considerado una obra maestra y la corona en tu colección de juegos. Aún con su relativamente reciente remake para el Sony PSP y su salida en Consola Virtual, la versión original de Akumajo Dracula X sigue teniendo mucha magia por sí misma.
La Guerra Fría estaba en su apogeo pero la carrera nuclear y espacial pierde todo sentido cuando la Unión Soviética encuentra en un solo hombre el poder de expandir el comunismo sin que nación o fuerza alguna se le oponga: Superman. En Superman: Red Son se plantea el qué hubiera pasado si la nave del kriptoniano hubiera aterrizado en Ucrania y no en Kansas.
Superman: Red Son | Reseña
Los cómics de Elseworlds siempre han sido una carta muy fuerte de DC Comics. El trasladar a los personajes tradicionales a escenarios aún más ficticios que nunca llevó a la editorial a publicar varias de las mejores novelas gráficas de la industria, y Superman: Red Son es un claro ejemplo del potencial de los Elseworlds. Su autor, Mark Millar (Kick-Ass y Civil War), había planeado esta historia por muchos años, lo que se nota en su excelente narrativa, la intrincada historia y el increíble manejo de los personajes icónicos de DC Comics.
“A mediados del siglo XX, los teléfonos empezaron a sonar por todo Estados Unidos, los rumores de mi existencia habían comenzado a circular”. Así comienza Superman: Red Son, una miniserie de tres números cuyo narrador es exactamente su protagonista, lo que le proporciona una tónica atractiva al conocer la historia del Superman soviético desde el punto de vista del mismo Superman.
El presidente de Estados Unidos, Dwight D. Eisenhower, da una conferencia de prensa a gran escala para su país. Aparece en la radio y televisión anunciando que Estados Unidos tiene evidencia que demuestra que enfrentan una grave crisis cuando se enteran de que la Unión Soviética cuenta con un arma secreta: un súper hombre capaz de volar, con súper oído, visión telescópica y que atraviesa las paredes, tiene fuerza descomunal, y es fiel a la doctrina comunista y las ideas de Stalin.
La noticia inicia una especie de paranoia en la sociedad norteamericana, ya que todo mundo juraba tener avistamientos de aquel súper hombre… tenían miedo que con su increíble oído escuchara todas sus conversaciones o que ni siquiera en el baño podrían estar lejos del alcance de su vista. Comenzaba la leyenda del Superman comunista, el campeón de los obreros que lucha sin cuartel a favor de Stalin, el socialismo soviético y la expansión internacional del Pacto de Varsovia.
Superman ya está aquí, camarada
Supermán: Hijo rojo, campeón soviético
Eisenhower le encarga la misión de derrotar a Superman al hombre más inteligente del mundo: Lex Luthor, un investigador de los Laboratorios S.T.A.R. quien es contactado por el agente de la CIA Jimmy Olsen para trabajar en un plan que acabe con la amenaza soviética y recupere la supremacía para los Estados Unidos. La misión no es nada fácil y Lex Luthor desarrollará una fijación extrema por llevarla a cabo, por vencer con sus conocimientos e inteligencia al “hombre de acero”, convirtiéndolo en el principal antagonista de la miniserie.
A mi gusto, Superman: Red Son nos presenta a la mejor encarnación que existe de Luthor, un hombre no precisamente cruel y despiadado, sino con un pasión eterna por simplemente vencer a Superman cueste lo que cueste en beneficio de su nación y el modo capitalista de ver el mundo. Para vencer a Superman, Luthor (con permiso del presidente) idea derribar el satélite ruso Sputnik y hacerlo caer en pleno Metropolis.
Superman: Red Son plantea que Superman crezca con ideales comunistas
“Me llamaban soldado, pero esa no era la verdad. Nunca fui un soldado. Un soldado siempre sigue órdenes. Un soldado conoce y odia a su enemigo. Un soldado sólo pelea y muere por su propia gente. Yo simplemente luché por lo que era correcto”. Superman escucha desde Moscú el sonido del satélite viniéndose encima de la urbe norteamericana. La gente es presa del pánico al ver el armatoste a punto de impactarse contra ellos. “No son mi gente. Pero nunca rehúso una súplica de ayuda. Todas las mentiras que esparcieron sobre mí, la propaganda que ingeniaron para la Guerra Fría. Nada de eso importó en aquella brillante tarde. Por un momento… se dieron cuenta que estaba ahí para salvarlos”.
Superman desvía la amenaza y a su partida, Lex ordena que recuperen el satélite de la bahía para intentar encontrar respuestas a la ecuación, respuesta que tomaría su primera forma en Superman-Two (Bizarro), un clon malhecho de Superman al cual derrotaría sin grandes problemas pero que sería recurrente. Era sólo el comienzo de la larga batalla que toma lugar durante los tres tomos de Superman: Red Son.
"No son mi gente, pero nunca rehuyo una súplica de ayuda"
Poco después son introducidos más personajes, incluyendo al mismísimo Stalin; al jefe de la KGB e hijo ilegítimo de Stalin, Pyotr Roslov (Pete Ross); la Mujer Maravilla, embajadora de Nuevo Paraíso en el mundo de los humanos, quien ve con muy buenos ojos a Superman y a la doctrina socialista; y a un niño huérfano cuyos padres disidentes habían sido muertos a manos de Roslov, un niño que crecería con odio hacia el sistema socialista.
Superman vs Batman
La muerte de Stalin da la entrada al segundo arco de la historia, que nos muestra también el resentimiento de Pyotr hacia Superman, no sólo por robarle la admiración de su padre, sino porque según él, la existencia del kriptoniano es una ironía y contradicción para el comunismo, pues demuestra que no todos los hombres son iguales. A la muerte del mandatario soviético y viendo la necesidad de su pueblo, Superman decide que hará caso al clamor popular de la gente que lo quiere ver como el nuevo presidente de la Unión Soviética.
El sistema comunista también creó a un viejo conocido de DC Comics
Al llegar al poder, Superman poco a poco empieza a “convencer” a los demás países de unirse a la Unión Soviética, bajo su eterna vigilancia prácticamente están seguros y su modelo de gobierno trae una prosperidad inaudita en todos los campos, llegando un momento en el que sólo Chile y Estados Unidos persisten como naciones capitalistas. Pero en esta parte también es cuando regresa aquel niño resentido con el comunismo… un niño que creció y decidió tomar la anarquía como bandera, el derecho a ser libres como eslogan y el sobrenombre de Batman para luchar por sus ideales, al creer que la omnipotencia y omnipresencia de Superman les quitan lugar a los humanos normales para decidir y equivocarse.
No vale la pena echar a perder más la historia en la reseña, sólo indicar que obviamente Batman lucha contra ese sistema, Lex Luthor busca la presidencia de Estados Unidos y tiene una nueva arma para combatir a Superman cuando encuentra una batería verde de poder, algunos antiguos aliados de Superman empiezan a dudar de sus métodos y una conclusión que te hará volver a leer esta historia decenas de veces, donde el arma más peligrosa contra el “hombre de acero” no es la kriptonita sino el pensamiento humano y el derecho a la libertad.
Un puñetazo a Superman dice más que mil palabras
Obra maestra de Mark Millar
El arte en el cómic es muy bueno, con trazos que te transportan a donde el guionista lo desea, pero destaca la gama de colores usada por Paul Mounts para ilustrarlo. Los diálogos son certeros y les dan vida a todos los que interactúan en la narrativa. El uso de otros personajes conocidos de DC Comics para apoyar la historia está muy bien trabajado, y el sentimiento de gusto/rechazo por la labor de Superman siempre está latente, no puedes sentir empatía completamente por él, pero a su vez tampoco por Luthor… la lucha persiste y tal vez al cerrar el cómic no quieras ver a ninguno triunfante.
Quizá de lo mejor de Superman: Red Son es el manejo de Mark Millar de los personajes involucrados en el cómic, dónde todos están ubicados en una zona gris donde nadie es absolutamente bueno, ni siquiera Superman, y nadie es totalmente malo, ni siquiera Lex Luthor. Y es increíble que en esta zona gris se geste una de las mejores batallas del cómic entre lo que está bien y lo que está mal. Una historia cuyo final no termina en el desenlace mismo de la batalla sino en un increíble epílogo que nos transporta miles de años en el futuro y que te sorprenderá al pasar la última página.
Heroína invitada: La Mujer Maravilla
Seas fanático o no de Superman, o de las historias de superhéroes, Superman: Red Son es una lectura obligada. No sólo encierra una interesante lucha de ideales satirizados en la batalla personal Luthor contra Superman, sino que, por cursi que parezca, por momentos te hace pensar en el potencial de la raza humana, en los errores cometidos históricamente por las grandes naciones y cómo una novela gráfica te puede adentrar tanto en sí misma que cuando terminas de leer sigues pidiendo más. El éxito de Superman: Red Son le ha valido varias reimpresiones, una serie de figuras de acción (2008), además de estar dentro de la línea de motion comics (cómics con movimiento) de DC Comics. Sólo queda dar gracias a Mark Millar y su equipo de creativos por darle vida a este excelente cómic, que por cierto estuvo nominado al premio Eisner de 2004 como mejor miniserie.
Videojuego del año en 2009 y el tope de gráficos en consolas de actual generación ubicaban a Uncharted 3: Drake’s Deception como uno de los títulos más esperados de 2011, el juego insignia de la temporada para PlayStation 3 y el reto más importante de Naughty Dog al tener la obligación de superar todos los estándares de calidad establecidos por la franquicia. ¿Sería posible que Nathan Drake tuviera una aventura más épica que en el Himalaya?
Uncharted 3: Drake’s Deception
Si no viviste debajo de una piedra durante el último año, seguramente viste alguno de los tráileres promocionales de Uncharted 3; se veía chingón, ¿no? Naughty Dog no dejó nada a la suposición e inmediatamente bombardeó con imágenes y videos que mostraba el altísimo nivel de detalles visuales que estaban logrando con el juego, y con ellos como estudio programador sabes que lo que prometen, lo entregan. Pero las aventuras de nuestro caza tesoros en ambientes tan increíblemente detallados no tienen sentido sin una buena historia de soporte.
Nathan Drake y Víctor Sullivan regresan. Ambos acuerdan vender el anillo de Sir Francis Drake (famosísimo por la leyenda “sic parvis magna”) a una misteriosa compradora llamada Katherine Marlow, quien resulta ser una antigua compañera de travesuras del viejo Sullivan. Inmediatamente la escena te lleva de un negocio mal realizado a una típica pelea de cantina con gente volando por las ventanas y resbalando por la barra del bar tender. Todo coreografiado a la perfección y en el momento que menos lo esperas te das cuenta que no es un cinema y te están rompiendo la cara, así que es hora de tomar el control.
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Katherine y su achichincle Talbot (a quien conociste rompiéndole la cara en el bar) buscan el anillo porque es la llave para un tesoro increíble, un tesoro que en su momento Sir Francis Drake y hasta Lawrence de Arabia, buscaron por órdenes de la corona inglesa, pero ocultaron toda evidencia de sus travesías. Adelantar más sería arruinar demasiadas sorpresas.
Parecerá simple la trama, pero los escritores de Uncharted siempre se las arreglan para que un pequeño enredo lleve a otro más grande y si viste los tráileres sabrás que Uncharted 3: Drake’s Deception aprovecha esta trama para llevarte a través de un enorme desierto, un trasatlántico que se hunde, castillos, cuevas y toda clase de lugares estrafalarios mientras Drake intenta encontrar la llamada Atlántida de las Arenas, la ciudad perdida de Iram de los Pilares en la inmensidad del desierto de Rub’ al Khali.
El ritmo de la historia va subiendo en intensidad y una vez que adelantas un par de misiones es difícil soltar el videojuego pues te picas por saber en qué termina la aventura. Para algunos la trama no está a la altura de lo logrado en Uncharted 2, pero en lo personal la narrativa me atrapó y lo último que pasaba por mi cabeza era si la historia de hace dos años estaba más interesante: lo que tenía enfrente era de la calidad suficiente para mantenerme pegado al joystick.
Elena, Nathan Drake y Sullivan regresan para Uncharted 3
Nuevos movimientos de Nathan Drake
Para esta aventura Drake regresa con nuevos movimientos. Los programadores pusieron especial énfasis en el modo de combate sin armas y agregaron más mecánicas. Ahora tienes un botón de agarre y otro de counter, así que hay que estar atento a cuando van a lanzar los golpes tus enemigos para contra atacar.
De la misma forma, los malos pueden agarrarte y contra atacar tus golpes. También es normal que de repente Drake use algo que esté en el escenario para atacar a sus enemigos, como estrellarlos contra la barra del bar, agarrar una cacerola para dar el golpe final o usar un pescado enorme en un mercado. Todo de manera natural sin que tengas que usar un botón extra, simplemente fluye como parte de la espectacular coregrafía visual de Uncharted 3.
Aparte de los enemigos “normales”, en Uncharted 3 hay un nuevo tipo de enemigo “gigante” que así como dice el nombre es básicamente un grandulón. Estos enemigos son más fuertes, más mañosos para el combate sin armas, aguantan varios balazos y la mayoría de las veces te ves obligado a pelear a golpes contra ellos.
El combate cuerpo a cuerpo es más importante en Uncharted 3
Mucho de la mecánica de juego aquí es balancear precisamente lo mejor posible estas nuevas opciones en combate con los tradicionales balazos y el sistema de cobertura; generalmente funciona a la perfección y cada enfrentamiento con grupos grandes de enemigos es de lo más entretenido, aunque tuve un problema con el control en algunas partes, ya que el botón de círculo es usado para un par de acciones muy distintas: pegarte a la cobertura y agarrar a tu enemigo, así que el videojuego no siempre discierne bien lo qué quieres hacer y por ejemplo, intentas pegarte a un bloque para evitar las balas, pero un enemigo pasa cerca y justo en lugar de agacharte y cubrirte, agarras al enemigo mientras te rafaguean por no haberte escondido; o por el contrario, quieres agarrar a un enemigo para empujarlo hacia un costado y tu personaje termina cubriéndose en la esquina más cercana.
Afortunadamente Uncharted 3 no es tan difícil ni siquiera en la máxima dificultad, así que no se siente como un problema tan serio porque el juego no te castiga tanto cuando pasa dicha situación y generalmente sobrevives a tu error o comienzas muy cerca de donde perdiste.
Otra de las mecánicas sobre la que se hizo mucho hincapié fue en el sigilo. Uncharted 3 no es un videojuego de espionaje táctico como Splinter Cell o Metal Gear Solid, y nunca intenta serlo, pero los programadores recurrieron mucho al pasar desapercibido en esta ocasión. Hay varias partes en tu aventura donde si haces correctamente los asesinatos silenciosos podrás ahorrarte mil o dos mil kilos de enemigos que te saldrían si te detectan, así que en muchos escenarios puedes decidir cómo superarlos.
Regresan Nathan y sus escenarios imposibles
A pesar de las novedades, Uncharted 3: Drake’s Deception mantiene exactamente la misma tónica de juego: La clásica mezcla de disparos, exploración y acertijos se mantiene prácticamente intacta, aunque notarás que Naughty Dog puso menos acertijos en este título, como para no quebrar tanto el ritmo de juego, aunque a cambio les incrementó la dificultad y sí hay un par de rompecabezas que te harán pensar varios minutos en lo que descifras la respuesta… eso o sacas tu libretita y pides que te den la solución al puzle… una opción que no incomoda y habrá quien la vea como algo bueno, aunque el juego no te penaliza por “hacer trampa”.
Algo que también cambió fueron las recompensas al terminarlo o lograr ciertos objetivos. Quitaron todas esas opciones de jugar la campaña con Drake gordo, con el skin de Victor Sullivan, con la ropa de cierta misión, poner los escenarios en modo espejo, balas infinitas, equiparte el arma que quieras cuando quieras… en fin, toda esa parte divertida para la segunda o tercera vuelta ya no está aquí. A cambio, pusieron la mayoría de recompensas desbloqueables en el modo multijugador.
Uncharted nunca se vio mejor
¿Y cómo luce el desierto de Rub’ al Khali y toda la gama de escenarios que visitaremos junto a Nathan Drake? Impresionantes. En el aspecto gráfico Uncharted 3 mejoró notablemente. El brinco visual no es el mismo del primer al segundo videojuego, pero incluye una serie de detalles en ropa, cabello, construcciones, efectos con arena, agua, sudor que simplemente no se pueden ver en ningún otro título. Cada ladrillo tiene su propia textura, cada prenda representa muy bien la tela de la que está hecha, cada gesto de los personajes está increíblemente detallado, cada escenario tiene su propia vida con los elementos que te ponen en pantalla.
Los gráficos lucen increíbles y casi insuperables en esta generación
Naughty Dog no escatimó esfuerzos en sacarle todo el poder a tu PlayStation 3. Con los resultados obtenidos en los anteriores títulos, los desarrolladores se dieron a la tarea de nuevamente sorprender a los gamers con los gráficos de Uncharted 3. Para hacerlo pusieron especial empeño en lo que podemos llamar “escenarios dinámicos” o “escenarios en movimiento”.
¿Recuerdan esa secuencia tan fregona de Nathan Drake brincando de vagón en vagón en un tren movimiento mientras enemigos te disparan y un helicóptero sobrevuela intentando matarte en Uncharted 2? Pues es la base en toda la tercera parte de la saga: escenarios donde no sólo tú y tus enemigos se mueven, sino que el escenario mismo cambia, interactúa y se convierte en un enemigo más para tu personaje. Escenas dignas de la mejor película de acción y aventura y que aquí se suceden una tras otra… no acabas de sorprenderte con una impresionante secuencia de acción cuando en la siguiente misión ya estás participando en otra. Uncharted 3 es el videojuego que mejor luce en consolas y punto.
Pese a ello, el juego tiene algunos errores en el apartado gráfico Me pasó que un par de veces mi personaje se “salió del mapa” y andaba navegando en la nada sin poder regresar por donde “me salí”. Otros problemas son algunas animaciones toscas en los enemigos, que de repente bajaban las escaleras muy apurados y prácticamente “flotaban” sobre ellas. Igual con algunos cuerpos abatidos que quedan en posiciones raras y “flotan” automáticamente como para acomodarse bien.
Hay menos puzzles en Uncharted 3, pero son más difíciles
La música sigue siendo prácticamente perfecta. Desde que ves la pantalla de título y escuchas la clásica melodía de Uncharted se te pone la carne de gallina deseoso de empezar la campaña. Cada pieza musical está en el mismo tenor, la música no sólo acompaña sino que encaja a la perfección y le da aún más vida a tu aventura.
El doblaje, como era de esperarse, está de “nopinchesmames”. Es algo en lo que sabíamos que Uncharted 3 no iba a fallar, pero nunca deja de ser impresionante el trabajo que realizan los actores que le dan vida a Drake, Sullivan, Chloe, Cutter, Katherine, Talbot y el resto de la pandilla. Es increíble el efecto que tiene un excelente doblaje en un videojuego de este tipo, al grado de familiarizarte con cada voz, entender sus tics, sus muletillas, sus expresiones y sus bromas. A esto le agregas la excelente captura de movimiento y una sincronización perfecta con el movimiento de los labios para tener un trabajo de diez en este departamento. Al igual que los gráficos, podemos decir que el trabajo de voces de Uncharted 3 es el mejor realizado de la industria.
Como los anteriores títulos de la saga, Uncharted 3 cuenta con opción de voces y subtítulos en varios idiomas, entre ellos el español, que en esta ocasión es español latino. El trabajo de voces en nuestro idioma es bueno, aunque algunos papeles se sienten sobreactuados (como el de Cutter) y les falta pasión y garra en muchos diálogos. Algunos preferirán el antiguo doblaje español castellano pero ya no está incluido. De cualquier forma, la mayoría se inclinará por jugarlo con las voces originales en inglés.
Cutter es una excelente adición al roster de personajes
El apartado online era otro de los puntos en los que Naughty Dog prometió trabajar y hay que reconocer que quedó muy bien. Puedes jugar ya sea cooperativo o competitivo, cada uno con diferentes modos de juego. En cooperativo está el ya obligatorio modo de sobrevivir oleadas de enemigos, uno más de héroes y villanos donde cada equipo toma una fracción y el de Aventura, donde junto a dos compañeros deberás cumplir diferentes objetivos en un mismo mapa.
El competitivo incluye los clásicos modos de Deathmatch, captura el tesoro (captura la bandera en cualquier otro lado), un modo deatmatch para tres equipos y el todos contra todos. La mayoría de modos son viejos conocidos de los títulos de disparos aunque adaptados a la temática de Uncharted 3. Algunos de los mapas y modos incluyen pequeñas secuencias cinemáticas que le suben varias rayitas a la acción y, tal como en la campaña, chocarás contra grupos rivales en aviones, trenes en movimiento y distintos escenarios dinámicos.
Así que una vez terminada la historia tienes muchas horas qué perder (o invertir) en el componente online. Algo que me gustó es que así juegues muy mal, el videojuego te recompensa con medallas por pequeños objetivos logrado. Al subir de nivel también podrás mejorar tu armamento y equiparte un par de perks como obtener más dinero, cargar más granadas, aparecer en la escena más rápido tras morir, etc. A su vez, si logras algunos objetivos dentro de la partida, como matar a cinco rivales en fila o a tres con una misma granada, te darán kickbacks, que son como mejoras temporales como balas infinitas o equiparte cierto tipo de arma.
El componente online tiene muchísimas novedades
En fin, para cerrar la reseña de Uncharted 3 sólo queda recalcar que este es un título que raya en la perfección. Cuando los videojuegos se popularizaron a mediados de los 80, la línea que muchas compañías usaban era intentar hacer juegos que parecieran películas, era el sueño de todo desarrollador. Ahora, varios años después, la saga Unchartedy específicamente Uncharted 3 lo han logrado: un videojuego que captura todo el sentimiento de una película, poniendo al jugador en el rol del protagonista del filme y viviendo una aventura como no se puede en ningún otro medio de entretenimiento.
Al espectador siempre le han maravillado las historias fantásticas con batallas antagónicas entre el bien y el mal. Algunas veces en tierras medievales con dragones de por medio, bestias futuristas en planetas distantes, con anillos que controlan reinos enteros y, últimamente, usando a la mitología griega para alimentar sus historias. Inmortales es otra de esas cintas que recurren a los dioses del Olimpo para contar una historia, esta vez con el mito de Teseo y el Minotauro. ¿Una aventura en cine que vale la pena seguir o es sólo otra tonta película de Esparta?
Inmortales
Los primeros promocionales de Inmortales nos hacían imaginar que la película dirigida por Tarsem Singh sería una especie de secuela espiritual de 300, y aunque varios elementos de Inmortales nos traerán a la mente la Batalla de las Termópilas, la cinta también tiene mucho parecido a la más reciente Furia de Titanes al contar la historia de un semidiós que debe proteger a la humanidad de problemas míticos sin la intervención directa de los dioses del Olimpo.
La película comienza con un breve prólogo que nos narra la batalla entre los seres divinos de existencia eterna, por lo que eran llamados Inmortales, quienes se dieron cuenta que la única forma de morir era asesinándose unos a otros. Ésto llevó a una guerra que se decidió en gran parte por un arma de inmenso poder creada por Ares: el Arco Epiro. El grupo ganador se autonombró dioses y ascendió al Olimpo, mientras que los perdedores fueron llamados titanes y encerrados en el Monte Tártaro.
Hiperión, interpretado por el actorazo Mickey Rourke, declara la guerra a los dioses del Olimpo cuando éstos no atienden la súplica del rey de Creta de salvar a su familia, así que planea a capturar a la pitonisa Faedra para que lo guíe a donde se encuentra el Arco Epiro y usarlo para liberar a los titanes… por obviedad, los titanes le darían en la madre a toda la fauna mitológica de los griegos y colaborarían en el nuevo reinado de terror de Hiperión. Ir contra los dioses por ende es ir contra la humanidad.
Teseo (Henry Cavill) es el protagonista de Inmortales, un joven guerrero que vive junto a su madre y ha sido entrenado para proteger su aldea. Teseo pronto conocerá a las huestes invasoras de Hiperión cuando ataquen su pueblo y sea apresado y mandado a las minas de sal por los soldados deformes del villano.
Teseo y su escuadrón
En las minas, Teseo conocerá a Faedra (Freida Pinto) y al resto de aliados que lo seguirán durante buena parte de la película, en una misión donde explícitamente Zeus le prohíbe a cualquier dios intervenir en el destino de la batalla ayudando a un bando u otro. Inmortales de aquí en adelante quizá se vuelva sencilla de predecir, con la aparición del famoso Minotauro de la mitología griega, varios dioses rompemadres del Olimpo y batallas que uno ve venir a kilómetros de distancia pero no por eso dejan de ser disfrutables.
Las actuaciones cumplen pero, como en casi cualquier película de este tipo, pasan entre desapercibidas y con poco interés. Uno espera más bien la siguiente secuencia de acción y no el próximo diálogo inspirador. De cualquier modo, Mickey Rourke logra representar a un excelente antagonista: despiadado, gacho, cabrón y que realmente impone. El resto de actores están ahí para qué él se luzca.
Mickey Rourke se roba Inmortales en su papel como Hiperión
Olimpo cinematográfico
El apartado visual de Inmortales es ciertamente destacado. Desde la impresionante filmación para quienes la vean en 3D, hasta los efectos especiales de las peleas son un deleite para el espectador. La producción está sumamente cuidada y gran parte del atractivo de Inmortales está más en cómo se ve y escucha que en la historia que tiene de fondo. No se abusa de la cámara lenta, pero cuando es utilizada es porque el recurso queda perfecto; la sangre brota por borbotones pero nunca al grado de que sea más sangrienta que entretenida; y las coreografías de pelea son cortas pero brutales… como tipo God of War… aunque uno esperaría ver más de ellas cuando quedaron tan bien.
Eso sí, tenía la impresión de que la antigua Grecia era un poco más verde porque la mayoría de paisajes que se muestran son entre desiertos, acantilados y zonas devastadas por no sé qué cosa que pasó antes por ahí y acabó con cualquier rastro de vegetación. Sólo verás arena, agua con petróleo y montones de piedras.
Algunas secuencias de peleas están la verdad muy chingonas
Si quieres ir al cine a pasar un buen rato y no te molesta que mezclen el mito de Teseo y el Minotauro con el de la Titanomaquia y toda la libre adaptación que metieron en una licuadora aquí, Inmortales te parecerá una excelente opción. Una película palomera recomendable, con una producción destacada e historia fácil de seguir como para simplemente gozar de la magia del cine actual. Si quieres poner a trabajar las neuronas, busca en otra sala… y si eres fanático de God of War, apaga la computadora y corre a verla al cine: no es ni la mitad de épica que el videojuego, pero un fan siempre encuentra guiños entretenidos en este tipo de películas.
Es cada vez más común ver películas basadas en videojuegos famosos en la pantalla grande, pero ¿una película basada en Dance Dance Revolution? ¿Una cinta española cuya trama gira en torno a la maquinita de baile de Konami? Sí, éso es La Máquina de Bailar. Agárrense del barandal de protección porque esta es una película como ninguna otra.
La Máquina de Bailar | Reseña
Una película barata. “Sí, es filosofía barata de película barata. Pero las películas baratas ayudan a la gente, porque la gente como nosotros vive vidas baratas”. La Máquina de Bailar, como primer adjetivo, es una película simple, pero atrevida, tal vez demasiado atrevida por varias razones: está basada en un videojuego, un videojuego de baile para ser exactos y es una producción española… sí, tiene, todos los ingredientes perfectos para ser un churro… y no nos queda mal.
Antes de continuar tengo que mencionar que el cine español no me gusta del todo: el acento por momentos me parece insoportable, no por el acento en sí, sino porque se me hace difícil encajar las voces en sus personajes, y a su vez encajar a los personajes en el contexto que nos quieren presentar… yo en el cine español escucho que todos tienen exactamente el mismo tono de voz. Por si fuera poco, pareciera que hay dos cosas que no pueden faltar: afeminados y chistes malos, y no sólo no faltan, sino que abusan de ambos a tal grado que vemos chistes malos con gays… así que no es raro que las películas españolas de miedo me den risa y las de risa me den miedo.
¿Y La Máquina de Bailar encaja en ese esquema del cine español? De sobra, repleta de bromas malas y con demasiados afeminados en la pantalla: uno de cada tres personajes importantes es gay y los otros dos lo parecen. Sin embargo, una película española con chistes malos y montones de gays es normal, ¿pero basada en un videojuego? ¿En Dance Dance Revolution? Vaya apuesta más atrevida, y la verdad es que el resultado no es malo: es pésimo… pero muy entretenido.
Dance Dance Revolution: la película
Dani (Jordi Vilches) es un joven que trabaja en un supermercado y aficionado a los videojuegos, especialmente a la vieja conocida de todos: la Dance Dance Revolution. Junto a sus amigos Josemi (Óskar Salcedo) y Óscar (Eduardo García) suelen reunirse en el New Park, un gran local de maquinitas de arcade, donde gastan cada centavo ganado para farolear en la popular máquina de baile.
Presentando a los Tigres del New Park
Un día, el gerente del supermercado donde trabaja Dani decide irse de vacaciones y deja encargada su mascota al joven empleado: una rarísima boa albina domesticada a la cual tiene que alimentar diariamente con un hámster y leerle algunas páginas de la filosofía de Nietzche para desestresarla. Si la situación ya de por sí es absurda, toma un giro más extraño cuando por hacer una fiestecita en la casa de su jefe, la boa literalmente explota en pedazos. Ahora tendrán que conseguir el dinero necesario para comprar una mascota que supla a la anterior sin que su dueño note el cambio.
De aquí en adelante la trama es un cheque al portador. Todos sabemos qué sigue, todos intuimos los giros que dará la historia y anticipamos el final con precisión matemática. ¿Cómo conseguirán el dinero nuestros intrépidos héroes? ¡Claro! ¡Jugando a que bailan! Un concurso nacional de Dance Dance Revolution se llevará a cabo en el famoso Salón del Manga (advertencia, la película está atascada de referencias frikis) y repartirá diez mil euros al equipo ganador, extrañamente la cantidad justa y necesaria para recuperar al reptil inmolado.
Tendrán que bailar para comprar una nueva boa
Entran en escena el resto de personajes que le darán vida a esta especie de comedia y sátira: Johnny (Santiago Segura), quien atiende el New Park y era un gran bailarín; Salva (Chema Rodríguez), un afeminado nerd; y Lara (¿Croft?), interpretada por Bárbara Muñoz, que se volverá en algo así como la niña deseada y la manzana de la discordia. Con la guía y supervisión de Johnny, los cinco tendrán que aprender a bailar y coordinar sus movimientos para el gran concurso organizado por Konami.
Obviamente tenemos que tener un antagonista que en el caso de La Máquina de Bailar recae en Fernando, quien odia a Johnny por alguna extraña razón y desea frustrar todos sus sueños, ganar el concurso de DDR incluido. Hay que reconocer que después de un rato los personajes al menos terminan cayendo bien y uno siente cierta empatía con cada uno de ellos.
Johnny los llevará a que aprendan a bailar de verdad
Referencias frikis a la vista
Afortunadamente tanto absurdo y ridículo llega a ser muy entretenido. La Máquina de Bailar tiene todos los elementos para ser catalogada como una película mala, incluyendo unas actuaciones irregulares (salvo la de Santiago Segura que hace un personaje increíble), pero a su favor tiene una dirección atinada que en varios momentos logra rescatar risas e insertar magistralmente elementos y parodias de películas ochenteras como Karate Kid, Rambo y Rocky, así como referencias a varios videojuegos más.
Por si fuera poco, retrata de maravilla el submundo friki que rodea a eventos como las convenciones de anime: es realmente de risa ver a los gorditos con sus bandas de Naruto apoyando con lujuria a Lara durante su rutina, o la bola de disfrazados nerdos aplaudiendo -como nerdos que son- cada pasito de la coreografía… es verídico, existe, y esta película lo retrata cual si fuera documental de la vida real. Imposible no sonreir.
Una película española basada en Dance Dance Revolution… increíble
La banda sonora de La Máquina de Bailar obviamente incluye canciones y música de Benimani, clásicos como “What a Feeling”, “Dam Dariram”, “Buttefly” y “Breakdown” le dan algunos puntos extras. El resto de apartados técnicos son apenas regulares, no despunta en ningún rubro, y en cambio es una cinta con demasiados, exageradamente demasiados, errores de coherencia. No es raro ver que los concursantes bailan en el tapete derecho mientras que los pasos realmente están en el tapete izquierdo, igualmente, parece que las flechas se pisan solas pues los bailarines están incluso a veces fuera del mueble cuando las pisadas se están marcando adecuadamente en la pantalla. Monjes shaolin japoneses, fulanos que se saben de memoria las canciones sin haber pasado nunca antes ni la mitad y concursos realizados en modos de dificultad baja le restan algunos puntos freaks al valor de producción.
Personajes seleccionables de La Máquina de Bailar
DANI: uno de los personajes más aburridos de La Máquina de Bailar, y desgraciadamente el protagonista. Un poco miedoso, un poco tarado, pero amante de la Dance Dance Revolution, tiene todos los récords del juego… en algo así como la dificultad súper facilísima. Su pinta de friki se complementa con un lindo aretito de flor en la oreja que lo hace ver como el líder que es de Los Tigres del New Park. Como era de esperarse, tiene sentimientos nobles y tiernos por Lara.
Dani es el mero perrón para jugar Dance Dance Revolution
JOSEMI: el más aburrido del roster, poco menos maleta que Dani para jugar DDR (me refiero a lo que aparenta en la vida real) y el clásico personaje que se siente galán de telenovela. Juega un papel importante entre protagonista/antagonista y como también era de esperarse, tiene sentimientos sucios y cochinotes para con Lara.
ÓSCAR: el clásico chavo gordito, bonachón y mal hablado que nunca pueda faltar en un local de maquinitas. Lo usan de chiste y compra perfumes de feromonas para ligar a alguna despistada en el arcade. Tiene un problema de lateralidad por lo que el pobre mocoso no distingue izquierda de derecha ni arriba de abajo. De esperarse, también como que se quiere tirar a Lara.
SALVA: reclutado de rebote para completar el equipo, este afeminado con lentes y cabellera ñoña se convierte en un personaje más divertido que los mismos protagonistas. Le encanta la ropa ajustada y aunque dice que hace como 40 mil puntos la verdad es que juega terrible. Parece tener sentimientos nobles por Dani. =)
LARA: una niña popis quien entra de último momento para completar el equipo. Se puede abrir de piernas, tiene la “Play” en casa con tapete metálico y antes era una gorda traga Sabritas que bajó de peso gracias al modo fitness de la Dance Dance Revolution. Ahora todo mundo quiere con ella… menos el maricón de Salva, claro. Colecciona tarjetas tiernecitas y las entrega en toda ocasión para expresar sus ridículos sentimientos.
Lara es la manzana de la discordia
JOHNNY: atiende el New Park y es una especie de ídolo local. Gran bailarín de los años 70, llegó a la final juvenil. Practicó kung fu con el maestro de Bruce Lee, trabajó para la NASA, realizó misiones de infiltración en Cuba y Vietnam, trabajó con el Servicio Secreto entre muchas otras cosas. Todos lo admiran por sus historias y es el alma del equipo, un accidente lo dejó medio cojo pero no le impide enseñarles a bailar. Tiene la afición de sacar el anillo de Fernando del inodoro cada que se le cae. La verdad que este personaje se roba la película: excelentemente interpretado.
FERNANDO: el villanazo de la historia, odia a Johnny pese a que son aparentemente amigos desde muy jóvenes, acostumbra tirar su anillo al retrete y tomar notas mentales con una grabadora. Es inmensamente rico, socio de una secta de encapuchados, dueño del New Park y quien le da trabajo al mismo Johnny, pero hará hasta lo imposible por hacer que pierdan.
Moogle, el buscador de La Máquina de Bailar
Con todo, ¿vale la pena verla? Definitivamente sí.. bueno sí eres fanático de los videojuegos. La Máquina de Bailar es una propuesta interesante, aunque tiene incontables fallas nunca deja de ser entretenida y las referencias al cine ochentero, el anime, convenciones, los gordos disfrazados de Naruto, el buscador Moogle y referencias a otros videojuegos son un plus que aunque pudieron quedar mucho mejor logradas, se agradece el intento de ponerlas todas juntas. Junto a los amigos y una bolsota de chicharrones, La Máquina de Bailar puede arrancarnos algunas carcajadas y pasar volando 109 minutos. Muy recomendable, es una especie de placer culposo. Si este no es tu mundo… aléjate, te parecerá la peor cochinada del cine.
Basada en la vida y obra del gran maestro Huo Yuanjia, fundador de la Federación Deportiva Jing Wu, que entre sus propósitos tenía el fomentar las virtudes y conceptos del Wushu entre su gente, llega esta cinta de Jet Li con una buena producción y presupuesto invertido. El esfuerzo deja buen sabor de boca. Jet Li hace mancuerna con los conocidos y exitosos Ronny Yu (The Bride with White Hair, Freddy vs Jason) y el maestrazo coreógrafo Yuen Wo Ping (Kung Fu Hustle, Matrix, Kill Bill).
El Duelo (Fearless) | Reseña
La película El Duelo muestra tanto realidad como ficción. Vemos un joven Huo Yuanjia deseoso de aprender artes marciales de su padre, a lo cual el ruco se niega, en parte porque el jovenzuelo padece asma; ésto lo lleva a entrenar por cuenta propia a escondidas de su familia, además de la decepción de ver que su padre al pelear en público no puede dar ese “golpe final” para terminar a su adversario. Después de recibir una tunda por parte de otro monito, el muchacho jura no volver a perder jamás.
A lado de su buen amigo Nong Jinsun (su voz de la razón, interpretado por Dong Yong), Huo Yuanjia crece sin comprender el verdadero significado del Wushu, sin perder combate alguno y con una sola idea en mente, el convertirse en el “campeón de Tianjin” más que nada por gloria y fama. El deportivismo y humildad no existen para él.
Falsos discípulos, chupe, despilfarre, arrogancia y un juego de venganzas, llevan a la pérdida de todo lo que más quiere. Lleno de tristeza y vergüenza, huye de Tianjin, encontrándose después en una pequeña aldea a kilómetros de distancia. La abuela Sun y su nieta Moon, (interpretada por Betty Sun) con su generosidad, amabilidad, humildad y simples consejos y enseñanzas llenos de fuerza y contenido lo encaminarán a rehacer su vida y comprender sus errores.
Huo regresa años después a un Tianjin muy cambiado ocupado por extranjeros ya que es el periodo de invasión europea y japonesa. Siempre apoyado por su incondicional amigo, y con una nueva mentalidad, comprendiendo la conexión entre el cuerpo, mente y alma, y en donde el futuro de las artes marciales reside en el deportivismo y no en la brutalidad, ahora pelea no por andar de gallito ni por satisfacción propia, sino para demostrar el orgullo e identidades del pueblo chino.
Las secuencias de artes marciales y peleas son increíbles
Cine de artes marciales
En una pelea muy promocionada, Huo enfrenta a un gigantesco luchador americano, Hercules O’Brien (encarnado por Nathan Jones), quien se refiere a los chinos como “los hombres enfermos de Asia”. La pelea pone a Huo en el ojo de representantes de las naciones extranjeras en China, quienes creen que su victoria ante el inmenso luchador pueda despertar un sentimiento anti occidental. Esto los lleva a organizar un evento en donde el maestro Huo Yuanjia se enfrentará a cuatro representantes de las mayores fuerzas extranjeras en el país: un boxeador británico, un prusiano maestro de la lanza y un esgrimista español, además del excepcional combatiente japonés Anno Tanaka (encarnado por el increíble Shidō Nakamura II), a quien Huo conoce en una escena anterior intercambiando filosofías y demostrándose verdadero respeto.
De esperarse, y en la tradición de Yuen Wo Ping, las peleas son estupendamente coreografiadas. No se exagera en el uso de cables como en otras películas de Jet Li (¿Fong Sai-Yuk?) y se recurre en ocasiones a la ayuda de imágenes generadas por computadora. Todo en alas de mostrar de una manera más vistosa las fantásticas habilidades de Li y los otros combatientes.
Huo Yuanjia enfrenta a un enorme luchador americano
Mucho se ha dicho que la razón para que Jet Li deseara hacer El Duelo fue debido a la reciente ola de suicidios entre la juventud china. De alguna manera se busca inspirar a éstos jóvenes a vivir con un espíritu más fuerte y apreciar más sus vidas, tal y como el maestro Huo Yuanjia lograra en su tiempo. Algunas otras películas relacionadas (ficción incluida) y que tratan eventos después de la muerte del maestro y donde los protagonistas hacen el papel de un presunto alumno son Chen Zhen/Zheng Sheng: Fist of Fury (1972, Bruce Lee), New Fist of Fury (1976, Jackie Chan) y Fist of Legend (1994, sí, con Jet Li).
La versión del director de Fearless
Como dato final, las versiones de El Duelo llevadas al cine fueron recortadas a tan sólo 102-106 minutos. A principios de 2007 se liberó en Hong Kong la tan esperada Director´s Cut de Fearless que incluye aproximadamente 40 minutos de metraje no exhibidos anteriormente. ¿De qué constan esos momentos extras antes mochados? Básicamente una pequeña trama completa: Michelle Yeoh (Crouching Tiger Hidden Dragon, Wing Chun, Memorias de una Geisha) hace el papel de una artista marcial buscando lograr que el Wushu sea incluido en los Juegos Olímpicos de Verano como un evento, aunque su participación es más bla bla bla que nada.
Kung Fu vs esgrima, hay de todo en la película El Duelo
Se rumora que al conocer que la parte en donde Michelle Yeoh aparecía sería suprimida, Jet Li viajó exclusivamente desde Los Ángeles hasta Hong Kong para disculparse personalmente. Claro que Michelle, con su conocida amabilidad, dijo entender las razones del estudio.
Otras escenas también eliminadas de Fearless presentan una larga y genial pelea entre Jet Li y un boxeador thai (Bei Cha, interpretado por el campeón de la especialidad, Somluck Kamsing) cuando se encuentran en la aldea de Moon y Sun, así como otros pasajes sobre la juventud de Huo Yuanjia. Verdaderos fanáticos seguramente buscarán esta versión más completa.
Jet-Li contra Shidō Nakamura II
Aunque no fue la última cinta épica y de artes marciales de Jet Li, si su intención era despedirse, ¡vaya manera de hacerlo! El Duelo es una película redonda, muy entretenida, del corte que los fanáticos siempre gustamos entre nuestras favoritas de Kung Fu y fácilmente una de las mejores del género. Una película con excelentes coreografías de batalla, una trama que te atrapa y las actuaciones adecuadas para mantenerte pegado al asiento viendo la inspiradora historia del maestro Huo Yuanjia.
La película Kick-Ass: Un Superhéroe sin Súper Poderes, basada en el comic más violento y original de los últimos tiempos, fue debidamente pasteurizada y procesada para el consumo del público en general, pero mantiene muchos elementos que hicieron de la historia original un éxito entre los aficionados al noveno arte.
Kick-Ass: Un Superhéroe sin Súper Poderes
Uno puede suponer que ésta película tiene su nicho natural de admiradores sólo en aquellos que hayan leído el cómic de Mark Millar y John Romita, a juzgar por la poca publicidad en nuestro país es difícil creer que a alguien más le pueda interesar mucho… Sin embargo, para todos aquellos que no leyeron Kick-Ass y le interesa el filme, ahí va.
Kick-Ass (interpretado en la película por Aaron Johnson) es un héroe callejero, un adolescente prototípico, medio nerd y fanático de las historietas cuyo nombre real es Dave Lizewski, que un buen día decide lanzarse a las calles a hacer justicia con dos palos de escoba y un traje de buzo. Después se le unen otros héroes al parecer inspirados por él, pero cada uno con propio trasfondo, todo ésto aderezado con muchos kilos de moronga y filetes de mafioso. Bueno, en la película no hay tanta sangre.
La magia de este “súper héroe” sobre otros es que Kick-Ass no vive en el mundo de DC Comics o Marvel, donde en algún momento podrían aparecer Superman o Spider-Man a salvar el día; en el mundo de Kick-Ass, hasta antes de su salida, los personajes súper poderosos están en el mismo lugar que en el nuestro, en las viñetas y páginas de cómics.
Kick Ass: The Movie
Es de suponer que salir a vigilar las calles de la ciudad sin mayor inspiración y entrenamiento que las últimas aventuras de los X-Men es algo que se torna curioso cuando vemos que nuestro superhéroe es de carne y hueso, y la mayoría de las veces le va más mal que bien. Sin embargo su decisión lo hace trascender las barreras de la fama, pronto sus videos de peleas contra pandilleros son subidos a YouTube, se vuelve un personaje popular que incluso inspira a otros a salir en pijama a pelear por la justicia.
En algún momento de la historia, y sin proponérselo, Kick-Ass se ve dentro de un gran embrollo que incluye a un par de vengadores en disfraz (Hit Girl y Big Daddy), a un extraño aliado (Red Mist) y a la mafia local que se ve amenazada con este repentino destape de súper héroes. Sus días de fama no parecen ser nada cuando se entrente a los malos de a verdad.
¿Dulce o truco?
La historia de Hit-Girl (Chloe Moretz) y su papá (Big Daddy, interpretado por Nicolas Cage) es uno de los elementos que más se respetan del material original. Big Daddy es un ex policía, que por alguna razón ha entrenado a su hija desde pequeña para ser el arma letal perfecta. La relación entre ellos y cómo “rehabilitan” a los maleantes eran algunos de los puntos fuertes de la historia y me alegra que se haya transmitido tal cual en el cine. El director, Matthew Vaughn, hizo bien en respetar casi en su totalidad a este dúo.
Otro punto a favor en la adaptación es que se piense que el interés amoroso de Kick-Ass es gay, uno de los momentos más hilarantes de todo el filme. Pero el Kick-Ass de la película no es ni una décima parte de lo rudo que es el del cómic, y sin embargo aquí sí se queda con la chica …pffff… supongo que es el gancho para que todos los pubertos que vayan a ver el largometraje crean que esa chica popular y guapa de la escuela algún día les hará caso. Ánimo chavos.
Pero la estrella de todo este show es sin duda Hit-Girl , con sus lindas frases, su gama de movimientos a la Matrix y sus disfraces que serán la sensación entre todos los loli fans que se encuentren en el público. Big Daddy también reparte buenas dosis de plomazos en la pantalla pero nadie se le acerca a la niñita en el conteo de cadáveres.
Hit-Girl es como la noviecita que toda tu vida quisiste.
Del lado de los villanos, los malosos de Kick-Ass: Un Superhéroe sin Súper Poderes son bastante creíbles, hasta para el estándar de película de superhéroes. Mark Strong, quien interpreta al jefe mafioso Frank D’Amico, hace un papel más que convincente y logra imprimirle esa importancia que debe tener el antagonista en todas las historias de acción.
El elemento sorpresa al final me pareció exagerado, pero es hasta cierto punto necesario en una adaptación de Hollywood para diferenciarlo del c+omic original, incluso sirve para vender figuras de acción. Los trajes de los personajes son diferentes y a veces cuesta un poco de esfuerzo relacionarlos con su contraparte impresa, como Big Daddy que parece ahora una especie de Batman.
Al final la cinta me dejó satisfecho y como ya me gustaba mucho Kick-Ass en papel yo sí le pongo un nueve bien freak, sólo por los pequeños detalles que ya mencioné que no me convencieron. Al compararla con el nivel de las últimas súper producciones de héroes queda bien parada, sin llegar a ser tan notable. Incluso si no conoces el material original pero eres fanático de la acción, Kick-Ass: Un Superhéroe sin Súper Poderes se mantiene como una película muy entretenida.
Lo único seguro cuando uno se dispone a ver una película con Nicolas Cage es la incertidumbre, ya que el actor se presta para hacer cine y personajes de todo tipo. En Temporada de Brujas, Nicolas Cage vuelve a tomar un papel de acción, en este caso interpretando al héroe de esta historia ubicada en la Edad Media, en donde se toma de trasfondo el conflicto de la Iglesia contra los herejes y la cacería de brujas de la época. ¿Vale la pena ver esta película?
Temporada de Brujas | Reseña
El año es mil 300 y pico. El escenario histórico, las Cruzadas. Es en esta época donde la Iglesia busca acabar con todo aquel que no profese la religión católica y en su campaña no sólo declaró la guerra a otros pueblos y religiones, sino que frecuentemente acusaba de brujería a todo el que los mirara feo… para terminar colgándolos, claro. Nicolas Cage interpreta a Behmen de Bleiruck, un caballero cruzado que junto con su compañero Felson (Ron Perlman) deciden retirarse de las órdenes de la Iglesia después de como diez minutos de película en los que matan según eso a muchos inocentes, muchas mujeres y montones de niños.
Siendo desertores vagan más o menos otros diez minutos de la película hasta que llegan a un pueblo infectado por la peste. Ahí son encarcelados cuando se dan cuenta que se rebelaron del mando de la Iglesia, pero puestos en libertad poco después cuando Behmen y Felson aceptan llevar a un monasterio lejano a una muchachona acusada de brujería y de ser quien llevó la peste a la región. Behmen, como buen desertor de la Iglesia que es, acepta en parte por tratar de rescatar a aquella joven y buscar que se le haga un juicio justo pues por experiencia no confía en los métodos de los cruzados. La idea es que entreguen a la bruja a los monjes quienes la enjuiciarían y podrían diseñar un conjuro o algo parecido para detener la plaga.
Para el viaje en Temporada de Brujas se unen algunos personajes más, especialmente un monje llamado Debelzaq (Stephen Campbell Moore) quien les advierte de lo peligrosa que es la bruja a pesar de su tierna apariencia de niña bonitay maltratada. Pero para Felson y Behmen la Iglesia culpaba a cualquiera y una cara linda no era la excepción, aunque siempre queda de manifiesto un halo de misterio (y fuerza sobrehumana) respecto a la chica. Total que la trepan a una especie de carreta-jaula y la tropa se dispone a llevarla al monasterio.
Como cualquiera puede imaginar, el fuerte de la película Temporada de Brujas es precisamente el viaje que harán nuestros aventureros y el desenlace final con la chica acusada de brujería, en un viajecito que incorpora un poco de acción, aventura y hasta algo de suspenso y sustitos.
Lo que le faltaba a Nicolas Cage, escoltar a una bruja
Efectos especiales de Nintendo 64
Desgraciadamente, ante una premisa tan simple pareciera que el director, Dominic Sena, nunca quiso hacer una película que fuera más allá de eso: simple. Temporada de Brujas peca de incompleta y chafa en casi cualquier aspecto que uno pudiera recordar. Salvo los vestuarios y la fotografía, la verdad es que todo lo demás destaca por ser de verdad muy malo: secuencias de acción poco trabajadas, combates medio sosos, actuaciones más bien sin chiste (quitando quizá a la bruja, interpretada por Claire Foy) y los peores efectos especiales de los últimos cinco años… películas de los 90 lucen mucho mejor que este bodrio, donde vemos monstruos con texturas terribles, extras creados por computadora, persecuciones que dan flojera y escenarios del Medio Oriente que parecen creados en un Nintendo 64.
Sí eres como yo, de los que piensan que una cinta puede salvarse con unos buenos efectos especiales, aléjate de Temporada de Brujas porque los efectos especiales están más guangos que la trama.
Los personajes principales de Temporada de Brujas son bastante olvidables
Las escenas de acción incluyen puentes que se caen, peleas contra lobos endemoniados, franciscanos sangrientos y hasta una especie de boss battle final. Ninguna muy bien lograda, aunque más o menos funcionan en conjunto para mantenerte interesado en la historia. Tengo que reconocerlo, más allá de que cada minuto que pasaba podía apreciar más el tamaño de churro que estaba viendo, la verdad es que la narrativa, aunque simple, funciona bien y te mantiene lo suficientemente interesado como para saber en qué termina la historia y qué pasará con la bruja… a pesar de ser muy mala, Temporada de Brujas tiene lo necesario para no dormirte y que medio te entretengas.
El Blu-ray tiene un menú vistoso y bien presentado, y contiene bastante material adicional incluyendo los tradicionales comentarios del director, algunas escenas eliminadas, entrevistas con los actores, un pequeño documental sobre la idea original detrás de Temporada de Brujas y otro que te muestra a los culpables de hacer los (pésimos) efectos especiales. Si lo analizas bien, quizá hasta el material adicional del Blu-ray es más bueno que la película en sí.
La fotografía deja que desear en Temporada de Brujas
¿Recomendable de ver Temporada de Brujas? No mucho, a menos que no tengas otra cosa que hacer o nada más en qué perder el tiempo. La historia te puede mantener interesado a pesar de ser simple, pero los diálogos tontos y esa atmósfera de película chafa y efectos baratos alejan hasta al más clavado de la fantasía y los cuentos de brujas. De lo peor en lo que ha participado Nicolas Cage… para verla bajo tu propio riesgo.
El novel director Kang Hyo-Jin escribe y dirige su segunda cinta después de My Wife is a Gangster. Punch Lady cuenta la historia de una mujer que reta a su esposo a subir al ring tras años de abusos, una crítica a la violencia física de la que son víctimas mujeres en todo el mundo y a la cultura machista en Corea del Sur… eso y algo de comedia y absurdos.
Punch Lady | Reseña
Cuando era niña vi a mi padre pelear contra un ladrón. Aunque han pasado varios años, esa imagen dejó una profunda impresión en mí. Viendo ensangrentado el enorme puño de mi papá pensé: “¿qué pasaría si ese puño me pegara a mi?”. Ha-eun no ha podido olvidar esa terrible imagen que la impactó de niña, y ahora, varios años después, sufre en carne propia los golpes de un hombre: su esposo.
En Punch Lady, Ha-eun, interpretada magistralmente por la talentosa Do Ji-won, es una mujer de 36 años casada con un animal, un famoso peleador de K2 quien aprovecha cualquier pretexto para sobajarla, escupirle, golpearla, zarandearla y agarrarla de piñata… y no es exageración. Durante los primeros minutos somos testigos de una cruel escena donde Joo-chang (Park Sang-uk) arremete con una furia inaudita contra Ha-eun, a quien golpea con puños, pies y todo lo que tenga a la mano y pueda cargar o lanzar contra ella. La escena de entrada está increíblemente bien lograda, difícilmente podremos ver en cine una interpretación tan realista y dramática de la violencia intrafamiliar como esta de Punch Lady.
Los golpes terminan y Joo-chang deja inconsciente a su mujer. Algunas horas más tarde intenta reconciliarse con ella durante la comida, pero nuevamente, un platillo que no es de su agrado es motivo suficiente para que Ha-eun sea atacada, esta vez para su desgracia, aparece en escena la hija del matrimonio, Chun-shim (interpretada por Choi Seol-ri), quien cansada de los abusos para con su madre increpa a ambos. Joo-chang arremete también contra la niña a quien descalabra lanzándole un cenicero para luego atacarla con un bastón de golf…. justo a tiempo su madre logra aturdir al enfurecido padre golpeándolo con una sartén.
Ha-eun es demandada y encarcelada por lesiones contra Joo-chang (¿les suena familiar la historia?). Trece años de abusos en el matrimonio llegan a una pausa cuando su hermana paga la fianza y le aconseja abandonar a su esposo y mudarse con ella. Así comienza una nueva vida, pero a los pocos días se encuentra con un ex novio, quien curiosa y misteriosamente resulta ser también un luchador profesional de K2 (a los coreanos les encantan las extrañas coincidencias) quien dentro de algunos días peleará contra su marido y le pide que vaya a verlo, como intentando de alguna manera vengar los abusos sufridos hacia la mujer.
Ha-eun amedrentada por su esposo
K2, el escenario de de Punch Lady
Más dramática (y predecible) no podría tornarse la historia en Punch Lady. Con golpes ilegales, Joo-chang no sólo derrota al antiguo novio, sino que lo mata en combate. Ha-eun atestigua todo en la arena y en un ataque de rabia, locura y algo de valor lanza un reto a su esposo durante la rueda de prensa: lo derrotará en el ring de K2 dentro de tres meses, le hará pagar los abusos de una vez y por todas en el lugar en que más orgulloso se siente. Aparentemente, es la primera vez que la miedosa mujer tiene un gesto de decisión o coraje en su vida. El reto se convierte en una bomba en Corea; Ha-eun es asediada por reporteros y se convierte en una figura mediática. Por ridículo que pudiera parecer, el reto es aceptado y el evento especial del K2 será el encuentro hombre contra mujer, donde Joo-chang subirá al ring con un brazo atado a la espalda para equilibrar un poco el hándicap existente.
Desde este punto la historia en Punch Lady gira en mil direcciones distintas. La primera media hora de drama de repente se ven apagada por una clásica dosis de comedia al más puro estilo coreano. Y es que a este tipo de cine le encanta meter algunos chistes para aligerar la tensión aún en las situaciones más absurdas, dramáticas y terroríficas. Así que tenemos que los chistes coreanos nunca faltan en películas coreanas, por muy seria que sea la temática que manejen.
Comedia, acción, drama y hasta artes marciales en Punch Lady
Ha-eun decide afrontar con seriedad su reto y busca un gimnasio donde entrenar. Desgraciadamente es rechazada en todos lados, hasta que llega a un antiguo gimnasio de boxeo tailandés próximo a convertirse en guardería. El actual dueño, quien es profesor de matemáticas de su hija, no conoce ni un ápice de artes marciales pero es tentado por una jugosa oferta de dinero que le realiza la mujer en caso de que venza en el combate, por lo que fingirá ser un experimentado entrenador (como si fuera lo más problable que ganara). El sentimiento de la responsabilidad le invade pronto al profesor Soo-hyeon (Son Hyun-joo) y decide aprender artes marciales por su cuenta para intentar ayudar a su discípula.
Remix de géneros
Ha-eun crecerá como mujer, como madre, como persona y como peleadora obviamente. No deja de sonar ridículo que pueda aspirar a vencer a un campeón profesional con tan sólo tres meses de entrenamiento, y menos cuando tomamos en cuenta que su maestro en realidad es un entrenador patito que sabe igual o menos que ella sobre kick boxing. Pero ¡heey! Es una película coreana, aquí todo se vale.
"Cine coreano, ¡WTF!"
Punch Lady es una amalgama de comedia, sátira, artes marciales escenas dramáticas y satinado con un poco de romance inocentón. En un momento, el villano en turno, Joo-chang, nos hace fruncir el ceño cuando amedrenta a su mujer, al poco rato nos enteramos de la cruda realidad de los recuerdos del padre de la protagonista y unos minutos más tarde sonreímos por las inverosímiles secuencias de entrenamiento que realiza Ha-eun. ¿Crees que la película tendría algo de Rocky? En efecto, las clásicas secuencias de acondicionamiento están incluidas con todo y música de gimnasio. El apartado musical es de hecho sobresaliente, aunque se nota la influencia del cine gringo en cada melodía de fondo.
Por extraña que parezca la mezcla y el salto tan disímbolo entre la violencia familiar y la comedia ligera, la verdad es que Punch Lady nunca deja de ser entretenida. Los personajes actúan e interactúan tan bien entre ellos que terminas creyendo cada absurdo, cada ridículo y cada inverosímil que se muestra en pantalla. Te convences de lo que ves, lo aterrizas como creíble y disfrutas una película que durante 120 minutos te absorbe para terminar apoyando la causa feminista.
Campeón de K2 y golpeador de mujeres
El resultado final en Punch Lady es lo de menos, pese a las claras dificultades para representar un combate equilibrado, me parece que el producto final es muy bueno. Aunque está lejos de ser Million Dollar Baby, la película termina por atraparte completamente pese a ese sentimiento de brincar entre géneros y situaciones.
Ganadora de 17 premios internacionales, entre ellos el Grand Prix del Festival de Cannes, Oldboy (comercializada en México como Cinco Días Para Vengarse) es considerada no sólo una de las mejores cintas asiáticas de todos los tiempos, sino una de las mejores películas del cine moderno. ¿Realmente es una obra maestra?
Cinco Días para Vengarse (Oldboy)
Dirigida por Park Chan-wook, Cinco Días Para Vengarse es quizá una de las películas asiáticas más sonadas y aduladas por los fans del cine oriental y las cintas alternativas, un largometraje que algunos comparan con aquellos filmes en la tradición de Tarantino: violencia, acción, excelentes tomas y una trama sencilla y digerible pero bien elaborada, sin embargo tiene en realidad muy pocas similitudes con el cine del oriundo de Tennessee.
Oh Dae-su (interpretado con maestría por Choi Min-sik), una persona común y corriente, se preparaba a celebrar el cumpleaños de su hija cuando de repente es secuestrado frente a una caseta telefónica sin dejar rastro y sin motivo real aparente. Durante su encierro, su esposa es asesinada y Oh Dae-su se convierte en el primer sospechoso al encontrar su sangre en la escena del crimen y pruebas que lo ligaban con el asesinato de su mujer, pero éste sería sólo uno de los muchos sucesos que viviría atrapado en un cuarto de hotel durante quince años… Hasta que repentinamente es liberado.
Es aquí donde comienza lo “bueno”, y lo pongo entre comillas porque uno no termina de entender durante gran parte del tiempo lo que está sucediendo en pantalla y se queda esperando lo “bueno” casi todo el rato.
Continuando, Oh Dae-su sale hecho todo un terminator de su encierro, pues como buen rehén se dedicó a entrenar durante quince años haciendo lagartijas y pegándole a las paredes de su cuarto como desquiciado; y no sólo eso, se convierte también en todo un hombre de caché, un erudito que aprendió los modos del mundo moderno, criminología, avanzadas técnicas de investigación, espionaje y toda clase de conocimientos inútiles observando durante días enteros el Discovery Channel y el MTV coreano.
Uno no puede más que maravillarse de lo absurdo que resulta esto, pero al final de cuentas es una película, así que tratamos de dar el beneficio de la duda y continuar con el filme porque aparentemente ya viene “lo mero bueno” en Cinco Días Para Vengarse.
Sin ser de acción, la violencia transpira en cada escena
Peleas chafas con escenas de acción clásicas casi como del cine mexicano ochentero nos demuestran el vasto dominio de las artes marciales que nuestro protagonista adquiere en su encierro, en una historia que nos comienza a querer mostrar el por qué de su secuestro, el por qué de su liberación, el por qué continuamos viendo esta película y la búsqueda de venganza de Oh Dae-su a base de cachetadas guajoloteras a cualquiera que se le atraviese en el camino.
A pesar de que la crítica ha acomodado a Oldboymuchas veces dentro del género acción, la película contiene poca y las secuencias al respecto son casi siempre pobres. Por fortuna el fuerte del filme no está en las patadas y los karatazos, sino en el desenvolvimiento de la trama, habiendo de reconocer que pese a ser una historia que insípida durante poco más de una hora, termina siendo interesante y uno no puede más que preguntarse qué pasará después, ya saben, giros en la trama y ese típico suspenso de los buenos thrillers, contado al estilo coreano.
Ríe y el mundo ríe contigo; llora y llorarás sólo
Cierto, Cinco Días Para Vengarsetiene muchos baches y escenas que simplemente desvían la atención de la trama principal sin ofrecer algo bueno a cambio, escenas que para bien pudieron haberse recortado, especialmente, y aunque suene muy repetitivo, algunas de acción; sin embargo el resultado en general es bueno y Oldboyes una película que a menos de que la veas con mucho sueño promete tenerte pegado a la pantalla si intentas seguir adecuadamente la trama e indagar en el pasado de los personajes.
El protagonista sale de su encierro hecho una furia y un greñero.
La historia nos va sumergiendo en el significado de la venganza, lo dulce que pudiera ser y la necesidad real de desquitarse con quien te la debe, sobre todo cuando la primera explicación de Oh Dae-su es que su encierro obedeció también a una venganza contra su persona.
Oldboynos presenta después a Mi-do (Kang Hye-jeong), una muchacha quien extrañamente cae enamorada del finísimo Oh Dae-Su y le ayudará a obtener su venganza y aclarar su oscuro pasado. La trama en esta parte alcanza su punto más fuerte, con nuestro protagonista intentando encontrar no sólo respuestas, sino al culpable de sus penas, en una búsqueda que lo enfrentará con la mafia local, pandilleros de poca monta y un villano que no termina de convencer en una carrera contra reloj para lograr su cometido en tan sólo cinco días.
Mido es una buena adición al embrollo, tiene carisma y su actuación es mucho mejor que la de cualquier otro personaje de reparto en el filme, aunque no toma real importancia su rol sino hasta el final. El villano en turno no goza de la misma suerte, y mientras a veces luce muy, muy malote, otras ocasiones luce bastante cursi; los papeles de soporte son buenos a medias, la mayoría lucen sobre actuados y exageradamente irreales… Bueno, los actores de soporte y extras en realidad son muy malos.
¡Ay wey, con que esto es un elevador!
Del manga a la pantalla grande
Como punto a su favor, Cinco Días Para Vengarse tiene un buen manejo de cámara que es acompañado de escenas fuertes, tampoco nada fuera del otro mundo ni tan gore, pero no deja de sorprender y hacer fruncir el ceño. Estas secuencias sí lucen muy bien, se ve que las trabajaron mucho y el efecto logrado es muy bueno, realmente te hacen fruncir la cara.
Desgraciadamente los subtítulos al español latino no ayudan mucho, contienen varios errores y brincos, pero no son obstáculo para entender la cinta que ya hacia al final toma tintes densos en un argumento que promete mucho, se desarrolla más o menos bien y cuyo final, tras conocer el porqué del encierro de nuestro protagonista, te deja ese sabor de que quizá pudiste hacer algo más entretenido en esas dos horas de tu vida. No me malentiendan, el final es bueno pero la explicación final nunca me convenció… habrá a quien si lo haga.
Cinco Días Para Vengarse está basada ligeramente en el mangaOld Boy, de Garon Tsuchiya, se mantienen los aspectos del misterioso encierro y la liberación del protagonista, pero las causas de las venganzas, pasajes de la historia, el final y hasta los protagonistas son diferentes a los del filme.
Este fotograma es parte de la mítica escena de acción grabada en una sola toma, patrimonio culturla del cine moderno. A mí me pareció muy “X”.
En conclusión, Cinco Días Para Vengarse es una película interesante en su narrativa, pero con un desenlace inesperadamente absurdo que resulta. Y si no estés dispuesto a poner a trabajar tanto el cerebro, es probable termines con sueño y aburrido. Eso sí, no la veas con tu novia(o) ni con tus amigos, Oldboy es de esas películas que por muy buenas críticas que haya tenido, a la mitad de la gente le parecerá muy aburrida.
Publicada por el sello Vertigo, de DC Comics, en 2004, We3, de Grant Morrison y Frank Quitely, mostró desde un lado más oscuro la violencia contra los animales, en un cómic que generó halagos de prensa especializada y de asociaciones y protectores de los derechos de los animales. Hoy por fin tenemos la oportunidad de disfrutarlo en México gracias a Editorial Televisa.
We3
We3 es una muy entretenida historia sin mucho texto, o casi nada de él, pero con dibujos magníficos y paneles muy detallados. La trama se desarrolla en base a un equipo élite de protectores de la ley, mercenarios o algo parecido, los cuales cuentan con mejoras cibernéticas y mecánicas, armas hasta por los dientes, una inteligencia súper desarrollada y años de entrenamiento. El grupo lo conforman tres agentes especiales: un perro, un gato y un conejo llamados Bandit, Tinker y Pirate, conocidos también por su clave numérica: 1, 2 y 3, respectivamente.
Después de una de sus primeras misiones exitosas, sus creadores y el gobierno deciden “ponerlos a dormir”, pero estos animales se escapan del laboratorio donde los mantienen controlados por lo que la milicia empieza a cazarlos; es aquí donde empieza la aventura en We3 y la búsqueda de un lugar al cual puedan llamar hogar.
El perro, Bandit, vendría siendo la conciencia de los tres, el noble, el que quiere ayudar a las personas pese a lo que le hayan hecho, capaz de generar sentimiento más humanos que los otros dos; el conejo, Pirate, siempre lo sigue y apoya sus decisiones; Tinker, el gato, vendría a ser el rebelde, el vengativo, el que no alberga esperanza de regresar a ese hogar prometido. Los tres integrantes del equipo tienen una limitada habilidad para el habla gracias a unos implantes en sus cráneos y se comunican entre ellos y con los demás de esta manera.
Los animales tienen algunos cortos diálogos entre sí y se refieren a ellos mismos como “We3” (“nosotros tres”), y aunque son muy pocos textos, éstos son tan conmovedores y llenos de mensaje que hasta ganas dan de ponerte a hablar con tu mascota.
La historia en el cómic para esta altura gira en torno al uso que algunos científicos les dan a los animales como armas vivientes para salvaguardar la integridad física de los humanos, es decir, una constante muestra de la crueldad de los humanos para con ellos (en el mundo real también experimentan con ellos hasta para probrar shampús), y como estos obtienen su revancha de una forma por demás gráfica.
Siempre hay tiempo para divertirse con los conejos.
Los sucesos que dan lugar a la trama durante los tres tomos de We3 muestran un interesante choque entre la venganza de las criaturas fugitivas y sus verdaderos sentimientos, no tanto sentimientos humanos impuestos cibernéticamente, sino los suyos propios como mascotas.
We3: cómic con estilo y mensaje
El estilo de dibujo es buenísimo. Frank Quitely es amante de atascar las páginas con imágenes pequeñas imágenes rodeando a la ilustración central y en We3 su arte luce impresionante, con colores a la misma altura de los trazos. El guion corrió a cargo del conocido Grant Morrison quien en el 2006 incluso escribió lo bien pudiera ser el guion cinematográfico para llevar el cómic a la pantalla grande. De llegar a convertirse el proyecto de We3 al cine, Bandit, Tinker y Pirate así como el resto de animales que interactúan en la historia serían generados en animación por computadora.
DC Comics publicó un tomo recopilatorio de We3, que se ha convertido sin duda en una de las miniseries mejor logradas de Vertigo. Hacia el final, la historia de We3cierra con la misma fuerza con la que comienza, y a pesar de la violencia gráfica y la sangre chorreada hojas atrás es un cómic con un gran mensaje cuando uno da la vuelta a la última página.
El arte de Frank Quitley es impresionante en los paneles dobles.
We3 sería el equivalente en papel de una película de acción ochentera, pero con bastante gore y mensaje. Hay muchos animales y personas destripadas cada tercer página, y la historia nunca baja el ritmo de acción frenética mas que cuando de verdad es necesario un respiro. La narrativa te atrapa y el arte es imposible que no destaque, sobre todo con algunas páginas dobles, que son verdaderas obras de arte. We3 son tres números llenos de acción sin texto y sin desperdicio: todo un agasajo para los amantes de animales, la acción, la ciencia ficción y los litros de sangre.
Desde hace varios años los videojuegos basados en licencias de anime y manga se han estacando en un bache que parece no tener salida, títulos que terminan navegando casi siempre en el aburrimiento. Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2 lucía como la carta fuerte del año tanto en PlayStation 3 como Xbox 360… ¿Un juego que le hace justicia a los fanáticos de la serie o es mejor esperar la llegada del siguiente ninja?
Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2
Éste es básicamente un juego de peleas. Tienes a tu disposición a la mayoría del casting Naruto Shippuden y compites en un escenario en 3D que puedes recorrer mientras te acercas o pones distancia de tu enemigo para atacar. Escoges a un personaje central para pelear y a dos más que puedes invocar para que te ayuden durante el transcurso de la pelea.
¿Se lee sencillo? Lo es, Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2 maneja un esquema de control muy simple, donde tienes un botón para ataque, uno para lanzar shurikens (o algún otro artefacto ninja), uno para brincar/evadir/acercarte, uno para cargar tu chakra, lo cual combinado con los otros botones te permite realizar técnicas más poderosas, combinaciones especiales y evasiones instantáneas, mientras que con los gatillos pones defensa, realizas agarres y llamas a alguno de tus ayudantes a que salgan a hacerte el paro. La cruz te sirve para usar uno de los cuatro accesorios que puedes equiparte antes de la pelea y que pueden ser objetos que arrojas al rival, o bien, subir tus atributos durante algunos momentos.
Si alguna vez jugaste el primer Ninja Storm te darás cuenta que en esencia hay pocos cambios en el motor de batalla. La dinámica es muy similar pero las peleas recibieron algunos ajustes que las vuelven más dinámicas y entretenidas. Para comenzar, se redujo el tiempo de duración de las técnicas especiales (Ultimate Jutsus), que a veces parecían summon de Final Fantasy.
Otro cambio está en tus ayudantes, que suelen ser más útiles que en el primer título y gracias a que pueden ser de ataque, defensa o de soporte las combinaciones para usarlos se amplía radicalmente, entran mejor en combos, te cubren en situaciones peligrosas y pueden darte tiempo para cargar tu chakra o poner pies de por medio.
Los personajes de apoyo también incrementan su grado de participación en Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2, si los llamas en varias ocasiones habrá situaciones donde de manera automática entrarán a la batalla para alargar tu cadena o resguardarte de tu enemigo. Si continúas con este estilo de juego podrás llenar tu barra de soporte y acceder a combinaciones en equipo: los tres personajes le hacen bolita al rival con una técnica triple masiva.
Jiraiya contra Tsunade, dos de los favoritos del anime.
Los personajes seleccionables también recibieron retoques para diferenciar más a aquellos que son peleadores de corta, mediana y lejana distancia, existiendo algunos que pueden usar varios estilos. Todo parece optimizado para un mejor desempeño en versus y darle vida al más o menos robusto sistema de batallas online que incluye.
Una nueva aventura de Naruto
Pero más allá de pelear con los personajes del anime, Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2 ofrece varios modos de juegos. Peleas en línea, versus local, las clásicas opciones y el modo Ultimate Adventure, el otro punto medular del juego y donde CyberConnect2 invirtió más tiempo para intentar recrear con fidelidad las épicas batallas mientras tú las juegas.
El videojuego nos lleva a revivir exclusivamente los sucesos de Shippuden, comenzando con el regreso de Naruto a Konoha después de que se retiró a entrenar con su maestro Jiraiya por casi tres años, y terminan justo después de la pelea contra Pain. ¿No te suena la historia? Porque seguramente no conoces el anime o el manga, así que puede ser que mucha de la magia que esconde este título no sea de interés para ti.
Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2 incluye un pequeño modo RPG.
En el modo Ultimate Adventure tomas el control de Naruto (o algún otro personaje en ciertos momentos) a través ocho capítulos más algunas sidequests, para ello recorrerás Konoha, la Villa de la Arena y los alrededores del mundo ninja en una especie de RPG que visualmente me recuerda mucho a los títulos de Final Fantasy en el primer PlayStation, con personajes poligonales explorando mapas a manera fondos prerrendereados que lucen como pinturas. Ciertamente da la impresión que todo el mundo de Naruto queda unas tres o cuadras a la redonda de la Aldea de la Hoja, pero el cambio en general es bueno y me parece más atractivo de jugar que el modo de historia de la primera entrega.
Batallas al más puro estilo anime
Conforme recorres los escenarios puedes recolectar algunos ítems para sintetizar armas, medicinas, comida y otras cosas que te ayudarán en tu misión. También puedes encontrar personajes a los cuales ayudas, realizar misiones ninja y en sí gastar algo de tiempo explorando mientras llegas a tu próxima batalla.
Los enfrentamientos siguen mas o menos de manera fiel al anime, aún las secundarias, así que, por ejemplo, reviviremos la pelea del equipo de Lee y Neji contra los clones de Kisame e Itachi. Pero las que definitivamente no tienen madre son las batallas especiales contra los jefes. Cada capítulo tiene una o dos peleas contra los meros jefes de nivel. Son secuencias impresionantes de acción que incluyen un enfrentamiento donde en determinados momentos manejan secuencias cinematográficas animadas, las cuales controlas mediante QTE (Quick Time Events) al estilo de God of War.
Las batallas contra los jefes de capítulo son alucintantes.
No sólo eso, los combates suelen manejar minijuegos que no ves en ninguna otra parte de Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2. Por ejemplo, en la batalla Gaara contra Deidara llegará un momento en que Deidara montará en un pájaro gigante de plastilina y se marcha volando, para lo cual tú vas a perseguirlo con tu nube voladora de arena mientras le lanzas disparos (de arena también) en un intento por detenerlo, todo mas o menos con un esquema de shooter tradicional. Pero no sólo es llamativo jugarlas, sino que realmente es impresionante verlas: si eres fanático de Naruto, tan sólo estas batallas harán justificable tu compra.
Sí. en la entrega anterior había algunas batallas con jefes, pero no están cerca de la calidad gráfica y de coreografía visual que CyberConnect2 logró en esta ocasión. Lo mejor de todo es que se dieron la libertad de crear algunas secuencias distintas a la caricatura, como para darle frescura y sorprender un poco a quienes ya nos sabemos cómo termina todo.
Y aunque las batallas con los jefes se llevan las palmas, el trabajo gráfico y la presentación de Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2 es muy buena en lo general, desde los menús bellamente animados hasta los atractivos e impresionantes poderes ultra ninjísimas que nos presenta el modo de historia. Desgraciadamente, el estilo cel-shaded muestra algunos fallos fuera de las peleas, ya que en el mapa normal las figuras poligonales lucen con muchos jaggies y se ve como si los personajes de repente no correspondieran con el fondo. También hay algunas fallas en la sincronización entre voz y labios.
El apartado visual es una delicia, Naruto nunca se había visto tan bien en videojuego.
Hablando de voces, el juego incluye doblaje en inglés y japonés, e independientemente de que el lenguaje japonés es la obvia selección, las dos opciones están bien logradas ybien actuadas. La música es buena, apacible, calmada y disfrutable, como apenas acompasando lo que sucede en pantalla, pero te recordará a los temas de muchos RPG, y no es para menos pues es compuesta por Chikayo Fukuda, a quien quizá hayas escuchado en los juegos de .Hack//G.U. para PlayStation 2.
Un jutsu con algunas fallas
¿Algunos otros puntos bajos de Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2? Claro que tiene. Los más fanáticos extrañarán algunas peleas o que se les diera más importancia a otras, y aunque la selección de 45 personajes (incluyendo a Lars, de Tekken 6) es más que extensa, se extrañan a viejos conocidos.
También, el sistema pareciera estar diseñado para los spammers, aquellos personajes que pueden lanzar más objetos y técnicas de largo alcance en masa… No es que sea imposible derrotarlos, pero es bastante complicado y rompe el equilibrio del juego. Otro punto bajo es la censura ya común en series de anime para nuestro continente. Le bajaron a la sangre, a las bubis, a las groserías y al romance. Todo para que según fuera apto para adolescentes.
Puedes desbloquear a Lars (Tekken 6) como personaje especial.
Sin embargo, la peor falla son los tiempos de cargas, los cuales si están de “hazme el chingado favor”. Carga para pasar de una sección a otra, para entrar a un menú, para salir del menú, para entrar una tienda, para salir de la misma, para acceder a una pelea y para regresar al mapa… Carajo, hay secciones de la historia que tarda hasta 20 segundos en cargar para que sólo salga un personaje diciendo “mmm” y volvamos a ver otra pantalla de carga. ¡Es insufrible! Si a eso le añadimos que en la versión de PlayStation 3 el juego tiene el récord de instalación más lenta de la historia -tardando hasta 25 minutos- uno piensa que lo único que hizo el disco fue hacerse tonto.
¿Vale la pena la compra? Sí eres fan de la serie, lo vale y por mucho. Si no lo eres, aunque el juego presenta mecánicas interesantes, Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 2 está hecho prácticamente para los aficionados; la historia, aunque mas o menos bien contada y bellamente ilustrada, pasará sin tanto sentido para quien no la conozca de antemano, pues CyberConnect2 obvió muchos aspectos. Desgraciadamente, aún para los otakus de hueso japonés, los tiempos de carga y el desbalance en las batallas online le quitan algunos puntos. Aún así, estamos ante uno de los videojuegos que mejor han retratado una licencia de anime y manga, y eso ya es de agradecerse.
Existe una regla no escrita que dicta que los videojuegos basados en cómics y películas son de mediocres para abajo. Wanted: Weapons of Fate para Xbox 360, PlayStation 3 y PC, aunque no está basada directamente ni en uno ni en otra, retoma la historia de la película de Wantedpara hacerle una secuela en formato de videojuego y de paso intentar romper el maleficio que tienen estas licencias.
Wanted: Weapons of Fate
Wanted: Weapons of Fate sigue la historia de Wesley Gibson justo donde terminó el filme, quien tiene un sueño recurrente en donde ve a su madre, Alyse, asesinada por un misterioso personaje; momentos después, y pistola en mano, tomamos el papel de nuestro héroe (¿o antihéroe?) cuando un escuadrón SWAT irrumpe en su apartamento buscando algo que perteneció precisamente a Alyse.
La trama más adelante involucra a Pekwarsky (el viejito que hacía las balas en la película), quien le explica que la Fraternidad de Asesinos de Francia está sobre su cabeza, justo como años antes estuvieron sobre su padre (Cross) cuando intentaba defender a su esposa y a un Wesley recién nacido de el Inmortal, el antagonista y mero maloso de Wanted: Weapons of Fate.
https://www.youtube.com/watch?v=awbBDIzWsKo
Iremos jugando un capítulo con Wesley y otro con Cross sucesivamente, narrando uno los eventos actuales cuando Wesley persigue a la Fraternidad, mientras que con su padre jugaremos escenarios a manera de flashbacks, que cuentan su choque con el Inmortal y cómo defendió a su hijo para evitar que lo asesinaran.
¡Ay no mames, balas en curva!
Wanted: Weapons of Fate es un clásico juego de disparos en tercera persona con sistema de cobertura: caminas, te rafaguean y tienes que buscar un lugar seguro para protegerte y atacar, eliminas a los enemigos de la zona y sigues avanzando, nada nuevo por aquí, aunque gracias a los elementos únicos de la película Wanted incluyeron un par de mecánicas interesantes y novedosas.
La primera es obviamente la capacidad de disparar balas en curva. La segunda, podemos salir de nuestra cobertura y alentar tantito el tiempo mientras disparamos a todo lo que esté en nuestra mira, pero no es tan, tan útil más que para un par de jefes de nivel.
Esa sensación de salir de las situaciones más comprometidas con un balazo curvo.
Las balas en curva en cambio es lo que le vida a Wanted: Weapons of Fate; debido a que el juego abusa de las coberturas, la mayoría del tiempo tú y tus rivales estarán detrás de alguna protección impenetrable y dada la ráfaga de balas es imposible salir, por lo que sólo te queda disparar balas en curva, habiendo de dos sabores: balazo sencillo y una especie de combinación explosiva con dos pistolas (gasta cuatro municiones) la cual puede derribar a dos o más enemigos.
Se siente bastante bien cuando ves como tus proyectiles hacen esa curva milagrosa y timan al enemigo más escondido, algunas veces incluso verás una secuencia cinemática al despachar al último maleante en pantalla con una bala con chanfle; se ve muy bien y aumenta esa sensación de logro.
Fuera de eso, Wanted: Weapons of Fate es muy lineal, quizá demasiado. Aunque hay algunos coleccionables como portadas de comics, fotos y videos repartidos por los escenarios, no es más allá de cuestión de voltear y ver bien, ya que no hay desviaciones ni caminos alternos. Nunca cambias de arma, y sólo cuentas con tu pistola sencilla con Wesley y las dos pistolas automáticas cuando juegas con Cross. En los últimos niveles puedes seleccionar entre alguna de las dos, pero es todo el repertorio de armas que vas a ver… Bueno, y el ataque con cuchillo que sirve cuando estás cerca de tus enemigos y es una muerte segura para él, sea soldadito normal o jefe.
¡Qué cara tan seria! Ten, te presento a un amiguito.
El sistema de juego es sencillo y directo, a lo que va, tienes pistolas y un cuchillo para matar a todo lo que se atraviese a tu paso, y tu mayor habilidad es disparar balas en curva… Créeme no necesitas más y se vuelve muy entretenido durante las nueve escenas que dura Wanted: Weapons of Fate. Existen algunas variantes como un par de niveles donde tomas una metralleta de cañón y otra donde usas un rifle sniper, pero es mínimo y la verdad hasta se siente que estorba al flujo normal del juego. También tenemos escenas en cámara lenta donde podremos disparar tanto a enemigos como a sus balas, estas secuencias se sienten mejor acomodadas y es parte del sello distintivo de la saga.
El apartado técnico tiene sus altibajos, mientras que las voces (algunas de la película) y la música (de UNKLE) son muy buenas, los gráficos no comparten la misma calidad. Se nota un buen trabajo en la captura de movimiento pero hay pocas expresiones faciales (o ninguna, cuando mueren ponen cara de “bueno, ya qué”), las texturas son muy pobres, poca variedad de enemigos, explosiones apagadas y los niveles sin mayor detalle.
Como extras, Wanted: Weapons of Fate incluye los coleccionables que mencionaba, además de algunos modos adicionales de juego desbloqueables mediante códigos que venían en la edición especial de la película de Wanted -Melee, Headshot y un contra reloj-. Nada que realmente te haga pensar en volver a jugarlo más de dos veces, pero se agradece dado que el título te dura muy pocas horas aún en la dificultad más alta… Que en realidad no lo es tanto.
Los enemigos son muy, muy genéricos.
Poco por qué rejugar
También puedes desbloquear skins para el protagonista, para jugar como diferentes personajes tanto del videojuego como del filme en el que está basado, incluyendo a Janice, la gorda come donas. Por cierto, el juego tiene dos finales: en versión consola termina con un balazo en la cara del último jefe, mientras que en PC cambias la bala por una buena orinada.
A pesar del presupuesto limitado, los suecos del estudio Grin hicieron un muy buen trabajo. Dejando a un lado sus carencias técnicas, Wanted: Weapons of Fate es un título muy entretenido para el jugador clavado y el casual. No deja de ser un videojuego corto y con poco replay value, pero mínimo te asegura un recorrido de siete horas con balas curvas, explosiones y una historia medianamente atractiva.
Los hermanos Wachowski regresan al cine, esta vez como productores para traer una nueva película de acción con corografías de peleas, artes marciales y mucha sangre en Asesino Ninja, del director James McTeigue, la cual pasó casi desapercibida por las salas de cines en México.
Asesino Ninja
El héroe de Asesino Ninja se llama Raizo (Jung Rain Ji-hoon), un huérfano que fue criado desde niño por el clan Ozunu para convertirse en una asesino y su arma preferida es muy parecida a la que usa Kratos (del videojuego God of War), y al parecer tiene el mismo efecto sangriento y morboso en pantalla: es una cadena con una especie de gancho que hace de todo, desde derribar hasta destripar. Con ella ajusticia a centenares de ninjas que lo acompañaron desde su entrenamiento de niño y contra los que combate en varios momentos del filme.
La Europol es la agencia a la cual pertenece la dama en peligro de éste filme, Mika (Naomie Harries), ella hace su triunfal aparición porque anda tras la pista de unos clanes ninja muy antiguos que aún trabajan como mercenarios y cometen asesinatos alrededor del mundo, pero éste aspecto de la trama es solamente un agregado que a nadie le interesa en la profundísima historia del shinobi que se rebela contra su propio dojo y maestro por un chafa enamoramiento con otra ninja que ni escalar paredes sabía. Las coincidencias en Asesino Ninja están bastante forzadas pero son divertidas (las dos chicas tienen “un corazón especial”).
Del lado de los villanos está el mero, mero maestro ninja Ozunu (interpretado por Sho Kosugi), y se parece mucho al comandante de las armaduras de Sión al final de Matrix Revolutions, además de que ha realizado un montón de películas de artes marciales lo que lo convierte automáticamente en un viejito rudísimo y difícil de vencer. Todos los elementos para una gran batalla de artes marciales.
Shurikens y sangre
Los ninjas aquí son medio contradictorios, por un lado pueden desaparecer en las sombras y por otro, casi cualquier tipo los puede atropellar o matar con una bazuca y medianamente buen tino. Y aunque sólo verás desfilar tres de las armas clásicas de ninja que todos conocemos: espadas, shuriken y el arma de Raizo, con esas tres les basta para teñir la pantalla de rojo. Asesino Ninja debió ser patrocinada por Heinz o Del Monte, ya que la cátsup nunca para de correr en esta cinta y en algunos momentos llega a tintes casi gore con desmembramientos y ejecuciones explícitas.
Algo que me gustó de la película es que, aunque todos sabemos que el protagonista es el mero chingón y el que va a ganar al final, durante toda la función le recetan muy buenos espadazos, patadas, le pican el ombligo varias veces, mordidas, jalones de greñas, ya saben, lo que se acostumbra , pero de verdad pareciera que en algún momento no va a ganar.
La acción y el drama ninja nunca fallan.
Producto Wachowski
Asesino Ninja nació de la mente de los hermanos Wachowski, quienes se inspiraron en el clásico de anime Ninja Scroll así como en el serial japonés Samurai Champloo. Para el papel de Raizo llamaron a Jeong Rain, con quien ya habían trabajado en Speed Racer. El tercer productor es Joel Silver, quien ya lleva una larga trayectoria en películas de acción con cintas como Arma Mortal, Comando, Duro de Matar y Matrix, así que estamos hablando de varios kilos de experiencia en acción. El largometraje costó alrededor de 40 millones de dólares de presupuesto y tuvo un éxito moderado para ser una película con poca publicidad en el mercado.
En fin, esta violentísima coreografía de hora y cuarenta minutos está mil o dos mil veces más recomendable que la chafez de película que se llama solamente Ninja, en donde el protagonista ni siquiera es japonés. La acción es rápida y la trama accesoria, pero sin duda se pueden rescatar varios elementos de esta “obra de arte”.Aunque los hermanos Wachowski son productores, no se abusa tanto del efecto Matrix y las peleas están bien logradas; los shurikens, piernas y brazos vuelan en todas direcciones. Asesino Ninja dejará satisfechos a los fanáticos de los ninjas, el cine de acción y las espadas con sangre.
Basada en las obra de Arturo Pérez-Reverte, Alatristees una súper producción española que retoma y nos cuenta varios de los sucesos acontecidos durante las cinco novelas del Capitán Alatriste. ¿Está a la altura de los clásicos filmes épicos del cine de Hollywood y de la obra en la que está basada?
Alatriste
Ambientada en la España imperialista del Siglo XVII, Alatriste narra las aventuras Diego Alatriste (Viggo Mortensen), antiguo capitán de las fuerzas armadas en la guerra contra las holandeses, quien tras una estrepitosa derrota en Flandes le promete a uno de sus compañeros caídos cuidar de su hijo y alejarlo del camino del soldado. Íñigo Balboa (interpretado por Unax Ugalde) es el vástago de aquel soldado fallecido, ahora bajo la tutela de Diego Alatriste en la ciudad de Madrid, que después de la batalla de Flandes se dedica a medio sobrevivir rentando sus habilidades como espadachín al mejor postor.
En aquella época, el rey Felipe IV mantenía un imperio en decadencia, una nación partida socialmente y un territorio blanco de constantes revueltas civiles y ataques enemigos, por lo que los servicios de mercenarios como Alatriste eran bastante apreciados, aunque peligrosos.
https://www.youtube.com/watch?v=BoXmoIMhbcc
Es en uno de esos “encargos” se le ordena al ex capitán Alatriste asesinar a dos supuestos herejes y enemigos del Catolicismo y la Corona Española, haciendo equipo con otro fino espadachín, Gualterio Malatesta (Enrico Lo Verso), para llevar a cabo tal misión.
En una extraña secuencia vemos a ambos caza recompensas batirse a duelo con los dos sujetos en cuestión, y de la forma más inverosímil, Alatriste presiente que algo anda mal por lo que decide perdonarles la vida y detiene la espada de Gualterio antes de que soltase la estocada final a uno de los ofendidos. Malatesta desde entonces le jura una absurda y desabrida venganza que se volverá motor en varios lapsos de la cinta, convirtiéndose también en el principal antagonista.
Al fallar con su misión, Diego Alatriste se entera de que en verdad aquellos hombres a los que atacó eran dos importantes nobles europeos, el Príncipe de Gales y el Duque de Buckingham, quienes habían llegado a España en calidad de incógnitos. “Sin querer queriendo” había sido partícipe de una gran conspiración que se ocultaba aún detrás del mismo poder de la monarquía española.
El capitán Diego Alatriste.
Tras esta introducción tan cuadrada que toma casi 45 minutos en pantalla, totalmente sosos, aburridos y con actuaciones que dan flojera, uno sabe que todo la película está condenado a sufrir la misma suerte. ¿Cómo es posible que Diego Alatriste, un mercenario dedicado a vender sus servicios para matar sin remordimientos, se detenga a última hora en esta específica ocasión? La respuesta nos la da el mismo Alatriste unos minutos después: fue una suposición. Una suposición que desencadena en una serie de aventuras y sucesos desencajados, sin hilo argumental firme y que parece estar pegados con resistol uno detrás del otro.
Capitán sin pies ni cabeza
La película nos lleva de regreso a Flandes y de vuelta a España, en guerras y misiones de un sólo hombre que no sólo son agrias sino que la gran mayorías están muy mal logradas. Es cierto, Alatriste no es una cinta con efectos y coreografías hermosas de batalla, pero las escenas de acción son infumables: poco estudiadas, poco creíbles, con espadazos al aire, muertos que se mueven a media escena y gritos de niña de primaria. Por si fuera poco, la narrativa es un caos, dejando huecos en todos lados y haciendo difícil para el espectador entender la relación entre cada uno de los eventos.
Alatristees también la historia de Íñigo Balboa (que como dato curioso, era un papel originalmente pensado para el mexicano Gael García), quien va creciendo bajo la tutela de Diego, volviéndose un fino poeta y un más refinado espadachín. Íñigo desde niño cae enamorado de Angélica de Alquézar (Elena Anaya), una integrante de la nobleza española quien ve con muy buenos ojos al joven, pero que tiene en un pésimo concepto al capitán Alatriste.
Íñigo Balbao es de los personajes salvables de esta película.
El amor de Íñigo por Elena y el respeto a su tutor se verán encontrados en algunos puntos de la película donde intentan crear un mundo lleno de conspiraciones y traiciones, que sin embargo no logramos comprender y saborear del todo (aún no entiendo porqué Elena odia tanto al protagonista).
Ambas historias se van enlazando y desarrollando, con los pormenores de Balboa y Alatriste, aventuras que envuelven a uno o a los dos personajes pero que parecen encadenadas por la fuerza. De repente están asaltando un barco del rey, y para la siguiente escena está apuntándole con la pistola a su acérrimo rival Gualterio Malatesta, sin que haya de por medio una narrativa aceptable que nos haga digerible lo que intentaron contar. Eso sí, el final es al más puro estilo de Mel Gibson y Breaveheart, y cualquier similitud es prácticamente adrede.
Con un gasto de 24 millones de euros, Alatriste es uno de los filmes españoles más caros de la historia (detrás de Ágora); una cinta de época que incluye aventuras de guerra medieval, algo de piratas y duelos de espadachines, pero que desgraciadamente naufraga en la apatía, con diálogos aburridos, actuaciones de flojera y secuencias malhechas.
Algunas escenas son muy al estilo de Corazón Valiente.
Es cierto, tiene momentos rescatables y un excelente trabajo de vestuario y ambientación (esta es la España de las pinturas de Velázquez, los poemas de Quevedo y Góngora y la comedia de Lope de Vega), pero difícilmente podría recomendarla como una cinta entretenida; quizá su mayor fallo haya sido querer meter en tan sólo dos horas las cinco novelas del capitán español… Alatriste es una película sin pies ni cabeza.
Después del gran éxito de Rock Band 2, Harmonix y Traveller’s Tales (Lego) idearon un proyecto combinado, mezclando las mecánicas del popular videojuego con la estética de los famosos muñequitos amarillos; pretendían acercar el simulador de banda a un público más familiar sin olvidar a los grandes fanáticos de Rock Band. ¿Vale la pena Lego Rock Band o mejor construimos otra cosa con los bloques Lego?
Lego Rock Band
Lego Rock Band tuvo una salida masiva multiconsola en noviembre de 2009, con versiones tanto para el PlayStation 3, Xbox 360 y Wii como para la portátil de NDS, aunque esta última versión es muy limitada en comparación con sus hermanas mayores, teniendo sólo 25 canciones de las 45 disponibles en otros formatos (que de por sí se sienten como pocas) y sin la posibilidad de descargar contenido adicional.
El juego es compatible con la mayoría de periféricos diseñados para videojuegos musicales incluyendo los de Guitar Hero, también tiene un amplio catálogo de temas descargables ya que varias de las canciones de las anteriores versiones son compatibles, aunque no todas, sólo aquellas clasificadas “para todas las edades” por su letra.
https://www.youtube.com/watch?v=C94uPWpqrdc
Construye una banda, rockea el universo
La mecánica de Lego Rock Band es idéntica a la de Rock Band 2, un simulador de banda musical que te permite jugar en el rol del guitarrista, bajista, baterista o el vocal, con la adición de un dificultad Súper Fácil y del Modo Corto, que recorta las entradas y salidas largas de algunas canciones en el Modo Carrera, lo cual es de mucha ayuda cuando te das cuenta que tu repertorio musical es reducido y las tendrás que tocar en infinidad de ocasiones para terminar el videojuego.
En el Modo Carrera tienes control de una banda que empieza desde cero y tu objetivo es cubrir y manejar sus pasos hasta llevarla al éxito interestelar, para esto tendrás que tocar en diversas presentaciones en las que, dependiendo de lo bien que interpretes las canciones, recibirá fans y ladrillos de Lego que posteriormente podrás canjear por nueva ropa, instrumentos, decoraciones para tu Guarida, empleados que multiplicarán las bonificaciones y/o vehículos adicionales que te permitirán completar tus giras y llegar a nuevos eventos en diversas locaciones.
Conforme se completan determinadas presentaciones el jugador participará en Desafíos del Rock, los cuales deberás cumplir satisfactoriamente para poder continuar, estos desafíos especiales muestran a los miembros de la banda en situaciones graciosas ayudando a otros Lego que se encuentran en problemas. La Guarida es la base de la banda en Lego Rock Band, donde podrás practicar las canciones disponibles, repetir los Desafíos del Rock para mejorar tu puntuación, ver los videos del Modo de Carrera, jugar cualquier canción en Modo Libre, comprar accesorios, continuar la gira y entrar a la Oficina.
La mecánica central de juego es la misma que ya conoces.
Estrella plástica busca seguidores
La Oficina de Lego Rock Band es un elemento importante, ya que aquí se pueden revisar las estadísticas del juego, editar los álbumes de la banda y contratar empleados para bonos extras como multiplicaciones de fanáticos o de ladrillos. Cada empleado es totalmente personalizable y a lo largo de la historia te agregarán presentaciones adicionales e incluso tendrás la oportunidad de grabar hasta seis discos. A menudo estos eventos te harán volver a escenarios anteriores y repetir las mismas canciones una y otra vez, lo que vuelve al juego tedioso.
Tras superar un chingo de presentaciones estarán disponibles nuevos instrumentos que se podrán comprar en la Tienda de Rock, algunos de estos instrumentos son diseños reales y otros basados en la temática de las presentaciones, cómo un micrófono dinamita o una batería eléctrica de hielo.
En general, el diseño de Lego Rock Band va dirigido a un público familiar, con canciones alegres y clásicas como “Kung fu fighting”, “Ghostbusters”, “Crash”, “Two princess” y “We will rock you”. Las graciosas apariciones David Bowie e Iggy Pop, así como de los miembros de Queen y Blur dan un plus muy agradable a los seguidores de estos artistas.
Hay varias opciones de personalización para tu banda y sus instrumentos.
Los gráficos de Lego Rock Band están a la misma altura de lo demás juegos de la saga, o sea, bien a secas, cumplen su cometido y quizá destacan un poco en esta versión por la temática de ladrillos que logra escenarios y situaciones que llegan a distraer de lo que tienes que tocar con tal de observar lo que está pasando en el escenario. El sonido como siempre, impecable.
Lego Rock Band es un acercamiento más libre y menos competitivo del popular Rock Band, un título familiar que además agradará a los fanáticos de los juegos musicales ya que la lista de canciones, aunque corta, es bastante original y entretenida, con estilos musicales que no encuentras en los otros juegos de franquicia. Harmonix logró una atmósfera muy agradable en esta curiosa mezcla, capturando el sentimiento de la estrella de rock con la nostalgia de armar tus bloquecitos.
