Bajo el lema “miedo real en tiempo real” este 2012 llegará a las salas de cine la película de terror Silent House, un remake gringo de la película Uruguaya La Casa Muda, el tráiler ya tiene tiempo que salió y su protagonista Elizabeth Olsen tiene la oportunidad de darnos una gran sorpresa con su actuación salvando el apellido al que sus hermanas no le han dado muy buena fama.
La historia de Silent House está basada en un hecho real ocurrido en los años 40 en un pequeño pueblo de Uruguay a donde Laura (Elizabeth Olsen) y su padre John (Adam Trese) viajan para remodelar una vieja casona, ya que su dueño la pondrá a la venta.
Laura y John pasarán la noche ahí para comenzar con los trabajos al día siguiente, sin embargo los planes cambian cuando Laura escucha un sonido que cree venir de afuera y que se intensifica en la segunda planta. Silent House centra su relato en los últimos 78 minutos, en los cuáles Laura intentará salir con vida de la casa que albergó hechos terribles en el pasado.
Silent House es dirigida por Chris Kentis y Laura Lau y se estrenará en Estados Unidos el 9 de marzo de este año.
Aquí también les dejo el tráiler de la película original (La Casa Muda) para que lo chequen y comparen. La película uruguaya cosechó alabos al ser filmada en una sola toma.
La dos veces ganadora del Oscar, Jodie Foster dirige y actúa en Mi Otro Yo (The Beaver), haciendo pareja estelar con Mel Gibson con quien no aparecía en una misma película desde Maverick en 1994. Jodie Foster aborda la historia de un sujeto que sufre de depresión hasta que un buen día un títere castor aparece en su vida y le regresa todo lo que creía perdido. ¿Una película absurda o una cinta fiel que refleja un drama cotidiano?
Mi otro yo | Reseña
Mi otro yo está centrada en Walter Black (Mel Gibson), un hombre con un exitoso pasado pero que no obstante, y sin una razón clara, ahora sufre una fuerte depresión de la cual no se ha podido recuperar. La depresión de Walter incluso arrastra a su empresa de juguetes Jerry Co. al borde de la quiebra y es incapaz de mantener el mínimo contacto con su familia. Su esposa, Meredith (interpretada por Jodie Foster), decide que lo mejor es que se aleje de la casa y de sus hijos Porter y Henry (Anton Yelchin y Riley Thomas Stewart) mientras encuentra una cura para su mal.
Esa noche, desesperado y solo, Walter se hospeda en un hotel donde sumergido en su depresión y bastante alcoholizado decide quitarse la vida sin éxito alguno, es en este momento donde entra en escena su subconsciente, interpretado por un títere de castor que había recogido minutos antes de hospedarse y que ahora está dispuesto a salvarle la vida.
Walter empieza a hablar con el castor y por el castor, teniendo una especie de plática-monólogo donde el muñeco promete ayudarle a rehacer su vida empezando prácticamente de ceros. Para ello, el castor será la nueva voz de Walter, cualquiera que se dirija a él tendrá que hacerlo hacia el títere como una especie de interlocutor. El castor será la voz y la alegría perdida hace tiempo por Walter y para ello finge que el muñeco es parte de un programa de ayuda psicológica recomendada por su doctor. Si alguna vez están en una situación parecida, el primer consejo que te da Mi Otro Yo es ir a buscar un títere altruista al basurero más cercano.
A partir de ese momento la vida de nuestro protagonista da un giro radical. A pesar del escepticismo de todos, Walter vuelve a ser un hombre exitoso en los negocios, un buen esposo y un amoroso padre, aunque es rechazado por su hijo mayor, Porter, quien odia parecerse a él, aunado a que Porter no está de acuerdo en que Walter cargue a todos lados con un castor en la mano y sea con quien tenga que dirigirse. Si en algún momento Mi Otro Yo refleja la vida real es éste, digo, a mí también me daría pena que mi papá se la pasara todo el día con un peluche en la mano y hablando como ventrílocuo desquiciado las 24 horas del día.
La historia de Mi Otro Yo nunca te atrapa
El Castor (The Beaver)
De aquí en adelante Mi Otro Yo nos mostrará la notable “mejora” en la vida de Walter y un poco sobre cada miembro de la familia, interactuando algunos con el castor y otros con sus propios problemas personales (porque aquí todos sufren, pero Walter es el único deprimido). Desgraciadamente muy rápido te das cuenta que la película no va hacia ningún lado y pareciera que la directora se quedaba sin ideas cada diez minutos por lo que inventaba una nueva tontería o un nuevo drama familiar.
Pero para que un drama funcione en cine el espectador tiene que identificarse con los personajes y con su problemática, tiene que sufrir, gozar y patalear con ellos… y aquí no es así. Mi Otro Yo es una película sin sentido, desde un principio esperas entender porqué Walter Black cayó en tan fuerte depresión y nunca lo sabes porque a la directora se le hizo fácil no explicarlo ni por encimita. Con una vida tan aparentemente perfecta, cuesta aún más trabajo creerte el cuento de que Walter está deprimido y necesita la ayuda de un castor de peluche para salir adelante. A pesar de que Mel Gibson es muy buen actor y generalmente nos hace sentir empatía por sus personajes en las películas donde aparece, en Mi Otro Yo es completamente distinto, simplemente no logra transmitir nada al espectador… juro que por más que lo intenté no me logré conmover por su sufrimiento-locura-cosa rara. Yo creo que ni él estaba convencido.
Una linda familia: el papá, la mamá, el hijo y el castor
Jodie Foster en cambio realiza una actuación aceptable, le crees el papel de madre preocupada por querer salvar a su familia y su insistencia de seguir con una persona que no está bien psicológicamente, pero lo cierto es que su actuación no alcanza para rescatar a Mi OtroYo. Debió simplemente actuar y dejarle lo de la dirección a los profesionales.
Realmente esperaba que Mi Otro Yo fuera una película que me conmoviera y tuviera un toque de humor melodramático por aquello de que un tipo de edad madura cargue con un títere de castor hasta para bañarse, pero simplemente me dejó con un amargo sabor de boca. Conforme avanza la película te das cuenta que en 91 minutos de duración no pasa nada: un hombre obedece en todo a un peluche que en un principio parece gracioso pero luego ya no lo es, todo mundo tiene pedos existenciales y todo mundo los enfrenta, no de la peor manera, sino de la más absurda. La cinta sigue y sigue, cada vez más absurda e impersonal hasta que llega el punto en que te será inevitable decir “no jodas, quítate al castor”.
Mel Gibson en uno de sus peores películas
Para rematar, de todos los finales malos que pudieron haber escogido para Mi Otro Yo, el que verás te aseguro será el peor de todos. Una película que inició sin ser muy clara y que termina igual, en un limbo extraño de ideas que creo que sólo su directora comprendió. Si el protagonista se recupera no te atrae, si se muere de depresión tampoco, si la familia tiene problemas te es indiferente, y si el castor es bueno o malo para Walter te dejó de importar cinco minutos después de que lo conociste.
Si no eres tan exigente y esperas ver una película que aunque no sea tan buenas al menos te entretenga, Mi Otro Yo no es la indicada. Si esperas ver una película de drama persona, superación y un mensaje positivo, tampoco la veas. Producción pobre, historia abordada de manera ridícula, personajes planos, actuaciones planas, montones de escenas que pudieron haberse ahorrado (toda la mini historia de Porter y su noviecita) y un castor que ni siquiera tiene voz de castor hará que mejor apagues el televisor y desees enterrar el blu-ray en donde nadie lo encuentre. Una película donde todos sufren a su modo, desde los personajes hasta el que la ve. La moraleja de Mi Otro Yo es que nunca confíes en un castor… y si quieres ver títeres que ayudan a combatir la depresión mejor ve la película de Los Muppets.
Si hay una saga en cine que película tras película intenta derrochar escenas de acción y subir tu adrenalina al máximo, ésa es Misión Imposible. Cada nueva entrega tiene más disparos y persecuciones que la anterior y Misión Imposible:Protocolo Fantasma prometía superar a las precuelas. Y ahora también en Blu-ray.
Misión Imposible: Protocolo Fantasma | Crítica
Tom Cruise vuelve a interpretar a Ethan Hunt, el protagonista de la saga Misión Imposible. Si tu primera pregunta es algo como “¿Tom Cruise aún puede interpretar este tipo de papeles cargados de derroche físico y explosiones?”, respìra tranquilo, parece que con cada nueva entrega, Ethan Hunt lleva sus capacidades a nuevos límites y Misión Imposible: Protocolo Fantasma no es la excepción.
La primera secuencia muestra al agente Hanaway de la IMF intentando escapar con unos documentos de un grupo de empistolados perseguidores; varios disparos y maromas después, el agente es muerto por una rubia asesina, quien huye con el maletín, empezando así la maraña de intrigas y espionaje.
Para Protocolo Fantasma, Ethan Hunt será acompañado de la agente Jane Carter (Paula Patton) y el agente Benji Dunn (Simon Peggs), quienes antes deben “reclutarlo” de una cárcel a donde fue confinado por una razón sin definir. Ethan dirige a este equipo para identificar al posible comprador del maletín que le fue arrebatado al agente Hanaway y para ello se infiltrarán al mismísimo Kremlin, en Rusia, para obtener los archivos del principal sospechoso.
Para su mala fortuna, durante su misión el Kremlin es bombardeado, Rusia culpa a los agentes de la IMF y lo asume como una provocación de guerra por parte de Estados Unidos de América. El presidente norteamericano no tiene otra opción que desbandar a la IMF, por lo que activa el Protocolo Fantasma, mediante el cual el equipo es disuelto y los agentes quedan sin apoyo de su gobierno.
Los agentes Jane Carter y Ethan Hunt
Ethan Hunt y el Protocolo Fantasma
Tu misión, si decides aceptarla, es seguir durante 133 minutos las peripecias del agente Ethan Hunt y el grupo de agentes renegados en su búsqueda por esclarecer el caso, limpiar sus nombres y capturar a los verdaderos culpables. Una misión que, puedo adelantar, vale totalmente la pena para los amantes del cine de acción y las secuencias policiacas. Y es que desde el primer minuto de la película sabes que su director, Brad Bird, no se va a andar por las ramas. Si tú entraste a la sala de cine para ver acción, acción es lo que verás en uno de cada tres minutos de la cuarta entrega de Misión Imposible.
Creéme, la palabra “Imposible” no está de adorno en el nombre de esta película. Protocolo Fantasma ofrece al espectador varias de las escenas de acción más trepidantes que hayas visto en la pantalla grande (o en la de tu casa), con persecuciones en medio de una tormenta de arena, infiltraciones imposibles, carros que vuelan en pedazos, tecnología de quien sabe qué futuro y las increíbles escenas cuando Ethan Hunt tiene que escalar el Burj Khalifa, el edificio más alto del mundo.
La producción en este aspecto está increíblemente realizada, al grado de que la secuencia de la torre realmente te llena incluso de una sensación de vértigo y ansiedad. Esta escena seguro se volverá la nueva secuencia icónica de la franquicia, superando a aquella donde Ethan Hunt se quedaba suspendido a pocos centímetros del suelo en la primera película de Misión Imposible (1996).
Tom Cruise realiza todas sus escenas de acción
La clásica película de acción
Aquí se nota la gran influencia de Brad Bird, pues es un experimentado director de filmes de animación, como Los Increíbles y Ratatouille, y se nota su atinado manejo del espacio visual, las bromas y los momentos clave. Es cierto, algunas secuencias y gadgets te sacarán la expresión de “no mames” porque realmente se ven fuera de toda proporción medianamente realista, pero nunca deja de ser una película entretenida y con una producción cuidada hasta el último detalle.
Lo que no encaja en la misma proporción es la historia, que suele ser accesoria en esta clase de cintas, pero que en Misión Imposible: Protocolo Fantasma avanza a un paso tan fragmentado que la narrativa prácticamente avanza a cuentagotas.
Esto puede tener un lado bueno y uno malo. El bueno es que la historia en realidad no es tan atractiva y hasta se podría decir que es una copia de otras chorromil películas, así que el espectador concentra toda su atención en cómo se resuelve el problema que está viendo en ese momento y no piensa a futuro o en cómo terminará la película.
Hecho: la historia de Protocolo Fantasma es lo menos interesante de la película
El lado malo es que si eres muy exigente con la trama pues… te adelanto que no es muy original, no es muy buena y parece como tipo videojuego viejito: cada nivel te enteras un pedacito de la historia y que no altera gran cosa el rumbo de Protocolo Fantasma. Cada 30 minutos es un nuevo nivel, con una forma de resolverse y que apenas te encamina hacia otra parte de la historia… y agárrate, porque la trama tiene que ver con misiles nucleares y un intento por que se enfrenten Rusia contra Estados Unidos.
Otro punto bajo es que la mayoría de problemas que enfrentan los agentes son más bien consecuencia de la poca ayuda que reciben, que por un villano inteligente, meticuloso y preparado. La sensación de que falta un antagonista más fino queda flotando durante gran parte de la película… es un mafioso bastante simplón y sin chiste, a decir verdad.
Pese a la historia plana, los personajes están muy bien interpretados y llegan a caerte bien… menos la agente Carter que si yo fuera el jefe de la IMF la hubiera despedido a los cinco minutos de haber comenzado el filme. Su papel es muy sin chiste, muestra pocas emociones para ser el personaje que más debiera mostrarlas y al final te vale un pepino si la matan o sólo la hacen pedacitos los malos.
Los villanos son bastante mediocres
El resto de los actores realiza una labor entre buena y muy destacada, aderezada con algunas bromas en los momentos justos, que bajan un poco la tensión y te hacen ver que a pesar de que andan colgando a 130 pisos de altura, los agentes son personas que igual ríen, sufren y patalean cuando no les salen las cosas. Una mención honorífica para Tom Cruise, quien no sólo realiza al mejor Ethan Hunt de la saga, sino al más intrépido, al ser él mismo quien pone su vida en riesgo en las escenas del Burj Khalifa: cero dobles, puro profesionalismo.
Para cerrar la crítica de Misión Imposible: Protocolo Fantasma, hay que decir lo justo: ésta es la mejor película en su género del año… y de muchos años. Cierto que la historia no es original ni tan interesante, pero lo que guía cada minuto de este filme son sus increíbles secuencias de acción, un espectáculo como pocos en el cine. Misión Imposible: Protocolo Fantasma es la mejor entrega en la saga de Misión Imposible: una cinta 100 por ciento palomera, pero también 100 por ciento entretenida.
Últimamente Osama Bin Laden está de moda en cine, sino me creen pregúntenle a los norteamericanos ya que apenas en el pasado mes de octubre se estrenó Cazando a Bin Laden, cinta donde como el título lo dice, comandos estadounidenses buscan al líder de la red terrorista Al Qaeda para matarlo (basada en hechos reales).
Por si esto no bastara, este mismo año llegará a la pantalla grande una nueva cinta inspirada en el terrorista yihadista. En esta ocasión se trata de La Noche más Oscura (Zero Dark Thirty), un largometraje de suspenso y acción dirigido por Kathryn Bigelow.
Con un libreto escrito por Mark Boal, La Noche más Oscura, cuyo nombre hace referencia un término militar aplicado a cualquier hora de la noche, se centra en la misión secreta para capturar a Osama Bin Laden, incursión que resultó en el asesinato del responsable de los ataques terroristas contra Estados Unidos… y que también narra la cinta que les mencionamos anteriormente, aunque en este caso está más orientada a los servicios de investigación e inteligencia que a la operación militar. A continuación te mostramos no uno, ni dos, sino tres tráileres de la cinta de Bigelow.
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La Noche más Oscura es protagonizada por Chris Pratt, Kyle Chandler, Jessica Chastain, Jennifer Ehle, Joel Edgerton, Nash Edgerton, Frank Grillo, Harold Perrineau Jr., Mark Duplass, Jason Clarke, Mark Strong y Edgar Ramirez.
El estreno de La Noche más Oscura en Estados Unidos será este 19 de diciembre, mientras que a nuestro país llegará el próximo 22 de febrero. Aquí te dejo el póster oficial.
El 19 de julio de 2008 se estrenó en todo Japón Gake no ue no Ponyo (Ponyo on the Cliff by the Sea), y tras sólo un día de estarse exhibiendo causó el llamado “efecto Ponyo” en aquel país: todo mundo tarareaba la canción de los créditos y citaba frases de la novena película animada de Hayao Miyazaki. En México llegaría tiempo después bajo el rebuscado nombre de El Secreto de la Sirenita.
El Secreto de la Sirenita
Lo más llamativo de Ponyo on the Cliff by the Sea es quizá que todo el trabajo de ilustración fue hecho a mano, es decir, no se usaron CG para nada, y es muy notable durante toda la película. Además, siendo una obra original de Hayao Miyazaki, tenía el éxito asegurado aún antes de que comenzara a ser exhibida al público en general, en un país que tiene el anime casi como cultura representativa y en el afamado director a uno de sus mejores exponentes.
Ponyo es una especie de pez dorado creado por el hechicero de los mares Fujimoto. Usando extraños elíxires de colores, Fujimoto crea distintos peces peculiares con ayuda de su poder, esperando regresar la gloria de las especies marinas a la faz de la Tierra. Sobra decir que Fujimoto odia a los humanos por toda la contaminación que producen y tiran al mar, aunque él mismo reconoce que fue uno de ellos hace mucho tiempo.
El caso es que Ponyo se escapa de la casa submarina del mago montada en una medusa, y por azares del destino (un barco que recoge basura) termina en la orilla de un peñasco con medio cuerpo atrapado en una botella de vidrio. Ponyo es salvada por Sousuke (Soske en las versiones doblada y subtitulada al español latino), un niño de cinco años que vive en la casa en la parte más alta del peñasco.
Soske decide adoptarla, la mete en una cubeta, la lleva a la guardería a donde asiste y ahí comienza la aventura: Fujimoto quiere recuperar a Ponyo para evitar un “desastre”, mientras que Soske promete cuidarla y protegerla… Lo que nadie tomó en cuenta es que cuando Ponyo fue rescatada por Soske, él se cortó un dedo, y Ponyo lamió su herida y probó de su sangre. Esto causará un cambio en Ponyo, uno que Fujimoto no tenía planeado y que parece complicar (para él) todo.
“¡Ponyo, Ponyo es un pequeño pez…!”
Ponyo on the Cliff by the Sea
En cuanto a la historia, Ponyo on the Cliff by the Sea puede ser remotamente comparada con el cuento de La Sirenita de Hans Christian Andersen, pero sólo en la idea principal de la trama: Un pez dorado que se quiere hacer humano después de conocer a un humano. Sin embargo, la historia de Ponyo es diferente, menos complicada y mucho más alegre. En pocas palabras, es una película de anime simple, directa y entretenida.
Si hay algo que criticar es quizá la explicación un tanto superficial que dan sobre lo que ocurrirá en el mundo si no se decide el futuro de Ponyo, ya que nunca sabes muy bien qué va a pasar y sientes que finalmente es lo que deseaba el mago y, en lo personal, lo poco que mencionan sobre el pasado del mismo Fujimoto.
Fujimoto encierra a Ponyo en una burbuja para que no ande de caraja
En cuanto a la producción de El Secreto de la Sirenita, se nota un aumento de la calidad en la animación, especialmente si la comparamos con la obra anterior de Ghibli: Ged Senki, la adaptación de los libros de Terramar que hizo el hijo de Hayao, Goro Miyazaki.
Con todo, a Hayao Miyazaki le costó mucho trabajo idear y conceptualizar a Ponyo: él mismo explica que ya está viejo y que las ideas no le fluyen como antes. Muchos rumoran que ésta puede ser su última película y de momento no ha anunciado nuevas cintas animadas.
De lo más llamativo de El Secreto de la Sirenita es sin duda el diseño de fondos y personajes, si bien los personajes se mantienen en ese estilo de animación tan peculiar de Ghibli, los fondos tienen un trabajo especial, como dibujados con crayolas y lápices de colores que asemejan en ocasiones a un libro de iluminar para niños. Sólo los objetos con los que interactúan los personajes tienen un color que resalta, y aunque en teoría puede sonar como una mezcla muy chocante, uno se sorprende de lo natural que se ve y el increíble efecto que logra en la narrativa de Ponyo on the Cliff by the Sea.
La animación está realizada totalmente a mano
Por si fuera poco, todo en esta película parece cobrar vida por sí mismo y tiene montones de detalles que cuesta trabajo creer que se hayan realizado en un anime hecho 100 por ciento con trazos a mano. Los personajes de soporte también son increíblemente divertidos y detallados, todos parecen entrar, hablar e interactuar en el momento justo, no sólo para hacer crecer el mundo de Ponyo, sino porque realmente aportan algo al largometraje.
Sobra decir que Hayao Miyazaki es un genio en trasladar la personalidad y los gestos de niños pequeños a una película animada. Soske y Ponyo tienen magia por sí mismos más allá de la historia que presentan y es imposible no sonreír con sólo verlos. Eso sí, recomendable verla con su doblaje original pues el doblaje al español, aunque bueno, no alcanza lo bien realizado de las voces en japonés.
Ponyo es una de las mejores películas de Studio Ghibli
En el apartado musicial, el tema principal de la Ponyo on the Cliff by the Sea es tan, pero tan pegajoso, que era realmente poca la gente que no lo conoció y cantó en Japón, desde niños hasta ancianos. Entre los intérpretes de la canción está Nozomi Oohashi, una niña de ocho años, y no es tanto de sorprenderse, ya que los actores de voz de Ponyo y de Soske tienen también la misma edad. En español la canción también es muy pegajosa y aparece en los créditos finales, que por cierto, son los créditos más cortos que he visto en mi vida.
El resto de composiciones no desmerece, con la interpretación musical del tema principal sirviendo como fondo en varias partes de El Secreto de la Sirenita, acompañada de melodías que encierran cierta nostalgia tanto de la infancia, como de otras películas de Ghibli. Otro aspecto en el que la cinta animada es casi perfecta.
Nunca falta el elemento mágico en las animaciones de Hayao Miyazaki
En conclusión: Ponyo on the Cliff bye the Sea es una película de anime muy bien lograda, en un ambiente colorido que resalta a primera vista. La trama es alegre e interesante, aunque creo que pudieron haber ahondado un poco más en el final. Va que vuela para ser un clásico, especialmente porque es creación original de Hayao Miyazaki y por su increíble manejo de animación tradicional. Junto con Mi Vecino Totoro, me parece que El Secreto de la Sirenita es el filme de corte más infantil de Miyazaki, pero no desmerece nunca y es un respiro encontrar material tan fresco en el saturado mercado de animación “familiar” y caricaturas para niños. Si bien el Blu-Ray no incluye extra alguno, la película por sí misma vale la pena la compra.
Sony confirmó el precio del esperado PS Vita en México. A través del Blog de PlayStation se dio a conocer que a partir del próximo 22 de febrero el PS Vita estará disponible en nuestro país en un bundle especial que incluye:
Consola PlayStation Vita Wi-Fi.
El videojuego Modnation Racers: Roadtrip (en español latinoamericano)
Una tarjeta de memoria de 4 GB
Estuche rígido para tu PS Vita (disponible sólo en este paquete)
El precio de este paquete será de $5,999. A partir del primero de abril también podras comprar el PS Vita en su paquete individual sin extras, por un precio de $5,499.
¿Precio elevado? La verdad que sí, esperábamos que la rebaja del precio del Nintendo 3DS repercutiera en un mejor precio para el consumidor en México, tomando el costo del PS Vita en Estados Unidos (250 dólares). Sin embargo, entra aún dentro de lo “normal” para las consolas y lanzamientos de videojuego a últimas fechas.
El PS Vita contará con 22 títulos para la fecha de lanzamiento, destacando algunos como Uncharted: Golden Abyss, Rayman Origins, Ultimate Marvel vs Capcom 3, BlazBlue: Continuum Shitf Extend y Virtua Tennis 4: World Tour Edition.
Ya tiene rato que apareció el tráiler de Blancanieves y el Cazador, pero si no lo has visto es un buen momento para hacerlo pues pinta como una de las mejores películas de fantasía para este 2012 y uno de los estrenos más esperados en general, que bien pudiera volverse una trilogía en palabras de sus productores.
La historia es una reinterpretación del cuento Blancanieves de los Hermanos Grimm asentando de la historia en una especie de reino de la Edad Media. Kristen Stewart, a quien muchos ya aburrió con su personaje en Crepúsculo, interpretará a la heroína de Blancanieves y el Cazador, donde su madrastra, la reina Ravenna (Charlize Theron), la manda matar cuando se entera que ella la superará en belleza y leyenda. Blancanieves se ve obligada a huir y es Ravenna contrata a un experimentado cazador (Chris Hemsworth) para buscarla y matarla. Sin embargo, el cazador no sólo le perdona la vida a Blancanieves, sino que la toma bajo su tutela para enseñarle el arte de la guerra, adiestrarle en el combate y organizar una rebelión contra la malvada reina en donde le ayudarán ocho enanos (ocho, no siete) y el famoso príncipe del cuento.
Blancanieves y el Cazador es dirigida por Rupert Sanders y se estrenará en Estados Unidos en junio de este año.
Final Fantasy Tactics es un título que para muchos pasó desapercibido, pero aquellos que tuvieron la paciencia de jugarlo descubrieron uno de los mejores videojuegos de todos los tiempos. Final Fantasy Tactics: The War of the Lions es la reedición de este clásico de PlayStation ahora para la pórtátil PSP.
Final Fantasy Tactics: The War of the Lions
Si bien el género de RPG táctico no era completamente nuevo, la incursión de Squaresoft en el mismo fue decisiva y magistralmente llevada a cabo: una historia bien trabajada, un sistema de batalla con pocos errores y una variedad de enemigos, jobs (oficios), armamento y demás para darle gusto a cualquiera. Square Enix relanza The War of the Lions para PSP con algunas novedades que veremos a continuación, siendo la principal sin duda la capacidad multiplayer.
El juego original tuvo muy pocos cambios, si acaso la corrección de algunos bugs y un balanceo en las batallas y enemigos, como algunas armaduras que ya no puedes robar. Un extra bastante llamativo se puede apreciar desde el inicio de Final Fantasy Tactics: The War of the Lions con los nuevos cinemas que explican la historia y que son bastante característicos de Square Enix e igual de memorables, en esta ocasión realizados con la técnica cell shading. Además de los cinemas, existen algunas nuevas misiones que complementan la historia y en las mismas llegamos a controlar personajes que en el videojuego original no se podía.
La corrección de errores del original Final Fantasy Tactics también incluyó ajustes en la traducción, especialmente nombres de personajes, así que Orlandu pasa a ser Orlandeau, Teta ahora es Tietra, Olan se vuelve Orran y Zalbag se ajusta a Zalbaag. Aparte de los personajes conocidos, tenemos un par de invitados para controlar: Balthier, el pirata de Final Fantasy XII, se une a tu equipo en la búsqueda de un tesoro, y Luso, un cazador de Final Fantasy Tactics A2, que es rescatado por Ramza (el personaje principal, para quien aún no lo conoce) y decide unirse a tu causa.
El oficio de Balthier es Sky Pirate y es un monito bastante poderoso, aunque no lo suficiente como para romper el juego (como Orlandeau). Su oficio combina las habilidades de Engineer (el oficio de Mustadio) y Thief, por lo que puedes hacer ataques como leg aim para evitar que tu rival se mueva o arm aim para que no ataque. Además tiene todas las habilidades para robar y un ataque único llamado X-Fight, el cual le pega al enemigo cuatro veces y le baja bastante HP.
Cloud, Luso y Balthier
Luso es similar al oficio Squire de Ramza, en su caso se llama Mob Hunter y sus habilidades son básicamente de soporte y para aumentar tus stats y habilidades durante la batalla, además de que también puede ejecutar el hechizo Ultima; desgraciadamente no tiene sus habilidades del Final Fantasy Tactics A2.
También hay un par de nuevos oficios disponibles: el Onion Knight, que es una porquería de personaje al comienzo pero con paciencia lo puedes volver muy poderoso; y el Dark Knight, que al igual que Gafgarion, se vuelve bastante útil, sobre todo por poder absorber el HP de los enemigos, lo malo que para lograrlo hay que masterizar toda una serie de oficios anteriormente. Con esta adición, el oficio de Gafgarion se renombra a Fell Knight, y sigue siendo un oficio disponible sólo para este personaje. El problema con los nuevos oficios es que se puede decir que no traen habilidades o poderes nuevos y se limitaron a reusar ataques y habilidades de otros oficios.
Ramza aprende el oficio de Dark Knight, uno de los nuevos jobs
El modo multiplayer permite a dos jugadores pelear entre sí o completar misiones en modo cooperativo, obteniendo items que de otra forma no se podría. Fuera de esto, Final Fantasy Tactics: The War of the Lions es el mismo, como ya se había mencionado, por lo que los extras originales del juego, como reclutar a Cloud, Biblos, Reis y otros personajes escondidos siguen intactos.
Luz y sombra en Ivalice
Ahora a los puntos malos de Final Fantasy Tactics: The War of the Lions. El replay value es mínimo, ya que una vez que terminas el juego el hacer experiencia no te lleva a obtener ninguna recompensa y por lo general los enemigos que te salen al azar ya no te hacen ni cosquillas. En cuanto te topas con Orlandeau la misión se simplifica, pues el personaje te lleva directo a terminar el juego debido a sus habilidades y pocas veces encuentras de nuevo dificultad en las peleas.
Final Fantasy Tactics: The War of the Lions se mantiene fiel al original
Hay que tener mucho cuidado de no guardar en medio de una serie de batallas dentro de un castillo porque podrías quedar atrapado sin poder regresar a hacer experiencia si escogiste mal a tus personajes, como cuando necesitas alguien que ataque a grandes alturas y no tienes a nadie así en tu equipo. Otro defecto es que en ésta versión de PSP es notorio el lag que sufren la mayoría de las magias o poderes especiales al ejecutarse (el juego se alenta un poco).
Los gráficos se mantienen igual, que si bien se nota ya el paso de los años, el título sigue siendo visualmente bueno y los diseños de Akihiko Yoshida llamarán la atención a más de uno; las magias usan destellos, luces y algunas rotaciones del mapa: simplemente bien cuidado y punto. La música sigue siendo excelente, con las piezas clásicas de Masaharu Iwata y Hitoshi Sakimoto que vienen desde el Final Fantasy Tactics original, los sonidos incluyen algunos ruidos y gruñidos nuevos, pero nada que destaque.
Cinemas animados en cell shading es la principal novedad en PSP
La historia mantiene las intrigas y conspiraciones a lo largo del todo el juego, y nos narra la historia de dos hombres, Ramza y Delita, cada uno intentando salvar a Ivalice de las fuerzas del mal y establecer orden y paz en el reino, ambos amigos en el pasado y confrontados en el presente por la manera como cada uno decide afrontar su misión y lo que es más importante para ellos. Ramza y Delita son movidos por la justicia, pero en el caso de Delita deseando también la venganza mientras que Ramza olvida los ajustes personales por el bien común. La historia enfrentará a nuestra partida a facciones de distintos reinos, órdenes de caballeros, traidores, bestias, monstruos invocados, a la Iglesia de Galdados (algo así como el Vaticano de Final Fantasy Tactis) y a los dos amigos en cuestión.
Final Fantasy Tactics: The War of the Lions es muy recomendable para los fanáticos de los RPG (sobre todo tácticos), y para los que no lo son, pero sugiero darle una checada antes de comprarlo porque a muchos les puede parecer de lento desarrollo. Eso sí, la historia -de lo mejor que tienen para ofrecer los videojuegos- vale la compra por sí sola. Si te gustan los RPG este es uno de los mejores en el mercado y la edición de PSP mantiene toda la magia del original, varios agregados para quienes buscan un pretexto para volver a jugarlo y cinemas mejorados para narrar la historia. Final Fantasy Tactics: The War of the Lions fue lanzado el 4 de agosto de 2011 para Iphone, una versión idéntica al PSP menos las opciones multiplayer.
The King of Fighters: NeoWave pasó sin pena ni gloria por las arcades, y es hasta ahora el título menos conocido (y probablemente jugado) de la saga. Sus versiones caseras para PlayStation 2 y Xbox trasladaron el título a los hogares en un intento por darle algo de la fama que no obtuvo en las maquinitas. El juego viene a ser la versión del 2004 de KoF.
The King of Fighters: NeoWave | Reseña
El primer título de The King of Fighters que SNK Playmore hizo para la placa Atomiswave fue precisamente KoF NeoWave y marca la bien merecida muerte de la placa Neo Geo. El atractivo arte del juego, y que es distintivo con cada nueva entrega de King of Fighters, está vez estuvo en manos de Tomokazu Nanako, el mismo de la saga Power Instinct.
The King of Fighters: NeoWave es un dream match con una selección de peleadores muy parecida a la de KoF 2002 (en la versión de PS2 es prácticamente la misma cambiando a K9999 por Saisyu Kusanagi y los retornos de King y Shingo Yabuki), tres estilos de pelea disponibles, una barra de guardia y la introducción de un quinto botón que sirve para activar el Heat Mode.
El quinto botón y su respectivo Heat Mode es la mayor novedad en The King of Fighters: NeoWave, al ejecutarlo tu personaje comenzará a brillar subiendo su poder de ataque considerablemente a costa de drenar tu sangre poco a poco. Para detener el Heat Mode simplemente vuelves a presionar el quinto botón. Si tu oponente te golpea también se desctivará. El Heat Mode no puede ser usado cuando tu sangre está roja (niveles críticos).
The King of Fighters: NeoWave mantiene el estilo tres contra tres de KoF 2002, sin el uso de strikers, ni tag system, ni nada que se parezca a Marvel vs Capcom. También podrás escoger entre uno de los tres sistemas de pelea que incluye el juego, muy similar a KoF 97 y KoF 98.
Los escenarios de The King of Fighters: NeoWave se ven algo desangelados
Tres modos de jugar KoF: Neowave
El primer estilo de pelea en The King of Fighters: NeoWave es el Super Cancel, que mantiene un esquema similar al de KoF 2002. Puedes almacenar hasta tres stocks de súpers, usando uno para los Super Special Moves y dos para los MAX Super Special Moves. Puedes usar un stock para cancelar golpes que normalmente no se pueden encadenar a poderes o a súpers, e incluso cancelar poderes en súpers o súpers en otros súpers. También puedes gastar un stock en movimientos defensivos como el counter con C+D y la evasión de escape u ofensiva con A+B. Al principio de la pelea los tres stocks están disponibles y se rellenan atacando o ejecutando poderes.
El siguiente modo es el Guard Break (o MAX1) y consiste en dos barras con las que se pueden realizar Super Special y MAX Super Special Moves similar al modo Super Cancel. Se puede utilizar también el Just Defended de Garou: Mark of the Wolves (poner guardia justo antes de que te conecte el ataque) pero aquí no te sube la energía, simplemente sirve para destantear al enemigo y tener un pequeño momento para contra atacar. También se puede esquivar y hacer evasiones defensivas u ofensivas (A+B). Por último está el movimiento Guard Break, que es un ataque inbloqueable que, si conecta, rebota al enemigo en la pared y los deja a tu merced (similar al Wire Whip de KoF 2001), se marca haciendo un cuarto de círculo hacia delante con C+D.
The King of Fighters: NeoWave incluye tres modos de cargar tu barra de súper
El tercer estilo es el MAX2, aquí solamente se cuenta con una barra de poder que se llena automáticamente, cuentas con Super Special y Max Super Special Moves, ambos te cuestan un stock aunque el movimiento MAX sólo puedes ejecutarlo cuando tienes 25 por ciento de sangre o menos. También tienes a tu disposición movimiento escondido por personaje llamado MAX2, el cual es básicamente la versión NeoWave de los HSDM (súpers escondidos y mamertos) de KoF 2002, éstos necesitan un stock e igual, que te quede un cuarto de tu energía o menos. En este modo desgraciadamente no se puede esquivar y solamente se pueden usar los counters con C+D.
¿No tan NeoWave?
Para las versiones caseras hay algunas novedades: los personajes secretos de la versión arcade, Ramon, Vanessa y Kim Kaphwan, están disponibles, al igual que las versiones Orochi de Yashiro, Shermie y Chris. A la selección de personajes se le suman Kusanagi (el mismo de KoF 2002), Geese Howard versión Art of Fighting 2 (el jefe final, aunque es bastante malo si no es usado por el CPU), Seth, Angel, May Lee y Omega Rugal (también le bajaron el poder respecto a su última aparición en The King of Fighters). Todos estos personajes los obtienes venciéndolos en el modo Survival.
KoF NeoWave fue el primer título de SNK Playmore para Atomiswave
Un detalle curioso fue que para la fecha de lanzamiento de la versión de Xbox existieron problemas de licencias con Eolith por lo que May Lee y Angel fueron removidos, aunque tiene la ventaja de soporte para partidas online en todo el mundo y que fue la única versión casera que llegó oficialmente a América.
KoF NeoWave cuenta con un auto combo por personaje el cual está disponible en un botón, que aunque es bastante simple, en ocasiones varía seleccionando diferentes modos de pelea. Un extra bastante bueno es el modo Color Edit donde se puede cambiar la paleta de colores de todos los personajes, pero sacrificando uno de los colores base (o sea que sólo se pueden terner cuatro colores por personaje); de todas maneras hay algunos por default bastante feos.
Las versiones de consola incluían juego online
Por último, el cambio más notable: todos los fondos ahora son totalmente 3D y se ven excelentes, aunque persiste esa sensación de soledad que arrastraban desde su versión en maquinitas. Algunos otros detalles también se extrañan como introducciones de peleas personalizadas entre rivales y compañeros, al igual que poses de victoria.
The King of Fighters: NeoWave recibió en general malos comentarios de la crítica, más que nada porque llegó en un momento de transición difícil, con la prensa especializada pidiendo más polígonos en pantalla o gráficos dibujados en alta resolución… y ya nos sabemos la historia, SNK Playmore cambiaba muy poco o realmente nada de sus sprites desde hace varios años. KoF NeoWave aparte era quizá demasiado similar a KoF 2002 y en parte a la KoF 98, así que aún con la adición del Heat Mode se sentía que el juego no ofrecía suficientes novedades en gameplay, y así es. Pero lo importante de The King of Fighters siempre ha sido el factor jugabilidad, y The King of Fighters: NeoWave es tan divertido y jugable como cualquiera de la saga (bueno, de la 97 en adelante), los poderes y combinaciones son precisos pero no son difíciles de ejecutar, y a su favor también tiene que hay un mayor número de personajes, más modos de juego, y lo más importante: un rebalanceo general de los personajes, dejando de lado el marcado desbalance de la KoF 2002; aún con los tres modos de juego las retas son más parejas y el sistema es el más equilibrado hasta ahora, sí, incluso más equilibrado que las versiones que salieron recientemente.
Los gráficos de personajes son los mismos de siempre
Un dream match mas de KoF que aunque no desmerece no presenta nada nuevo, los nuevos sistema de batalla son interesantes y es algo entretenido sacar nuevos combos en el modo Super Cancel. Geese Howard está dificilísimo pero simplemente por ser un personaje mal programado, y si logras derrotarlo no obtienes recompensa ya que… ¡no hay final! Pero siendo un dream match tiene cierta justificación. El fuerte del juego son las retas, nada de lo que deba preocuparse cualquier fanático de KoF, diversión asegurada a pesar de las críticas absurdas de algunas revistas que calificaron el juego de aburrido e inefectivo, de hecho The King of Fighters: NeoWave no desmerece tanto al compararlo con KoF 98, y su balance es superior a KoF 2002.
Una imagen del Xbox Live Market Place reveló a dos contendientes que se suman al videojuego Street Fighter X Tekken: M. Bison, por parte de Capcom, y Xiaoyu; del lado de los peleadores de Namco.
Esta vez el anuncio de los nuevos peleadores se dio sin video promocional y sin tanto bombo y platillo, siendo prácticamente un descuido al colgar una imagen dond, si bien no salen peleando, se alcanza a ver el nombre de ambos en las barras de vida de Bison y Xiaoyu,
Con ésto ya sumarían 30 personajes, quince por Street Fighter y quince por Tekken, aunque aún se esperan algunos personajes por confirmar como Cody, Guy y Marshall Law. Street Fighter X Tekken estará disponible el 6 de marzo para PlayStation 3, Xbox 360 y PC.
Tienes el poder de transformar el agua en vino, multiplicar los panes y sanar al enfermo… la gente del pueblo se te acerca para ser uno de más tus milagros, te ven con respeto y con esperanza, y tú tan sólo tienes doce años. El cómic American Jesus: Chosen es un enfoque moderno y atrevido al mito de Jesucristo a través de los ojos de un niño de un pueblo norteamericano.
American Jesus: Chosen | Reseña
Chosen es una obra que destaca por ser distinta al elegirla de entre varios cómics; al ser leída parece una historia ya conocida, pero este es una novela gráfica donde se nos plantea la popular imagen del mesías desde una perspectiva moderna, innovadora e incluso retorcida. American Jesus: Chosen es una lectura interesante de un tema tabú.
La miniserie de tres números que nos presenta Dark Horse tiene el guion a cargo de Mark Millar (famoso por Civil War, Kick-Ass y Superman: Red Son) y es dibujada por Peter Gross. La historia está contada en forma de retrospectiva: el narrador recuerda su vida y va hilando sucesos y anécdotas que lo marcaron de chico, todo de forma muy común en un recurso como éste. Es un niño cualquiera de un pueblo gringo que hace lo que todos los chiquillos de su edad, pero a partir de un accidente donde sobrevive por algo más que suerte, se da cuenta que él es algo diferente y su comunidad poco a poco empieza a notarlo. Su nombre es Jodie Christianson.
Después de sobrevivir milagrosamente tras ser aplastado por un tráiler, Jodie comienza a mostrar habilidades increíbles, rayando en lo divino. Al principio se da cuenta de que sabe todo lo que pudieran enseñarle en clases y mucho más; de niño problema de la escuela pasa a ser un genio en todas y cada una de las asignaturas, para más tarde complementar su carrera haciendo algunos otros milagros. Su teoría para tratar de comprender todos estos sucesos es hilarante, pero comprensible en cualquier aficionado de los cómics, ya que lo primero que pasa por la cabeza de Jodie es que tiene poderes mutantes, cual si fuera un X-Men.
Chosen
El narrador de American Jesus: Chosen es muy condescendiente para con todos los sucesos y personas de las que habla, aunque luego uno descubre el porqué… de hecho, al releer el cómic, muchos de los diálogos de este personaje tendrán otro sentido o se van a captar con otro enfoque… Esto también aplica para los comentarios de las personas a su alrededor, aquellas que dicen estar de su lado y que saben su secreto.
Jodie Christianson sobrevive a un tráiler encima de él
En el segundo tomo de American Jesus: Chosen, Jodie Christianson pone en práctica todos sus poderes y empieza a ser idolatrado en su pueblo al realizar diversas y fantásticas faenas, que van desde pequeños trucos como transformar agua en vino hasta sanar enfermos incurables e incluso llega a revivir un animal algunas páginas después, intentando emular de cierta manera a Jesucristo, con quien él mismo y algunas otras personas del pueblo intentan relacionarlo. Adelantar un poco más de la historia en este punto sería arruinar por completo la lectura.
El arte puede no convencer a todos, Peter Gross presenta la historia con trazos que asemejan libros de cuentos infantiles, sin tanta seriedad ni tantos detalles, pero con los elementos suficientes para adentrarte en la historia. Algo que sí tiene a su favor es la personalidad que logra poner en cada uno de los personajes, expresan mucho con pocos trazos y gestos sencillos.
Las ilustraciones de portada de Chosen son bastante creativas
Pero el fuerte aquí es la narrativa tan bien llevada. Mark Millar tiene varias de las obras más reconocidas de la industria de los cómics, y aunque ésta no es de las más populares, tiene todo el sello del autor con una historia intrincada y un final inesperado. Sí, American Jesus: Chosen es uno de esos cómics con cierto replay value y que gracias al clásico final con vuelta de tuerca dan ganas de leerlo de nuevo y uno encuentra detalles que no percibió en la primera ocasión.
La versión en castellano de American Jesus: Chosen fue publicada por la editorial ítalo-española Planeta DeAgostini bajo el nombre de El Elegido. Dark Horse ya sacó un tomo recopilatorio con el título American Jesus, Book I: Chosen, por lo que se deja entrever una posible secuela de este interesante cómic. Recientemente, en una entrevista, Mark Millar declaró que ya existen avances en guion y pláticas para llevar la historia de Chosen al cine precisamente bajo el nombre de American Jesus.
Los poderes de un dios en American Jesus: Chosen
American Jesus: Chosen puede parecerte un poco aburrido al principio y con mucho texto inútil durante las primeras páginas, pero créeme que se le debe dar la oportunidad y echarse todo el rollo porque el final sabe recompensar a los pacientes; el último número vale la pena cada minuto si es que te aburriste un poco leyendo los dos primeros tomos ya que sirve para cerrar, como pocos cómics, una historia que sólo se disfruta completamente cuando se da la vuelta a la última hoja. Un cómic tan bueno como American Jesus: Chosen sería un pecado no tenerlo en tu colección.
Para muchos puristas de Castlevania, Akumajo Dracula X: Chi no Rondo (Castlevania Dracula X: Rondo of Blood, para los cuates) es el mejor de la serie, sobrepasando incluso al increíble Castlevania: Symphony of the Night, al mantener la tradición de varios de los primeros títulos y no llevar tintes RPG. El que no hubiera salido versión alguna del original fuera de Japón sólo lo hace más deseable; no confundir con el Castlevania: Dracula X para el SNES, que aunque similar en ciertos puntos (diseño de personajes y gráficas sobre todo) es un juego en su mayoría diferente.
Akumajo Dracula X: Chi no Rondo | Reseña
Cronológicamente situado antes de los eventos en Simphony of the Night (SotN), en la entrada de Akumajo Dracula X: Chi no Rondo (narrada en alemán con subtítulos en japonés) observamos como una mujer es sacrificada para que Drácula sea nuevamente vuelto a la vida por su sirviente Shaft, éste envía a sus compinches a atacar la villa cercana, raptando en el evento a cuatro muchachonas, incluyendo a Annete, la prometida de nuestro héroe y personaje a controlar, Richter Belmont, quien látigo en mano emprende su aventura.
Desde el nivel 0, y ese primer encuentro a carreta con La Muerte, vemos cómo el PC Engine fue llevado a su límite. El juego puede terminarse dándole mate a todos y al grano, siguiendo la ya tradición de los Castlevania anteriores, pero Konami agregó un pequeño elemento de exploración para mantenernos pegados al control por más tiempo: puedes rescatar a las chicas secuestradas… si las encuentras. Además, los niveles cuentan con más de una salida (y jefe al final), abriendo distintas caminos por los escenarios de Akumajo Dracula X: Chi no Rondo, lo que demuestra a la vez un maravilloso diseño de los mismos. Se cuentan ocho niveles, pero al hallarse otros nuevos descubriendo las salidas opcionales, se vuelven alrededor de quince en total.
Ya rescatada, una de las chicas se vuelve un personaje a controlar si es elegido en vez de Richter: Maria Renard, una niña de doce años (en el Simphony of the Night aparecería ya más… adulta) que ataca invocando animales y cantando. También cuenta con un poderoso ataque donde proyecta una imagen de sí misma en versión ninja (¿WTF?).
La animación de Akumajo Dracula X es estupenda gracias al espacio proporcionado por el CD. La mayoría de los jefes, de los más detallados en un juego 2D, tienen una presentación y un último ataque bella e imaginativamente animados. La muerte de La Muerte (¡doh!) es algo que tiene que ser visto y disfrutarse. Los sprites de este juego eran tan buenos que muchos de ellos fueron reutilizados tal cual para el Castlevania: Simphony of the Night casi cuatro años después y en una consola superior… y siguen siendo reusados a la fecha para juegos como Harmony of Despair.
Richter Belmont a carreta contra La Muerte
Castlevania Dracula X: Rondo of Blood
El control de Rondo of Blood es muy bueno, nada difícil controlar los saltos ni las armas secundarias y el personaje no se siente tan tieso como en ocasiones en el Castlevania IV de SNES, y ni qué decir los anteriores de NES; el usar el pad del PC Engine que consta de sólo dos botones hace de alguna manera más fácil e intuitivo el correr, brincar, atacar y usar las armas secundarias.Hablando de armas secundarias, en Castlevania Dracula X: Rondo of Blood se introdujo el famoso Item Crash, aquella explosión de dichas armas secundarias usando más corazones que un ataque normal y haciendo también mayor daño al enemigo.
En sonido, Akumajo Dracula X: Chi no Rondo es nada menos que increíble. Actores doblando las escenas animadas, toda clase de efectos que te pondrán chinita la piel (el grito de Medusa al morir y el sonido que emite el cuadro en el galeón te harán cacarear) y el soundtrack, razón suficiente para poseer este juego. Muchas de las pistas son clásicos temas de la serie recreados con calidad CD. “Vampire Killer”, “Cross a Fear “y nuevos como “Opus 13” provocarán que desees escuchar el disco en tu reproductor personal.
Rondo of Blood incluía un opening de animación
Dato curioso: si en verdad tratan de escuchar el soundtrack del juego al introducir el disco en cualquier sistema de audio podrán deleitarse con la mayoría de las pistas, junto con un mensaje advirtiéndoles del posible daño a su aparato al usar el disco de esa manera… o sea, no lo intenten, este disco es para jugarse exclusivamente.
No es un Castlevania perfecto… pero casi
¿Peros? sí, hay algunos: el juego es facilón. Veteranos en Castlevania lo terminarán en un dos por tres. Maria es exageradamente poderosa, lo que hace una de por sí fácil aventura, un paseo por el parque. Si a eso agregamos el devastador ataque donde proyecta su imagen, que quita en los jefes poco más de un tercio de su vida de un guamazo, pues…
Había más de un jefe por nivel en Akumajo Dracula X
Otro problema con el juego original es su costo. Akumajo Dracula X: Chi no Rondo se ha convertido en un objeto casi exclusivo de coleccionistas al alcanzar los 150 dólares. Afortunadamente no es necesario contar con un DUO o un Turbografx CD con una System Card 3.0 para jugarlo; en la computadora se puede correr con ayuda de un emulador, además no es difícil de conseguir. Como otro dato curioso, si corres el juego en un Turbografx CD/Pc Engine CD sin la ayuda de una System Card 3.0 (o en un DUO), lo único que verás y podrás jugar es el extraño Stage X: un nivel con diseños súper deformados y caricaturescos.
La reciente salida de Rondo of Blood el 15 de marzo de 2010 en la Consola Virtual de Wii lo convierten en una buena compra y la primera vez que este videojuego “pisa” oficialmente tierras americanas, aunque el título original se podía jugar como parte de los extras desbloqueables incluidos en Castlevania: The Dracula X Chronicles, un remake en 2.5D de Rondo of Blood para el PlayStation Portable.
Maria Renard era un personaje muy poderoso aún para Drácula
Si tienen la oportunidad de adquirir Rondo of Blood, y mucho mejor si es a un buen precio, no se arrepentirán. Akumajo Dracula X: Chi no Rondo bien puede ser considerado una obra maestra y la corona en tu colección de juegos. Aún con su relativamente reciente remake para el Sony PSP y su salida en Consola Virtual, la versión original de Akumajo Dracula X sigue teniendo mucha magia por sí misma.
La Guerra Fría estaba en su apogeo pero la carrera nuclear y espacial pierde todo sentido cuando la Unión Soviética encuentra en un solo hombre el poder de expandir el comunismo sin que nación o fuerza alguna se le oponga: Superman. En Superman: Red Son se plantea el qué hubiera pasado si la nave del kriptoniano hubiera aterrizado en Ucrania y no en Kansas.
Superman: Red Son | Reseña
Los cómics de Elseworlds siempre han sido una carta muy fuerte de DC Comics. El trasladar a los personajes tradicionales a escenarios aún más ficticios que nunca llevó a la editorial a publicar varias de las mejores novelas gráficas de la industria, y Superman: Red Son es un claro ejemplo del potencial de los Elseworlds. Su autor, Mark Millar (Kick-Ass y Civil War), había planeado esta historia por muchos años, lo que se nota en su excelente narrativa, la intrincada historia y el increíble manejo de los personajes icónicos de DC Comics.
“A mediados del siglo XX, los teléfonos empezaron a sonar por todo Estados Unidos, los rumores de mi existencia habían comenzado a circular”. Así comienza Superman: Red Son, una miniserie de tres números cuyo narrador es exactamente su protagonista, lo que le proporciona una tónica atractiva al conocer la historia del Superman soviético desde el punto de vista del mismo Superman.
El presidente de Estados Unidos, Dwight D. Eisenhower, da una conferencia de prensa a gran escala para su país. Aparece en la radio y televisión anunciando que Estados Unidos tiene evidencia que demuestra que enfrentan una grave crisis cuando se enteran de que la Unión Soviética cuenta con un arma secreta: un súper hombre capaz de volar, con súper oído, visión telescópica y que atraviesa las paredes, tiene fuerza descomunal, y es fiel a la doctrina comunista y las ideas de Stalin.
La noticia inicia una especie de paranoia en la sociedad norteamericana, ya que todo mundo juraba tener avistamientos de aquel súper hombre… tenían miedo que con su increíble oído escuchara todas sus conversaciones o que ni siquiera en el baño podrían estar lejos del alcance de su vista. Comenzaba la leyenda del Superman comunista, el campeón de los obreros que lucha sin cuartel a favor de Stalin, el socialismo soviético y la expansión internacional del Pacto de Varsovia.
Superman ya está aquí, camarada
Supermán: Hijo rojo, campeón soviético
Eisenhower le encarga la misión de derrotar a Superman al hombre más inteligente del mundo: Lex Luthor, un investigador de los Laboratorios S.T.A.R. quien es contactado por el agente de la CIA Jimmy Olsen para trabajar en un plan que acabe con la amenaza soviética y recupere la supremacía para los Estados Unidos. La misión no es nada fácil y Lex Luthor desarrollará una fijación extrema por llevarla a cabo, por vencer con sus conocimientos e inteligencia al “hombre de acero”, convirtiéndolo en el principal antagonista de la miniserie.
A mi gusto, Superman: Red Son nos presenta a la mejor encarnación que existe de Luthor, un hombre no precisamente cruel y despiadado, sino con un pasión eterna por simplemente vencer a Superman cueste lo que cueste en beneficio de su nación y el modo capitalista de ver el mundo. Para vencer a Superman, Luthor (con permiso del presidente) idea derribar el satélite ruso Sputnik y hacerlo caer en pleno Metropolis.
Superman: Red Son plantea que Superman crezca con ideales comunistas
“Me llamaban soldado, pero esa no era la verdad. Nunca fui un soldado. Un soldado siempre sigue órdenes. Un soldado conoce y odia a su enemigo. Un soldado sólo pelea y muere por su propia gente. Yo simplemente luché por lo que era correcto”. Superman escucha desde Moscú el sonido del satélite viniéndose encima de la urbe norteamericana. La gente es presa del pánico al ver el armatoste a punto de impactarse contra ellos. “No son mi gente. Pero nunca rehúso una súplica de ayuda. Todas las mentiras que esparcieron sobre mí, la propaganda que ingeniaron para la Guerra Fría. Nada de eso importó en aquella brillante tarde. Por un momento… se dieron cuenta que estaba ahí para salvarlos”.
Superman desvía la amenaza y a su partida, Lex ordena que recuperen el satélite de la bahía para intentar encontrar respuestas a la ecuación, respuesta que tomaría su primera forma en Superman-Two (Bizarro), un clon malhecho de Superman al cual derrotaría sin grandes problemas pero que sería recurrente. Era sólo el comienzo de la larga batalla que toma lugar durante los tres tomos de Superman: Red Son.
"No son mi gente, pero nunca rehuyo una súplica de ayuda"
Poco después son introducidos más personajes, incluyendo al mismísimo Stalin; al jefe de la KGB e hijo ilegítimo de Stalin, Pyotr Roslov (Pete Ross); la Mujer Maravilla, embajadora de Nuevo Paraíso en el mundo de los humanos, quien ve con muy buenos ojos a Superman y a la doctrina socialista; y a un niño huérfano cuyos padres disidentes habían sido muertos a manos de Roslov, un niño que crecería con odio hacia el sistema socialista.
Superman vs Batman
La muerte de Stalin da la entrada al segundo arco de la historia, que nos muestra también el resentimiento de Pyotr hacia Superman, no sólo por robarle la admiración de su padre, sino porque según él, la existencia del kriptoniano es una ironía y contradicción para el comunismo, pues demuestra que no todos los hombres son iguales. A la muerte del mandatario soviético y viendo la necesidad de su pueblo, Superman decide que hará caso al clamor popular de la gente que lo quiere ver como el nuevo presidente de la Unión Soviética.
El sistema comunista también creó a un viejo conocido de DC Comics
Al llegar al poder, Superman poco a poco empieza a “convencer” a los demás países de unirse a la Unión Soviética, bajo su eterna vigilancia prácticamente están seguros y su modelo de gobierno trae una prosperidad inaudita en todos los campos, llegando un momento en el que sólo Chile y Estados Unidos persisten como naciones capitalistas. Pero en esta parte también es cuando regresa aquel niño resentido con el comunismo… un niño que creció y decidió tomar la anarquía como bandera, el derecho a ser libres como eslogan y el sobrenombre de Batman para luchar por sus ideales, al creer que la omnipotencia y omnipresencia de Superman les quitan lugar a los humanos normales para decidir y equivocarse.
No vale la pena echar a perder más la historia en la reseña, sólo indicar que obviamente Batman lucha contra ese sistema, Lex Luthor busca la presidencia de Estados Unidos y tiene una nueva arma para combatir a Superman cuando encuentra una batería verde de poder, algunos antiguos aliados de Superman empiezan a dudar de sus métodos y una conclusión que te hará volver a leer esta historia decenas de veces, donde el arma más peligrosa contra el “hombre de acero” no es la kriptonita sino el pensamiento humano y el derecho a la libertad.
Un puñetazo a Superman dice más que mil palabras
Obra maestra de Mark Millar
El arte en el cómic es muy bueno, con trazos que te transportan a donde el guionista lo desea, pero destaca la gama de colores usada por Paul Mounts para ilustrarlo. Los diálogos son certeros y les dan vida a todos los que interactúan en la narrativa. El uso de otros personajes conocidos de DC Comics para apoyar la historia está muy bien trabajado, y el sentimiento de gusto/rechazo por la labor de Superman siempre está latente, no puedes sentir empatía completamente por él, pero a su vez tampoco por Luthor… la lucha persiste y tal vez al cerrar el cómic no quieras ver a ninguno triunfante.
Quizá de lo mejor de Superman: Red Son es el manejo de Mark Millar de los personajes involucrados en el cómic, dónde todos están ubicados en una zona gris donde nadie es absolutamente bueno, ni siquiera Superman, y nadie es totalmente malo, ni siquiera Lex Luthor. Y es increíble que en esta zona gris se geste una de las mejores batallas del cómic entre lo que está bien y lo que está mal. Una historia cuyo final no termina en el desenlace mismo de la batalla sino en un increíble epílogo que nos transporta miles de años en el futuro y que te sorprenderá al pasar la última página.
Heroína invitada: La Mujer Maravilla
Seas fanático o no de Superman, o de las historias de superhéroes, Superman: Red Son es una lectura obligada. No sólo encierra una interesante lucha de ideales satirizados en la batalla personal Luthor contra Superman, sino que, por cursi que parezca, por momentos te hace pensar en el potencial de la raza humana, en los errores cometidos históricamente por las grandes naciones y cómo una novela gráfica te puede adentrar tanto en sí misma que cuando terminas de leer sigues pidiendo más. El éxito de Superman: Red Son le ha valido varias reimpresiones, una serie de figuras de acción (2008), además de estar dentro de la línea de motion comics (cómics con movimiento) de DC Comics. Sólo queda dar gracias a Mark Millar y su equipo de creativos por darle vida a este excelente cómic, que por cierto estuvo nominado al premio Eisner de 2004 como mejor miniserie.
El nuevo crossover de DComics, y el primer crossover de The New 52 -que significa el relanzamiento de todos los cómics de la compañía-, no incluye a Batman, ni a Superman ni a ningún miembro de la Liga de la Justicia, sino a O.M.A.C. y a Frankensteint: Agent of S.H.A.D.E.
DanDidio explicó que el concepto de los crossovers en los nuevos cómics del Universo DC es que tienen que tener sentido realmente, y no sólo esperar a que en algún tomo aparezca Batman o Superman. Y para DC Comics lo que tiene más sentido es que dos de sus “nuevos” monstruos peleen uno contra el otro. El primer número del crossover será O.M.A.C. #5, escrito por DiDio y con Keith Giffen como artista. Luego terminará en Frankenstein: Agent of S.H.A.D.E. #5, por el escritor Jeff Lemire y los trazos de Alberto Ponticelli.
Si alguien se pregunta, ¿de dónde salieron estos personajes? Bueno, aunque parezcan nuevos en realidad tienen una larga historia en los cómics. Esta versión de Frankenstein apareció por primera vez en Detective Comics en 1948 enfrentando a Batman, más tarde se uniría a las fuerzas de Dracula y combatiría constantemente contra Superman, Batman y Phantom Stranger. En 2005 lo veríamos como parte de los Seven Soldiers of Victory, versión en la que mas o menos está basada la actual.
O.M.A.C. nació de la mente de Jack Kirby en 1974, quien lo visionaba como una especie de Capitán América del futuro, siendo reusado en una miniserie en 1991 y cambiado totalmente a lo que algunos vieron en Countdown to Infinite Crisis, un cyborg diseñado para contrarrestar a los meahumanos…. el actual O.M.A.C. es una mezcla de todo.
No suena como lo más llamativo, pero si te gustó Seven Soldiers of Victory, probablemente te agrade este crossover. La “ventaja” es que no tendrás que comprar ambos números para conocer la historia, sino que cada uno narra los mismos eventos vistos desde la óptica de cada personaje.
El actor mexicano Pedro Armendáriz Jr. falleció hoy en un hospital de Nueva York, a los 71 años de edad, víctima de cáncer. En un comunicado, en el que no se dan más detalles, la familia del artista que intervino en más de 140 películas nacionales e internacionales, anunció este lunes 26 el fallecimiento de Pedro Armendáriz Jr., y solicitó a los medios respeto a su privacidad en estos momentos de duelo. También hizo un llamado a la solidaridad de su público a través de oraciones. Desde la semana pasada se había difundido que Pedro Armendáriz Jr. padecía cáncer en un ojo y que por ello se internó en un hospital de Nueva York.
Silvia Pinal, secretaria general de la Asociación Nacional de Actores (ANDA), afirmó que el organismo se encuentra en la mejor disposición de ayudar a la familia del actor Pedro Armendáriz Jr., quien fue recordado por la actriz “un hombre amante de la vida”. Silvia Pinal lamentó de manera profunda el deceso del actor, al señalar que por el momento la asociación se encuentra de vacaciones, sin embargo, están en la disposición de ayudar. “No sabemos mucho, él está en Nueva York y no hemos tenido información al respecto, yo sólo conozco a Carmen, su hermana, y ella no se ha comunicado, ni ninguna otra persona familiar de él”, explicó. “El fue un socio de la ANDA, querido, admirado y respetado”, mencionó la actriz, que elogió el trabajo del fallecido actor, en su calidad de compañera.
Pinal reconoció que la noticia la tomó por sorpresa, “nunca pensé que estuviera tan enfermo, pensé que había viajado para ver a un doctor, pero nunca, porque su enfermedad estuviera tan avanzada. Lo siento muchísimo, me gustaba su trabajo, él tenía un gran nombre que heredó de su padre, un gran actor, y supo llevar esto en alto”, dijo Silvia Pinal, al recordar que nunca tuvieron la oportunidad de trabajar juntos. “Nunca se dio esta oportunidad, hicimos La soldadera juntos, pero nunca coincidieron nuestras escenas”, dijo la también productora de televisión y teatro.
En tanto, la presidenta del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), Consuelo Sáizar, escribió en twitter: “A la comunidad cinematográfica, mi más sentido pésame por el fallecimiento de Pedro Armendáriz”.
Recordamos a Pedro Armendáriz Jr. con la clásica escena de Óscar Cabos y el cocinero chino en la película Matando Cabos.
Pedro Armendáriz Jr. nació en la Ciudad de México el 6 de abril de 1940, su padre fue el popular actor de la época de oro del cine mexicano, Pedro Armendáriz. Estuvo casado con Lucía Gómez de Parada, quien fue modelo de Televisa y tuvieron varios hijos. Después se casó con Ofelia Medina, de quien también se divorció. En 2006 se le otorgó el Mayahuel de Plata en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara. En 2010 fue homenajeado en el Festival Internacional de Cine de Monterrey.
Entre las películas en las que participó destacan El Crimen del Padre Amaro, de Luis Estrada; Matando Cabos, de Alejandro Lozano; La Ley de Herodes, de Luis Estrada; La Máscara del Zorro, de Martin Campbell; Mariana, Mariana, de Alberto Isaac; y Navidad SA, de Fernando Rovzar. Actualmente, dos películas donde actúa se encuentran en postproducción: Mamitas y Casa del Padre.
Pedro Armendáriz Jr. también trabajó en telenovelas, su última participación fue en La Fuerza del Destino. Además hizo doblajes para películas animadas, como en Atlantis: El Imperio Perdido; Cars y Kung Fu Panda. Del documental Océanos, Armendáriz Jr. fue narrador.
Danny Trejo, el mexicano más rudo del cine regresa con una nueva película: Bad Ass, donde interpreta a un veterano de Vietnam llamado Frank Vega, quien regresa a Estados Unidos pero no encuentra trabajo y es en general rechazado por la sociedad… hasta que se convierte en una suerte de héroe local.
Tras poner en su lugar y darles una paliza a los dos pandilleros se convierte en un fenómeno de Internet cuando suben su video a Youtube, todo mundo lo ama y lo admira. Pero cuando muere su mejor amigo y la policía no hace nada, Frank Vega toma la justicia por sus manos y se vuelve en una especie de vigilante de la ciudad.
La película está dirigida por Craig Moss y también cuenta con las actuaciones de Ron Perlman y Charles Dutton. Bad Ass se estrenará en junio de 2012 y podría llegar directamente a México y América Latina en formato DVD y Blu-Ray.
Y sí… seguramente a muchas personas que vieron el tráiler de la película Bad Ass les lleve a la memoria el meme en video de “Epic Beard Man”, el hombre de 67 años y gran barba que le partió la nariz a un negro cuando éste lo molestó en el autobús en que viajaba. Bad Ass está basada en los hechos de aquel video subido a Youtube y la vida de Thomas Brusso, el anciano rudo original. Aquí está el video por si alguien no lo vió o quiere checar el parecido.
Un nuevo rumor desde 4Chan, donde hicieron repost de una supuesta lista de personajes que aparecerán en el videojuego Super Smash. Bros Universe para Wii U y que alguien publicó en un imageboard japonés. La persona que “filtró” el documento asegura que la información es real y son los personajes confirmados por el momento.
King K Rool (Donkey Kong)
Zoroark (Pokemon)
Ghirahim (Zelda)
Little Mac (Punch Out)
Saki Amamiya (Sin and Punishment)
King Hippo (Punch Out)
Ridley (Metroid)
Prince Sable (Kaeru no Tame ni Kane wa Naru)
Palutena (Kid Icarus)
Professor Layton (Professor Layton)
Mega Man (Mega Man)
Crystal (Star Fox)
Slime (Dragon Quest)
Shulk (Xenoblade)
Sonic (Sonic)
La mayoría de personajes son totalmente nuevos para la franquicia e incluyeny lista nombra a personajes de otras compañias como Mega Man de Capcom y Slime de Square-Enix, e incluso personajes de videojuegos que no han salido (o nunca saliero) en América, como Shulk de Xenoblade y Prince Sable del semi desconocido Kaeru no Tame ni Kane wa Naru, un exelente título action RPG para el Game Boy.
Se lee interesante la lista pero habrá que esperar a que Nintendo de manera confirme a éstos u otros personajes para el más reciente título de peleas de Smash Bros., que aparecería para Wii U y una versión portátil para el Nintendo 3D. Parece un rumor…. chisme y nada más, toda vez que ni siquiera el nombre de Super Smash Bros. Universe está confirmado… el tiempo dirá.
Videojuego del año en 2009 y el tope de gráficos en consolas de actual generación ubicaban a Uncharted 3: Drake’s Deception como uno de los títulos más esperados de 2011, el juego insignia de la temporada para PlayStation 3 y el reto más importante de Naughty Dog al tener la obligación de superar todos los estándares de calidad establecidos por la franquicia. ¿Sería posible que Nathan Drake tuviera una aventura más épica que en el Himalaya?
Uncharted 3: Drake’s Deception
Si no viviste debajo de una piedra durante el último año, seguramente viste alguno de los tráileres promocionales de Uncharted 3; se veía chingón, ¿no? Naughty Dog no dejó nada a la suposición e inmediatamente bombardeó con imágenes y videos que mostraba el altísimo nivel de detalles visuales que estaban logrando con el juego, y con ellos como estudio programador sabes que lo que prometen, lo entregan. Pero las aventuras de nuestro caza tesoros en ambientes tan increíblemente detallados no tienen sentido sin una buena historia de soporte.
Nathan Drake y Víctor Sullivan regresan. Ambos acuerdan vender el anillo de Sir Francis Drake (famosísimo por la leyenda “sic parvis magna”) a una misteriosa compradora llamada Katherine Marlow, quien resulta ser una antigua compañera de travesuras del viejo Sullivan. Inmediatamente la escena te lleva de un negocio mal realizado a una típica pelea de cantina con gente volando por las ventanas y resbalando por la barra del bar tender. Todo coreografiado a la perfección y en el momento que menos lo esperas te das cuenta que no es un cinema y te están rompiendo la cara, así que es hora de tomar el control.
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Katherine y su achichincle Talbot (a quien conociste rompiéndole la cara en el bar) buscan el anillo porque es la llave para un tesoro increíble, un tesoro que en su momento Sir Francis Drake y hasta Lawrence de Arabia, buscaron por órdenes de la corona inglesa, pero ocultaron toda evidencia de sus travesías. Adelantar más sería arruinar demasiadas sorpresas.
Parecerá simple la trama, pero los escritores de Uncharted siempre se las arreglan para que un pequeño enredo lleve a otro más grande y si viste los tráileres sabrás que Uncharted 3: Drake’s Deception aprovecha esta trama para llevarte a través de un enorme desierto, un trasatlántico que se hunde, castillos, cuevas y toda clase de lugares estrafalarios mientras Drake intenta encontrar la llamada Atlántida de las Arenas, la ciudad perdida de Iram de los Pilares en la inmensidad del desierto de Rub’ al Khali.
El ritmo de la historia va subiendo en intensidad y una vez que adelantas un par de misiones es difícil soltar el videojuego pues te picas por saber en qué termina la aventura. Para algunos la trama no está a la altura de lo logrado en Uncharted 2, pero en lo personal la narrativa me atrapó y lo último que pasaba por mi cabeza era si la historia de hace dos años estaba más interesante: lo que tenía enfrente era de la calidad suficiente para mantenerme pegado al joystick.
Elena, Nathan Drake y Sullivan regresan para Uncharted 3
Nuevos movimientos de Nathan Drake
Para esta aventura Drake regresa con nuevos movimientos. Los programadores pusieron especial énfasis en el modo de combate sin armas y agregaron más mecánicas. Ahora tienes un botón de agarre y otro de counter, así que hay que estar atento a cuando van a lanzar los golpes tus enemigos para contra atacar.
De la misma forma, los malos pueden agarrarte y contra atacar tus golpes. También es normal que de repente Drake use algo que esté en el escenario para atacar a sus enemigos, como estrellarlos contra la barra del bar, agarrar una cacerola para dar el golpe final o usar un pescado enorme en un mercado. Todo de manera natural sin que tengas que usar un botón extra, simplemente fluye como parte de la espectacular coregrafía visual de Uncharted 3.
Aparte de los enemigos “normales”, en Uncharted 3 hay un nuevo tipo de enemigo “gigante” que así como dice el nombre es básicamente un grandulón. Estos enemigos son más fuertes, más mañosos para el combate sin armas, aguantan varios balazos y la mayoría de las veces te ves obligado a pelear a golpes contra ellos.
El combate cuerpo a cuerpo es más importante en Uncharted 3
Mucho de la mecánica de juego aquí es balancear precisamente lo mejor posible estas nuevas opciones en combate con los tradicionales balazos y el sistema de cobertura; generalmente funciona a la perfección y cada enfrentamiento con grupos grandes de enemigos es de lo más entretenido, aunque tuve un problema con el control en algunas partes, ya que el botón de círculo es usado para un par de acciones muy distintas: pegarte a la cobertura y agarrar a tu enemigo, así que el videojuego no siempre discierne bien lo qué quieres hacer y por ejemplo, intentas pegarte a un bloque para evitar las balas, pero un enemigo pasa cerca y justo en lugar de agacharte y cubrirte, agarras al enemigo mientras te rafaguean por no haberte escondido; o por el contrario, quieres agarrar a un enemigo para empujarlo hacia un costado y tu personaje termina cubriéndose en la esquina más cercana.
Afortunadamente Uncharted 3 no es tan difícil ni siquiera en la máxima dificultad, así que no se siente como un problema tan serio porque el juego no te castiga tanto cuando pasa dicha situación y generalmente sobrevives a tu error o comienzas muy cerca de donde perdiste.
Otra de las mecánicas sobre la que se hizo mucho hincapié fue en el sigilo. Uncharted 3 no es un videojuego de espionaje táctico como Splinter Cell o Metal Gear Solid, y nunca intenta serlo, pero los programadores recurrieron mucho al pasar desapercibido en esta ocasión. Hay varias partes en tu aventura donde si haces correctamente los asesinatos silenciosos podrás ahorrarte mil o dos mil kilos de enemigos que te saldrían si te detectan, así que en muchos escenarios puedes decidir cómo superarlos.
Regresan Nathan y sus escenarios imposibles
A pesar de las novedades, Uncharted 3: Drake’s Deception mantiene exactamente la misma tónica de juego: La clásica mezcla de disparos, exploración y acertijos se mantiene prácticamente intacta, aunque notarás que Naughty Dog puso menos acertijos en este título, como para no quebrar tanto el ritmo de juego, aunque a cambio les incrementó la dificultad y sí hay un par de rompecabezas que te harán pensar varios minutos en lo que descifras la respuesta… eso o sacas tu libretita y pides que te den la solución al puzle… una opción que no incomoda y habrá quien la vea como algo bueno, aunque el juego no te penaliza por “hacer trampa”.
Algo que también cambió fueron las recompensas al terminarlo o lograr ciertos objetivos. Quitaron todas esas opciones de jugar la campaña con Drake gordo, con el skin de Victor Sullivan, con la ropa de cierta misión, poner los escenarios en modo espejo, balas infinitas, equiparte el arma que quieras cuando quieras… en fin, toda esa parte divertida para la segunda o tercera vuelta ya no está aquí. A cambio, pusieron la mayoría de recompensas desbloqueables en el modo multijugador.
Uncharted nunca se vio mejor
¿Y cómo luce el desierto de Rub’ al Khali y toda la gama de escenarios que visitaremos junto a Nathan Drake? Impresionantes. En el aspecto gráfico Uncharted 3 mejoró notablemente. El brinco visual no es el mismo del primer al segundo videojuego, pero incluye una serie de detalles en ropa, cabello, construcciones, efectos con arena, agua, sudor que simplemente no se pueden ver en ningún otro título. Cada ladrillo tiene su propia textura, cada prenda representa muy bien la tela de la que está hecha, cada gesto de los personajes está increíblemente detallado, cada escenario tiene su propia vida con los elementos que te ponen en pantalla.
Los gráficos lucen increíbles y casi insuperables en esta generación
Naughty Dog no escatimó esfuerzos en sacarle todo el poder a tu PlayStation 3. Con los resultados obtenidos en los anteriores títulos, los desarrolladores se dieron a la tarea de nuevamente sorprender a los gamers con los gráficos de Uncharted 3. Para hacerlo pusieron especial empeño en lo que podemos llamar “escenarios dinámicos” o “escenarios en movimiento”.
¿Recuerdan esa secuencia tan fregona de Nathan Drake brincando de vagón en vagón en un tren movimiento mientras enemigos te disparan y un helicóptero sobrevuela intentando matarte en Uncharted 2? Pues es la base en toda la tercera parte de la saga: escenarios donde no sólo tú y tus enemigos se mueven, sino que el escenario mismo cambia, interactúa y se convierte en un enemigo más para tu personaje. Escenas dignas de la mejor película de acción y aventura y que aquí se suceden una tras otra… no acabas de sorprenderte con una impresionante secuencia de acción cuando en la siguiente misión ya estás participando en otra. Uncharted 3 es el videojuego que mejor luce en consolas y punto.
Pese a ello, el juego tiene algunos errores en el apartado gráfico Me pasó que un par de veces mi personaje se “salió del mapa” y andaba navegando en la nada sin poder regresar por donde “me salí”. Otros problemas son algunas animaciones toscas en los enemigos, que de repente bajaban las escaleras muy apurados y prácticamente “flotaban” sobre ellas. Igual con algunos cuerpos abatidos que quedan en posiciones raras y “flotan” automáticamente como para acomodarse bien.
Hay menos puzzles en Uncharted 3, pero son más difíciles
La música sigue siendo prácticamente perfecta. Desde que ves la pantalla de título y escuchas la clásica melodía de Uncharted se te pone la carne de gallina deseoso de empezar la campaña. Cada pieza musical está en el mismo tenor, la música no sólo acompaña sino que encaja a la perfección y le da aún más vida a tu aventura.
El doblaje, como era de esperarse, está de “nopinchesmames”. Es algo en lo que sabíamos que Uncharted 3 no iba a fallar, pero nunca deja de ser impresionante el trabajo que realizan los actores que le dan vida a Drake, Sullivan, Chloe, Cutter, Katherine, Talbot y el resto de la pandilla. Es increíble el efecto que tiene un excelente doblaje en un videojuego de este tipo, al grado de familiarizarte con cada voz, entender sus tics, sus muletillas, sus expresiones y sus bromas. A esto le agregas la excelente captura de movimiento y una sincronización perfecta con el movimiento de los labios para tener un trabajo de diez en este departamento. Al igual que los gráficos, podemos decir que el trabajo de voces de Uncharted 3 es el mejor realizado de la industria.
Como los anteriores títulos de la saga, Uncharted 3 cuenta con opción de voces y subtítulos en varios idiomas, entre ellos el español, que en esta ocasión es español latino. El trabajo de voces en nuestro idioma es bueno, aunque algunos papeles se sienten sobreactuados (como el de Cutter) y les falta pasión y garra en muchos diálogos. Algunos preferirán el antiguo doblaje español castellano pero ya no está incluido. De cualquier forma, la mayoría se inclinará por jugarlo con las voces originales en inglés.
Cutter es una excelente adición al roster de personajes
El apartado online era otro de los puntos en los que Naughty Dog prometió trabajar y hay que reconocer que quedó muy bien. Puedes jugar ya sea cooperativo o competitivo, cada uno con diferentes modos de juego. En cooperativo está el ya obligatorio modo de sobrevivir oleadas de enemigos, uno más de héroes y villanos donde cada equipo toma una fracción y el de Aventura, donde junto a dos compañeros deberás cumplir diferentes objetivos en un mismo mapa.
El competitivo incluye los clásicos modos de Deathmatch, captura el tesoro (captura la bandera en cualquier otro lado), un modo deatmatch para tres equipos y el todos contra todos. La mayoría de modos son viejos conocidos de los títulos de disparos aunque adaptados a la temática de Uncharted 3. Algunos de los mapas y modos incluyen pequeñas secuencias cinemáticas que le suben varias rayitas a la acción y, tal como en la campaña, chocarás contra grupos rivales en aviones, trenes en movimiento y distintos escenarios dinámicos.
Así que una vez terminada la historia tienes muchas horas qué perder (o invertir) en el componente online. Algo que me gustó es que así juegues muy mal, el videojuego te recompensa con medallas por pequeños objetivos logrado. Al subir de nivel también podrás mejorar tu armamento y equiparte un par de perks como obtener más dinero, cargar más granadas, aparecer en la escena más rápido tras morir, etc. A su vez, si logras algunos objetivos dentro de la partida, como matar a cinco rivales en fila o a tres con una misma granada, te darán kickbacks, que son como mejoras temporales como balas infinitas o equiparte cierto tipo de arma.
El componente online tiene muchísimas novedades
En fin, para cerrar la reseña de Uncharted 3 sólo queda recalcar que este es un título que raya en la perfección. Cuando los videojuegos se popularizaron a mediados de los 80, la línea que muchas compañías usaban era intentar hacer juegos que parecieran películas, era el sueño de todo desarrollador. Ahora, varios años después, la saga Unchartedy específicamente Uncharted 3 lo han logrado: un videojuego que captura todo el sentimiento de una película, poniendo al jugador en el rol del protagonista del filme y viviendo una aventura como no se puede en ningún otro medio de entretenimiento.
Al espectador siempre le han maravillado las historias fantásticas con batallas antagónicas entre el bien y el mal. Algunas veces en tierras medievales con dragones de por medio, bestias futuristas en planetas distantes, con anillos que controlan reinos enteros y, últimamente, usando a la mitología griega para alimentar sus historias. Inmortales es otra de esas cintas que recurren a los dioses del Olimpo para contar una historia, esta vez con el mito de Teseo y el Minotauro. ¿Una aventura en cine que vale la pena seguir o es sólo otra tonta película de Esparta?
Inmortales
Los primeros promocionales de Inmortales nos hacían imaginar que la película dirigida por Tarsem Singh sería una especie de secuela espiritual de 300, y aunque varios elementos de Inmortales nos traerán a la mente la Batalla de las Termópilas, la cinta también tiene mucho parecido a la más reciente Furia de Titanes al contar la historia de un semidiós que debe proteger a la humanidad de problemas míticos sin la intervención directa de los dioses del Olimpo.
La película comienza con un breve prólogo que nos narra la batalla entre los seres divinos de existencia eterna, por lo que eran llamados Inmortales, quienes se dieron cuenta que la única forma de morir era asesinándose unos a otros. Ésto llevó a una guerra que se decidió en gran parte por un arma de inmenso poder creada por Ares: el Arco Epiro. El grupo ganador se autonombró dioses y ascendió al Olimpo, mientras que los perdedores fueron llamados titanes y encerrados en el Monte Tártaro.
Hiperión, interpretado por el actorazo Mickey Rourke, declara la guerra a los dioses del Olimpo cuando éstos no atienden la súplica del rey de Creta de salvar a su familia, así que planea a capturar a la pitonisa Faedra para que lo guíe a donde se encuentra el Arco Epiro y usarlo para liberar a los titanes… por obviedad, los titanes le darían en la madre a toda la fauna mitológica de los griegos y colaborarían en el nuevo reinado de terror de Hiperión. Ir contra los dioses por ende es ir contra la humanidad.
Teseo (Henry Cavill) es el protagonista de Inmortales, un joven guerrero que vive junto a su madre y ha sido entrenado para proteger su aldea. Teseo pronto conocerá a las huestes invasoras de Hiperión cuando ataquen su pueblo y sea apresado y mandado a las minas de sal por los soldados deformes del villano.
Teseo y su escuadrón
En las minas, Teseo conocerá a Faedra (Freida Pinto) y al resto de aliados que lo seguirán durante buena parte de la película, en una misión donde explícitamente Zeus le prohíbe a cualquier dios intervenir en el destino de la batalla ayudando a un bando u otro. Inmortales de aquí en adelante quizá se vuelva sencilla de predecir, con la aparición del famoso Minotauro de la mitología griega, varios dioses rompemadres del Olimpo y batallas que uno ve venir a kilómetros de distancia pero no por eso dejan de ser disfrutables.
Las actuaciones cumplen pero, como en casi cualquier película de este tipo, pasan entre desapercibidas y con poco interés. Uno espera más bien la siguiente secuencia de acción y no el próximo diálogo inspirador. De cualquier modo, Mickey Rourke logra representar a un excelente antagonista: despiadado, gacho, cabrón y que realmente impone. El resto de actores están ahí para qué él se luzca.
Mickey Rourke se roba Inmortales en su papel como Hiperión
Olimpo cinematográfico
El apartado visual de Inmortales es ciertamente destacado. Desde la impresionante filmación para quienes la vean en 3D, hasta los efectos especiales de las peleas son un deleite para el espectador. La producción está sumamente cuidada y gran parte del atractivo de Inmortales está más en cómo se ve y escucha que en la historia que tiene de fondo. No se abusa de la cámara lenta, pero cuando es utilizada es porque el recurso queda perfecto; la sangre brota por borbotones pero nunca al grado de que sea más sangrienta que entretenida; y las coreografías de pelea son cortas pero brutales… como tipo God of War… aunque uno esperaría ver más de ellas cuando quedaron tan bien.
Eso sí, tenía la impresión de que la antigua Grecia era un poco más verde porque la mayoría de paisajes que se muestran son entre desiertos, acantilados y zonas devastadas por no sé qué cosa que pasó antes por ahí y acabó con cualquier rastro de vegetación. Sólo verás arena, agua con petróleo y montones de piedras.
Algunas secuencias de peleas están la verdad muy chingonas
Si quieres ir al cine a pasar un buen rato y no te molesta que mezclen el mito de Teseo y el Minotauro con el de la Titanomaquia y toda la libre adaptación que metieron en una licuadora aquí, Inmortales te parecerá una excelente opción. Una película palomera recomendable, con una producción destacada e historia fácil de seguir como para simplemente gozar de la magia del cine actual. Si quieres poner a trabajar las neuronas, busca en otra sala… y si eres fanático de God of War, apaga la computadora y corre a verla al cine: no es ni la mitad de épica que el videojuego, pero un fan siempre encuentra guiños entretenidos en este tipo de películas.
Es cada vez más común ver películas basadas en videojuegos famosos en la pantalla grande, pero ¿una película basada en Dance Dance Revolution? ¿Una cinta española cuya trama gira en torno a la maquinita de baile de Konami? Sí, éso es La Máquina de Bailar. Agárrense del barandal de protección porque esta es una película como ninguna otra.
La Máquina de Bailar | Reseña
Una película barata. “Sí, es filosofía barata de película barata. Pero las películas baratas ayudan a la gente, porque la gente como nosotros vive vidas baratas”. La Máquina de Bailar, como primer adjetivo, es una película simple, pero atrevida, tal vez demasiado atrevida por varias razones: está basada en un videojuego, un videojuego de baile para ser exactos y es una producción española… sí, tiene, todos los ingredientes perfectos para ser un churro… y no nos queda mal.
Antes de continuar tengo que mencionar que el cine español no me gusta del todo: el acento por momentos me parece insoportable, no por el acento en sí, sino porque se me hace difícil encajar las voces en sus personajes, y a su vez encajar a los personajes en el contexto que nos quieren presentar… yo en el cine español escucho que todos tienen exactamente el mismo tono de voz. Por si fuera poco, pareciera que hay dos cosas que no pueden faltar: afeminados y chistes malos, y no sólo no faltan, sino que abusan de ambos a tal grado que vemos chistes malos con gays… así que no es raro que las películas españolas de miedo me den risa y las de risa me den miedo.
¿Y La Máquina de Bailar encaja en ese esquema del cine español? De sobra, repleta de bromas malas y con demasiados afeminados en la pantalla: uno de cada tres personajes importantes es gay y los otros dos lo parecen. Sin embargo, una película española con chistes malos y montones de gays es normal, ¿pero basada en un videojuego? ¿En Dance Dance Revolution? Vaya apuesta más atrevida, y la verdad es que el resultado no es malo: es pésimo… pero muy entretenido.
Dance Dance Revolution: la película
Dani (Jordi Vilches) es un joven que trabaja en un supermercado y aficionado a los videojuegos, especialmente a la vieja conocida de todos: la Dance Dance Revolution. Junto a sus amigos Josemi (Óskar Salcedo) y Óscar (Eduardo García) suelen reunirse en el New Park, un gran local de maquinitas de arcade, donde gastan cada centavo ganado para farolear en la popular máquina de baile.
Presentando a los Tigres del New Park
Un día, el gerente del supermercado donde trabaja Dani decide irse de vacaciones y deja encargada su mascota al joven empleado: una rarísima boa albina domesticada a la cual tiene que alimentar diariamente con un hámster y leerle algunas páginas de la filosofía de Nietzche para desestresarla. Si la situación ya de por sí es absurda, toma un giro más extraño cuando por hacer una fiestecita en la casa de su jefe, la boa literalmente explota en pedazos. Ahora tendrán que conseguir el dinero necesario para comprar una mascota que supla a la anterior sin que su dueño note el cambio.
De aquí en adelante la trama es un cheque al portador. Todos sabemos qué sigue, todos intuimos los giros que dará la historia y anticipamos el final con precisión matemática. ¿Cómo conseguirán el dinero nuestros intrépidos héroes? ¡Claro! ¡Jugando a que bailan! Un concurso nacional de Dance Dance Revolution se llevará a cabo en el famoso Salón del Manga (advertencia, la película está atascada de referencias frikis) y repartirá diez mil euros al equipo ganador, extrañamente la cantidad justa y necesaria para recuperar al reptil inmolado.
Tendrán que bailar para comprar una nueva boa
Entran en escena el resto de personajes que le darán vida a esta especie de comedia y sátira: Johnny (Santiago Segura), quien atiende el New Park y era un gran bailarín; Salva (Chema Rodríguez), un afeminado nerd; y Lara (¿Croft?), interpretada por Bárbara Muñoz, que se volverá en algo así como la niña deseada y la manzana de la discordia. Con la guía y supervisión de Johnny, los cinco tendrán que aprender a bailar y coordinar sus movimientos para el gran concurso organizado por Konami.
Obviamente tenemos que tener un antagonista que en el caso de La Máquina de Bailar recae en Fernando, quien odia a Johnny por alguna extraña razón y desea frustrar todos sus sueños, ganar el concurso de DDR incluido. Hay que reconocer que después de un rato los personajes al menos terminan cayendo bien y uno siente cierta empatía con cada uno de ellos.
Johnny los llevará a que aprendan a bailar de verdad
Referencias frikis a la vista
Afortunadamente tanto absurdo y ridículo llega a ser muy entretenido. La Máquina de Bailar tiene todos los elementos para ser catalogada como una película mala, incluyendo unas actuaciones irregulares (salvo la de Santiago Segura que hace un personaje increíble), pero a su favor tiene una dirección atinada que en varios momentos logra rescatar risas e insertar magistralmente elementos y parodias de películas ochenteras como Karate Kid, Rambo y Rocky, así como referencias a varios videojuegos más.
Por si fuera poco, retrata de maravilla el submundo friki que rodea a eventos como las convenciones de anime: es realmente de risa ver a los gorditos con sus bandas de Naruto apoyando con lujuria a Lara durante su rutina, o la bola de disfrazados nerdos aplaudiendo -como nerdos que son- cada pasito de la coreografía… es verídico, existe, y esta película lo retrata cual si fuera documental de la vida real. Imposible no sonreir.
Una película española basada en Dance Dance Revolution… increíble
La banda sonora de La Máquina de Bailar obviamente incluye canciones y música de Benimani, clásicos como “What a Feeling”, “Dam Dariram”, “Buttefly” y “Breakdown” le dan algunos puntos extras. El resto de apartados técnicos son apenas regulares, no despunta en ningún rubro, y en cambio es una cinta con demasiados, exageradamente demasiados, errores de coherencia. No es raro ver que los concursantes bailan en el tapete derecho mientras que los pasos realmente están en el tapete izquierdo, igualmente, parece que las flechas se pisan solas pues los bailarines están incluso a veces fuera del mueble cuando las pisadas se están marcando adecuadamente en la pantalla. Monjes shaolin japoneses, fulanos que se saben de memoria las canciones sin haber pasado nunca antes ni la mitad y concursos realizados en modos de dificultad baja le restan algunos puntos freaks al valor de producción.
Personajes seleccionables de La Máquina de Bailar
DANI: uno de los personajes más aburridos de La Máquina de Bailar, y desgraciadamente el protagonista. Un poco miedoso, un poco tarado, pero amante de la Dance Dance Revolution, tiene todos los récords del juego… en algo así como la dificultad súper facilísima. Su pinta de friki se complementa con un lindo aretito de flor en la oreja que lo hace ver como el líder que es de Los Tigres del New Park. Como era de esperarse, tiene sentimientos nobles y tiernos por Lara.
Dani es el mero perrón para jugar Dance Dance Revolution
JOSEMI: el más aburrido del roster, poco menos maleta que Dani para jugar DDR (me refiero a lo que aparenta en la vida real) y el clásico personaje que se siente galán de telenovela. Juega un papel importante entre protagonista/antagonista y como también era de esperarse, tiene sentimientos sucios y cochinotes para con Lara.
ÓSCAR: el clásico chavo gordito, bonachón y mal hablado que nunca pueda faltar en un local de maquinitas. Lo usan de chiste y compra perfumes de feromonas para ligar a alguna despistada en el arcade. Tiene un problema de lateralidad por lo que el pobre mocoso no distingue izquierda de derecha ni arriba de abajo. De esperarse, también como que se quiere tirar a Lara.
SALVA: reclutado de rebote para completar el equipo, este afeminado con lentes y cabellera ñoña se convierte en un personaje más divertido que los mismos protagonistas. Le encanta la ropa ajustada y aunque dice que hace como 40 mil puntos la verdad es que juega terrible. Parece tener sentimientos nobles por Dani. =)
LARA: una niña popis quien entra de último momento para completar el equipo. Se puede abrir de piernas, tiene la “Play” en casa con tapete metálico y antes era una gorda traga Sabritas que bajó de peso gracias al modo fitness de la Dance Dance Revolution. Ahora todo mundo quiere con ella… menos el maricón de Salva, claro. Colecciona tarjetas tiernecitas y las entrega en toda ocasión para expresar sus ridículos sentimientos.
Lara es la manzana de la discordia
JOHNNY: atiende el New Park y es una especie de ídolo local. Gran bailarín de los años 70, llegó a la final juvenil. Practicó kung fu con el maestro de Bruce Lee, trabajó para la NASA, realizó misiones de infiltración en Cuba y Vietnam, trabajó con el Servicio Secreto entre muchas otras cosas. Todos lo admiran por sus historias y es el alma del equipo, un accidente lo dejó medio cojo pero no le impide enseñarles a bailar. Tiene la afición de sacar el anillo de Fernando del inodoro cada que se le cae. La verdad que este personaje se roba la película: excelentemente interpretado.
FERNANDO: el villanazo de la historia, odia a Johnny pese a que son aparentemente amigos desde muy jóvenes, acostumbra tirar su anillo al retrete y tomar notas mentales con una grabadora. Es inmensamente rico, socio de una secta de encapuchados, dueño del New Park y quien le da trabajo al mismo Johnny, pero hará hasta lo imposible por hacer que pierdan.
Moogle, el buscador de La Máquina de Bailar
Con todo, ¿vale la pena verla? Definitivamente sí.. bueno sí eres fanático de los videojuegos. La Máquina de Bailar es una propuesta interesante, aunque tiene incontables fallas nunca deja de ser entretenida y las referencias al cine ochentero, el anime, convenciones, los gordos disfrazados de Naruto, el buscador Moogle y referencias a otros videojuegos son un plus que aunque pudieron quedar mucho mejor logradas, se agradece el intento de ponerlas todas juntas. Junto a los amigos y una bolsota de chicharrones, La Máquina de Bailar puede arrancarnos algunas carcajadas y pasar volando 109 minutos. Muy recomendable, es una especie de placer culposo. Si este no es tu mundo… aléjate, te parecerá la peor cochinada del cine.
